La nueva película de Julio Medem “HABITACIÓN EN ROMA” de Julio Medem se estrenará en EEUU en 2010, ya que ha sido adquirida durante el American Film Market por la distribuidora IFC, pero lo mejor es que también ha sido adquirida para su distribución internacional hasta el momento por 18 países entre los que cabe destacar: Inglaterra, Japón, Israel, Latinoamérica, Rusia y Australia. Eso significa que ya es un éxito antes de estrenarla, porque hay largometrajes que no se llegan a estrenar en todo el mundo.
“Room in Rome”, como también se conoce al film, es su octava película y se rodó en inglés este año entre Madrid y Roma. Como ya os contamos, Elena Anaya y Natasha Yarovenko dan vida a dos mujeres que se acaban de conocer, una española y otra rusa. Están en una habitación de hotel en el centro de Roma. Este escenario interior les servirá para adentrarse en una aventura física que les tocará el alma.
Os dejo con la rueda de presa concedida a los medios el pasado 21 de enero con motivo del inicio del rodaje justo unos días antes de salir para Roma. Pero además a la salida tuve la ocasión de poder entrevistar al director del film.
“Cualquier tecnología suficientemente avanzada es indistinguible de la magia”
Arthur C. Clarke.
Estamos de enhorabuena porque por fin se ha estrenado el nuevo trabajo del siempre inquietante realizador norteamericano Richard Kelly, conocido en nuestro país sobre todo por habar realizado “Donnie Darko”, considerada a estas alturas una obra de culto. En Estados Unidos también es famoso por haber realizado “Southland tales”, a la que en Videodromo ya le dedicamos un extenso monográfico. Para este fenomenal retorno ha optado por adaptar un curioso relato llamado “Botón, botón” escrito por ese genio de la ciencia ficción que es Richard Matheson, y del que creo que no precisa presentaciones, pero para los más despistados os diré que es el autor de “Soy leyenda”.
Este pequeña historia fue llevada en 1986 por Peter Medak a la pequeña pantalla en uno de los capítulos de la revisión de Spielberg de la mítica serie “Twillight zone”, traducida al castellano como “En los límites de la realidad”. El guión de Kelly nos traslada al año 1976. Norma Lewis es profesora en un instituto privado y su marido, Arthur es ingeniero de la NASA. Son la típica pareja norteamericana con éxito. Tienen un buen coche, una gran casa, y llevan una vida acomodada y normal en las afueras de la ciudad con su hijo joven.
Esto será así hasta que reciban la visita de Arlington Steward. Este les ofrece un trato muy especial y sólo tienen 24 horas para decidirse. Les entrega una caja, que en su interior hay un dispositivo. Si aprietan el botón recibirán un millón de dólares a cambio, pero la consecuencia es inmediata, una persona a la que no conocen morirá. Norma y Arthur son despedidos de sus respectivos trabajos y así llegarán a la tesitura de cuestionarse si lo hacen o no.
Estamos ante un nuevo thriller de misterio y ciencia ficción creado por uno de los directores malditos de la industria de Hollywood. El largometraje posee todas las constantes de su particular universo. En primer lugar, hace una vez más una dura crítica a la sociedad norteamericana. Para ello se sirve esta vez de esta pereja a la que les pone ante un juego, un dilema moral, que realmente esconde el dilema del prisionero, no hay escapatoria. La razón destapar esas ansias de buscar el éxito de forma rápida y sencilla, porque lo único que desean es tener una posición cómoda en la sociedad. Así Kelly emparenta esta historia con la primera referencia literaria, el relato existencialista de Jean Paul Sartre, “No exit”.
Publicado con el nombre de “Huis Clos”, que se podría traducir como “en la cámara” o “a puerta cerrada”, fue estrenado en el Vieux-Colombier mayo 1944, justo antes de la liberación de París durante la Segunda Guerra Mundial. Además, es la fuente de la cita más famosa del autor francés “El infierno son los otros”. Así esta pareja pasa de vivir en un mundo sin complicaciones a estar en el verdadero infierno, al que entran por culpa de la tentación de Norma, así este personaje no deja de ser una suerte de la bíblica Eva, segunda referencia implícita del relato. Entrando en un juego sin fin y que posee una caducidad, veinticuatro horas. Y que por supuesto, salir de él es una tarea ardua.
Así liga la trama con la tercera referencia “la divina comedia” o el infierno visto por Dante. Hace que uno analice por qué cada personaje ha llegado hasta allí. Otra característica es que si hurgas un poco en esa típica familia norteamericana te encuentras unas relaciones ciertamente malsanas y patológicas. Unos padres que ignoran por completo al hijo, que además es el único que posee en cierta manera parte de la clave. Así la cita de Sartre puede modificarse a “el infierno no son los demás, es la familia”. Además, rodeando al matrimonio tenemos toda una galería de frikis, tan característicos de las películas de David Lynch, y que además poseen todos un físico un tanto atípico, como por ejemplo la bibliotecaria, el vecino, etc.
Eso por no hablar de la verdadera marca de la casa: la tecnología, el agua y las puertas dimensionales. A todo ello hay que sumar que el director consigue crear unas atmósferas malsanas con colores cálidos y una estética de los años setenta, y por supuesto muy inquietantes como la increíble escena de la biblioteca o la de la piscina del motel, que me recordó mucho a “Vinieron de dentro de…” del realizador canadiense David Cronenberg o a “la invasión de los ultracuerpos” de Philip Kauffman.
A pesar de todo creo que estamos ante la película más digestiva y digerida de Kelly, más cercana en forma y espíritu a “Terciopelo azul” de Lynch. Por primera vez me siento identificado con Enrique Dueñas cuando decía aquello de me siento tan sólo, en este caso un servidor apoyando a este formidable director. Como se ha estrenado a la vez a ambos lados del Atlántico, me ha dado tiempo a leer algunas críticas y disiento totalmente. Los motivos son principalmente porque la labor desempeñada por el montador habitual de Kelly, Sam Bauer en este caso es muy lineal, no presenta ninguna innovación, ni provoca ninguna confusión en el relato que avanza con suavidad.
Lo que es realmente “The Box” queda claramente explicado, es un experimento llevado a cabo por terceros, que no quiero desvelar quienes son. El señor Arlintong trabaja para ellos desde su infortunado accidente y es su representante. Cada vez tengo más claro que para entender a este realizador hay que haber vivido en su tierra, y conocer verdaderamente su sociedad y sus costumbres, así como su dinámica. Así la feroz crítica surge como un estilete y es en ese preciso instante cuando uno lo degusta por completo, y comprende a dónde quiere ir a parar. Porque fui a la sesión de madrugada, que si no me hubiera metido de nuevo a verla.
Para concluir, quiero destacar la gran labor de todo el reparto, y aquí especial mención a una maravillosa Cameron Diaz, que da vida a Norma, sobre todo porque consigue crear química con James Marsden, que interpreta a su marido Arthur. Crea momentos muy conmovedores y auténticos. Evidentemente no podemos finalizar sin hacer mención de uno de los mejores personajes, el inquietante señor Steward, magníficamente interpretado por Frank Langella, que dirige este relato de suspense muy clásico, de aromas hitchcocknianos, en fondo y forma, de estructura circular, y cuya grandeza reside una vez más en las múltiples capas y lecturas que esconde.
En el estado de Illinois está la ciudad de Chicago. Famosa en el mundo entero por tener los primeros rascacielos, la ventana de guillotina y sus gángsters. Es muy agradable montarse en su metro elevado y dar vueltas en el loop, o simplemente ir paseando por sus calles admirando el estilo arquitectónico de la escuela de Chicago. Cuando estéis a la altura de la torre Sears, una de las más altas del mundo con la venia de las Petronas, justo detrás está la estación central de tren. Al entrar a la hermosa Union Station te lleva a la década de los años veinte, a la era de la prohibición, Al Capone, la el Jazz, las flippers y los bares prohibidos.
Fue diseñada por el famoso arquitecto y urbanista Daniel Burnham, quien falleció antes de que comenzara la construcción y fue completada por la empresa Graham, Anderson, Probst and White. Abrió sus puertas en 1925 después de 10 años de construcción. El coste de la obra fue de75 millones de dólares. El Gran Hall se considera uno de los mayores los espacios interiores en los Estados Unidos.
Los transeúntes se sobrecogen al entrar y ver este inmenso espacio de 6.000 metros, que cuenta con paredes de más de 33 metros de altura. Un espacio que rebosa clasicismo, ya que es de estilo Beaux Arts. Cuenta con 18 columnas corintias, paredes de terracota, suelo de mármol rosado de Tennessee, y está coronado por un tragaluz con forma de bóveda de cañón. Son impresionantes las enormes estatuas, las grandes bancadas de madera, los enormes pasillos, escaleras y balcones.
La gran belleza del Gran hall ha sido decisiva para que se rodaran aquí diversas películas como “La boda de mi mejor amigo” donde Dermot Mulroney le confiesa a Julia Roberts que ha sido muy halagador el sabotaje de su boda o “Banderas de nuestros padres” “Reacción en cadena” o las series “Urgencias” o “Edición anterior”. Pero la escena que sin duda os traerá a la mente este espacio es la rodada en 1987 por Brian de Palma. El director norteamericano se planteó realizar un homenaje a todo un clásico del cine ruso, hablo de la escena de la escalera de Odessa de “El acorazado Potemkin” de Sergei Einsentein.
EL ACORAZADO POTEMKIN-LA ESCALERA DE ODESSA
En el largometraje “Los intocables de Elliot Ness” la escena comenzaba cuando Ness y sus chicos llegan a la estación de tren para detener al contable de Al Capone, y justo cuando llega escoltado por los matones del famoso gangster, una señora que trata de bajar el carrito con su hijo dentro acaba cayendo sin rumbo.
Y por supuesto la posibilidad de emular por un instante a Andy Garcia
Esta semana se estrena uno de los largometrajes más esperados por todos los amantes del cine de animación. Se trata del nuevo trabajo del realizador norteamericano Robert Zemeckis, que en su primer fin de semana ha alcanzado sin problemas el primer puesto del ranking del box office norteamericano. Si con “Beowulf“ adaptaba una leyenda nórdica que no fue bien acogida ni por la crítica ni por el público. En este caso se atreve con todo un clásico de la literatura británica. Ha elegido una novela de Charles Dickens, y de la que hemos visto más de una adapatación, una de las más famosas la intepretada por Bill Murray en 1988 titulada “Los fantasmas atacan al jefe” dirigida por Richard Donner. Jim Carrey toma el relevo al mítico personaje ya que ha sido el elegido para interpretar el papel múltiple de Scrooge. Debido a la importancia de la película esta semana en la sección “la firma invitada” tenemos a toda una gran conocida de todos vosotros, se trata de mi estimada Cantal Ceña que ha ido a ver…
Y están aquí los primeros días de frío, se empiezan a ver las primeras calles adornadas con luces y en las tiendas ya se venden los primeros adornos de Navidad. Pero ¿qué falta? La película de Disney de todas las Navidades. Esta vez más acorde con las fechas que nunca. CUENTO DE NAVIDAD, adaptada y dirigida por Robert Zemeckis va más allá y pone al servicio del espectador un clásico mezclado con las nuevas tecnologías, porque se trata de un film en 3D. Una vez más, la modernidad se rinde ante lo tradicional.
El argumento es de sobra conocido, pero ahí va, por si aún queda algún despistado al que no le guste mucho la lectura… Comienzan las Navidades en Londres, en pleno siglo XIX. Ebenezer Scrooge es un viejo avaro que no se relaciona con nadie y desprecia a todas las personas que tiene a su alrededor, que se limitan a su fiel secretario y a su sobrino. Ebenezer odia estas fiestas tan señaladas, cree que celebrar la Nochebuena o el día de Navidad son paparruchas y un gasto innecesario de dinero. Pero el fantasma de su socio, ya fallecido, se le aparece para anunciarle la visita de tres espíritus, el de las Navidades pasadas, el de las Navidades presentes y el de las Navidades futuras. Con ellos emprenderá un viaje en el que abrirá los ojos y verá más allá de su habitual mezquindad, tacañería y soledad e intentará cambiar antes de que sea demasiado tarde. Si es que no lo es ya…
Como el buen argumento estaba cantado, destacaré que la primera buena señal de esta película, además de estar basada en una extraordinaria novela, es el nombre de su director. Robert Zemeckis ya nos había regalado joyas como Regreso al futuro (tengo debilidad por esta saga), Forest Gump o más en el mundo de la animación, ¿Quién engañó a Roger Rabbit? o Polar Express. Con este currículo no nos podía decepcionar y aunque no lo ha hecho del todo, sí que diré que según avanza el film, va perdiendo el interés. Lo cortés no quita lo valiente y la primera media hora de película enamora. El espectador, con sus gafas 3D puestas, se mete de lleno en las calles del Londres del siglo XIX, con los copos de nieve cayendo entre los transeúntes, gente cantando villancicos y niños jugando y riendo. Pero según va avanzando, empieza a flojear. Os diré que tiene mi aprobado hasta que llega el espíritu de las Navidades futuras. En ese momento se vuelve oscura, violenta y pierde el sentido romántico que tenía hasta esa parte. Lo que presagia este tercer espíritu no es que sean buenas noticias, pero no me resulta difícil de imaginar otra forma de plasmarlo en la pantalla.
Además de la calidad tecnológica, verdaderamente se disfruta viendo una película así en tres dimensiones (hasta el punto de que uno se olvida de que es animación), otro elemento que quiero destacar del film es la banda sonora. Dentro de lo agradable o más bien entrañable que resulta escuchar música que suene a Navidad (y el que no lo crea así, a ver si va a ser un poquito Scrooge…), en este caso aciertan completamente. El compositor, Alan Silvestri, que ya había trabajado con Zemeckis en numerosas ocasiones, hace un magnífico trabajo que remata con el tema final “God bless us everyone”, interpretado por Andrea Bocelli. Te vas del cine con el espíritu navideño a flor de piel…
La única recomendación que os hago, además de ir a verla con el chip navideño activado, es que si podéis, lo hagáis en versión original. Nada me pudo dar más pena que perderme las interpretaciones de Jim Carrey como Ebenezer Scrooge y también como los espíritus de las Navidades pasadas, presentes y futuras. Este actor es tan versátil que sin haberlo escuchado me atrevo a asegurar que lo ha hecho de sobresaliente. Y el resto del reparto también es digno de mención: Colin Firth, Gary Oldman o Robin Wright Penn.
En resumen, que no hay Navidad completa sin película de Disney y esta vez viene pisado muy fuerte. CUENTO DE NAVIDAD es un cóctel con ingredientes para todos los públicos: un clásico de la literatura, animación de última tecnología 3D y un director de Oscar.
Tomo el testigo que ofrecen Mister Crowley, Redrum, Homo Insanus y Mister Lombreeze ya que han abierto un meme bastante curioso, porque tras hacerlo uno se da cuenta que ha visto muchos finales de esos que te dejan el corazón en un puño, gloriosos, divertidos, apocalípticos y escalofriantes. Pero también se deprime un poco porque uno se hace consciente de que ya no se hacen películas como las de antes, que vemos una enorme cantidad de basura, y que para ver algo con dos gramos de buen hacer y de buena planificación es harto difícil. Ni que decir tiene que si no has visto alguna de estas secuencias, te abstengas de darle al play, muchas son grandes e inmensos spoilers, así que en tu mano queda darle al play, yo en tu caso me iría a la mula y me la descargaba ya para verla entera. Ha llegado el momento, allá va mi top ten…
En el puesto número diez tenemos ….el final del film de Blake Edwards ”EL GUATEQUE”, está en esta lista por una sencilla razón: es muy costumbrista. Estos norteamericanos son todos muy serios y formales, pero cuando hacen fiesta es por todo lo alto y se desmadran un montón. Tan real como la vida misma.
En elpuesto número nueve tenemos… el final de “EL PLANETA DE LOS SIMIOS”. Cómo recuerdo de pequeño ese final. Me puso los pelos de punta y creo que me hice fan del género en aquel momento. Además con esta elección quiero englobar a toda la trilogía de películas fatalistas que hizo Heston en su momento, como “Cuando el destino nos alcance” más conocida como “Soylent Green” o “El último hombre”, basada en el relato de Richard Matheson, y que la podéis encontrar como “The omega man”.
En elpuesto número ocho tenemos… el final de “PSICOSIS”. Lo escojo por un par de motivos, el primero porque me han pillado ya “Los pájaros”, y creo que en este final mi tocayo planifica muy bien el plano utilizando la subliminalidad como recurso narrativo, eso es una plusvalía siempre. En segundo lugar, la inquietante actuación de Anthony Perkins, esas miradas a veces perididas y otras mirando fijamente a la cámara, consigue traspasar la pantalla y hacerte creer que va a por ti.
En elpuesto número siete tenemos… el final de “APOCALYPSE NOW REDUX”. Esta elección es en representación del cine realizado por Francis Ford Coppola y por ser del género bélico. En este caso es magistral tanto la planificación, simbología de los elementos encuadrados, la musica escuhada me refiero al tema de The Doors “The end”, así como la soberbia actuación de Marlon Brandon y Martin Sheen. Era imprescindible que apareciera en esta lista.
En elpuesto número seistenemos… el final de “LA INVASIÓN DE LOS ULTRACUERPOS”. Mi elección es un tanto retorcida en este caso, porque trato de ilustrar que se puede hacer un remake y superar con creces al original, llegado ha realizar una obra maestra del género. Así pues no me considero un purista, y no alabo el original por el mero hecho de serlo. En este caso Kauffman le dio una vuelta de tuerca a la trama, la actualizó, le impuso una patina sociológica que carecía la versión de los 50’s y encima nos ofreció un emblemático final que uno recordará de por vida. Todo, obviamente, gracias a la inmensa labor de Donald Sutherland y Veronica Cartwright.
En elpuesto número cincotenemos… el final de “EL IMPERIO CONTRAATACA”. Es hermoso, es grande, dice tanto que por ese motivo merece estar en esta lista. Todos los personajes ante el universo. Simplemente precioso. Creo que es el mejor final de toda la franquicia creada por George Lucas, y en él se nota la mano de su gran guionista Lawrance Kasdam.
En elpuesto número cuatrotenemos… el final de “CRUISHING”. Mi elección obedece a que este actor, al igual que Charlton Heston, hizo un ramillete de películas en las que sus finales eran más que antológicos, no debéis perdeos “Justicia para todos”, “Tarde de perros” o ”Serpico”, son imprescindibles. Todas geniales y esta en concreto me encanta la actuación de Pacino que lo dice todo sin abrir la boca, además en un momento muy masculino, afeitándose. ¡Esa mirada! Es potente la escena, y Pacino consigue taladrar la pantalla al igual que Perkins, pero por otros motivos obviamente.
En el puesto número tres tenemos… el final de “VIDEODROME”. En este caso obedece a varias razones, una es la niña de mis ojos y por eso le hice un monográfico. Dos, es uno de los finales más inquietantes creados por Cronenberg, pero no quiero olvidarme de “Scarnners” o “Vinieron de dentro de…” todos ellos memorables y que merecerían estar en este top ten. Y para finalizar, James Woods da un toque de verosimilitud con su actuación, está inmenso diciendo esa lapidaria frase: “Viva la nueva carne”
En el puesto número dostenemos… el final de “PRIMER”. Me encanta la simplicidad y sencillez con la que deshace toda la madeja. Eso por no hablar de la música y la tremenda voz de Shane Carrough que te va embaucando y te lleva en vilo hasta donde él quiere. Maravilloso. Este largometraje es el mejor dentro del género de viajes en el tiempo. Esta es una de las pocas películas que puedo decir que salí de verla y sentí una necesidad de volver a entrar a verla. Y vaya que si lo hice, testigos tengo: el señor Sancho y Monsieur Copépodo.
En el puesto número uno tenemos… el final de “EL RESPLANDOR”. Me hubiera valido cualquiera del mítico Stanley Kubrick. Desde “Atraco perfecto” con esos billetes volando a ese feto mirando la tierra en “2001, una odisea en el espacio” o el caso que nos ocupa donde con la ayuda de Diane Johnson reinterpretaron el final de la novela de King y lo llevaron a su terreno. Magistral trabajo de adaptación.
Esta semana se estrena el film “PANDORUM” tras su paso por el festival de Sitges y la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, donde se proyectaró el pasado domingo 1 de noviembre dentro de la Sección Oficial. Se trata de un largometraje de ciencia-ficción producido por Paul W.S. Anderson, al que todos conocéis por haber creado de la saga “Resident Evil”. La película está protagonizada por Dennis Quaid y Ben Foster. Christian Alvart, del que hemos visto recientemente “Expediente 39″, dirige esta historia escrita por Travis Milloy y eso no es precisamente una buena carta de presentación. Por eso una semana más, Victor Guybrush es la firma invitada para diseccionar esta cinta de género.
La Tierra se muere. Una nave es enviada a un planeta con características similares al nuestro con miles de colonos abordo que sentarán las bases de una nueva civilización al aterrizar. La acción comienza cuando un miembro de la tripulación despierta de repente de su hipersueño. Se llama Bower, pero él no recuerda quién es, dónde está o cuál es su misión. Pronto se despierta también su superior, Payton, interpretado por Dennis Quaid, en las mismas circunstancias que él. No hay más tripulación a la vista, ni siquiera a los mandos de la nave. Intentan contactar con la Tierra, pero no responde nadie, y para rematar la faena parece que un problema grave en la propulsión de la nave está poniendo en peligro el cumplimiento de la misión (sea cual sea, porque tampoco recuerdan que deben salvar a la humanidad).
La única puerta que pueden ver está cerrada por fuera, por lo que resuelven salir por los conductos de ventilación y desde allí intentar contactar con alguien que les eche una mano, o al menos intentar reparar los desperfectos y continuar la marcha de la misión apropiadamente. Y allá va Bower, como en Alien, de cabeza a una aventura que bebe de muchas fuentes reconocibles por todos (Horizonte final, 2001, Predator, Fantasmas de Marte, The Descent, Resident Evil…) pero que se reivindica como una historia digna, correcta y efectiva, repleta de espacios claustrofóbicos, enfermedades mentales, inquietantes supervivientes y monstruos ignotos.
La mejor secuencia es sin duda cuando la memoria de los protagonistas, dañada por efecto secundario del hipersueño, va recuperándose poco a poco a medida que avanza la trama, pero no es suficiente para entender qué ha pasado en la nave, dónde está el resto de la tripulación y qué cojones son esos bichos con armaduras que les persiguen por los oscuros pasillos. Lo interesante, cuando encuentran la respuesta a todos estos interrogantes, no es tanto el fondo como la forma: presentar la narración de los eventos como si del inicio de una película de animación de Disney se tratase (“Érase una vez” y un puñado de dibujos de estilo medieval incluido) es tan inesperado, por su relativa anacronía, como curioso y efectivo.
Si tuviera que destacar un plano me valdría cualquiera de los dibujos mencionados en la secuencia que he elegido valdría, o hacia el final de la cinta, unos planos muy parecidos a los usados por Sam Raimi en Terroríficamente muertos, pero los que se llevan la palma son los primeros planos de distintos personajes dentro de las cápsulas de hypersueño. Es una pena que el mal rollo que produce alguno de estos momentos no se explote más.
Uno de los elementos que hacen más entretenida a Pandorum son sus personajes. Si nos lo tomamos seriamente, alguno de ellos no tienen ningún sentido ¿A santo de qué hay una chica de buen ver, atlética, rápida y letal correteando por los pasillos de la nave? ¿Y un ninja vietnamita que iba a ser agricultor al llegar la nave a su destino? Si nos lo tomamos con calma y entrando en el juego es de un surrealista tan efectivo que solo me faltó aplaudir cuando aparece el cocinero negro. Si tengo que elegir solo a uno, me quedo con este último, su traje metálico manufacturado por él mismo (presumiblemente), su cojera y su precaria salud mental.
Lo mejor es sin duda, que, a pesar de todo, es una cinta correcta, entretenida si nos la tomamos como una película pequeña pero curiosa y además mejor que algunas de sus inspiradoras, por ejemplo Resident Evil o Alien versus Predator. Y lo peor es la falta de originalidad. La mayor parte del tiempo no consigue despegarse de la larga sombra de sus predecesoras y eso la lastra muchísimo, hasta el punto de que exasperará a los seguidores acérrimos de la ciencia ficción clásica si estos no consiguen tomarse Pandorum como una pequeña pero entretenida película sin pensar en que el 75% de la misma son cosas que ya hemos visto hace tiempo.
A las 20 horas con una puntualidad británica ha dado comienzo el piloto del remake de la serie de ciencia ficción más famosa de los últimos años. Se trata de “V“, creada y dirigida en 1983 por Kenneth Johnson para la Warner Bros. Hace cosa de un par de años se editó este clásico catódico en DVD, en un pack de lujo.
”V” TRAILER-2009
Estamos ante una de las grandes apuestas de la cadena ABC para la noche los martes, donde tendrá que luchar con las dos variantes de NCSI. El guaperas de Chris O’Donell, que protagoniza NCSI: Los Ángeles, está rompiedo todas las barreras del share, de ahí que los directivos hayan realizado una importante campaña publicitaria desde hace meses, y que se ha intensificado en los últimos días. Yves Simoneau ha sido el director encargado de poner al día este mítico serial. Scott Peters, se ha encargado de materializar la historia escrita conjuntamente con el propio Kenneth Johnson, basándose en la trama que no en los personajes de la versión del 83.
Diana y el sacerdote
La trama es de sobra conocida pero os refresacaré la memoria. Imaginaos que un buen día os levantáis y véis una enorme nave espacial en el cielo. Ponéis la televisión y véis que pasa en todo el mundo. Los visitantes han llegado con una proposición: compartir nuestros recursos naturales a cambio de una inmensa fuente de conocimiento y tecnología. Dicen venir en son de paz, pero esconden un gran secreto, ellos llevan entre nosotros muchos años como célulass durmientes. A la luz de los primeros cuarenta minutos visionados hoy, los cambios que podemos apreciar con respecto al original son diversos. Los extraterrestres pasan de tener una estética kitsch a ser todo de diseño, desde las naves hasta los trajes, que parecen hechos por el mismísimo Armani. Han abandonado la estética nazi, poblada de rojos y negros, por otra dominada por una gran gama de grises. El diseño artístico realizado por Brian Kane para el interior de la nave nodriza es totalmente heredero de los realizados por el arquitecto valenciano, Santiago Calatrava. Hay un plano general del interior donde en el punto central podemos ver el Hemisferic y la Cuidad de las Artes y las Ciencias. Mientras que el exterior de las naves está más cercano al realizado por William James Teegarden para el film de Ronald Emmerich, “Independece Day”.
También han simplificado el número de personajes, se puede calificar de notable el trabajo de síntesis, y podemos ver dos de los antiguos en uno de los nuevos. El actor Scott Wolf , que procede de series tan famosas como “Parker Lewis nunca pierde” o “Everwood”, es Chad Decker que toma así el relevo del papel de Donovan, pero además engloba el papel de la periodista Kristine Walsh que era seducida por los alienígenas y acababa siendo su relaciones públicas. Además, Decker a diferencia de Donovan no posee descendencia. Otro de los cambios es la desaparición de la persecución a los científicos, porque eran peligrosos ya que podían acabar con ellos. En cambio han desarrolado el papel del cura, con lo que la línea argumental del poder de la devoción y la fe se ha visto ampliada. Lo verdaderamente curioso es la idea de que ellos llevan entre nosotros mucho tiempo, como una suerte de quintacolumnistas, heredera de las paranoias de la Guerra Fría tras la Segunda Guerra Mundial. De tal forma que han generado guerras innecesarias, empidemias, y así los visitantes al llegar se convierten en los salvadores de la humanidad, pero siguen siendo los lagartos malvados de siempre. Ya veremos si explotan bien esta idea, porque lo más terrorífico es que no puedes distinguirlos a simple vista, y no sabes si tu vecino o tu compañero de trabajo es uno de ellos, es una célula durmiente.
En la década de los 80 todo el mundo llevaba en la carpeta del intituto las consabidas pegatinas de Juliet Parrish y Diana, que eran la buena y la mala. Las dos tenían en común ser muy guapas pero se diferenciaban en el carácter. Una era conciliadora y democrática, mientras que la otra era una dictadora nata, y su mala uva era de sobra conocida en todo el universo. Juliet era la bióloga, rubia, alta y con mucha inteligencia. Siempre tenía un plan de escapatoria. Mientras que Diana era la malvada alienígena, de pelo moreno, y que tenía la malsana costumbre de comer ratas. Eso nos dejó impresionados a más de uno en su momento. Pues bien, el esquema se repite una vez más, tenemos de nuevo una rubia y una morena. Elizabeth Mitchell que se dio a concocer con “Perdidos” donde interpretaba a Juliet Burke, más conocida en la blogosfera como Miss Sandwiches, aquí da vida a Erica Evans, una agente del FBI que tiene un hijo y que se verá encandilado por las propuestas de los invasores. A diferencia de su análogo del 83 posee un hijo y será en este personaje donde se fundan dos de los vistos en la versión original. Por un lado sería el hijo de Donovan y por otro, Daniel Berstein el adolescente malcriado que se enamora de una visitante y que delata a toda su familia a los extraterrestres.
Mientras que Morena Baccarin es Anna, la alienigena de pelo oscuro, que dice venir en son de paz. Más de uno la reconocerá por haber participado en la mítica “Serenity“, donde coincidió con otro de los protagonistas de este remake, Alan Tudyk. En este caso interpreta a Dale Maddox que es el compañero de armas de Erica Evans en el FBI. Pero la gran mayoría de vosotros le conocéis por su papel de Simon en el film de Frank Oz “Un funeral de muerte”, donde tenía las escenas más divertidas del film. Marcus, papel que ha caído en manos de Christopher Shyer, sigue la estela de los pasos John el jefe de Diana, interpretado por Richard Herd en el original.
A la partitura tenemos en este caso a Marco Beltrami, famoso por haber creado la banda sonora de la franquicia de terror ”Scream”, “Resident evil” o “Hellboy”, que sustituye a Joseph Harnell, cuyo tema principal dio la vuelta al mundo, y poseía marcados aromas tecno y estaba poblado de efectos sonoros, todo adornado con unos chirriantes violines y una marcada bateria. He de confesar que el nuevo tema musical pasa totalmente inadvertido, y en este momento que un servidor escribe esta reseña no sabría tarararearlo.
TITULOS DE CRÉDITO DE “V”-1983
Así que esta nueva versión no es sólo para los fans de la antigua o los frikis de la ciencia ficción. Posee mucha acción y estupendos efectos especiales, y además plantea un juego de espías, un thriller en la trama en un giro de tuerca por parte de Scott Peters, que parece inspirado en “La invasión de los ladrones de cuerpos”, porque los invasores están entre nosotros y no puedes distinguirlos a primera vista, y es más desconoces si tu amigo del alma o tu ser querido es uno de ellos. Sólo he de añadir que me parece importante el esfuerzo de poner al día este clásico televisivo, pero con los cuarenta minutos del piloto no lo puedo evaluar del todo, y no sé que dará de sí, lo que está claro es que la factura es buena, posee mucha acción y podréis ver armas muy sofisticadas. Ya veremos qué da de sí durante las próximas semanas.
Ahora para finalizar os quiero dejar con Anna que os trae un mensaje importante, quiere que os unáis al programa “Embajador de paz”…
Únete al programa de ”Embajador de paz”
Traducción:Gracias por visitarnos. Apreciamos el valiente paso que acabas de dar, que expresa tu interés por saber más sobre nosotros. Tu presencia hoy demuestra que crees que podemos confiar los unos en los otros. Por compartir vuestros recursos naturales os ofrecemos todo el inmenso conocimiento y tecnología del que se puede beneficiar toda la humanidad. Esta es vuestra oportunidad, uniéndote al programa de “Embajador de paz” demostrarás a otros que otro mundo mejor es posible. Como embajador de paz actuarás como símbolo de esperanza para otros que no están preparados aún para creer. Ayudanos a mostrar un nuevo día a todo el mundo, y ahora te invito a unirte al programa de “Embajador de paz” y que descubras por ti mismo, la gran cantidad de posibilidades que posee.
El piloto de la serie ha obtenido los mejores resultados que nunca ha tenido un primer capítulo en la historia de la televisión norteamericana. Atrajo al canal ABC a la friolera de 13.9 millones de espectadores, creando una verdadera competición con NCSI que se emitía a la misma hora en el canal CBS. Así que pueden estar contentos los directivos porque parece que han encontrado todo un filón.
Visto el segundo capítulo lo importante es que no defrauda, al revés, es interesante ver como va mejorando el original, no sólo en efectos especiales, si no también en el desarrollo de la trama. La historia se desarrolla con solvencia y rapidez. Los personajes principales van tomando forma. La triada formada por Elisabeth Mitchell, Joel Gretsch y Scott Wolf resuelven y componen sus personajes con solvencia. El guión está tomando los típicos derroteros de las invasiones alienígenas del cine como por ejemplo, “la invasión de los ladrones de cuerpos”. Los personajes viven en una sociedad en la que nadie puede confiar en nadie, inclusive dentro del mismo núcleo familliar. Y las relaciones materno filiales se tensan capítulo a capítulo, aquí debemos destacar la labor del joven actor Logan Huffman. Así pues, parece que se torna muy interesante esta nueva revisitación. Me gusta ver que los alienígenas manejan la propaganda con soltura, y hacen de las suyas, aunque no han enseñado los colmillos de momento. Además, hay una pizca de crítica al cuarto poder. Veremos que da de sí el tercer capítulo la semana que viene. Seguiremos informando.
Agradecer públicamente a Zombi por su gran labor, y una vez más no me cansaré de decirle que es un placer trabajar con usted.
El pasado 14 de Octubre en los cines Roxy B de Madrid tuvo lugar la presentación a los medios del film “Carriers”, también conocido como “Infectados”. Film que recomendamos sin pudor desde hace mucho, y me mantengo en mis trece. Hasta allí se desplazó mi fiel escudero Zombi para hacerles unas preguntas a sus directores y guionistas, los hermanos Pastor, obviamente enviadas vía internet. Pueden estar orgullosos del buen resultado del largometraje. Si no la habéis visto estáis tardando.
CARRIERS (aka Infectados) – Primera parte de la entrevista a los hermanos Pastor
CARRIERS (aka INFECTADOS) – Segunda parte de la entrevista a los hermanos Pastor
Y una recomendación más, si no habéis visionado su cortometraje “La ruta natural” este puede ser un gran momento, aquí os dejo esta joya de corto. Es inmenso.
Halloween ha llegado un año más a nuestras vidas. Aquí se vive de una forma muy intensa, por estos lares se disfraza todo el mundo, inclusive el viernes ya acudió gente con sus mejores galas a clase. El que podéis disfrutar fue importado por Kike, según declaraba en su blog el pasado viernes, pero a pesar de que el muchacho ha puesto todo su empeño, creo que no se parecen en nada.
Este año me desplacé hasta la localidad de Provincetown para disfrutar de esta curiosa festividad. Halloween posee en común con las Fallas suelen poner de relevancia a personajes o hechos acontecidos durante el año. El año pasado fue Sarah Palin la que ganó sin despeinarse. Un servidor pensaba que los honores este año ser los llevaría Michael Jackson o su anestesista. Pero me han sorprendido una vez más y ha sido…
The Swine Flu, también conocida como Gripe A.
Todo el mundo coincidía al día siguiente que había sido el Halloween más loco y más divertido de los celebrados en Provincetown, todo favorecido por las excelentes condiciones metereológicas, un día soleado pero un aire frío curioso que no amedrentó a nadie. Ante la carencia de hechos relevantes o personajes a criticar, todos nos lanzamos al cine como fuente de inspiración. Un servidor como no podía ser de otra manera escogió a Maverick de “TOP GUN”, salvando las distancias con mi estimado Tom Cruise, porque evidentemente soy mucho más alto y guapo, a dónde vamos a ir a parar. A lo largo de la noche me fui encontrando con otros personajes del séptimo arte.
Pedro Picapiedra, más conocido aquí como Fred Flinstone
"La novia cadaver" me intentó seducir
Clark Kent, más conocido como Superman
El hombre lobo
Peter Parker, pero sólo respondía al nombre de Spiderman
Brian, el perro escritor y alcohólico
Me encontré hasta con Neo
Al equipo de Anatomía de Grey
Pero de repente, como salido de una gran película catastrófica firmada por Ronald Emmerich, el publo sufrió el ataque de…
Las langostas asesinas
Abejas asesinas
Pero con lo que no contaba es que se hiciera realidad el clásico de Romero “La noche de los muertos vivientes”. Tras la cena, los muertos salieron de sus tumbas y comenzaron a andar y a comerse a todos.
Monsieur Copépodo por no haberse leído bien los sabios consejos apocalípticos de Zombi y Bloger in the Shadows, feneció luchando como todo un valiente. En cambio salí corriendo y me refugié en el Atlantic House donde unas bellas mozas me atraparon…
Hasta que llegó Walter Sobchak y me tome con él como unas quince cervezas…
Así al día siguiente hasta el muñeco de Halloween estaba afectado…
Menos mal que tocaba cambio horario y pudimos dormir un rato más, y levantarnos para tomar un brunch supervitaminado y mineralizado.
Esta semana Victor ha acudido a ver una de las películas que más tiempo ha estado este otoño en cartel aquí en los Estados Unidos, por lo menos en la costa este, donde un servidor reside. Ha estado casi un mes y medio, y ha desbancado a la pobre Carriers (Aka Infectados) por estos lares. Quiero llamar vuestra atención sobre un dato, ¿no os habéis fijado que la mayoría de las franquicias de género poseen una de sus partes en 3D? Desde Kruger, pasando por Tiburones, y acabando con Halloweenes. Es curioso. En fin, una semana más os dejo con Victor Guybrush que es la firma invitada y sus retinas ensangrentadas han visto “DESTINO FINAL 3D“. A la batuta de la orquesta David R. Ellis que puede jactarse de tener en su currículo el haber dirigido ese pedazo de película que es “Serpientes en el avión“ ¡Qué gran largometraje! Todo un clásico de la serie B contemporanea a rescatar. En la que Julianna Margulies y Samuel L. Jackson hacían una encomiable labor artística. Y espero que nadie se tome a coña el comentario que acabo de realizar. Lo digo totalmente en serio. Escribe la historiaEric Bress, basándose en los personajes creados por Jeffrey Reddick. Bress puede decir alto y claro que suya fue “El efecto mariposa”. Así que presentados todos y situados ya, podemos ir al grano.
Mientras disfruta de una carrera de la Nascar en compañía de su novia y sus amigos, Nick O’Bannon tiene una premonición: un terrible accidente tendrá lugar en el circuito llevándose por delante la vida de decenas de persona, incluida la suya y las de sus amigos. El bueno de Nick, anticipándose a la catástrofe, logra arrastrar a un grupo de asistentes al evento fuera del recinto del circuito poniéndolos a salvo, pero es solo el principio del fin: uno a uno, más temprano que tarde, La Muerte les va a dar caza.
Si hacemos caso al dicho y concedemos que “segundas partes nunca fueron” ¿qué vamos a esperar de las cuartas partes aun cuando son en tres dimensiones? Destino final 3D ni siquiera llega a ser más de lo mismo que sus predecesoras. Lejos queda ya la angustiosa escena del accidente de tráfico masivo de la segunda parte; esta vez la rocambolesca actuación de La Muerte apenas llega al gore light de las anteriores películas, y las imágenes explícitas de muertes, que predominaba en anteriores entregas, desaparece casi en su totalidad, y para rematar apenas hay escenas angustiosas.
El 3D, el gran atractivo y reclamo de la película, tampoco se salva de la quema. Unas cuantas cosas saltan a la cara del público, o aparecen de pronto desde un lateral, pero en realidad las tres dimensiones se quedan bastante cortas para lo que se supone que debería ser una revolución del cine. Y aun así, en comparación con otros elementos de la película, es de lo más digno.
Porque ¿qué guión se puede esperar de un producto como este? Sí, eso es: uno bastante pobre. La historia es anodina, las muertes muy poco imaginativas e incluso ya vistas; no hay suspense, tensión o mal rollo en general, e incluso cuando parece que la cinta va a dar un giro hacia el humor y la auto-parodia da la impresión de que los guionistas se acojonan y no aprovechan ese camino que podría haber convertido la cinta en una interesante experiencia irreverente y pasada de vueltas.
Los actores no son nada del otro mundo pero al menos cumplen su función de no molestar y morir cuando deben. Mención especial para Mykelti Williamson, curtido en mil batallas y conocido sobre todo por su papel como Bubba en Forrest Gump. Algunos personajes, como el del racista sureño que se emborracha y escucha heavy metal, podrían haber dado mucho juego, pero quedan desaprovechados en favor de los anodinos protagonistas, unos chavales muy guapos pero planos y sin gracia. El intento más potente de dar relieve a los personajes está en nuestro amigo Williamson y su alcoholismo, pero se queda en una anécdota.
Destacables son, por sacar algo positivo del film, las referencias, conscientes o inconscientes, que aparecen durante todo el metraje: las tres anteriores cintas de la saga tienen un sitio privilegiado en el corazón de ésta, lógicamente, pero además resulta curioso ver homenajes a, por ejemplo, una escena de Resident Evil (que, al mismo tiempo, homenajeaba una escena de Cube) y un relato (asqueroso y recomendadísimo para pasarlo mal) de Chuck Palahniuk llamado “Entrañas”. El final de esta película es una de las más curiosas coincidencias cinematográficas que os podéis echar a la cara ahora mismo. Seguro que Tarantino aplaudió al verlo.
En definitiva, “ni chicha ni limoná”. Si los seguidores de la franquicia van a colmar sus expectativas, ni los que busquen gore encontrarán aquí algo que les satisfaga, no digamos ya cualquier otro tipo de espectador.
Julio Fernández, Presidente de Filmax, presentará a los medios el próximo 4 de noviembre el rodaje de “THE WAY” acompañado por el director y también actor de la cinta, Emilio Estevez y el actor Martin Sheen. El filme, cuyo rodaje comenzó el pasado 28 de septiembre, se prolongará hasta el próximo 13 de noviembre. El largometraje se desarrolla a lo largo del Camino Francés, entre Roncesvalles y Santiago de Compostela. El rodaje comenzó en Saint Jean Pied de Port (Francia) para seguir hacia Roncesvalles, Pamplona, Logroño, Burgos, León, Ponferrada, y finalmente adentrarse en Galicia, y nos cuenta la historia de Tom Avery, un reputado oftalmólogo que vive en California. Un día recibe una llamada desde Francia en la que se le comunica que su hijo Daniel ha fallecido en un temporal en los Pirineos. A pesar de que la relación con él nunca fue muy buena por tener una visión opuesta de la vida, Tom está desolado y viaja a Francia para recuperar a su hijo. Allí descubre que Daniel comenzaba a hacer el Camino de Santiago y decide hacerlo por él.
La película está producida por Filmax en asociación con Elixir Films y con la participación de Xacobeo 2010, TVG y Xunta de Galicia, y supone una vez más, el encuentro en la gran pantalla de padre e hijo que como en ocasiones anteriores, además de estar al frente de la dirección, Emilio Estevez actúa al lado de su padre Martin Sheen.
@Vigalondo JAjJAJAJAJA mola, no se me ocurre nada. Por cierto, me encantó tu post desde Austin de los gritos samurais, tuvo que ser la caña. 1 month ago
@JeremyFox Vaya, Natali haciendo una de bichejos, buena pinta tiene. Me has despertado toda mi cuiriosidad 1 month ago
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