Dedicado a Ángel

Amigos, todo llega a su fin. Ayer no hubo post porque ha sido el día de acción de gracias. Un servidor ha sobrevivido a una comida que empezó a las 13 horas y finalizó a las 18 horas. Pero centrémonos una vez más.  ”El amigo americano” como me llama Mr Lombreeze regresa a casa por navidad, como “El Almendro”. Así que una vez más “Videodromo Made in USA” cierra sus puertas. Pero tranquilos os seguiré informando de la actualidad cinematográfica desde Madrid. Han pasado tres meses como un suspiro. Desde aquí quiero agradeceros a todos vuestro incondicional apoyo. En primer lugar agradecer la enorme labor que han realizado mis colaboradores: Zombi, Victor Guybrush, Kike y Cantal, que gracias a ellos habéis estado debidamente informados..  En segundo lugar a Chacal, Mr Lombreeze, Ángel y Redrum por su enorme apoyo con el monográfico de Alien, con el que ka familia de videodromeros se ha hecho un poco más grande. En tercer lugar, a Miss Darko por ser mi correctora en la distancia, por no hablar de sus sinceras aportaciones y consideraciones, gracias de todo corazón. Y para finalizar a todos en general porque os aprecio mucho, me habéis hecho reír en los momentos más durillos y me habéis conectado a otra realidad, a todos va dedicado una vez más esta despedida particular, pero en particular a Ángel porque el pobre lleva esperando esto más de un año. Espero que os guste a todos. Para finalizar quiero agradecer a Isaac, el otro outsider, que participó de buen agrado y con toda la buena voluntad del mundo en este particular experimento. Fue una fiesta de despedida un tanto particular y que empezó de una manera muy tonta. Nos vemos el lunes en la edición normal de VIDEODROMO.

Alfie y el secreto de la Coca-Cola

Bueno, todos lo sabíamos que “Luna Nueva”, la nueva entrega de la franquicia “Crepúsculo” iba a ser como una apisonadora. Ha sido la número uno del Box Office aquí en EEUU, con una recaudación de $142,839,137. La carrera por el Oscar se ha abierto este fin de semana con el estreno de “The blind side” con la que la actriz Sandra Bullock intentará aspirar a obtener este año una estatuilla dorada, quedando la segunda del ranking con una recaudación de $34,119,372, al igual que lo intenta Oprah Winfrey con “Precious” que se sitúa en el sexto lugar, y por cierto ahora anda de vacas flacas porque la cadena CBS le ha rescindido el contrato de su show para el año que viene. Se deshincha alarmantemente el globo de “2012”, perdiendo un 60% de la cuota de pantalla en su segunda semana de exhibición, quedando la tercera del ranking. Y en el cuarto lugar está “PLANET 51”, por encima incluso de “Un cuento de navidad” de Robert Zemeckis que no hace más que perder espectadores semana a semana esta en concreto un 40%. La película dirigida por el triunvirato formado por Blanco, Abad y Martínez ha hecho una más que digna apertura de $12,286,129. Cosa a la que ha contribuido un servidor ya que fui a verla el viernes del estreno, y desde ese momento no he dejado de recomendarla, y además que las cosas bien hechas bien están, y que desde luego que la animación española puede competir con la norteamericana.

Lo único es que hay que tener de partida una buena idea, en este caso el gran guión de Joe Stillman, que nos narra la odisea espacial del astronauta americano Charles “Chuck” Baker, que aterriza en Planet 51 pensando que es la primera persona en pisar el planeta. Para su sorpresa, descubre que el planeta está habitado por pequeñas criaturas verdes que viven felizmente en un mundo plagado de cercas blancas, reminiscencia de la alegre inocencia de la América de los años 50, y cuyo único temor es el de ser invadidos por alienígenas… ¡como Chuck!.

Esta inteligente comedia hibrida géneros al reformular la serie B de ciencia ficción con la típica fórmula de buddy movie, en donde dos tipos muy diferentes son amigos. Así Charles encontrará en Lem a un fiel compañero de aventuras y le defenderá de un enemigo muy reconocible “los militares”. Pero es más, Stillman juega con las mismas cartas que los productos de animación de Dreamworks y llena de referencias el film, todas ellas muy divertidas, desde las más recientes cinematográficamente hablando como “Wall-E” con ese personaje entrañable que es el robot “Rover” hasta las más clásicas como “La guerra de los mundos” de Bashki, “ET, el estraterrestre” de Spielberg, pasando por “Alien” de Scott, pero en tono amable. 

Así estamos ante un largometraje de animación que es totalmente deslumbrante, con una factura impecable tecnológicamente hablando, y de la que ya os hemos hablado. Es más, no me importa que esté dirigido por tres personas mientras tengan clara la idea de lo que quieren, le otorguen una duración adecuada y sepan hacer lo mejor de los actores. Lo bueno es que han creado un producto con el que los fans del género podrán disfrutar en el cine de la mano de sus retoños y sobrinos. Es un film que funciona a muchos niveles, no sólo de homenaje, sino también de crítica social. Así han hecho un producto muy inteligente.

Desconozco como será la impresión de verla con los diálogos en castellano, en este caso os recomendaría verla en inglés, porque la acción posee aromas norteamericanos y las voces de Dwayne Johnson, John Cleese, Gary Oldman Seann William Scott, Justin Long y Jessica Biel son maravillosas. Están estupendos y te ríes como un niño chico. A la hora de criticarla he intentado huir del cinismo y del chovinismo. Estamos ante una gran película por méritos propios. Que las cinco estrellas que le pongo es porque me parece un producto redondo, sin fisuras, que sabe a dónde va y qué busca del espectador. Que será recordado con el tiempo.

Alguno podrá decir posee una trama infantil. Y no le sobrará razón, pero lo que no debe perder de vista ninguno a la hora de comprar la entrada es que se trata de un largometraje familiar, para todos los públicos, teniendo a los más pequeños de la casa como espectador preferente. Se trata de una cinta para niños en la que los adultos no se aburriran como ostras. Ahí radica la amplitud de miras de sus creadores y productores, obviamente inspirados en el nuevo modelo de film de animación que imponen desde las grandes productoras norteamericanas. Luego, da lo que ofrece y no engaña. Vale, podéis decir que está rodeada de una gran campaña de marketing, correcto. Pero decidme si Disney o Dreamworks no lo usan, y vamos todos reverencialmente a verlas.

Esta cinta le da quince vueltas a “Monstruos y alienígenas”, que ya os dijimos que era aburrido hasta decir basta. Que hay mucho talento enlatado en estos noventa minutos de metraje. Por eso no quiero acabar esta reseña de la película sin hablar de una persona, a la que no conozco en persona pero que me parece todo un personaje. Hablo de Ignacio Pérez Dolset, el productor de todo esto. Un hombre que sabe reconocer el talento, y que lo apoya sin fisuras.

Entregando su capital en una empresa en la que cree y confía, y que además conoce y sabe jugar con las mismas reglas que los grandes. No ha estado pensando en el coste marginal del producto, en el valor añadido o en el porcentaje del merchandishing. Se nota que esto está hecho con cabeza, mucho corazón y sumo respeto por los espectadores, independientemente de que sean aficionados o no al género de la ciencia ficción y la serie B norteamericana.  A lo mejor porque es rico y altruista, porque quiere y puede o porque es un as de las finanzas y los negocios, en todos esos casos le envío mis más sinceras felicitaciones y un enorme ¡Olé! transoceánico. Sólo le deseo que sea un taquillazo como aquí y que sea la más vista y se haga con el primer puesto del ranking español. Sobre todo porque tengo la certeza que lo reinvertiría en otra nueva película.

Con personajes como él, la idea de generar una industria en el campo de la animación en España es posible, y así nuestros grandes animadores no tendrán que exiliarse o ir a buscar trabajo al extranjero. Porque los tenemos y muy buenos, alguno de ellos que lucha por abrirse camino hasta es posible que esté leyendo estas letras en Barcelona y cuyo nombre no voy a dar, pero tengo por certeza que estaría encantado de trabajar para el señor Pérez Dolset. Así que hemos de agradecer que esta película tras años de gestación haya conseguido ver la luz y que encima haya tenido tan buen resultado a este lado del océano.

PLANET 51 – Trailer español

Lo que nadie duda a estas alturas de la partida es que Ewan McGregor es uno de los actores más aclamados y reputados de su generación, ni Daniel Craig o Jude Law han conseguido alcanzar su status dentro de la industria cinematográfica. Acaba de estrenar en Estados Unidos “The Men Who Stare at Goats“ donde interpreta a Bob Wilton. Le acompañan en el cartel de esta alocada comedia nada más y nada menos que George Clooney, Kevin Spacey o Jeff Bridges. Pero en la videoarena nos preguntamos ¿cuál fue el primer papel cinematográfico de este actor escocés? Cómo fueron sus inicios  antes de convertirse en el fetiche de Danny Boyle.  

Renton le trajo la fama internacional.

El viaje al estrellato de este actor comienza en 31 de marzo de 1971, fecha en la que nace. A los 16 años deja su localidad natal de Crieff para iniciar su carrera teatral uniéndose a Perth Repertory Theatre. Sus padres no tardarían en animarle a que abandonara esta compañía para que se formara como actor.  Así que comenzó sus estudios de arte dramático en Kirkcaldly en Fife y en la Escuela de Música y Drama de Guildhall. Allí compartió estudios con Daniel Craig, Alistair McGowan, David Thewlis o Naveen Andrews, famoso por su papel de Said en “Perdidos” y con el que mantiene su relación de amistad en la actualidad. A los 22 años tras haber interpretado en la televisión a Jimmy en la serie “Family style”, consiguió dar el salto al cine y consiguió su primer papel gracias a Susan Figgis que le ofertó el papel de Álvarez en la película del director escocés Bill Forsyth llamada “BEING HUMAN“, y que en España se tradujo como  “Un hombre perdido en el tiempo”.

Un hombre perdido en el tiempo, 1993.

Una historia dividida en cinco capítulos que recorre la historia de la humanidad a través del personaje de Héctor interpretado por Robin Williams. McGregor aparece en el tercer segmento en un corto y tragicómico papel. Os centro un poco en la trama. El barco español donde viaja esta suerte de héroe temporal naufraga enfrente de la costas de África. Allí los supervivientes pasan hambre y sed. Un par de marineros no se les ocurre la feliz idea de robar y beberse todo el agua que queda. Por ese motivo, Don Pablo jefe de la expedición les castigará a la pena máxima, morir crucificados bajo el sol.  Será Álvarez el que se presente voluntario en lugar de Héctor para ajusticiarlos.

No fue uno de esos comienzos escurridizos como el protagonizado por Sigourney Weaver. McGregor tenía un par de frases. Cortas pero las tenía, y encima se echo una carrerita por la playa.

Un año después Danny Boyle le descubriría y le daría el papel de Alex Law en “Tumba abierta“. En 1995 mientras trabajaba en el programa de televisión “Kavanagh QC” conoce a diseñadora de producción francesa Eve Mavrakis en Francia. Durante ese verano el 22 de julio se casan en Dordogne, Aquitania (Francia) y fruto de esta unión son las dos hijas que tienen, Clara Mathilde y Esther Rose. Un año después daría el salto definitivo a la fama gracias al papel de Mark Renton en “Trainspotting“. Aquí volvería a coincidir con un viejo amigo, ya que ambos habían coincidido durante su debut cinematográfico, hablo del actor Robert Carlyle, que aparecía también en “Un hombre perdido en el tiempo” interpretando en el primer segmento a Shamen. Un vikingo que le robará a Hector su mujer e hija.

Pero las coincidencias en su carrera no acabarán aquí ya que la llave que le abrió las puertas al estrellato vino de la mano de Baz Luhrmann que le ofreció el papel Christian en “Moulin Rouge” y fue George Lucas quien le diera el empujón final al ofrecerle el papel de joven Obi Wan Kenobi en la famosa epopeya galáctica. Aceptó el papel porque su tío el también actor Denis Lawson aparecía en ”La guerra de las galaxias” interpretando a Rojo dos en la batalla final en la Estrella de la Muerte.

Denis Lawson es Rojo Dos en "Una nueva esperanza"

En la actualidad, McGregor ha formado una compañía de producción con sus amigos Jonny Lee Miller, Sean Pertwee, Jude Law y Sadie Frost, llamada “Natural Nylon”. Con ella esperan hacer películas innovadoras que no se ajusten a los estándares de Hollywood.

La campaña publicitaria en Estados Unidos ha sido la usual, hemos visto a Dwayne Johnson en el show de David Letterman, y además hemos visto en las noticias que los miembros de la Estación Espacial Internacional van a poder disfrutar en exclusiva de esta comedia de aventuras alienígenas, ya que despegó a bordo del Transbordador Espacial Discovery el pasado 28 de agosto y, poco después, los astronautas transportaron el film a la estación espacial internacional. Así el film ahora viaja ahora por encima de la Tierra a 28.160 kilómetros por hora y orbita alrededor del planeta una vez cada 90 minutos, la duración exacta de la película. Así, en lo que se ven la película los astronautas habrán dado una vuelta a la Tierra.

La productora Ilion Animation Studios nació en 2002 con el objetivo de convertirse en uno de los principales estudios de animación, capaz de crear películas que pudieran exportarse a todo el mundo. Enfrentarse a un proyecto tan ambicioso conllevó superar enormes retos creativos, tecnológicos y humanos. “Necesitábamos un guión genial, tecnología punta y un buen equipo de profesionales que se encargaran de sacar adelante el proyecto. No era tarea fácil. Desde el principio buscamos una historia fresca y original que sobresaliera por encima de cualquier cosa que hubiéramos leído antes”, comenta Pérez Dolset, “En ese momento decidimos embarcarnos en una aventura, para lograr que se hicieran realidad nuestras esperanzas, sueños y fantasías. Al igual que muchos han hecho antes que nosotros, investigamos todos los temas comunes y también le echamos un vistazo a las historias menos habituales. Barajamos trabajar con temas universales que presentaran ideas quizá menos originales pero que, en nuestra opinión, no se habían contado tan bien como nos hubiera gustado o con historias clásicas con un atractivo universal que merecerían ser contadas de nuevo. Como suele pasar en estos casos, justo cuando llegábamos a la conclusión de que no quedaba nada nuevo por hacer, encontramos PLANET 51. Tras la primera fase de desarrollo comenzó la siguiente etapa que consistió en remover cielo y tierra para dar con un guionista de primer orden que contara nuestra historia y lo conseguimos porque Joe Stillman ha creado un guión extraordinario lleno de personajes fantásticos, con toneladas de humor, sorpresas, emoción y sentimientos”.  Jorge Blanco, director de PLANET 51, apunta que “nuestro objetivo siempre fue contar una historia genial en un contexto original, alejándonos de la temática repetitiva a la que recurren muchos largometrajes animados. Sabíamos que no iba a ser fácil y tras jugar con una larga lista de ideas, dimos con PLANET 51: alienígenas –hombrecillos verdes con antenas en la cabeza- temerosos de una invasión humana”. La clásica invasión alienígena… ¡vista desde una perspectiva completamente nueva y diferente!

Esta idea original abrió todo un mundo de posibilidades y enseguida empezamos a ambientar nuestro planeta alienígena en una especie de Estados Unidos de los años cincuenta. Nos pareció una combinación perfecta dado que la ciencia ficción reinaba en los años cincuenta y los espectadores iban al autocine para ver a los héroes luchar contra los invasores del espacio exterior en la gran pantalla. Esos filmes también nos sirvieron como base para lograr las dosis exactas de comedia y caricatura. Trabajar con la imagen de Estados Unidos en los cincuenta nos inspiró para construir PLANET 51 y también nos dio la oportunidad de utilizar la paranoia social que suscitaban las ideas de sabotaje o invasión típicas de aquellos tiempos. En dicha época la desconfianza llevaba a la gente a creer que su vecino podría ser un agente secreto cuya misión era poner una bomba en la panadería local. Así, los habitantes del planeta se enfrentan al inocente astronauta con terror y desconfianza, provocados por el miedo y la ignorancia. Los temas del conflicto entre culturas, del miedo a lo desconocido o a cualquiera que sea diferente aparecen a lo largo de la película.

De izda a drcha...Javier Abad, Jorge Blanco y Marcos Martinez

A sabiendas del gran reto que supondría animar los personajes decidimos diseñar nuestras propias herramientas y software de animación por ordenador, comenta el codirector de PLANET 51, Javier Abad. A lo largo de los últimos seis años, el equipo encargado de los personajes y de los escenarios desarrolló herramientas que colocaron a Ilion Studios entre los principales estudios de animación de personajes de todo el mundo. Para los animadores es muy importante desarrollar los elementos dramáticos de cada personaje. El equipo se graba una y otra vez hasta dar con la interpretación perfecta que les ayude a crear la mejor animación para cada fotograma. Cada uno de los animadores lo da todo para que el público pueda sentir todo el abanico de emociones que presenta la película. Para diseñar a los habitantes tomamos todas estas referencias y las combinamos para crear una especie que fuera divertida, atractiva y realista sin parecerse demasiado a los humanos, pero sin ser demasiado monstruosos. Es mucho más que un planeta habitado por hombrecillos verdes con antenas. ¿Comen perritos calientes? ¿Van a los bolos? ¿Escuchan música? En el cine, los espectadores comen palomitas flotantes y refrescos satélite… Las señales de tráfico avisan a los platillos volantes de que está prohibido volar muy alto. La ciudad está tan llena de vida que da para mucho más que una sola película. Los espectadores más atentos verán que en cada póster, cada luminoso, cada cartel y cada escaparate se abre una ventana a un mundo tan amplio como el nuestro. Tanto antes como ahora la cartelera está llena de películas sobre esos malignos invasores de piel verde que vienen a por nosotros. En este film los humanos son los invasores. Tuvimos que pensar en cómo se comercializarían esas películas.  

Ignacio Pérez Dolset, productor

Así el metraje está lleno de giros divertidos que cautivarán a jóvenes, mayores y a nostálgicos. “La principal diferencia entre su mundo y el nuestro es que a finales de los cincuenta en la Tierra mirábamos ya hacia el espacio, hacia lo desconocido, y comenzábamos a dar los primeros pasos en la industria aeroespacial”, comenta Stillman, “mientras que la gente de PLANET 51 no tienen esa sed de conocimiento. Les da miedo lo desconocido y por tanto siguen viviendo en los cincuenta rodeados de toda esa inocencia. El elemento que lo cambia todo, lo que abre la mente del protagonista, es la llegada del astronauta Chuck Baker. En ese sentido,  Lem personifica todo PLANET 51 y el tema de la película. Le da miedo lo desconocido. El estilo visual de PLANET 51 se basa en tres formas básicas: círculos, esferas y platillos, y todas las formas y tamaños que relacionamos con el mundo de la película se han adaptado  a un estilo más alienígena, y más reconocible, para crear consistencia y credibilidad. Dos de estas formas se basan en iconos clásicos de la cultura pop y de la mitología de la ciencia ficción: los platillos volantes y los círculos de los cultivos, mientras que el tercero procede de la Arquitectura Googie, un diseño futurista que nació tras la Segunda Guerra Mundial y vivió su esplendor en los cincuenta y sesenta, influido también por la Era Espacial y Atómica. El diseño futurista que caracteriza la Arquitectura Googie inspiró el look tan retro de Glipforg y como lo aplicábamos a todo, se acuñó el término de manera oficiosa cuando teníamos que enfrentarnos al diseño de cualquier elemento nuevo que tuviéramos que adaptar a la estética circular y redonda de PLANET 51: ‘¡Planeticemos el teléfono!’

Joe Stillman, guionista

La línea ciencia ficción retro se reforzó al dar vida al paisaje del pueblo: la idea era que hubiera platillos volantes sobrevolando la ciudad y, por tanto, los tejados se diseñaron con forma de platillo para que al mirarlos desde arriba pareciera que se estuviera en plena invasión. En teoría, la ‘Planetización’ de todos los elementos visuales era una cosa, pero llevarlo a la práctica era algo totalmente diferente; de hecho, fue una ardua tarea que se convirtió en un reto para toda la producción, según el Supervisor de Sets y Props Fernando Huelamo: “El mayor reto al que nos enfrentamos fue crear objetos circulares en 3D que fue muy, muy difícil. ¡Los objetos de 3D son cúbicos por naturaleza!. Pero el hecho de que fuera tan difícil no hizo que fuera menos divertido, ¡de hecho fue justo lo contrario!” “Me encantó rediseñar todas estas cosas”, dice el codirector Marcos Martínez, “Si fuera un alienígena y todos los elementos de mi mundo fueran redondos, ¿cómo haría para rediseñar una silla, un teléfono o una pistola? Cuando pensamos en alienígenas nos vienen a la cabeza pistolas láser y platillos volantes, así que los pasamos por el filtro de nuestro mundo. Hemos creado un planeta muy rico en el que nada se escapa a esa estética de diseño”. Otra característica crucial, aunque menos visible, que se ha convertido en un estandarte de la ‘planetización’ y que afecta a casi todos los props de PLANET 51 es la zona circular exterior que hace que los objetos parezcan asimétricos. Según el Supervisor de Arte Fernando Juárez: “Lo utilizamos para crear una estética que se distinguiera de manera sutil pero visible de las Señales Terrestres. Si fueran perfectamente redondas serían iguales que las nuestras”, y si fueran iguales que las nuestras, le quitaría todo el sentido a crear un mundo diferente. Tal y como se espera de un mundo diseñado por amantes de la ciencia ficción la comida flota y brilla como homenaje a otra película de ciencia ficción clásica de los ochenta: Cocoon. “En esa película, los aliens tienen una energía interior, son seres más avanzados. Por tanto me pareció que la comida debería ser como la suya, tenía que brillar”.

Jorge Blanco, co-director

Una curiosidad es que, si bien todo el armamento militar que aparece en PLANET 51 se parece mucho a las armas utilizadas en películas de serie B sobre alienígenas de los cincuenta, éstas no funcionan como pistolas láser sino como pistolas de balas. “En todas las películas de los cincuenta en las que los militares persiguen a los alienígenas”, comenta Fernando Huelamo, “sólo se ven este tipo de armas, y eso es algo que queríamos tener en cuenta. No queríamos que la estética se alejara mucho de esos filmes”. Por tanto hay pistolas y rifles normales como las de toda la vida pero que se han ‘planetizado’ de forma que nos recuerdan a las típicas pistolas láser de los alienígenas. Si PLANET 51 es EEUU en los cincuenta, Glipforg sería California del Sur. “Sí, podría ser”, afirma el Supervisor de Arte Fernando Juárez, pero a la hora de diseñar los alrededores de Glipforg, “el Gran Cañón del Colorado” fueron una gran fuente de inspiración. Añade, “No sólo miramos hacia las películas de los cincuenta, sino hacia la propia realidad, queríamos construir un paisaje que fuera muy reconocible”. Glipforg es, según el codirector Marcos Martínez, “una visión muy clásica de Estados Unidos de los cincuenta, incluso si no es real, es la imagen colectiva que tenemos de esos años. Esa imagen de EEUU nos ha influido a todos y por eso queríamos usarla en la película. Visionamos todas las cintas que presentaban ese concepto de EEUU”. De todos los emplazamientos en Glipforg, el Observatorio es el que más bebe de una referencia real: “Todos los lugares que aparecen en la película se basan en algo y este edificio fue más fácil de lo que pensábamos porque nos basamos en el Observatorio Griffith, que tiene esos enormes ventanales”, dice el Diseñador de Producción Visual Julián Romero. El famoso Observatorio Griffith de Los Ángeles fue construido en 1935, con un distintivo estilo Art Decó que lo convirtió en la inspiración perfecta.

Javier Abad, co-director

En la tienda de cómics, los clientes son recibidos por un maligno Humaniac en 3-D al entrar en esta tienda repleta de detalles llamada Haglog’s Comics, quizá el local más particular y único de Glipforg. Toda ella es un claro homenaje a las películas de serie B de ciencia ficción de los cincuenta y personifica la esencia de PLANET 51. “Todo lo que uno se espera de PLANET 51 está en esta tienda. Es un mundo dentro de otro mundo. Nos esforzamos tanto en diseñarla que parece que todo el tono de PLANET 51 esté condensado en este único emplazamiento, a través de los pósters y de los libros, de los juguetes, las lámparas, las mesas, etc.”. En el cine de Glipforg proyectan “HUMANIACS II”. Es la película dentro de la película. Nos presenta el miedo más profundo de sus habitantes: que los invadamos… o algo así. El cine posee un estilo retro y los motivos Art Decó aparecen junto a una pantalla ovalada. En el exterior, el edificio en sí también es impactante, con forma de platillo volante con miles de agujas y antenas, con una enorme bóveda central sobre el auditorio central y un mástil de radio de la Era Espacial encima de la entrada principal. El ejemplo más claro del mito del nirvana de las vallas blancas de Estados Unidos en los cincuenta se encuentra en las afueras de Glipforg, en la tranquila zona residencial. Al igual que gran parte del pueblo, se compone de calles con círculos concéntricos y edificios con forma de platillo. Aquí también aparece la temática de la invasión, “la recurrente imagen aérea de los platillos que sobrevuelan los tejados de la ciudad”, explica el Diseñador de Producción Visual Julián Romero, “remite continuamente a la invasión”. En la zona residencial sobresale aún más dado que choca con la sensación generalizada de seguridad. 

El equipo de la película

El centro de Glipforg, “nunca nos alejamos del concepto de que los espectadores no pudieran reconocer lo que estaban viendo. A pesar de tener forma de platillo, se identifican fácilmente los edificios y el tipo de construcción”, explica el director Jorge Blanco, y al ver la gran diversidad de edificios se nota que, a pesar de basarse en el mismo motivo del platillo, se han utilizado formas y elementos únicos y muy distintivos, que hace que sean inmediatamente reconocibles. En la calle principal vemos algunos de los edificios municipales, entre ellos el Ayuntamiento, inspirado en la Casa Blanca, realizado en piedra blanca con pilares blancos y un tejado compuesto por tres platillos volantes, uno grande flanqueado por dos pequeños. El instituto también es bastante imponente, con aires de nave nodriza dado su tamaño, pero con menos aspecto de Platillo Volante que la Bolera, con lo que uno casi podría imaginarse que este edificio existiera en nuestro mundo. En el exterior del Instituto, delante de la entrada hay una estatua del fundador de  Glipforg Pacifier Glipp (un guiño irónico a Isaac Newton).En la Gasolinera encontramos el uso más original del motivo del platillo. La cubierta de la entrada está iluminada con fluorescentes en la zona interna del platillo. Se diferencia ligeramente de los demás platillos porque parece que haya salido directamente de una película de serie B de los cincuenta. La excepción al diseño general es el restaurante Hot Dog, el único edificio de Glipforg que no sigue la temática de los platillos y es, en cambio, un enorme perrito caliente en forma de U. Los creadores se han salido claramente de la categoría Googie, ¿ha sido un despiste? Para nada, confirma el Diseñador de Producción Visual Julián Romero, dado que, de hecho, es el homenaje más difícil de PLANET 51: “Hay una referencia muy rebuscada: la nave accidentada de Alien”.       

Dwayne Johnson es Chuck en la versión americana

Uno de los elementos más originales PLANET 51 son los coches. “La clave fueron los coches-platillo, que son la base de toda la estética de PLANET 51”, comenta el director Jorge Blanco. Desde el momento en que alguien habló de un Cadillac con forma de platillo volante fue como si nos hubieran dado cuerda… la película tomó forma y esa idea actuó de catalizador para todos los debates relacionados con el diseño de la misma. Además, según el codirector Marcos Martínez, esa decisión estética fue un regalo para los diseñadores: “El diseño de los coches fue facilísimo. Supimos lo que queríamos hacer desde el principio y trabajamos con ese concepto.  Había miles de oportunidades, había tantos modelos reconocibles que mantenían todas sus señas de identidad incluso después de la ‘planetización’, y todos encajaban sin problemas en la estética de Estados Unidos en los cincuenta. El hecho de que hubiera tantos vehículos diferentes y tan dispares –desde los coches municipales hasta los coches de policía pasando por los autobuses del colegio y urbanos, bomberos, etc. a los coches particulares– que se hayan podido convertir en naves alienígenas redondas y pomposas demuestra la maleabilidad del concepto. Lo mismo se aplica a los vehículos militares, los tanques Sherman, los jeeps, los camiones y una memorable grúa de araña encajan a la perfección. Lo mejor de estos vehículos es que no tienen ruedas ¡sino que flotan! Todos los vehículos hacen referencia a los coches de esa época”, añade Martinez. “Sé de gente que ha visto imágenes del film y se ha quedado alucinada porque reconocen todos los coches que aparecen en la película”.  El productor Ignacio Pérez comenta: “Una de las ideas de las que más orgullosos nos sentimos es la de los coches-platillo. Es lo que más nos gustó crear y creo que va un paso más allá de cualquier otra cosa que se haya visto antes”. 

Aspectos técnicos:

Para lograr los niveles máximos de calidad, Ilion Animation Studios sabía que tenía que trabajar con una infraestructura técnica bien desarrollada, y por tanto la idea inicial de utilizar ‘white box’ workstations desde las cuales se montaría la granja de render utilizando dichas piezas informáticas fue descartada rápidamente. Así, los artistas de Ilion han creado un producto de talla mundial gracias a más de 200 terminales Hewlett Packard y una infraestructura en red de HP, más de 56.000 GB de espacio de almacenaje de BluArc y más de 2.500 bases de render Blade y 1U. Ilion Animation Studios era consciente de que crear una película como PLANET 51 iba a ser un reto enorme por sí mismo, así desde los inicios se propusieron alejarse de los riesgos técnicos que conllevan los gráficos por ordenador: la iluminación global, la simulación de ropa y pelo y la dispersión del subsuelo. Según iba avanzando la producción llegaron a la conclusión de que sería necesario enfrentarse a los elementos que habían estado evitando si querían producir una película con una calidad técnica excelente. “El deseo de sobresalir nos animó a enfrentarnos a los desafíos y a añadir todos esos detalles especiales que han hecho de PLANET 51 la película que verán los espectadores en el cine”, dice el Director de Tecnología de Ilion Gonzalo. En la versión inicial, Chuck, el Astronauta, no se quitaba el casco en toda la película. “Recuerdo el día que alguien dijo que tenía que verse la cara del astronauta y las expresiones de su rostro para que el público pudiera conectar mejor con el personaje”. “Sabíamos que sería un reto enorme lograr que el pelo encajara con la estética que estábamos utilizando, especialmente teniendo en cuenta la iluminación global, la dispersión del subsuelo y todos los otros detalles que definen el aspecto general de PLANET 51, pero nos pusimos manos a la obra y logramos superar los retos y conseguir ese look final tan impactante que hemos creado finalmente. El producto final de Ilion Animation Studios es comparable a las producciones de los mejores estudios de animación del mundo, y se ha logrado con un presupuesto bastante menor. Según Rueda, “Centrarnos en un proceso estricto y automatizado y el empeño en controlar el acceso a los recursos informáticos en el estudio ha sido la clave que nos ha permitido producir una película con la calidad de PLANET 51 sin salirnos del presupuesto establecido”.

Jessica Biel pone voz a Neera

Ilion Animation Studios ha tenido que superar muchos escollos a la hora de realizar su primer largometraje, PLANET 51. “Nuestro principal deseo como estudio era crear la mejor película posible y, por ello, implementamos nuevas ideas sobre cómo mejorar el largo a pesar de la multitud de retos tecnológicos que conllevara. El talento, la motivación y los esfuerzos conjuntos de los equipos técnicos y artísticos nos han permitido llevar a la pantalla todo aquello que habíamos soñado. Durante el desarrollo de PLANET 51 logramos solucionar miles de temas a los que antes no sabíamos hacer frente, tanto que estoy seguro de que podremos lograr cualquier cosa que nos propongamos”, comenta Rueda. La creación de PLANET 51 requirió no sólo creatividad y compromiso sino innovación. Incluso teniendo en cuenta exclusivamente los aspectos tecnológicos de una película como PLANET 51, la cantidad de innovación es inusitada. El departamento de Herramientas de Ilion Animation Studios creó más de doscientos desarrollos para la producción de PLANET 51. Estos desarrollos van desde los “cuatro pilares” de la tecnología Ilion (GLT, Asset Tracker, Asset Manager, Asset Loader), hasta desarrollos de mayor envergadura como el Lighting Layers Manager, pasando por desarrollos comparativamente menores diseñados para simplificar u optimizar flujos de trabajo específicos. GLT es un formato de archivo propietario que almacena cámaras, geometría y la animación de dicha geometría. No sólo facilita la transferencia de información de un escenario de pipeline a otro, sino que también permite a los artistas trabajar utilizando información referenciada, lo que garantiza que todos los departamentos trabajen con datos actualizados (al exportar cámaras en formato GLT, Ilion garantiza que todos los artistas trabajen siempre con las últimas actualizaciones de cámara) e impide que crezca el tamaño de los archivos (los escenarios grandes se componen en su totalidad de referencias, lo que hace que las escenas sean manejables y de un tamaño reducido). Actualmente, Glt Export/Import tiene soporte tanto para Autodesk 3dsMax como para Autodesk Maya.

Seann William Scott es el divertido Skiff

El Asset Tracker es una aplicación de intranet, y es la principal herramienta de producción. Sirve para crear y definir los assets (localizaciones, personajes, props, etc.), así como para hacer el seguimiento y control de su estado. Si no consta en el Asset Tracker, no existe. Cuando se crean assets, el Asset Tracker cuenta con automatismos que generan estructuras de directorio predefinidas y archivos de plantilla para los artistas. El Asset Manager es un programa que básicamente permite que una cantidad elevada de usuarios trabajen en un conjunto de archivos simultáneamente de manera organizada y segura. El Asset Manager permite a los artistas descargar archivos a sus máquinas para trabajar con ellos o subir sus propios archivos. Cuando terminan de trabajar con un archivo lo vuelven a enviar a la unidad de almacenamiento principal utilizando el Asset Manager, que lleva un historial de todos los cambios. También se ha incluido una serie de automatismos en el Asset Manager que permite a los artistas enviar automáticamente renders, o exportaciones de GLT, de sus archivos con sólo hacer clic con el botón derecho sobre el archivo en cuestión y seleccionar la opción relevante.  El Asset Loader es una herramienta diseñada específicamente para 3dstudio max que permite a los artistas gestionar sus escenas de manera más eficaz y con menos posibilidad de error. Al conectar con el Asset Tracker, el Asset Loader sabe exactamente qué assets están asociados a un plano determinado, y puede ofrecer al artista una lista de lo que debería incluir en su escena y le da la opción de añadir o eliminar cualquier asset, siguiendo automáticamente el procedimiento correcto. El Lighting Layers Manager es una herramienta desarrollada para el departamento de iluminación necesaria para los requisitos de iluminación y composición de la película. Al permitir que un iluminador genere todas las capas necesarias para componer un único archivo .max, el Lighting Layers Manager ahorra gran cantidad de tiempo a Ilion Animation Studios, no sólo a la hora de diseñar el boceto inicial de una escena sino para tratar los cambios, ya que sólo hay que actualizar una escena. Ilion Animation Studios renderizó toda la película PLANET 51 utilizando el motor de render Cyclops de Animated Pixel. El motor de render Cyclops hizo posible generar la estética específica de PLANET 51. Al contar con desarrolladores de Animated Pixel en plantilla, el motor de render Cyclops “creció” con PLANET 51 y se integró a la perfección con el resto de las herramientas de Ilion Animation Studios.

Marcos Martínez, co-director

Pipeline de Ilion Animation Studios (Flujo de trabajo)

El primer paso para crear una película como PLANET 51 es desarrollar el guión. Un buen argumento es el corazón de toda película, sobre todo si es de animación. Sin embargo, el guión también es parte importante del proceso de planificación, ya que ayuda al equipo de producción a saber exactamente cuántos planos, personajes, localizaciones, etc., habrá en la película. Cuando el guión alcanza un nivel aceptable de detalle, la siguiente etapa se conoce como storyboarding. Esta fase consiste en realizar varios dibujos de cada plano de la película para visualizar el guión, pero también para experimentar con cambios en el argumento. En este punto, el guión sigue vivo y estrechamente relacionado con el storyboard.  Cuando el storyboard alcanza un nivel aceptable, se procede a la primera visualización del script como “película”, un modelo llamado animática. Se añade un diálogo provisional y/o, en ocasiones, una banda sonora provisional a la secuencia de viñetas del storyboard. Esto permite que el director tome decisiones sobre los problemas de guión, posición de cámara, lista de planos y timing que pueda tener el storyboard en ese momento. La animática normalmente experimenta numerosos cambios y ediciones y sólo se considera completa después de mucho trabajo, ya que editar la película en la fase animática puede evitar animar escenas que habría que editar de la película, un proceso demasiado costoso. Cuando se aprueba la animática en 2D, se crea una animática en 3D conocida como layout. Esta es la primera visualización del guión en 3D. Se crea una geometría de baja resolución y personajes simplificados para generar una versión provisional de la película en 3D. En esta fase, se definen las posiciones y movimientos de cámara en 3D. Como esta es la última fase antes de comenzar la animación, vuelve a realizarse un riguroso repaso de los planos y las distancias de plano para que no haya que generar animación innecesaria.

Cuando se aprueba la animática, el equipo de producción sabe qué assets hay que crear para la película, y los departamentos de Modelado crean los personajes y localizaciones 3D que compondrán el contenido de la película. El Departamento de Setup y rigging transforma los modelos de personaje y los props estáticos en marionetas 3D que se pueden manipular para que se muevan como en la realidad. Cuando se completa el layout, la localización donde actuarán los personajes y los controles 3D, comienza la fase de animación. En este momento, los artistas manipulan los personajes de la película para darles movimiento. Los artistas de animación se esfuerzan por dotar al personaje  de personalidad así como de una profunda carga emocional, para que al espectador le dé la impresión de que cobra vida. Cuando el plano está animado, los artistas de Composición de Escena preparan el plano para las siguientes fases del pipeline: iluminación, FX y composición, eliminando cualquier geometría superflua de la escena y asegurándose de que se aplique un nivel adecuado de detalles a cada objeto del plano. La Composición de Escena no sólo ahorra tiempo y complicaciones posteriormente en el pipeline, sino que sirve como punto de control para lo que llega al otro extremo del pipeline, ayudando a mantener un seguimiento de los cambios.

Los artistas de iluminación dan luz al plano, transformando una escena de apariencia inerte y monótona en una representación de la realidad estéticamente agradable y plausible. La fase de iluminación no sólo hace creíble una escena, sino que también se utiliza, como en películas y obras de teatro tradicionales, para comunicar ambientes específicos. El departamento de iluminación genera una serie de capas de iluminación que posteriormente se utiliza en composición, y cada una representa un componente de la iluminación de las escenas. El departamento de efectos (FX) es responsable de realizar todo lo que no crean los demás departamentos: humo, fuego, explosiones, polvo, etc. El departamento de FX también tiene la función de generar simulaciones físicas complejas como la rotura de un cristal o edificios derrumbándose. Al igual que en la fase de iluminación, el departamento de FX genera una serie de capas que posteriormente se utilizan en la composición. La última fase de pipeline se conoce como composición. Los artistas de composición aúnan todas las capas generadas por iluminación y FX para crear los frames definitivos de la película. Además de reunir los elementos de iluminación y FX, la composición también se encarga de realizar ajustes de los colores de cada plano para garantizar la continuidad en la iluminación durante toda la película.

PLANET 51  se estrenará en España el 27 de noviembre

Justin Long en la sesión de doblaje

Chris Weitz ha sido el director encargado de dirigir la segunda parte de la exitosa franquicia juvenil “Twilight”, titulada “Luna nueva”. Su currículo no es que sea una joya, y todo indica que con este largometraje se ha quitado la espina clavada que suponía tanto “La brújula dorada” como “Un niño grande”. La premiere ha tenido lugar el pasado 12 de noviembre en Madrid,  concretamente en el Palacio Vistalegre del castizo barrio de Carabanchel. Hasta allí llegó el elenco de este film, y aquí podréis que dio de sí el evento, en una nueva crónica de JuliaCGS cargada de ironía y humor.

Cuatro días después, concretamente el 16 de noviembre, ha tenido lugar la premiere americana en Los Ángeles, pero lo más alucinante de todo es que ya tienen en postproducción la siguiente entrega “Eclipse”. Esto ha sido así porque hay tantos seguidores de la vampírica saga en nuestro país que los productores decidieron hace unos meses, tal y como os adelantamos aquí en Videodromo, que España fuera el país que diera el pistoletazo de salida.  Fijaos si es un fenómeno de masas que aquí en los cines hay programada una sesión especial de madrugada al precio astronómico de 11 dólares, y para el cual ya no hay entradas. Wyck Godfrey tras los intentos de encontrar una franquicia rentable con “Eragon” parece que lo ha conseguido con “Crepúsculo”.

Una vez más, la guionista encargada de trasladar el segundo libro de la autora norteamericana Stephenie Meyer a la gran pantalla es Melissa Rosenberg. Eso sí calidad no le va a faltar porque se suben al proyecto dos grandes talentos, por un lado el español Javier Aguirresarobe, que se encarga de la fotografía y el francés Alexandre Desplat que ha puesto los acordes a esta nueva entrega y creo que ha tenido bastante porque no aparece en los créditos de “Eclipse”. Todos recordaréis su maravilloso trabajo para “Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel”.

Entre todo el elenco de actores continúan tanto  Robert Pattinson  y Taylor Lautner, que poco a poco están eclipsando a otras jóvenes estrellas como Zac Efron, por lo menos a este lado del Atlantico. También aparece la cada vez más crecidita Dakota Fanning, Jackson Rathbone al que vamos a ver en la secuela de Donnie Darko llamada “S.Darko” y Jamie Campbell Bower que está de enhorabuena porque acaba de estrenar “The prisoner” aquí en los Estados Unidos. Se suman nuevos rostros como Curtis Caravaggio que interpreta al vampiro Rogue y le habéis visto recientemente en la serie “Battlestar Galactica”  o el desconocido Charlie Bewley que da vida a Dimitri. Y rescatan a actores como Graham Greene al que todos recordaréis por su gran papel en la escarizada “Bailando con lobos”.

Rodada en entre Canadá, Oregón y Europa. Para más señas en la ciudad de Vancouver y en localidades de Whytecliff Park, el Instituto David Thompson, Pitt Meadows  y en Portland. Mientras que en Europa han elegido Italia, concretamente dos bellas localidades y muy distintas entre sí. Por un lado la gran Toscana, concretamente en  Montepulciano, Siena, y por otro en la Umbria, en Todi y Perugia.

Un día después de su estreno comercial en salas en España de esta nueva entrega de la Saga Crepúsculo supera todas las expectativas con una recaudación en taquilla que supera la increíble cifra de 1.450.000€ (más de 260.000 espectadores), lo que la sitúa como la tercera mejor apertura de la historia de una película no estrenada en viernes, sólo por detrás de “Harry Potter y el principe mestizo” y “Harry Potter y la orden del Fénix” y por delante de películas tan emblemáticas como “El Retorno del Rey”, tercera entrega de la trilogía de El Señor de los Anillos. Esto demuestra que los espectadores estaban ansiosos por poder verla. Han acudido en masa a las salas para disfrutar de la continuación del intenso y apasionado romance entre la mortal Bella y el vampiro Edward. Una vez más, los seguidores españoles de la Saga se han vuelto a volcar en su apoyo a la película, demostrando que son una de la mejores aficiones del mundo, motivo por el cual han podido disfrutar de ella dos días antes que en Estados Unidos.

Y habéis acertado bien, Videodromo se suma a la fiebre juvenil y esta semana el estreno destacado es “LUNA NUEVA” y “La firma invitada” ha sido Victor Guybrush, quien ha tenido la suerte o desgracia, según la opinión de cada uno, de acudir al pase de prensa para darnos su opinión sobre esta nueva entrega. El resto sacad la lima y poneos a afilar los colmillos para verla este viernes.

“LUNA NUEVA” comienza cuando Bella, la protagonista, cumple 18 años. La noche anterior al señalado día la chica tiene una pesadilla en la que se ve a sí misma, ya anciana, acompañada de su inmortal pareja vampírica, Edward Cullen, quien conserva su aspecto juvenil. Esto pone muy nerviosa a Bella, que se da cuenta de que, si ya son difíciles las relaciones normales, una entre un mortal y un vampiro se antoja imposible. Para rematar durante su fiesta de cumpleaños un pequeño incidente con un corte en el dedo de la chica, con la consiguiente tensión que provoca en algunos vampiros invitados hace que Edward Cullen decidan alejarse de Bella y así protegerla de los de su especie. La depresión alcanza a nuestra protagonista, que solo encuentra consuelo momentáneo en la compañía de Jacob, un indio que esconde un curioso secreto.

Debo confesar que no he leído los libros, así que este comentario solo atiende a elementos vistos en la película Luna nueva. Y solo atendiendo a ellos me reafirmo en mis prejuicios, ahora ya contrastados: la película no tienen ningún interés si no eres seguidor de la saga Crepúsculo, y siendo seguidor más de uno debería plantearse qué es lo que está viendo, porque hay elementos vergonzosos (y no me refiero al trato que se da al mito del vampiro).

Me pregunto cómo es posible que alguien se identifique con los personajes. Entiendo que la película sea “para chicas” (más bien para algunas chicas, no para todas, por suerte) y que los torsos desnudos de los protagonistas, que buscan cualquier excusa para lucir musculatura de gimnasio (uno) y pálida escualidez (el otro) sean una constante, pero no me puedo creer lo poco cuidados que están los personajes femeninos, apenas unos cuantos estereotipos bastante tristes, con los que espero que ninguna mujer se sienta identificada.

Bella es la chica más dependiente sobre la faz de la tierra. Su vida gira alrededor de su amor por Cullen y está decidida a dejar atrás a amigos y familia, que no significan nada para ella en comparación con el vampiro, si fuese necesario. Cuando Edward la abandona (con el viejo truco de enfadarla tanto que no quiera volver a verte, alejándola así del peligro que supone estar a tu lado, por su bien, truco aquí empleado de forma bastante lamentable y poco creíble) la chavala entra en una depresión profunda que dura meses.

Termina buscando el cariño que le falta en Jacob, un indio melenudo que termina cortándose el pelo (para las fotos de promoción de la película, claro), pero en realidad ella sigue queriendo a Edward Cullen. Pronto empieza a tener visiones de Edward, quien empieza a actuar como un ángel de la guarda cuando un peligro acecha a la muchacha, lo que hace que Bella se involucre en acciones cada vez más arriesgadas a fin de volver a ver a su querido vampiro. Aunque por un momento parece que la película se va a volver un poco Crash (Cronenberg, 1996) al final la cosa se queda en un coscorrón en moto y poco más. 

El resto de chicas que tienen más de dos minutos en pantalla son Alice, interpretada por Ashley Greene, personaje totalmente prescindible que está ahí para llevar a Bella al enfrentamiento con los malos y poco más, y Dakota Fanning con dos kilos de maquillaje con los que aparenta cinco años más de los que tiene y que se limita a acatar las órdenes de los vampiros superiores de forma sumisa. Y ya.

A pesar de todo esto ¿funciona la película? No, tampoco. Esta es una película de personajes, y si estos resultan ser más planos que las hojas de los libros en los que aparecen es imposible sacar nada bueno de ella. Entiendo que las (y los) fans de la saga sepan a lo que van y acepten Crepúsculo con sus limitaciones, pero el resto del mundo puede pasar por alto estas dos horas y media de culebrón en lo que lo más ardiente son dos besos (dos, en serio) que se dan Edward y Bella al principio.

La forma de expresar el amor que sienten el uno por el otro consiste en utilizar frases a cual más azucarada, sentida, pretendidamente profunda y en general bastante cabreantes, dando la impresión de ser una especie de Romeo y Julieta bastante cutre, desesperante y risible a partes iguales que haría morirse de la vergüenza a la persona más cursi del mundo.

No encuentro nada que pueda motivarme a recomendar este producto. Como mucho, las risas que se produjeron con la última línea de la película y que no me resisto a comentar (si tienes muchas ganas de ver la película sin saber cómo acaba aquí se termina la crítica para ti). Para todos los demás: Edward le pregunta a Bella si quiere casarse con él después de aceptar que ella quiere convertirse en vampiro por estar con él y que será él mismo quien le de el mordisco.

O sea, el tipo le va a dar el beso que la transformará en vampiro, va a condenarla a una eternidad de sufrimiento, seguirán el uno al lado del otro para siempre pero, de todas formas, quiere casarse con ella. ¿No es convertirla en un monstruo inmortal bastante prueba de su unión más allá de las barreras del tiempo?  “Las cosas hay que hacerlas bien”, habrá pensado el bueno de Edward, y eso significa que la unión no debe ser únicamente de facto, sino también a los ojos de Dios, no sea que acaben viviendo en pecado. Apaga y vámonos.

LUNA NUEVA-TRAILER

Be seeing you. Te observamos

Number 2. Número 2

Cuarenta y dos años después la cadena británica ITV conjuntamente con Granada Television y Out of Africa Entretaiment han realizado un ambicioso remake  de la famosa serie “EL PRISIONERO”, creada y protagonizada por el actor Patrick McGoohan en 1967. El original poseía 17 capítulos. En ella McGoohan interpretaba a un agente secreto que es raptado y llevado a una isla conocida como la Villa.  En Estados Unidos el canal American Movie Classics (AMC) ha distribuido esta nueva versión homónima y la estrenó el pasado domingo 15 de Noviembre. De momento no hay fecha confirmada de estreno en otros países, pero saldrá al mercado de DVD el próximo mes de marzo aquí en EEUU.

EL PRISIONERO

Es una miniserie de 6 episodios. Está protagonizado en los principales papeles por  James Caviezel que da vida a número 6, Ian McKellen a  2 y Jamie Campbell Bower que en la serie es 11-12 y le vais a ver en breve en los cines de todo el mundo haciendo de Caius en la nueva entrega de la saga Twilight, New Moon. Entre los personajes femeninos hay que destacar a Ruth Wilson y Hayley Atwell que son las siempre inquietantes 313 y 415. La serie comienza con el capítulo llamado…

“The arrival”-”La llegada”

Cuando un hombre misterioso se despierta en las montañas, ve como un hombre es perseguido y acaban matándole. Antes de morir le revela su nombre es 93. Trata de seguir huyendo pero acaba llegando a un misterioso lugar llamado La Villa. Allí dejará de tener un nombre y pasará a llamarse 6. La Villa es una especie de enorme carcel, de la que no se puede salir. En donde todo el mundo conoce a todo el mundo. Nadie posee nombre. Su máximo dirigente es número 2. Este posee una mujer que yace en estado catatónico en una cama, hasta que 2 le pone tres pastillas en la boca, resucita durante unas horas y vuelve a caer en coma. Además las cosas en casa de número 2 se complican porque el joven 11-12 empieza a cuestionarse lo que dice número 6. El único recuerdo que tiene número 6 de su vida en New York es una mujer llamada Lucie. Por más que lo intenta no hay de qué escaparse porque no hay realidad más allá de la Villa. De repente un buen día hay un atentado en una cafetería donde trabaja la amiga de 93, una de las pocas personas que cree a número 6, y antes de morir le dirá la clave: “Sigue a las torres”

“Harmony” -”Armonía”

En la Villa número 6 encontrará a su hermano 16. Pero a pesar de tener recuerdos sobre él, negará su existencia. Por ese motivo le obliga número 2 a acudir al psicoanalista. Este capítulo gira en torno a lo que es real o no. Así 6 se plantea que su casa no es su casa, su hermano no es su hermano. Así descubrimos a través de los recuerdos que tiene de su última cita con Lucie que trabajaba como analista de datos para una compañía llamada Encore y ha dimitido. Pero todo será todo un constructo su imaginación? El sigue soñando con la imagen de la playa.

“Anvil”- “Yunque”

En este tercer capítulo número 2 le propone un trato a 6, y ambos saben que es una trampa. Le propone dar clases en el colegio. El director es 955 del colegio, número 2 encarga a unos de sus agentes 909 que le investigue con la ayuda de 6. Lo que 909 no sabe es que 2 le propone a 6 que le investigue.

“Darling”- “Cariño”

Número 6 se levanta y encuentra una tarjeta de una agencia de contactos. La pareja que le encuentran  no es otra que Lucie, sólo que se llama 4-15. Pero 313 comienza a sentir celos y se siente traicionada, así comienza a ser manipulada por 2 y la necesidad de matar a 6 crece en su interior. 6 acaba encontrándose una noche en el restaurante de la Villa con 4-15, le confiesa que siente que se han conocido con anterioridad. Así realidad y ficción vuelven a mezclarse una vez más.

“Schizoid” -”Esquizo”

Número 6 sospecha que número 2 ha matado a 4-15 tanto dentro como fuera de la Villa. Mientras 12-14 quiere ver a su madre y número 2 le ofrece la llave de la habitación donde yace catatónica. Número 6 comienza a tener problemas con todo el mundo en la Villa, todos dicen que se comparta de un modo extraño, de forma agresiva hasta que descubre que hay dos número 6, y este le dice que mate a número 2.

“Checkmate”- “Jaque mate”

En este último capitulo 313 descubre que número 6 se muere. Este acude a ver a número 2 y este le plantea todo un dilema vivir en la Villa o morir. Así que comienza una verdadera cuenta atrás. Pero encontrará un aliado en 147. Número 6 trata de convencer a 12-14 para que abandone a sus padres y deje la Villa.

Un servidor tiene recuerdos vagos de la serie original. Sólo se acuerda del detalle del globo y de que nadie podía huir de la isla. Así que por ese motivo no puedo compararla con el original. Sólo os puedo adelantar que la trama deja de tener un trasfondo de espionaje. Así que es mucho más que una puesta al día, es toda una vuelta de tuerca.

Dirige esta radical puesta al día el británico Nick Hurran, su currículo es eminentemente catódico, así que no os puedo dar muchas pistas. Pero lo que os puedo adelantar es que ha hecho un producto televisivo con una gran factura, muy cinematográfica. Es más la influencia de directores como Tarsem Singh se dejan ver tanto en el montaje, como en el diseño artístico, fotografía o en la banda sonora creada por Christopher Willis. Así la imaginería es muy curiosa. La mezcla de estética rústica con la minimalista, de aires muy futuristas como la que se puede ver dentro de la consulta del psiquiatra hacen que el espectador esté todo el rato descolocado, y lo que es mejor no da pistas sobre lo que nos deparará el final. Es muy de agradecer que los efectos sonoros y visuales estén al servicio de la trama.

Impresionantes son las localizaciones donde han rodado. Sabe sacarles todo el rendimiento posible, haciendo que parezca un lugar ajeno y desconocido, con un marcado carácter irreal. Así las imágenes del desierto pertenecen al desierto de Namibia, el resto ha sido íntegramente rodado en Sudáfrica, concretamente en Ciudad del Cabo y localidades aledañas como Worcester, el tunel de Huguenot situado en las montañas de Toitskloof o el Resort de la playa de Monwabisi situado en  Khayelitsha. Las escenas del club son del interior del teatro Bijou de Ciudad del Cabo y las de la empresa al Centro Internacional del Convenciones de Ciudad del Cabo.

La serie funciona. Ian Mckellen consigue crear un personaje sumamente inquietante, no deja de ser una suerte de Gran hermano que lo controla todo, es manipulador, dentro y fuera de su familia, tiene a toda la Villa bajo su mando. Es un gran villano, digno del mejor Benjamin Linus, que últimamente anda en momentos de decadencia en “Perdidos”. Ni el menor detalle escapa a su control.

Las relaciones entre los personajes son tortuosas. Nadie saben en quien confiar. Nadie tiene claro si pueden creer que existe un mundo más allá de la Villa. Todos tienen sueños de una realidad diferente fuera de la Villa. Lugar aparentemente idílico, pero que en cuanto escarbas un poco te das cuenta que no lo es tanto. Eso sí, todos tienen cubiertas sus necesidades. Lo malo es que para sobrevivir en ella tienen que acabar traicionándose unos a otros. El argumento posee más dobleces, porque no puedes fiarte de tus sentimientos, ya que cabe la posibilidad de que alguien te los haya manufacturado. Este aspecto me recordó a los implantes de los replicantes en “Blade Runner”.

Los homenajes al original son obvios y directos, por ejemplo en el episodio llamado “Esquizo” podréis ver la famosa bicicleta colgada del techo del pub, o por ejemplo en el primer capítulo se puede ver como emerge del agua el enorme globo blanco y engulle a uno de los personajes. La gradación de los enigmas está bien y hacen que te sientas atraído. Como ver un ancla enorme en el desierto. No pude evitar recordar ese plano tan curioso de “Encuentros en la tercera fase” de Spielberg en el que aparece un barco en el desierto. Los derroteros de esta nueva versión son realmente sorprendentes, así que os aconsejo el visionado de este remake, es una buena puesta al día.

Pero si sois seguidores de Los Simpson en uno de los capítulos hay una estupenda parodia en la que el propio McGoohan ponía voz a su personaje Número 6. Homer es secuestrado y enviado a una isla por descubrir secretos en su página web.

LOS SIMPSON HOMENAJE A “EL PRISIONERO”

En septiembre de 1974 se estrenó “PHASE IV”, film dirigido por Saul Bass y producido por Paramount Pictures y Alced Productions. El título se tradujo en España como “SUCESOS EN LA IV FASE”.

La primera vez que vi este film fue con 12 años en el extinto cine Lido de Valencia. Me pareció fascinante e hipnótica. La habré visto desde entonces varias veces y he de reconocer que nunca me ha aburrido. Al revés siempre me ha parecido muy inquietante la propuesta.  

Tras un extraño fenómeno astronómico, ingenieros, místicos y astrónomos de todo el mundo se ponen a estudiar las consecuencias. Pero el efecto pasó inadvertido salvo para un biólogo inglés llamado Ernest D. Hobbs, catedrático del instituto de Colorado. Observa que en un valle de Arizona la hostilidad entre dos especie de hormigas ha cesado, han comenzado a organizarse y de repente sus depredadores habituales desaparecen del entorno, lo que puede dar lugar a un inevitable incremento en la población de hormigas. Por este motivo sugiere construir una estación experimental en el lugar donde se han observado los hechos. Estará dotada de equipo sofisticado. Le acompañará solamente un experto en criptografía, el doctor James R. Lesko del centro oceanográfico de San Diego. Tras desalojar la zona de habitantes dará comienzo el experimento y nos adentraremos en la segunda fase. Los hechos se encadenan con una secuencia lógica.

Construido todo el metraje como un enorme flashback, la acción nos es narrada por uno de los personajes y eso le otorga un carácter apocalíptico, y eso hace que el espectador es consciente de que los hechos son inevitables. Mayo Simon realiza el mejor trabajo de su carrera profesional, ya que es sólido como una roca. Dota a todos los personajes de una gran personalidad, inclusive a las hormigas. No hay fisuras. Estamos ante una trama eminentemente psicológica. Esto hace que este largometraje de ciencia ficción sea un tanto peculiar. Podremos ver que en el juego los observadores son observados. Qué aparentemente unos posee el liderazgo de la situación, pero en la realidad no lo ostentan. Asistiremos a una reacción en cadena, una vez desatada la espiral de violencia. Y en la que como en toda batalla siempre morirán los más inocentes.

Estamos ante un largometraje austero, en el fondo y en la forma. Donde su espectacularidad nace de su propia puesta en escena creada mano a mano entre John Barry y el propio Bass, que es absolutamente minimalista. Por ese motivo es heredera de “La amenaza de Andrómeda” o “Almas de metal”, ambas de Michael Chritchon.  Dominada por ambientes marcadamente geométricos, muy del gusto de su autor. Porque como veremos la geometría jugará un papel importante en la trama.

Saul Bass realiza un gran esfuerzo en hacer algo realmente diferente dentro del campo cinematográfico, y máxime dentro del género. Huye de la espectacularidad de los efectos especiales, para que estos se integren en la trama y jueguen al servicio del largometraje. Pasando inadvertida la gran y sobresaliente labor de Keith Hamshere, que se encargó de fotografiar las escenas de los insectos. Puntuada por el notorio trabajo de Brian Gascoigne, que realiza una partitura dominada por los sintetizadores de la época. Llegando a que el espectador sienta lo que sienten las hormigas, habla por ellas a través de los acordes tan simples como magistrales. Este compositor se haría realmente famoso entre el gran público por haber creado la banda sonora de “La mujer del teniente francés” o “Gosford Park”.

El resultado global es tan curioso como maravilloso. Muchas de sus escenas parecen que están rodadas como si se tratara de un documental. Esto le sirve para crear un paralelismo entre la figura humana y las hormigas, que en solitario puede ser una forma bella de vida, potencialmente indefensa, pero que en masa son devastadoras tanto la una como la otra. Esto nos lleva a que estábamos acostumbrados a ver invasiones desde el espacio exterior, pero que ocurriría si fuera desde dentro. Eso es lo que la hace tan aterradora.

Me gusta que otra especie de nuestro entorno acabe con nosotros, sobre todo porque somos irrespetuosos con el medio ambiente. Ahí es donde la lectura ecológica surge, recordad que está realizada en los setenta, cuando se prohibió el uso indiscriminado de insecticidas como el DDT. En ese aparente desequilibrio de fuerzas, en donde los humanos ostentamos una aparente posición de superioridad, es justo ahí donde el guionista juega su mejor baza. Así la posibilidad de comunicarse, de negociar o de buscar una salida digna a la ecuación se hace una tarea dura y difícil.

Los dos pilares del guión son dos personajes antagónicos interpretados magistralmente por Michael Murphy y Nigel Davenport. A pesar de que los dos son cerebrales, uno de deja llevar por la pasión del experimento, así que se torna absolutamente irracional, máxime cuando está bajo el influjo de la fiebre. Así Hobbs, el biólogo queda como un ser autoritario, insensible, inflexible. Mientras que el otro personaje posee una personalidad más atemperada, es más lógico. Esa racionalidad hará que consiga alcanzar su objetivo de comunicarse con ellas.

Inquietante es la escena de las “torres” de tierra que construyen las hormigas. Pero para mi la secuencia más conmovedora de todo el metraje es donde se demuestra la capacidad de sacrificio de las hormigas, en la escena que van llevando el veneno amarillo a la hormiga reina. Ver cómo van feneciendo una tras otra, es en ese mismo instante cuando como espectador deseas que esa batalla la gane el enemigo.

Saul Bass le ofreció dos papeles secundarios a dos actores míticos dentro del género, así Alan Gifford que interpretó en “2001, una odisea del espacio” al padre de Frank Poole, aquí da vida al granjero el señor Eldridge, y su mujer estará interpretada por la actriz Helen Horton, que pondría la voz a Madre el ordenador central de la Nostromo en “Alien”. 

Otra de sus múltiples curiosidades es que no hay rótulos de crédito iniciales, y eso que el film está dirigido por el gran creador, al que ya le dedicamos un post en su momento, y en el podréis ver su gran trabajo en ese campo. Tendremos que esperar al final del metraje para verlos.

Así esta tragedia apocalíptica está construida en tres actos, cada uno precedido por su respectivo título Fase I, Fase II,  Fase III, y será sólo en ese momento cuando se le revele al espectador el verdadero título de del film, concluyéndolo de una forma totalmente austera, sin música, sólo con el sonido del viento, generando uno de los rótulos de crédito más angustiosos que un servidor haya visto nunca. Y es más, deja un final abierto a la especulación e interpretación del espectador, siendo este el verdadero creador de la cuarta fase.

Estamos pues ante una obra de culto, injustamente olvidada y que merece ser rescatada del olvido, merece ser visionada. La considero una cinta fundamental dentro del género. Que su maestría radica en al planificación de cada escena, la gradación del suspense es digna del gran maestro y la cadena de hechos hacen que el final sea inexorable. Terminaré rescatando uno de los mejores diálogos, concretamente el del oceanógrafo James R. Lesko…

 Nos dimos cuenta que nos estaban transformando para que entráramos a formar parte de su mundo. No sabíamos para qué, pero estábamos seguros de que tarde o temprano nos lo dirían.

Dedicado a JMongil, SuperSantiEgo y sobre todo a Cinéfila y Paloma Chamorro, allá donde esté esta genial periodista.

No hay nada como lo prohibido…

Con este post quiero rescatar del olvido otra forma de hacer televisión y de entender las cosas.  En el edificio que tenía RTVE en Pozuelo había un departamento llamado “Programas especiales”. Capitaneado por Alfonso Cortés-Cavanillas era el cuartel general de magníficas e ingeniosas producciones como “La bola de cristal”, “El ojo del vídeo” o “La edad de oro”. Este último era el estandarte de la modernidad. Algunos de ellos acabaron siendo prohibidos y retirados de la parrilla. Que se lo cuenten al transgresor crítico musical Carlos Tena y a su “Caja de ritmos” que duró bajo su mano tres telediarios nunca mejor dicho, ya que tras la emisión del tema musical “Me gusta ser una zorra” del primer grupo punk femenino español llamado “Las vulpess”. Así Mamen, Loles, Lupe y Begoña saltaron a la fama. Fue un temazo este cover de “I wanna be your dog” de lggi Pop & The Stooges. Todos nos quedamos de pasta de boniato aquella mañana del sábado 16 de Abril de 1983 al verlo. Fue como la polvora, fue la comidilla del instituto al lunes siguiente.  Pero lo que nadie se esperó fue la reacción de los directivos de la cadena antes las airadas críticas recibidas al decidir que el cuarto programa no vería la luz. Entre ellas la de José Mª Álvarez del Manzano, por aquel entonces consejero de RTVE y posterior lacra de alcalde de Madrid, que decía por activa, pasiva y refleja que la letra de la canción era una obscenidad. Hasta hubo una querella criminal contra el programa “Caja de Ritmos” dictada por la Fiscalía General del Estado, eso llevó a que el programa dejó de emitirse y su director Carlos Tena dimitió. El delito de la querella era “El que de cualquier modo ofendiere el pudor o las buenas costumbres con hecho grave de escándalo o trascendencia incurrirá en las penas de arresto mayor, multa de 10.000 a 50.000 pesetas e inhabilitación especial. Si el ofendido fuere menor de veintiún años, se impondrá la pena de privación de libertad en su grado máximo, el arresto mayor supone una condena de uno a seis meses en la cárcel”. Pero de lo que no cabe la menor duda es que esto fue la bomba, fue tan mítico como ver borracho a Fernando Arrabal con su colega Sanchez Dragó hablando de milenarismo, la caña de España. Y ahora atentos niños y niñas a la letra que es lo mejor.

LAS VULPES-ME GUSTA SER UNA ZORRA

Letra “Me gusta ser una zorra”

Si tú me vienes hablando de amor,
que dura la vida, cual caballo me guía
permíteme que te de mi opinión.
Mira imbécil que te den por culo.

Me gusta ser una zorra
me gusta ser una zorra
me gusta ser una zorra
Eh, oh, ah, ah
Ay ay ay ay ay  cabrón!

Prefiero masturbarme, yo sola en mi cama,
antes que acostarme con quien me hable del mañana.
Prefiero joder con ejecutivos,
que te dan la pasta y luego vas al olvido.

Me gusta ser una zorra
me gusta ser una zorra
me gusta ser una zorra
Eh, oh, ah, ah
Ay ay ay ay ay  cabrón!

Dejando ahora mi profesión,
te pido un deseo de corazón,
quiero meter un pico en la polla
a un cerdo carroza llamado Lou Reed.

Me gusta ser una zorra
me gusta ser una zorra
me gusta ser una zorra

Para los más nostálgicos del cantante británico os dejo este vídeo emitido en la televisión británica en 1979, no os la perdáis. 

I WANNA BE YOUR DOG-IGGY POP AND THE STOOGES

Pero volviendo al tema de lo prohibido, programas como “La edad de Oro” eran un claro ejemplo del apoyo político a la cultura underground madrileña del momento, la llamada “movida madrileña”. Presentado por la gran Paloma Chamorro, se emitía en la 2 y su nombre hacía un claro homenaje a la película dirigida por Luís Buñuel en Francia en 1930.  Los productores del programa encargaron en 1985 a Pedro Almodóvar, tras el estreno de “¿Qué he hecho yo para merecer esto?”, la realización de un cortometraje. Se llamó “Trailer para Amantes de lo Prohibido”. Con suma reverencia toda la juventud del momento estábamos pegados frente al televisor para ver aquel trabajo realizado por el director manchego, cuya carrera en aquel momento todavía no había acabado de despegar en el extranjero.

Josele Román, Bibí Andersen, Ángel Alcázar, Sonia Hoffman y Poch protagonizan este corto musical que nos narra la historia de una mujer que es abandonada por su marido y que, acabará encontrando al hombre de sus sueños. Especial atención merece la aparición de Sonia Anabela Holimann que en anterior film. ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, interpretaba a Vanessa una niña con poderes paranormales, aquí es la hija de la mujer despechada. Rafael Monleón se encargó de dirigir la segunda unidad al igual que lo hiciera en “La ley del deseo”.

Este cortometraje de 18 minutos de duración es un claro ejemplo del cambio sociológico que experimentaba la sociedad española en aquel momento. Estamos ante un producto con una factura menos cinematográfica y más televisiva pero muy constumbrista. No hay nada como ver como van vestidos algunos personajes y los cortes de pelo, tan típicos de la tribu urbana llamada los “nuevos románticos”, que escuchaban a grupos como Spandau Ballet o Maniobras Orquestales en la Oscuridad. Es un corto fresco, gamberro, irreverente, transgresor y sobre todo espontáneo. Lo lleva al límite de las posibilidades, evidentemente porque no existía el riesgo comercial, Es un tanto bizarro y en el que encontraréis todas las constantes del cine del realizador manchego hasta el momento: los playbacks, los chistes desquiciados, frases antológicas o los juegos de palabras. Está claro que no le importó ridiculizar géneros ni estereotipos, como por ejemplo el de la mujer fatal. Podremos además ver como se abraza lo castizo o la tradición, encarnada en esos boleros tan queridos por Almodovar con la modernidad, así podremos ver playbacks tan antológicos como el de “Where is my man?” de Eartha Kitt, claro exponente de la música chochi del momento o el del bolero del mejicano Roberto Cantoral “Soy lo prohibido” protagonizado por Bibí Andersen. Imprescindible.

TRAILER PARA AMANTES DE LO PROHIBIDO (1ª PARTE)

TRAILER PARA AMANTES DE LO PROHIBIDO (2ª PARTE)

 Letra “Soy lo prohibido”

Soy ese vicio de tu piel
que ya no puedes desprender.

Soy lo prohibido.

Soy esa fiebre de tu ser
que te domina sin querer.
Soy lo prohibido.

Soy esa noche de placer,
la de la entrega sin papel.
Soy tu castigo.

Porque en tu falsa intimidad
en cada abrazo que le das
sueñas conmigo.

Soy el pecado que te dió
nueva ilusión en el amor.
Soy lo prohibido.

Soy la aventura que llegó
para ayudarte a continuar en tu camino.

Soy ese beso que se da
sin que se pueda comentar.

Soy ese nombre que jamás
fuera de aquí pronunciarás.

Soy ese amor que negarás
para salvar tu dignidad.
Soy lo prohibido.

No hay finales sin principios, y a petición de diversos lectores (Gonzalo, Radagast, etc) aquí da comienzo este espero que curioso TOP TEN rebosante de nostalgia por un tipo de cine que no volveremos a ver. Quiero dejar claro que a veces los realizadores optan por poner los rótulos de crédito en la secuencia inicial, otras no. En algunos casos están realizados y concebidos por los propios directores, y en otras no. Por eso, indicaré quién elabora los títulos cuando sea preciso. Para comenzar esta selección quiero hacerlo de una forma un tanto retórica. Si comenzamos elegiendo diez finales y ahora vamos a hablar de inicios, pues quien mejor que Chistopher Nolan para abrir fuego. Fue este arriesgado director que se atrevió a poner el final de la historia al principio del largometraje. Así pues, vayamos pues hasta el año 2000 cuando se estrenó “MEMENTO”.  Estamos ante un final y un principio, todo en uno. Mejor forma de empezar esta selección de comienzos de película no he podido encontrar. Ojo, a pasar de que me gusta mucho, este no cuenta. Se trata sólo de una forma de comenzar, allá vamos…

INICIO DE MEMENTO

En el puesto número diez tenemos… el inicio de “LA GUERRA DE LAS GALAXIAS“  dirigida en 1977  por George Lucas. Los títulos de crédito fueron obra de Dan Perri, creador también de los de “El exorcista” o “Taxi driver”. Este es uno de esos comienzos que uno tiene grabado a fuego en la memoria. Era un niño que deseaba verla. Había visto por la tele que habían estado en el festival de San Sebastián C3PO, R2D2, Darth Vader, Luke Skywalker, Han Solo, La princesa Leia. Tengo el recuerdo vago de verlos posando ante las cámaras en la playa de Donosti. Desde ese mismo instante quise verla. Tras mucha turra en casa y diversos intentos, conseguí que me llevaran a verla. Lo recuerdo perfectamente aún, fue en los cines Roxy de la calle fuencarral de Madrid, en sesión de noche, estaba abarrotada la sala y nos tocaron de las últimas filas A pesar de que era canijo y alguna cabeza me tapaba parte de la pantalla me fue absolutamente indiferente. Al oir los maravillosos acordes de Williams, entré en un fascinante mundo del que todavía creo que no he salido.

INICIO DE STAR WARS: UNA NUEVA ESPERANZA

En el puesto número nueve tenemos… el comienzo de “SEVEN“, dirigida por David Fincher en 1995, en este caso fue el siempre genial Kyle Cooper quien se encargó de los títulos de crédito. En su currículum hasta ese momento tenía “Breaveheart” de Gibson y “Quiz Show: El Dilema“ de Redford. Me parece fascinante la maestría con la que resuelve este inicio, y por eso lo he elegido. La secuencia inicial incluye los títulos de crédito y nos describe perfectamente la mente y el modus operandi de este asesino en serie. Destacar tanto la fotografía de Darius Khondi y la música de Nine Inchs Nails, y la barroca voz de Trevor Horn.

INICIO DE SE7EN

En el puesto número ocho tenemos el inicio de una gran adaptación literaria… “LAS AMISTADES PELIGROSAS“ realizada por Stephen Frears en 1988. Impresionante me parece la labor de Stephen Frears en cómo plantea esta secuencia que engloba los rótulos de crédito. Hace una descripción física y psicológica de los personajes inmejorable. Todo acentuado por la increible suite de George Fenton, que recalca el momento histórico. Maravillosa la actuación de Glenn Close y John Malcovick.

INICIO DE “LAS AMISTADES PELIGROSAS”

 En el puesto número siete venido de la Tierra Media tenemos… “EL SEÑOR DE LOS ANILLOS“ dirigida por Peter Jackson en el años 2001. Todo un gran comienzo para una obra épica que consta de tres partes. Estamos una vez más ante una magnífica adpatación, y se me ponen aún los pelos de punta con la música de Howard Shore y la narración en off, es brutal.

INICIO DE “EL SEÑOR DE LOS ANILLOS”

En el puesto número seis tenemos… el comienzo de “BLADE RUNNER“, concretamente el de la versión de 1982. Film dirigido por Ridley Scott, contaba para sus rótulos de crédito con la colaboración de Vangelis, que le componía un score de lujo que te dejaba noqueado en la butaca. Esta es una de esas secuencias que ningún amante del séptimo arte olvida. Esa belleza postindustrial, llena de coloridos neones y llamaradas. Esos encuadres que parecen sacados de una viñeta de cualquier historia del “Metal Hurlant” merecen todo un respeto. Eso por no hablar de los increíbles efectos y fotografía obra de los desaparecidos Douglas Trumball y Jordan Cronenweth.

INICIO BLADE RUNNER VERSION 1982

En el puesto número cinco tenemos nada más y nada menos que los…“RESERVOIR DOGS“ dirigidos en 1992 por Quentin Tarantino, le enfant terrible de la industria de Hollywood. Cinéfago, cinéfilo, inclasificable, esos pueden ser algunos de los adjetivos con los que podemos calificar a este director norteamericano. De dialogos contundentes y salvajes tanto por duración como por temática. En el inicio de su ópera prima tenemos todas las claves de lo que veríamos con el paso del tiempo a lo largo de sus ocho películas como director. Brillante y delirante comienzo donde los haya.

INICIO DE RESERVOIR DOGS

En el puesto número cuatro… “ABRE LOS OJOS” dirigida por Alejandro Amenabar en 1997. El creador de los rótulos de crédito del film fue Carlos J. Santos, pero estos no llegan a estar incluidos en la secuencia inicial van tras la segunda secuencia. Su trabajo es de sobra conocido, ha hecho también los de “Acción mutante” de Alex de la Iglesia, “Familia” o “Torrente, el brazo tonto de la ley”. Creo que este es uno de los inicios más inquietantes del cine español. Considero que esta es su mejor película, y que no creo que vuelva  a realizar nada Amenabar a la altura de esta. Maravilloso el plano con la Gran Vía vacía.

INICIO ABRE LOS OJOS

En el puesto número tres tenemos… “EL DIABLO SOBRE RUEDAS” realizada en 1971 por Steven Spielberg. A pesar de ser un telefilm consiguió traspasar las fronteras de lo catódico y lo cinematográfico y consigió venderse si mal no creo en el festival de Cannes, y en Europa se distribuyó en cines con este título. Os recuerdo que el original es “DUEL”, que podríamos traducir como “Duelo” y está basado en un relato corto de Richard Matheson, otro viejo conocido de la videoarena.

INICIO DE “EL DIABLO SOBRE RUEDAS”

Y esta lista no puede acabar sin la gran labor de dos grandes genios. En primer lugar, aquí tenéis a un viejo amigo del blog, hablo de mi tocayo Alfred Hitchcock, así que en el puesto número dos tenemos…“LA SOGA“ realizada en 1948. En esta secuencia inicial plantea las múltiples lecturas que posee este largometraje. Por la forma en que está rodada, por la actitud de los personajes, por miles de cosas, pero es algo más que un asesinato, es el final de un trio sexual. Soberbio. Cómo se enciende el cigarro, aprece que acaba de echar el polvo de su vida como dice el detective Nick Curran en “Instinto básico”. Atentos y no dejar que se os escape ningún detalle. Y sobre todo los remordimientos que quedan después. Soberbio el maestro una vez más.

INICIO DE “LA SOGA”

Y para finalizar en el puesto número uno tenemos al otro gran maestro, Stanley Kubrick y su… “LA NARANJA MECÁNICA“ realizada en 1971. Se dice, se comenta, que los rótulos de crédito iniciales fueron elaborados por otro de los grandes, Pablo Ferro, pero no encontréis acreditado este trabajo por ningún lado, y eso es raro en Kubrick, así que le pasaría como a Alex North en “2001″.  En esta secuencia inicial comprenderéis la función y el sentido de un travelling. Es maravillosa la forma en la que describe el entorno y a los personajes. Su simplicidad es sólo igualable a su efectividad. Arropándolo con todo el mimo del mundo estan los estupendos acordes de Wendy Carlos. Además, en la pasada edición de Sitges Malcom McDowell recogió el premio por su labor en este film. Os puedo decir hasta cuando la vi por primera vez, porque luego le siguieron unas cuantas. Fue con dieciseís años en el extinto cine Torre de Madrid en la sala dos en la sesión de siete de la tarde. Desde entonces la tengo taladrada esta escena en mi cabeza. Mi madre no quería que la viera, ella consideraba que era ultraviolenta. Lo curioso es que con el paso del tiempo ya no lo parece tanto. Pero a pesar de todo, es impresionante.

INICIO “LA NARANJA MECÁNICA”

Evidentemente ardo en deseos de saber los vuestros Mister Crowley, Redrum, Homo Insanus, Mister Lombreeze generadores del invento, así como los de  Miss Darko, Eulez, Marchelo, 39 escalones, Ramón, Victor Guybrush, Empantallado, Gine, Álvaro, Ricardo, Mapoto, Fantomas, Dick, Miss Watflech, Varelax, Luis Cifer, Mister Frost, Alberto, que obviamente no es obligatorio contestar ni continuarlo porque sé de sobra que algunos de vosotros estáis muy liados, este post surge por la curiosidad de algunos de los lectores de este blog.

Este fin de semana se estrena en todo el mundo el nuevo trabajo de Roland Emmerich llamado “2012″. Estamos ante todo un gran y apocalíptico evento, ¿quién piensa perdérselo para bien o para mal? Un servidor ha puesto la cuenta atrás. Hasta Zombi ha salido de su refugio para ver que da de sí el fin del mundo tal y como lo entendemos. Por ese motivo he elegido este largometraje para la sección “La firma invitada”, que en este caso ha sido Enrique Dueñas. El filme está protagonizado por John Cusack, Chiwetel Ejiofor, Amanda Peet, Oliver Platt, Thandie Newton, Danny Glover y Woody Harrelson. Vamos, mejor reparto no puede tener, no se puede quejar el director, y muchas amigas mías se que irán por el mero placer de ver las carreritas de Mr. Cusack. El guión es obra del realizador germano y de su fiel compañero Harald Kloser, habitual compositor de sus bandas sonoras.  La trama nos tralada varios siglos atrás. Los mayas nos dejaron un calendario, con una fecha que predecía claramente el final y todo lo que ello conlleva. Desde entonces, los astrólogos la han descubierto, los numerólogos han encontrado las pautas que la predicen, los geólogos dicen que la tierra tiene los días contados; incluso los científicos de los gobiernos no pueden negar el cataclismo de proporciones épicas que espera a la tierra en 2012. ¿Se hará realidad la leyenda maya? ¿Se acabará el mundo?

Lo primero que se me viene a la cabeza al tener que calificar esta película es que al producto final le sobra una tonelada de metraje (aunque rellenar más de dos horas y media a base de clichés también tiene mérito). Hacia el último tercio uno no sabe cuantas horas lleva sentado en la sala ni cuantas quedan aún. Esto es debido, principalmente, a que la historia parece ya vista y los acontecimientos se repiten en un bucle infinito. Las numerosas escenas de acción con coches y aviones, por ejemplo, se antojan clónicas. E incluso vemos los mismos obstáculos una y otra vez. Por no hablar del eterno desenlace…

Pero vayamos con los puntos positivos: estamos ante un espectáculo asombroso. Aunque claro, nosotros no vivimos a finales del siglo XIX y sabemos como se realizan el 90% de los efectos que aparecen en pantalla. El espectador de hoy (o eso quiero creer) no va a “asombrarse” con nada, por mucho empeño visual que haya. La perfección a nivel técnico es algo que exigimos y ya carece poder para sorprendernos. Pero aun con todo, ver volar por los aires el planeta Tierra de la forma más dantesca siempre resulta divertido.

Nuestros desventurados héroes son, todos ellos, tristes arquetipos. Todos. Aunque la mayor parte del “casting” ha sido escogido con una meticulosidad encomiable. Realmente, se nota un esfuerzo por parte de los intérpretes de dotar de cierta dimensión a sus personajes, y la mayor parte de las (típicas) líneas de diálogo se recitan con convicción.

Es muy fácil encontrar similitudes entre este filme y otros anteriores de Roland Emmerich ya que, como todo el mundo sabe, siempre hace la misma película. Encontraremos multitud de elementos que parecen sacados directamente de “Independence Day” o “El día de mañana”. De hecho, da la sensación de que Emmerich con cada nuevo experimento trata de acercarse más a su primera película “Das Arche Noah Prinzip” que, como su título indica, era una versión futurista (ambientada en el lejano 1997) del mito del Arca de Noé.

Pero “2012” es, en realidad, un remake encubierto de “Cuando los mundos chocan”, (aquella ciencia-ficción ultracristiana de 1951 dirigida por Rudolph Maté). Y esto es algo que no ha admitido ni uno de los implicados en la producción. El hecho es que, cambiando unos cuantos nombres y la naturaleza de la amenaza, sería difícil distinguir ambas películas.

Por supuesto, se respira un positivismo en ocasiones ridículo. La mera idea de que con un poco de esfuerzo uno puede escapar de una placa tectónica o combatir contra una erupción volcánica (y ganar) puede resultar involuntariamente gracioso para muchos de nosotros. Eso sí, si se entra a la sala dispuesto a aceptar semejantes afirmaciones, no queda sino sentarse y disfrutar.

También puede parecernos absurdo que haya tantos protagonistas y secundarios para que, casualidades de la vida, todos estén todos relacionados de una forma u otra. Y, Obviametne son yanquis en su inmensa mayoría.

Por que otro tema importante es el del tópico americocentrismo que reina durante toda la aventura. El fin del mundo es, obviamente, el fin de los Estados Unidos y un par de monumentos míticos de otras zonas del globo. Vemos grandes cantidades de desatada destrucción pero concentrada en lugares muy concretos (ya que, a fin de cuentas, sólo la tierra de las oportunidades importa). Aunque claro, uno descubre por que diantre no se hace cine épico en este país: en el momento en que la palabra “España” sale de la boca de uno de los personajes la sala entera estalla en involuntarias carcajadas.

¿Qué podemos esperar? Exactamente lo que ofrece el trailer. El Apocalipsis. Aunque, admitámoslo, a Emmerich le falta valor para llevar la premisa a sus consecuencias últimas. ¿Qué no encontraremos? Originalidad. Básicamente. Ni en la forma de contar las cosas ni en las cosas que se están contando. ¿Existe un mensaje de fondo? Pues sí. Pero trilladísimo y tremendamente infantil.

Más de uno mezclará en su interior sentimientos contrapuestos como son la “vergüenza ajena” y la “lágrima épica”. Que nuestro juicio final se incline más a un lado o a otro depende sobre todo de los gustos personales. La película no es buena por que carece de personajes sólidos. Pero está bien realizada y es, verdaderamente, catastrófica. Ideal para amantes del género.