CINE HISTÓRICO I PARTE: EL PEPLUM (Dedicado a Alfredo)

Es totalmente comparable al abrir un libro de historia, hay que tener en cuenta que ideales posee su autor, para desde ese prisma analizar lo narrado. Por ejemplo, dentro de la historia contemporánea un acontecimiento como puede ser la guerra de Vietnam, no la narra igual Silvester Stallone que Stanley Kubrick u Oliver Stone, dado que estos dos últimos realizadores son de ideales marxistas, mientras que Stallone entran más dentro del marco de la derecha.
De este modo, aquí da comienzo el primero de una serie de aproximaciones al género histórico. Para darle dinamismo y que caer en una clase magistral de historia, saltaremos de un hecho a otro, pero empezaremos por el subgénero más famoso, el “Peplum”, como se le llama en el ámbito cinematográfico a las películas de romanos.
Se caracteriza por ser un subgénero híbrido de drama y aventuras que se identifica con facilidad por estar ambientado en la antigüedad clásica griega o romana. También se incluyen historias bíblicas y relatos con héroes y animales mitológicos en ese mismo espacio, que son claramente fantásticas. En cualquier caso, es un género que se nutre de los mitos y sucesos ejemplares de la historia y de la literatura para explotar su potencial dramático y espectacular mediante los recursos típicos de la aventura, los grandes decorados y las acciones de masas.
En palabras del realizador español, Vicente Aranda, el llamado cine de “peplum”, o si se quiere de romanos, de espadas, túnicas y sandalias, tiene dentro de la porción de “cine histórico” un espacio más que considerable (sobre todo por el grueso de producciones “peplum” de los años cincuenta y sesenta, aunque es un cine que existe desde prácticamente los inicios del cine silente), y sin embargo es el más efímero y falso. Sobre todo falso, porque a fuerza de querernos contar lo que no saben, lo que imagen que fue, acaban informando exclusivamente sobre las motivaciones comercialistas de una industria. Otra cosa es cuando el cine histórico, aunque informe equívocamente sobre los modos y formas de la época, se convierte en vehículo para una referencia más o menos explícita a la actualidad. Es el caso, por ejemplo, de Espartaco, que dirigió Stanley Kubrick en 1960, y que considero uno de los “peplums” más interesantes. (Texto perteneciente al artículo: La historia como coartada, publicado en el magazine “El Cultural” del diario El Mundo)Así pues, el acercamiento por parte de un realizador al hecho histórico puede obedecer a la explicación de un hecho presente visto desde un acontecimiento pasado. Otra razón buscar un personaje o situación desde el que realizar un objeto de propaganda; y en último lugar, por razones comerciales.
Queda un aspecto que es controvertido en sí mismo, es el acercamiento didáctico en las aulas y que sirva como elemento motivador para incentivar la curiosidad de los alumnos. Porque dependerá de las ideas subjetivas del docente la selección de los metrajes que se expondrán a los alumnos.
Otro matiz a tener en cuenta es que los espectadores buscan avales de calidad en los productos que ven. Uno de los que poseen gran repercusión mediática son los Oscars de Hollywood.
Así podemos encontrar en la historia de los Oscar muchas películas del género romano épico que lograron nominaciones, y algunas los mismos galardones. Entre ellas destaca el drama histórico de William Wyler “BEN HUR”, que en 1959 logró doce nominaciones y se convirtió en el primer filme en conseguir once estatuillas, entre ellas mejor actor a Charlton Heston y mejor actor secundario para Hugh Griffith, además de cinematografía, dirección y mejor película.

En 1960, “ESPARTACO” obtuvo seis nominaciones y logró cuatro galardones: cinematografía, dirección de arte, actor secundario -para Peter Ustinov- y diseño de vestuario.

Anteriormente, en 1951, “QUO VADIS” de Mervyn LeRoy y que contaba una historia de amor que debe luchar contra el emperador, obtuvo ocho nominaciones: dos actores secundarios, dirección artística, edición, música y mejor película, aunque a pesar de tantas posibilidades no logró llevarse ningún premio.

En la 36 edición, el filme J. L. Mankiewicz “CLEOPATRA” logró cuatro galardones de nueve nominaciones. A pesar de que Elizabeth Taylor no consiguió estar nominada, sí lo logró su compañero de reparto Rex Harrison, aunque tampoco obtuvo la tan deseada estatuilla; sin embargo, sí fue reconocido la fotografía, vestuario y efectos especiales.

En 1964, “LA CAIDA DEL IMPERIO ROMANO” de Anthony Mann, consiguió sólo una nominación a la música original.
La última película romana, “GLADIATOR” de Ridley Scott, consiguió en la edición del 2000 cinco galardones de doce nominaciones, entre ellas mejor actor a Russell Crowe, consiguiéndole un puesto dentro de los actores mas codiciados de Hollywood. También obtuvo el galardón a mejor película, efectos visuales, sonido y diseño.
Si el lector ha sido hábil se habrá percatado que los principales reconocimientos que se les otorga pertenecen a la categoría de fotografía y diseño de vestuario.

Tras el éxito de Gladiator (2000) ha empezado a resurgir un género, largo tiempo abandonado, basado en historias épicas o de romanos. En la actualidad, numerosos directores de cine están apostando por contar historias basadas en la antigua Roma y en los héroes de la Antigüedad, un género por el que cada vez más espectadores se sienten atraídos.
Los principales gazapos que podemos encontrar en estas películas son debido a errores, fallos, olvidos del director, falta de observación y de rigor histórico. Ninguna, incluso las mejores como Espartaco, Ben Hur y, más recientemente, Gladiador se salvan. Todas ellas cuentan con gran cantidad de fallos, a pesar de que las dos primeras han sido las más importantes películas épicas romanas de la historia.
Si hablamos de Espartaco, en diferentes escenas de lucha se pueden ver extras con relojes de pulsera, lo que sería todo un adelanto de la época si los hubieran tenido. También, cuando tiene lugar la lucha con los gladiadores, se observa a un gladiador romano muerto que escapa por una puerta. Por último, durante la pelea entre los soldados y esclavos, en donde se lanzan troncos en llamas, los soldados llevan protectores para no quemarse.
Por su parte, en Cleopatra, Elizabeth Taylor camina por debajo de un arco que no fue construido hasta trescientos años después de la muerte de la Reina del Nilo. Además, también es interesante ver la cicatriz que lucía Elizabeth Taylor, tras ser operada de urgencia durante el rodaje. Tengamos en cuenta que estas intervenciones quirúrgicas no empezaron a realizarse a hasta muchos siglos después.
En Ben Hur podemos ver un avión que pasa volando por encima de la carrera de carrozas, y en esta misma carrera el personaje olvidó que llevaba en su muñeca un reloj muy costoso.
El caso de Gladiador no es una excepción. Es uno de las películas con más errores y fallos, a pesar de haber obtenido premios y reconocimiento a nivel mundial. Así, durante la batalla inicial hay una escena en la que detrás de Rusell Crowe (Maximus) aparece una persona, que si observamos detenidamente va vestida con tejanos y camisa.
También en Gladiator, en otra escena de lucha, una de las cuadrigas cae y se puede ver al fondo una bombona de aire comprimido que tenía como fin hacerla saltar por los aires.
A su vez, también aparecen muchos fallos que son consecuencia de la falta de un poco estudio en la historia. Por ejemplo, y seguimos con Gladiator, los pastores alemanes utilizados en el filme no existían en la época, como tampoco los cuchillos de plástico que se ven en la lucha entre Maximus y Commodus. Por otra parte, cuando el hijo le grita a Maximus que se acercan los soldados se lo dice en italiano, precisamente en una provincia en que no se hablaba ese idioma y que utilizaba el latín. A su vez, en varias escenas se pueden ver discursos dados en la Piazza di San Marco, la cual es renacentista y no existía en esa época, ya que fue realizada por Bernini.
Por no hablar de los errores de verosimilitud, me explico en la época en la que se sitúa la acción de Gladiador las calzadas romanas estaban vigiladas por soldados, pues nuestro personaje viaja por ellas sin ser visto y en tiempo record desde lo que sería hoy Alemania hasta Merida.

Mi objetivo es generar una lista lo más exhaustiva posible para que usted elija que desea ver, aunque alguna se quedará en el tintero. Esta es la filmografía básica:
Los últimos días de Pompeya (Luigi Maggi, 1908)
Nerone (Luigi Maggi, 1909)
Il saco di Roma (Enrico Guazzoni, 1911)
QUO VADIS? (Enrico Guazzoni, 1912)
Qué cuenta: Tras tres años en el campo de batalla el general Marcus Vinicius regresa a Roma encontrándose y enamorándose de Lygia. Ella es cristiana y no quiere saber nada del general.
Qué da: Esta es la primera de las 8 versiones que conocerá el clásico de la narrativa de romanos, escrito por Henryk Sienkiewicz. Dos de ellas son en formato de serie de televisión, las realizadas en 1985 y 1993. De esta versión cabe destacar las luchas en el circo romano, todo un prodigio para la época.

La caída de Troya (Giovanni Pastrone, 1910)
Cabiria (Giovanni Pastrone, 1914)
Christus (G. Antomoro, 1916)
Los nibelungos (Fritz Lang, 1924)
Cleopatra (Cecil B. De Mille, 1934)
LOS ÚLTIMOS DÍAS DE POMPEYA (Ernest Schoedsack, 1935)
Qué cuenta: El herrero Marcus rechaza ofertas lucrativas para luchar en la arena hasta que su esposa muere por falta de asistencia médica. Tras su muerte se hará gladiador y se introducirá en empresas sombrías, que le harán ser el hombre más rico de Pompeya, mientras su hijo que Flavio hará una visita breve a Judea para conocer a Jesús. El choque de creencias religiosas tendrá lugar durante la erupción de Vesubio.

Que da: esta es la versión más famosa en Europa de las 5 versiones de este relato, llevado a la gran pantalla por los autores de la mítica “King Kong”, que habían realizado dos años antes. Como curiosidad consta como no acreditado Merian C. Cooper.
QUO VADIS? (Mervyn LeRoy, 1951)
Qué da: toda una epopeya sobre el nacimiento de la iglesia y persecución de los cristianos en la Roma de Nerón. Es la versión más famosa de la novela del autor Henryk Sienkiewicz. Típica película de Semana Santa.
Ulises (Mario Camerini, 1954)
Helena de Troya (Robert Wise, 1955)
Hércules (Pietro Francisci, 1957)
El monstruo de Creta (Silvio Amadio, 1960)
La venganza de Hércules (Vittorio Cottafavi, 1960)
El rapto de las sabinas (Richard Pottier, 1961)
El león de Esparta (Rudolph Maté, 1962)
El valle de los hombres de piedra (Alberto de Martino, 1962)
Salomón y la reina de Saba (King Vidor, 1959)
David y Golitat (Richard Pottier y Ferdinand Baldi, 1960)
Rey de reyes (Nicholas Ray, 1961)
Julio César (J. L. Mankiewicz, 1953)
Espartaco (Stanley Kubrick, 1960)
Cleopatra (J. L. Mankiewicz, 1963)
La caída del Imperio Romano (Anthony Mann, 1964)
Golfus de Roma(Richard Lester, 1966)
La vida de Brian (Terry Jones, 1979)
El Rey David (Bruce Beresford, 1985)
Gladiador (Ridley Scott, 2000)
Troya (Wolfgang Petersen, 2004)
Alexander (oliver Stone, 2004)

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DOS ESTRENOS DISPARES

“RED ROSE” está basada en un guión del afamado escritor de ciencia ficción y terror, Stephen King. La dirige Craig R. Baxley, director habitual de series de televisión y películas de género. El verdadero protagonista es una mansión encantada, que da nombre al serial. En su episodio piloto hemos visto como la doctora Joyce Reardon, una profesora de psicología, lidera un grupo de personas con poderes psíquicos diversos (telepatía, telequinesia, etc.). Su objetivo es introducirse la citada mansión para conocer sus más terroríficos secretos.

La serie posee unos efectos especiales impecables. Está dirigida con buen pulso, no aburre, pero sus personajes les sonarán a conocido, porque son una mezcla de relatos y personajes que tanta fama le han otorgado a Stephen King, véase Carrie, El resplandor y un largo etc. Aunque están bien dibujados y perfilados, algunos les parecerán un poco maniqueos. Pero no acaban aquí sus referencias, también bebe de la famosa película que posee ya dos versiones cinematográficas «The Haunting». Recomendada para todos aquellos que sean adictos al género. Recuerden la emiten todos los lunes en AXN a las 22 horas.
Si quieres ver el trailer de la serie PINCHA AQUÍ
El estreno que si ha supuesto toda una sorpresa, no por su contenido, sino por quién produce, guioniza y dirige, al menos en su capítulo piloto, no es nada más y nada menos que Bryan Singer. Director conocido por la famosa película policíaca “Sospechosos habituales”, por la que ganó dos Oscar de la Academia de Hollywood, al mejor guión original y catapultó a la fama a su mejor actor secundario Kevin Spacey; y de la taquillera “X-Men”, para más señas.

En ella se nos narra las aventuras y desventuras de un antipático médico especializado en enfermedades infecciosas. De factura impecable, el verdadero gancho son los irónicos, mordaces y desmedidos diálogos del personaje principal, al que da vida de forma contundente, Hugh Laurie, actor conocido por “Los amigos de Peter” o “101 dálmatas”. Otra de las sorpresas que esconde es la aparición como personaje secundario de un actor rescatado del olvido, Robert Sean Leonard, que despuntó en su momento por “El club de los poetas muertos”. La serie cuida mucho sus aspectos médicos y viene avalada por 5 Nominaciones a los premios Emmy, el equivalente a los Oscars pero en el campo de la televisión.

CENTRALES NUCLEARES

Son más numerosas las películas que versan sobre el peligro de la guerra nuclear que las que tienen un matiz más ecológico y tratan de denunciar los peligros de las centrales nucleares y sus residuos. La calidad de las mismas es un tanto irregular. Así pues, los primeros en sumarse al carro de la denuncia fueron Jane Fonda, Jack Lemmon y un jovencito Michael Douglas, recién salido de la mítica serie “Las calles de San Francisco” y que acababa de ganar un oscar como productor de “Alguien voló sobre el nido del cuco”. Hablamos de “EL SINDROME DE CHINA” (1979) Dirigida por James Bridges. Con guión de Mike Gray, T.S. Cook y el propio James Bridges.

Que cuenta: mientras están realizando una noticia intrascendente sobre las bondades de una central nuclear, se produce un incidente. El cámara lo registra todo, y a partir de ese momento todas sus vidas corren peligro.
Que da: una película de denuncia con final lacrimógeno, que se salva por el buen que hacer sus protagonistas, y solo recomendable para amantes del periodismo de denuncia y ecologistas.
La segunda es una producción australiana, que su destino era la televisión pero que en Europa se estrenó cinematográficamente. Como podrá imaginar mi estimado lector, su carrera comercial fue un tanto lamentable, y pasó por las carteleras sin pena ni gloria. Hablamos de “PELIGRO REACCIÓN EN CADENA” (1980). Con guión y dirección de Ian Barry. Interpretada por los desconocidos para la gran mayoría, Steve Bisley, Arna-Maria Winchester y Ross Thompson
Que cuenta: Un terremoto en una zona rural de Australia causa un accidente en la central nuclear de Waldo, dando lugar a vertidos de sus residuos radioactivos.
Que da: una película de serie B, sin grandes pretensiones, con una trama un tanto rocambolesca, pero dirigida con buen pulso. Entretenida, por lo menos.
La mejor película, sin albergar la menor duda, es esta adaptación al cine de la biografía de Karen Silwood, realizada en 1983 por Mike Nichols, con guión de Alice Arlen y, una jovencita Nora Ephron que trataba de abrirse un camino en la meca del cine; con los años despuntaría por ser la gurú de las películas románticas formando tandem con Meg Ryan. Hablamos de “SILKWOOD”. Fueron nominadas a la mejor actriz principal y secundaria respectivamente Meryl Streep y Cher. También participaron Kurt Russell (que sale de su género favorito, acción y tiros, para adentrarse en toda una tragedia) y el pobre actor que sólo será recordado por ser el papa luchador de “Polergeist” Craig T. Nelson.

Que nos cuenta: la historia real de Karen Silwood, una trabajadora de una central nuclear que descubre que el lugar donde trabaja no es seguro, lo denuncia y a partir de ese momento, ella y sus compañeros son perseguidos.
Que da: una gran película, bien dirigida con pulso, con grandes interpretaciones y, sobre todo, sin caer en maniqueísmos baratos tan típicos de Hollywood.
Dentro del cine informativo hay que destacar el documental “CHERNOBYL HEART” (2003). Ganador de un Oscar de la Academia de Hollywood.

Que trata: es una mirada a los niños nacidos después del desastre acontecido en 1986 cuando se expuso el núcleo de dicha central nuclear.
Que da: una película sobrecogedora, bien realizada, y que en España sólo se ha podido ver en “Documentos TV”.
No sólo los norteamericanos realizan largometrajes sobre esta temática, en España se estrenó “MUERTOS COMUNES” (2004) Dirigida por Norberto Ramos del Val, con guión de Javier Echániz. Interpretada por los siempre rebeldes Javier Albalá y Ernesto Alterio.

Que cuenta: Eusebio Luquín, un inspector de policía cuya máxima en la vida es que el trabajo nunca le quite el sueño, ha de resolver con la ayuda de Fermín, su nuevo subinspector, la violación y asesinato de la joven Blanca Huete en los aledaños del cuartel del Quinto Regimiento de Zapadores. Los militares no les ofrecen mucho apoyo, una reciente fotografía de la víctima se convierte en la prueba decisiva de la investigación, y el principal sospechoso resulta ser el marido de la cantinera Elvira. Cuando parece que todo ha terminado, terribles acontecimientos reabrirán un caso en el que los unos callan y los otros no preguntan.
Que da: un thriller un tanto irregular, hay que tener en cuenta que no es nuestro género, pero que tiene como fondo la denuncia de los residuos nucleares. Para ecologistas acérrimos.

Crítica «Brokeback Mountain»

«BROKEBACK MOUNTAIN», o como se ha mal titulado en castellano «EN TERRITORIO VEDADO» se basa en un relato corto de la autora ganadora del premio Pulitzer, Anne Proulx, que comienza con la contratación de dos vaqueros para pastorear ganado por las montañas de Wyoming durante la primavera y verano de 1963. Los protagonistas son Jack Twist (JAKE GYLLENHALL) que necesita dinero para independizarse de sus padres y de Ennis del Mar (HEATH LEDGER), que persigue un sueño, ahorrar todo el dinero que pueda para casarse con Alma y montar su propio rancho. No hay que olvidar al tercer protagonista de esta historia, las nevadas cumbres de las montañas de Wyoming, escenario que es testigo (al igual que lo será usted como espectador) de los encuentros y despedidas de los dos personajes, tan mudo y frío como la cámara su director, Ang Lee.
Lo que hace grande a esta película y que se lleve de carrerilla todos los premios por donde pase es que al igual que ya hiciera en su afamada «LA TORMENTA DE HIELO». Esta historia le sirve de pretexto para hacer un debate sobre los derechos humanos en el contexto de la sociedad norteamericana actual, diseccionándola y colocando cada parte en su particular microscopio. Todo lo hace sin tomar partido por ninguna de las partes, pero introduce una gran variedad de factores como puede ser la religión, estructura social, etc.
Intenta por todos los medios no caer en el melodrama fácil, para ello se sirve de una fotografia y banda sonora que puntúan las escenas de una forma hábil y sutil, para botón de muestra la escena de las camisas en la casa de los padres de Jack.

YA ERA HORA

Uno de nuestros grandes actores, que además le encasilló la industria española en el papel del eterno secundario, es ahora el protagonista al ganar uno de los más prestigiosos premios del panorama español, que supone la antesala a los premios Goya. El premio lo otorga los críticos cinematográficos de Barcelona y representantes de la prensa del resto de Cataluña.
Elsa & Fred es una comedia sentimental que habla de vivir lo no vivido, no importa la edad, de soñar, de inventar, de amar. Manuel Alexandre da vida a un viudo educado en el deber, angustiado y perdido por la muerte de su esposa al que Elsa – China Zorrilla – una mujer irresistible y arrasadora que le volverá del revés y le quitará todos los miedos.

PISTOLETAZO DE SALIDA PARA LOS COWBOYS

El director taiwanes afincado en Hollywood se alzó anoche con el globo de oro a la mejor película, mejor director y a la mejor canción original ‘A Love That Will Never Grow Old’, de Gustavo Santaolalla, letras de Bernie Taupin. Este último ha pasado a la historia de la música por ser el letrista de las mejores canciones de Elton John, como «Your song».
Pero quien tampoco a estas horas debe dar mucho crédito es el actor indie por excelencia, les hablo de Philip (Magnolia) Seymour Hoffman que por su recreación de afamado escritor Truman Capote fue premiado con el globo al mejor actor. Rachel Weisz se alzó con el globo a la mejor actriz por su papel en «EL JARDINERO FIEL»

DESAPARECE LA ETERNA SECUNDARIA DE HOLLYWOOD

Nacio un 18 de agosto del 1920 en Sant Louis, Illinois. Atrás quedan papeles tan memorables como la madre de esa jovencita que volvía loco a Humbert Humbert en la mítica película de Kubrick «LOLITA». Fue una mujer dura y decidida en «LA AVENTURA DEL POSEIDÓN». Interpretó a Ma Baker con metralleta en mano a las órdenes de Roger Corman en «BLOODY MAMA». Obtuvo dos estatuillas a lo largo de su carrera, por «EL DIARIO DE ANA FRANK» de George Stevens, y por «UN RETAZO DE AZUL» de Guy Green, junto a Sidney Poitier.

ROMA, CIUDAD ABIERTA

El gran maestro del cine italiano regresa con una propuesta muy moderna y alternativa, realizar un falso documental sobre la gente que vive en Roma, en el que nos muestra lo que piensa en que se ha convertido su ciudad. Pero queda en una mera exposición de fotos muy bonitas, perfectamente encuadradas y de gran calidad, aderezadas con una gran banda sonora.

La pena es que su opinión sobre la ciudad eterna se convierte en un paschino mercantilista, que no nos sorprende nada, y hasta es posible que el respetable se sienta tan defraudado como me sentí tras su visionado. Para más tragedias, Scola pretende realizar un homenaje a la cinta homónima de Fellini, y no le llega ni a la rodilla, a pesar de que su director pretendiera o pretendiese introducir en el reparto al pobre Alberto Sordi.
Sólo me queda decir que Gente de Roma se la recomendaría a personas que estén enamoradas de Roma como ciudad.

PISANDO FUERTE

Tras el fin de semana más competido de los último tiempos, con nuevos pesos pesados en la cartelera como «Aeon Flux», «La joya de la familia», «Jarhead» o «The Jacket», que se unían a los blockbusters «Las crónicas de Narnia», «Los dos lados de la cama», «Doce fuera de casa» y «King Kong», MANUALE D’AMORE refuerza su posición convirtiéndose en la película italiana con mayor recaudación en sus primeros diez días desde el estreno de «La vida es bella».

Presentada en 71 pantallas, frente a las más de 200 de sus rivales, la comedia de Giovanni Veronesi logra en su segundo fin de semana un récord difícil de igualar. No sólo su recaudación no ha descendido, sino que se ha incrementado en un 59%, multiplicando por casi tres el aumento experimentado por algunos otros títulos de la cartelera, como consecuencia de la Fiesta de Reyes.

MANUALE D’AMORE está a un paso de superar las cifras que películas como «El último beso» (113.392 espectadores), «Caro Diario» (134.408), «La habitación del hijo» (147.030) o «Malena» (197.907) lograron en España en toda su trayectoria comercial.

SE VENDE ESTUDIO

El precio de todas sus propiedades (películas, proyectos y series de televisión) ascendió a 1600 millones de dólares, cien más de los que le ofreció la General Electric.
Todo a pesar de las buenas recaudaciones de productos de animación como «SHREK», «HORMIGAZ», «ESPANTATIBURONES», etc. Pero parecer ser que Geffen empezaba a mostrar desinterés por los proyectos cinematográficos, al Rey Midas parece ser que tampoco le atraía los nuevos guiones que leía.

Pero no contentos con eso, su próxima película «MUNICH» no ha cosechado buenas críticas y se ha enfrentado a toda la comunidad judía (cosa que tampoco parece muy difícil). Yo me pregunto: ¿Cuánto hay de marketing detrás de todas esas críticas? Para conocer el resultado tendremos que esperar al estreno en nuestro país.