CON LA CAIDA DE LA HOJA VIENEN (III PARTE)

El 27 de Octubre llega a nuestras pantallas la nueva película de Woody Allen, “SCOOP”. Esta vez nos cuenta la historia de Sondra Pransky (Scarlett Johansson), una estudiante americana de periodismo que se encuentra en Gran Bretaña visitando unos amigos. Durante su estancia en Londres, acude a un espectáculo de magia, donde el ilusionista (Woody Allen) le hace subir al escenario, para realizar uno de sus trucos en el que ella debe desaparecer. Mientras Sondra está esperando “desmaterializarse”, recibe la visita del fantasma de un reportero fallecido (Ian McShane), que le dará la exclusiva del año. El espíritu afirma que Peter Lyman (Hugh Jackman), el rico y atractivo hijo de un conocido aristócrata británico, está llevando una doble vida como el “Asesino del Tarot”, un asesino en serie que lleva tiempo aterrorizando el país y eludiendo a la justicia. Con la ayuda del mago, Sondra empieza a investigar la noticia y consigue juntar ciertas evidencias incriminatorias contra Lyman. De todas formas, cuanto más sabe de él, más peligrosa se vuelve la investigación, sobre todo cuando nota que empieza a enamorarse del atractivo presunto asesino.
“SCOOP” es la segunda película que Allen rueda en Londres, una ciudad que ha tomado el relevo de Nueva York, como plató cinematográfico ideal para sus intrigas.

Dedicado a todos los fans del genial director neoyorkino, que sois muchos y entre los cuales uno se encuentra, os dejo con esta entrevista integra concedida a la distribuidora del film y que aparece en el dossier de prensa, así que a pasar un buen rato…

P: Usted ha comentado en otras entrevistas que a menudo suele tener entre manos varios proyectos cinematográficos a la vez. ¿Por qué decidió de entre todos escoger Scoop?

WA: Verá, mi última película, Match Point, la hice con Scarlett Johansson, y habíamos hablado de hacer otra película juntos. Scoop era una idea que se adaptaba bien a los dos y por eso opté por ella.

P: ¿Cuál fue el punto de partida creativo de la historia a la hora de escribir el guión, la trama de misterio, la historia de amor o la idea para el personaje de Scarlett; la tenacidad de la joven periodista?
WA: No, la idea original era cómo el empeño y la tenacidad de un periodista le llevan a conseguir una exclusiva desde el Más Allá (una historia jugosa de la que se entera después de muerto) y cómo nada ni nadie puede impedirle conseguirla. Era un homenaje al buen periodismo de investigación.

P: No como el periodismo que se hace en Fleet Street* en los últimos años.
*N.T. Calle londinense en la que solían tener su sede muchos periódicos británicos
WA: Digamos que no como el periodismo de peor calidad.

P: Y de ahí, la idea evolucionó para abarcar el personaje de la joven estudiante de periodismo interpretada por Scarlett…
WA: Sí. En un principio, pensé en una reportera porque la idea se me ocurrió antes de conocer a Scarlett. Pero cuando estaba escribiendo el guión y ya sabía que Scarlett iba a interpretar al personaje, me pareció natural que fuera una universitaria de la facultad de periodismo en sus vacaciones de verano.

P: Scoop es la segunda película que rueda en Londres y hay una tercera en camino. Al contrario de lo que sucede con el personaje que interpreta en Scoop, ¿usted sí se ha enamorado de esta ciudad?
WA: Es un lugar estupendo para filmar. A mí me gusta mucho rodar en Nueva York pero Londres se acomoda a mis gustos. El tiempo es muy bueno y las condiciones para rodar (las condiciones económicas, artísticas etc) son buenas. En fin, que es un placer rodar aquí.

P: ¿Tiene ahora algún exterior favorito en Londres, algún equivalente, digamos, a los Estudios Kaufman Astoria o Greenwich Village?
WA: Verá, como no conozco la ciudad tan bien todavía disfruto mucho con todo lo que veo en la ciudad. Me gusta deambular por las calles de Londres, me parece que tienen un encanto especial. Además es muy fácil encontrar buenos exteriores cuando se combina la belleza de la ciudad con la belleza del tiempo que hay aquí todos los días; estos maravillosos cielos sombríos, grises, de luz tenue. Son muy seductores en pantalla.

P: Parece que en Scoop todavía sigue explorando algunas partes de Londres que ya salían en Match Point.
WA: Exacto. Como no conozco la ciudad tan bien, pues tiendo a acercarme a los sitios que me son familiares o que el director artístico me presenta y son pintorescos. Como urbanita que soy, es normal que me quede maravillado (creo que todo el mundo lo estaría) con la enorme cantidad de parques y plazas que hay en Londres, y sus preciosas casas blancas y sus hermosísima campiña. La campiña inglesa es famosa por sus casas de campo y sus fincas y me gusta rodar en esos lugares.

P: En Scoop ha vuelto a formar equipo con Remi Adefarasin, el director de fotografía de Match Point.
WA: No conocía a Remi de nada antes de hacer Match Point , pero le precedía su fama; me dijeron que me encantaría trabajar con él, y es fantástico. Tuve una entrevista con él y me pareció un tío muy afable y me encantó trabajar con él, así que, le pedí que volviera a trabajar en mi siguiente película. Me alegró muchísimo saber que estaba disponible para mi segunda película en Londres. Es un camarógrafo con mucho talento.

Para la tercera que haré en Londres, este verano, no está disponible. Está realizando otra película para la que ya se había comprometido anteriormente (la secuela de Elizabeth, The Golden Age). Así que trabajaré con Vilmos Zsigmond, con quien ya rodé antes Melinda y Melinda.

P: Al escribir e interpretar el personaje de Sid Waterman, alias Splendini, ha vuelto a escribir e interpretar escenas relacionadas con la magia y los magos. ¿Por qué tanto interés? ¿Es algo que le viene de la infancia o no?

WA: Sí. Siempre ha sido una pequeña afición mía. La tenía cuando era pequeño y ahora que soy mayor me sigue interesando. Todos esos cajones japoneses de barniz rojo de mala calidad, los pañuelos de seda, las espadas, las cartas y los aros de plata y toda la parafernalia que le da ese aspecto exótico es algo que siempre me ha fascinado y divertido.

P: Y también la vestimenta del mago ¿no?

WA: La vestimenta del mago, sí. (ríe) En mi caso, bueno, siempre me tomo una pequeña licencia ahí.

P: Siguiendo con el personaje que interpreta en Scoop, ¿podría comentar un poquito su evolución dentro de la historia? Me recuerda a uno de esos personajes de sus películas que se ven arrastrados de pronto por un aluvión de acontecimientos que les llevan, digamos, a descubrir una tierra ignota en sus vidas.

WA: En las películas de suspense o en este caso, en una comedia de suspense, siempre hay un truco estándar que consiste en que un personaje inocente, por una razón u otra, se vea envuelto en una historia que ni le va ni le viene y en la que no quiere inmiscuirse para nada. Pero siempre existe una razón para que acaben involucrándose. En Scoop, Sondra convence a Sid porque es una estudiante simpática, carismática y muy atractiva. Empieza a implicarse en la historia y acaba metiéndose hasta las orejas.

P: En las últimas escenas, parece que se ve obligado a seguir por la chica.

WA: Sí, ella le gusta; no como novia sino como persona. Pero su sentido común le dice que no se implique, ya que lo único que puede sacar son problemas. Pero es paisana suya y del mismo barrio, alguien con quien puede identificarse y sentir empatía. Y cada vez se mete más y más. El entusiasmo de la chica no tiene límites porque es incansable y porque empieza a enamorarse del sujeto de su investigación.

P: Últimamente, en sus películas, hemos visto protagonistas jóvenes. En Scoop, vuelve a estar presente el elemento joven y sobrenatural. El personaje de Ian McShane tiene un sentimiento paternal y de protección hacia el personaje de Scarlett…

WA: Mmm.

P: ¿Es esto una evolución consciente en la narración de sus películas?

WA: Bueno, no, lo que sucede es que durante años yo he protagonizado e interpretado el papel principal en mis películas. Y ahora, al hacerme mayor, ese papel principal –y desde luego los papeles románticos –tienen que dejarse para la gente joven. Y en eso me baso para escoger el elenco de actores.

P: En cuanto a las estrellas masculinas, ¿ha sido Cary Grant tal vez una inspiración para el personaje de Hugh Jackman y su caracterización? ¿Tal vez Sospecha, en concreto?

WA: No, creo que Hugh es así; es un tío atildado, encantador, simpático que sabe bailar y moverse con gracia, es apuesto y sabe cantar, así que las comparaciones van a ser inevitables. Siempre van a existir; igual que hubo una época en que también se comparaba a Hugh Grant con Cary Grant, porque también es un tipo muy desenvuelto y encantador, como Hugh Jackman, y las comparaciones van a ser inevitables.

P: ¿Le había visto en el musical The Boy from Oz ?

WA: Oh no, no, no lo había visto. No conocía a Hugh Jackman ni había visto ninguna de sus películas y ni siquiera sabía cómo era físicamente antes de conocerlo en persona. Es una de esas personas con las que nunca he coincidido por una razón u otra. Solo había oído decir cosas muy buenas de él y lo buen actor que era.

Le llamamos y le preguntamos si estaría interesado en hacer algo y dijo “claro”. Se acercó a verme y cuando entró me pareció que no solo tenía muy buena planta –es muy atractivo –también es encantador y es muy elegante. Le ofrecí el papel inmediatamente. Tuve mucha suerte de que estuviera libre y que lo quisiera aceptar.

P: En lo que se refiere al palmarés de los actores, ¿qué le pareció trabajar con Ian McShane? Ya hacía películas en Londres allá por los locos años sesenta, cuando usted hizo un par de filmes. ¿Le conocía de entonces?

WA: No, no. Tampoco sabía nada de Ian McShane. Nunca había visto su serie de televisión (Deadwood) ni nada. Juliet Taylor, que elige el reparto conmigo, me dijo “Conozco a la persona perfecta para este papel: Ian McShane.” Y yo dije, “Dile que venga” Vino y fue una de esas situaciones en las que Juliet me mete siempre, en las que resulta que me manda a un actor o a una actriz del cual no sé nada de nada y en cuanto Ian entró por la puerta pensé sin dudarlo un instante “es perfecto” Y no busqué más.

P: Como ya hemos comentado, usted conocía a Scarlett Johansson bien porque acaba de hacer su anterior película con ella. En Match Point nos mostró un lado dramático de la actriz que no habíamos visto nunca. Y ahora en Scoop su lado cómico. ¿Qué tal se la dirige? Y en Scoop, ¿cómo es actuar junto a ella?

WA: Es una delicia. Es como si te tocara la lotería o algo parecido. Simplemente lo tiene todo. La vida ha sido generosa con ella: Es hermosa, sexy, muy lista, divertida, maja, ocurrente y buena compañera de trabajo. Tiene amplitud; garra dramática y humor, cuando se requiere que sea divertida.

Ciertas personas con las que he trabajado a lo largo de los años y Diane Keaton ha sido una de ellas, parece que han sido tocados con una varita mágica y todo lo que hacen es artístico. Y a Scarlett le pasa lo mismo. Ilumina el estudio cuando entra; el equipo de rodaje la adora. Está llena de energía y le infunde a todo el equipo ese sentimiento positivo.

Es un lujo trabajar con ella y no lo digo solo porque sea su co protagonista. Todo el mundo de la compañía estaba deseando trabajar con ella en la segunda película después de la experiencia de la primera.

P: En las escenas que tiene con usted en Scoop, ¿logró estar a su altura?

WA: Oh, no le llegaba ni a la suela del zapato. (ríe) Mire, es una de esas personas que siempre, ya sea entre bastidores o no, me superan. Por muy buena que sea la frase que se me haya ocurrido, cuando nos ponemos a competir, y nos picamos y eso, siempre acaba diciendo algo mejor. Por supuesto, eso para mí merece un gran respeto porque me considero una persona ocurrente e ingeniosa y cuando alguien me puede consistentemente me parece asombroso. Y lo digo de verdad, pregunte a cualquiera del rodaje.

P: Usted conoce bien la cantera de actores de Nueva York y su evolución. Pero en el Reino Unido, hay una enorme cantidad de talento y en Scoop hay gente en pequeños papeles como John Standing, Julian Glover, Fenella Woolgar…

WA: Sí. Inglaterra tiene una tradición teatral fabulosa de verdad. Los actores son maravillosos. Una cosa muy curiosa es que la gente con más talento, los mejores actores, no tienen reparos en aceptar pequeños papeles. El asunto del ego no les afecta ni la talla de los papeles. Y es posible ver a un gran actor shakesperiano en televisión haciendo un anuncio. Allí no es una vergüenza hacer eso. Así que tengo gente fantástica que tal vez si estuvieran en este país no se dignarían a aceptar un pequeño papel o un papel de un o dos días. Allí, lo hacen con gran placer y entusiasmo, y les encanta.
Todo el mundo está dispuesto a arrimar el hombro, de manera que, al final, tienes a grandes actores en todo el espectro de la película. A mí me beneficia eso.

P: En cuanto al género de comedia de suspense, ¿le ha servido de inspiración algún trabajo mientras escribía el guión o mientras estuvo en Londres? Scoop es una historia más desenfadada que Match Point, pero sigue habiendo maldad y misterio…

WA: Bueno, tuve en mente esos relatos de asesinato y misterio que tanto me gustaban de pequeño, ya fueran cómicos o, en la mayoría de los casos, serios. Una de mis películas favoritas es Misterioso Asesinato en Manhattan…

P: Sí.

WA: …y me gusta esa clase de cine. Cuando era niño me gustaba La Cena de los Acusados y sus secuelas y, sin duda, las películas de asesinatos y misterio de Bob Hope que veía cuando todavía era aún más joven y, por supuesto, las películas de suspense de Hitchcock y muchísimas otras, muy buenas, que se han hecho en el pasado.

El problema es que cuando se hace una película cómica de suspense no es posible lograr un efecto tan dramático como cuando se hace seriamente. Pero no se puede hacer nada con eso. Scoop era una película cómica y quería que fuera desenfadada (hasta facilona) en algunos puntos. Es un tipo de película que a mí me gusta ver y hacer. Luego, que al público le guste, eso ya…

P: Antes he mencionado Sospecha, en parte por lo del vaso de leche que Sondra le trae a Peter en una escena y, luego, un poco más tarde, también se me pasa por la cabeza, Diabólicas.

WA: Tiene razón. Es verdad que siempre te pueden recordar (aunque no quiero hacer comparaciones porque me parece un poco pretencioso…) pero, es cierto que estas películas siempre recuerdan a Hitchcock, porque hizo tantas películas de suspense y empleó tantos trucos que es imposible hacer algo de suspense sin que de alguna manera recuerde a Hitchcock. No me refiero a su gran calidad sino a cosas estructurales. Pero la mía tiene ese toque ligero, ese énfasis en lo desenfadado.

P: Como sucede con Misterioso Asesinato en Manhattan, en Scoop también hay dos personas que deambulan por la ciudad tratando de encontrarle sentido a algo.

WA: Sí y muchas escenas con diálogos muy rápidos. En Scoop, quería hacer lo mismo. Verá, yo no tengo una gran amplitud como actor, al contrario de Scarlett, mis recursos son limitados. Puedo interpretar a un intelectual (a un profesor de universidad o a un siquiatra) o puedo interpretar a un delincuente (a un corredor de apuestas cutre) En Scoop, soy un mago barato de vodevil.

P: Ha dicho que espera que al público le guste la película, pero al ritmo tan vertiginoso con el que las produce ¿no le preocupa la respuesta del público a sus películas?

WA: Bueno, no puedes perder el sueño por cosas así. Porque, entonces, lo que sucede es que te paralizas y lo que intentas hacer es anticipar sus gustos; y das un paso y te entra el pánico y estás todo el tiempo: “No, esto no”. Así que, lo mejor es hacer lo que uno quiere hacer y luego esperar que guste.

Esa ha sido siempre mi forma de trabajar. Siempre he hecho lo que he querido, ya fuera un musical o una película en blanco y negro o un drama a lo Bergman. Si algo me resulta interesante en un momento determinado, lo hago. Y espero que al público le guste. Si no es así, no se puede hacer nada. Paso a la siguiente. Que gusta, pues siempre es halagüeño.

Lo que sí que no quiero hacer es…te tiene que gustar la película, pero si haces algo y al final no te gusta a ti…escribo el guión y luego la dirijo y si no me gusta cuando la he terminado, aunque al público le guste, pienso “bueno, les he dado gato por liebre” o “no se enteran” o “menuda porquería he hecho” No es una sensación buena.

Pero si haces una película que te gusta y de la que piensas: “es realmente un buen trabajo; le he sacado todo el jugo al guión y lo he llevado a la pantalla estupendamente”, si gusta, genial. Y si no gusta, pues, a pesar de todo, te quedas con buen sabor de boca. Piensas: “Vaya, mala suerte, no les ha gustado. Pero he dado todo de mí y es una pena que no les guste” Ese sentimiento es mucho mejor que el de que guste y tú no te quedes contento.

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CON LA CAIDA DE LA HOJA VIENEN (II PARTE)

Alfonso Cuarón, tras su paso por el festival de Venecia, el próximo 20 de octubre estrena en España su último film llamado “HIJOS DE LOS HOMBRES”. Protagonizada por los actores nominados por la Academia Clive Owen (Closer, Sin City/Ciudad del pecado) y Julianne Moore (Las horas, Lejos del cielo) y el oscarizado Michael Caine (Batman Begins, Las normas de la casa de la sidra),
La acción se sitúa en un futuro no muy lejano, en el año 2007. Hace 19 años que nació el último niño. Ante este inexplicable fenómeno, la raza humana empieza a perder toda esperanza. La mayoría de la gente acepta lo inevitable y se deja caer hacia el separatismo y nihilismo carentes de leyes, otros luchan por defender un planeta unido y los derechos de la decreciente población. Gran Bretaña, mediante una política militar imperialista, es el único país que ha conseguido acallar las luchas internas, pero a cambio debe soportar la continua llegada de inmigrantes ilegales a sus costas. Sin embargo, haciendo gala de una política dura y totalitaria, los refugiados son internados en campos y deportados.
Alfonso Cuarón y Timothy J. Sexton (“Fuego sobre Bagdad”, “Boicot”, ambas para televisión), adaptan un relato de la famosa escritora de superventas P.D. JAMES. Tanto el director como el co-guionista llevaron a cabo una pequeña encuesta informal referente a lo que modela al mundo actual, y descubrieron que casi todas las respuestas contenían dos elementos principales: en primer lugar, la enorme emigración global (se calcula que las migraciones de los últimos diez años son las mayores de la historia de la humanidad) y, en segundo lugar, las consecuencias de más de 300 años de colonialismo. Estas circunstancias, unidas a las pandemias, el terrorismo internacional y los cambios meteorológicos, podrían ser signos precursores de un posible futuro parecido al que propone “HIJOS DE LOS HOMBRES”. El resultado es una historia ejemplar que transcurre, poética y literalmente, “pasado mañana”.
Cuarón decidió rodar la mayor cantidad posible de secuencias largas para descartar los cortes rítmicos y artificiales del cine actual, y así obtener un estilo más realista, más “cinéma vérité”. Quería: “estrujar el encuadre para sacarle todo el potencial, mantener el encuadre hasta que no quedara nada que nos interesase visto siempre desde los ojos de Theo”. Como botón de muestra, hay una secuencia de 12 minutos con diálogos y acción rodada desde el interior de un coche con cinco pasajeros, las mentes creativas que había detrás de la cámara tuvieron que desarrollar sistemas especiales. El resultado fue una invención a la que todos llamaban cariñosamente el “artilugio”, un dispositivo que permitía a la cámara moverse dentro del coche sin entorpecer los movimientos de los pasajeros para conseguir una toma continua sin cortes. Los que estéis ansiosos por ver sus primeras imágenes y el trailer, aquí os dejo un enlace “HIJOS DE LOS HOMBRES”
El 15 diciembre es la fecha elegida por la distribuidora para el estreno en España de la última película de Iñarritu (21 gramos), “BABEL”, tras su exitoso paso por el festival de Cannes, de la que ya os hemos dado debida cuenta, pero para los más rezagados recordaros que está interpretada por Brad Pitt, Cate Blanchett y Gael García Bernal. Con guión de su fiel Guillermo Arriaga, basada en una idea original de Iñarritu y Arriaga. Trata sobre un incidente trágico en el que se ve involucrada una pareja estadounidense en Marruecos desencadena una serie de acontecimientos que afectan a cuatro familias en diferentes países. Unidos por las circunstancias, separados por continentes, cultura e idioma, cada personaje descubre que la familia es lo único que ofrece consuelo.
Cautivadora y emocionante película, rodada en tres continentes y en cuatro idiomas, que indaga en lo personal y en lo político y además reflexiona acerca de los nexos culturales y las fronteras. Dibujando con asombroso realismo las barreras que separan a los seres humanos. Para ello se sirve del viejo concepto de la torre de Babel y sus implicaciones actuales: las identificaciones erróneas, los malentendidos y las oportunidades fallidas, esas manos invisibles que guían nuestras vidas.
Si se te pusieron los pelos de punta con las impactantes imágenes de la película de Roland Emmerich “El día de mañana”, espera al próximo 10 de noviembre, momento en el que podréis ver el célebre documental “UNA VERDAD INCÓMODA”, tras su exitoso pase por el Festival de Sundance. Dirigido por Davis Guggenheim y protagonizado por el candidato a la presidencia de los EEUU, Al Gore. Es una producción de Participant Productions, la nueva productora dedicada a hacer películas sobre temas sociales y que en 2005 produjo las aclamadas “Buenas noches y buena suerte”, y “Syriana”. La película parte de la tesis de que estamos sentados en una bomba de relojería. Si la mayoría de los científicos del mundo tienen razón, nos quedan apenas diez años para evitar una catástrofe de grandes proporciones que podría hacer entrar el clima del planeta en una espiral destructiva con temperaturas extremas, inundaciones, sequías, epidemias y oleadas de calor hasta ahora desconocidas. Una catástrofe preparada por los hombres.
Durante el metraje veremos la apasionada entrega de un hombre decidido a exponer los mitos e ideas equivocadas acerca del calentamiento global y de su prevención. Este hombre es el ex vicepresidente Al Gore, que después de perder las elecciones de 2000 decidió cambiar de rumbo y dedicarse a ayudar a salvar el planeta. Este conmovedor retrato de Al Gore y de su “espectáculo itinerante de calentamiento global” muestra a un hombre divertido, abierto y dispuesto a todo para hacer llegar a la mayor cantidad de gente posible la sorprendente verdad acerca de lo que él llama “la emergencia planetaria” antes de que sea demasiado tarde. El espectáculo de Al Gore consiste en una presentación multimedia e independiente que revela, con una original mezcla de humor, dibujos animados y pruebas científicas convincentes, los efectos del calentamiento global en el planeta. También es “una llamada a las armas” que describe las oportunidades que tiene Estados Unidos de usar su ingenio y energía para atacar la crisis.
Pincha aquí para ver el TRAILER, os impresionará, os lo prometo y para saber más este film pinchar en ENLACE.

NOTICIAS DE LA RED

Amigos, Edryas ha finalizado su saga de malos-malisimos del cine en su fascinante blog «Losers are Winning», perdérselo es un pecado, os lo prometo. Aquí teneís un enlace MALOS-MALISIMOS.
Pero para emociones fuertes las que nos trae un amigo de la red en su blog ZOMBIE, dedicado al cine de género del que es fan y posee sabios conocimientos, no debeís dejar de pasaros por su página, PINCHAR AQUÍ. Por cierto, son geniales sus lecciones de supervivencia post-apocalíptica.

DE LA COMEDIA AL CINE SOCIAL

La sesión inaugural corre a cargo de Nick Broomfield, director de la polémica Kurt & Courtney. que presenta “GHOSTS”, basada en hechos reales, rodada en los límites de la ficción y el documental por uno de los más destacados renovadores del género, que narra la tragedia acontecida el 5 de Febrero de 2004 donde murieron ahogados veintitrés inmigrantes ilegales chinos en la costa norte de Inglaterra mientras trabajaban recogiendo marisco. Una de las pocas supervivientes de esta tragedia, Ai Qin, que protagoniza personalmente el relato de su viaje desde China hasta Inglaterra y las difíciles condiciones laborales que tiene que afrontar para tratar de conseguir una vida mejor para su hijo.
En la clausura se presenta fuera de concurso “LONELY HEARTS”, otra historia que reconstruye hechos reales esta vez ambientados en años 40, cuando Martha Beck y Raymond Fernandez formaron la pareja más buscada de América. Conocidos como «los asesinos de corazones solitarios», amantes de la mentira, el dinero fácil y el sexo escabroso, estafaban a sus víctimas y luego las mataban brutalmente. Sus objetivos eran viudas de guerra y mujeres adineradas, que tenían la mala fortuna de responder a los anuncios en prensa en los que Ray se presentaba como el amante latino ideal. En este juego mortal, Martha se hacía pasar por su hermana. Cometieron una veintena de crímenes. El detective Elmer C. Robinson participó en su captura en 1949. Esto es lo que narra la nueva película protagonizada por John Travolta y James Galdonfini, dirigidos por Todd Robinson.
El jurado de la sección oficial a concurso está integrado por Bruno Barreto, Isabel Coixet, Sara Driver, Bruno Ganz, Manuel Gómez Pereira, José Saramago y presidido por la actriz francesa Jeanne Moreau.
Que podrán disfrutar de los nuevos trabajos de Agnieszka Holland que presenta “COPYING BEETHOVEN”, para este biopic sobre el famoso músico ha contado con Ed Harris y Diane Kruger. La acción se sitúa a pocos días del estreno de la Novena Sinfonía, es en este momento cuando el gran autor de sinfonías necesita ayuda para transcribir las partituras. Del conservatorio envían a Anna Holtz, una joven estudiante de música para ayudar al maestro. Tras vencer la barrera del mal genio del compositor, se establece entre ambos una intensa relación artística y emocional. Mientras que el líder de los cineastas norteamericanos independientes, Tom DiCillo (Vivir rodando) ha contado con Steve Buscemi para poner en pie “DELIRIOUS”, film que cuenta la historia de un fotógrafo sin suerte, que trata de llegar hasta los famosos, acoge como ayudante a un joven vagabundo que aspira a ser actor. Cuando el chico enamora a una estrella del pop, la camaradería se transforma en celos y venganza. Una comedia dramática cargada de ironía sobre el azar, la amistad, las falsedades de la fama y las aristas de la ambición.
El irlandés John Boorman presenta su trabajo “A TIGER’S TALE” a caballo del thriller, melodrama y comedia, para ello ha contado con Brendan Gleeson y Kim Cattrall (Sexo en Nueva York) para contarnos la historia de un triunfador, empresario del año, que ve trastocada su estabilidad cuando descubre que le persigue un hombre exactamente igual a él, que trata de suplantarle. Mientras intenta evitar que esa réplica se inmiscuya en su propia familia, averigua la identidad del misterioso doble.
Argentina presenta una road movie realizada por Carlos Sorin (Historias mínimas) llamada “EL CAMINO DE SAN DIEGO”. En ella nos cuenta la historia de un joven de la provincia de Misiones que es un fan loco de Maradona. La televisión informa del estado crítico del citado futbolista, invadido por las drogas y con el cuerpo maltrecho, su internamiento en una clínica y su posible traslado a Cuba. El joven decide viajar a Buenos Aires para hacer entrega a Diego de una talla esculpida en madera.
Najwa Nimri, Luis Tosar, Daniel Giménez Cacho, Aida Folch y Álex Casanovas protagonizan la coproducción hispano-mejicana “LAS VIDAS DE CELIA”. Película situada al finalizar una noche de verbena, en ella podremos ver como Celia fracasa en su intento de suicidio en las vías del tren. Su vida ya no volverá a ser la misma. Esa misma noche y en un lugar próximo, es violada y asesinada una adolescente. Un policía, Miguel Ángel, que está pasando por momentos personales difíciles, empezará a investigar el caso. La investigación le llevará hasta Celia y Agustín, su marido, y hasta Carmen y Ángela, las dos hermanas de Celia.
Fuera de concurso se podrá ver el regreso de Lars von Trier con «THE BOSS OF IT ALL”, con la que abandona momentáneamente su trilogía americana y supone su regreso a los preceptos DOGMA. En ella nos narra la historia del dueño de una empresa se inventa un presidente inexistente para esconderse cuando tiene que tomar medidas impopulares. A la hora de vender la empresa, contrata a un actor para que interprete a ese presidente y negocie con los posibles compradores. En este momento será cuando los principios morales del actor se ponen a prueba.
Por el premio Altadis-Nuevos Directores y el Premio Montblanc de Nuevos Guionistas compiten Javier Rebollo, que ha realizado su ópera prima “LO QUE SÉ DE LOLA”, en coproducción con el país vecino. En la que nos narra la vida de León, un hombre solitario, que no trabaja en nada ni se relaciona con nadie. Atiende a su anciana madre hasta que ésta muere. Para romper su soledad le gusta espiar el correo de los vecinos, las conversaciones de la gente, las idas y venidas de los viajeros en las estaciones. Un día Lola, una española ruidosa, se instala en el vecindario y León fija en ella toda su atención. El realizador francés Martial Fougeron con su film “MON FILS À MOI”. Donde podemos ver los avatares de una familia de clase media, que vive en una pequeña población de provincias. El padre es profesor universitario, la madre se ocupa con detalle de las labores domésticas, la hija mayor va a entrar en la universidad y el hijo pequeño asiste al instituto y da clases de piano. La aparente normalidad de la familia se resquebraja cuando se descubre que la madre mantiene con el hijo pequeño una ambigua relación de amor-odio que le resulta al niño insoportable. No es un caso de maltrato infantil, sino un incisivo estudio de la conflictiva psicología de una madre y la reacción defensiva y desesperada del hijo. Y Víctor García León con su película “VETE DE M͔, protagonizada por Juan Diego, Rosa Mª Sarda y Juan Diego Botto. En ella veremos a Santiago que nunca ha sido protagonista de nada… ni de teatro, ni de cine… ni siquiera de su propia vida. Pero Santiago nunca pensó que alojar en su casa a su treintañero hijo Guillermo durante unos días cambiaría tanto su vida…
Este año hay tres retrospectivas, una dedicada a uno de los creadores de comedia más lúcidos que ha dado el cine, Ernst Lubitsch, y otra a un cineasta que ha captado en cada momento la realidad de su tiempo, Barbet Schroeder, que marcan todo el espectro de posibilidades entre el cine como entretenimiento inteligente y como concienciación, a la que se suma la retrospectiva sobre los Emigrantes.
Dentro de la sección Zabaltegui, se podrá ver la última realización del veterano y prestigioso director portugués Manoel de Oliveira “BELLE TOUJOURS”. En ella nos ofrece una mirada nostálgica hacia todo un clásico del cine europeo de los años sesenta: «Belle de Jour», filme emblemático de Luis Buñuel. 38 años después de esa inolvidable película, Oliveira recupera a sus dos personajes protagonistas y nos sitúa en un contexto en el que él pretende revelarle un secreto trascendental que afecta a ambos. El guión corre a cargo del propio Oliveira y entre sus protagonistas, se mantiene Michel Piccoli, mientras que el personaje de Séverine Serizy que inmortalizó Catherine Deneuve, ahora es interpretado por Bulle Ogier. El resto del reparto, incluye a Ricardo Trêpa (nieto de Manoel de Oliveira), Leonor Baldque y Júlia Buisel.
El 21 de septiembre, “VOLVER” de Pedro Almodóvar recibirá el Gran Premio Fipresci a la Mejor Película del Año. Galardón que pretende destacar el cine más arriesgado, original y personal, se concederá por segunda vez al cineasta manchego, lo había recibido anteriormente por “TODO SOBRE MI MADRE”, que es uno de los más innovadores y con un universo personal más rico y original del cine contemporáneo

CON LA CAIDA DE LA HOJA VIENEN (I PARTE)

“ELLOS” de los directores David Moreau y Xavier Palud. La película se centra en torno a una joven pareja que vive felizmente en una casa enorme perdida en medio del bosque. Clémentine, una profesora del Liceo Francés de Bucarest y Lucas, que es un novelista. Un buen día, su vida va a dar un giro de 360º. Todavía no lo saben, pero les están espiando, acechando. Cuando caiga la noche, Clémentine y Lucas descubrirán que ELLOS están ahí, en todas partes, hasta en su propia casa… ¿Quiénes son? ¿Qué quieren? Las respuestas habrá que buscarlas en los confines del miedo.
Una semana más tarde se estrenará la película ganadora del premio al mejor guión y la Copa Volpi a la mejor actriz (Helen Mirren) en La Mostra de Venecía 2006, hablamos de…
“LA REINA”. Dirigida por Stephen Frears (Las Amistades peligrosas) e interpretada por Helen Mirren (Last Order), Michael Sheen (Underworld) y James Cromwell (Spiderman 3). La cinta se centra en las repercusiones tras la muerte de la princesa Diana, indudablemente la mujer más famosa del mundo. Cómo golpea al incrédulo y sorprendido público británico. En ese instante la reina Isabel II se retira tras los muros del castillo de Balmoral con su familia, incapaz de comprender la respuesta del pueblo a la tragedia. Para Tony Blair, primer ministro recién elegido, la necesidad del pueblo de consuelo y comprensión de sus líderes está clara. Al desbordarse las muestras de emoción, el primer ministro debe hallar la manera de reconectar a la amada reina con el pueblo.
Para levantar esta curiosa propuesta, Frears se apoya en multitud de entrevistas con personajes conectados estrechamente con la casa real y expertos en el tema para mostrar un retrato íntimo y a veces humorístico de una familia en crisis y de un nuevo primer ministro en la cumbre de su poder en un tiempo de un extraordinario dolor público y privado.

EL FINAL DEL VERANO

Asín hemos podido ver el retorno de las aventuras del hombre de acero, ese que vuela y no se despeina. Sí, te hablo de “SUPERMAN RETURNS”. Mira tu por donde que cuando sonaba la musiquilla me trajo recuerdos de cuando te llevé de pequeño a ver la famosa película. Casi me emociono. Pero eso me duró poco. Me empecé a aburrir y se me iba la mente a la era y a las cabritas, es que un par han pasado un mal verano, pero es otro tema. Te contaré que la gran novedad de este Superman es que todo indica que el jodío tiene un hijo con la Lois Lane, es que está hecho un fiera. Es mejor invitarle a comer al niño que a clases de piano, te saldrían mu caras. Asín estaba tan cabreada la Lois, porque se va de picos pardos a su planeta natal, dejándola en estado de buena esperanza, luego vuelve a la tierra y se hace el orejas, este más que Superman es un listillo, vaya manera de escurrir el bulto. Por cierto, el malo de la película no es el mismo que en la película original, es el que hacía de malo malísimo en “Seven”, que en este flins no es tan fiero como lo pintan, y encima carece del sentido del humor de Gene Hackman. Creo que has hecho bien en perdértela.
Otra que te hubiera puesto los pelos de punta es “PIRATAS DEL CARIBE: EL COFRE DEL HOMBRE MUERTO”. Es el retorno de las aventuras de ese pirata que se parece al guitarrista de los Rolling Stones, Jack Esparrago. Todo es a lo grande. Mira sale una noria, más grande que la que ponen en fiestas aquí en el pueblo, encima van luchando mientras rueda por todo el poblado, y se tratan de robar una llave que abre un cofre, ya sabes donde se esconde el tesoro, como todo buen flins de piratas que se precie. Además sale un calamar gigante, menuda paella podríamos haber hecho con el pedazo de bicho. Y extras, mira que tiene extras más que minutos de duración. Lo único que cambia es que en la primera parte los malos son una legión de muetos vivientes, mientras que en esta parecen el batallón Pescanova, mitad hombres mitad peces. La mente no se me iba a las cabritas, casi estaba en la playa, y tu sabes que nunca he estado. Pero no te preocupes, en breve vendrá las nuevas entregas de este serial de piratas.
La que me pareció mu rara es “DOMINO”, ya empieza diciendo: “basado en una historia real… más o menos”. A ver en que quedamos es o no real. Si empezamos asín, yo me apeo en la próxima. No se trata de un documental sobre ese juego que tanto me fascina y que como bien sabes me gusta jugar unas partiditas en el bar por la tarde con los amigos, no. Es la historia de una chica que es una cazarecompensas de esas, en EEUU, además todo lo que tiene de maciza lo tiene de mala leche. No atinaba a entender si lo que me contaba había ocurrido, o es que se lo había inventado. Pero la cosa es que me gustó en general, es de vértigo aunque el final es mu bonito, de esos que enternece el corazón del más pintao, aunque con lo raro que eres y las películas que te gustan, esta te hubiera puesto de los nervios.
Y para finalizar te contaré que te has perdido el momento en el casi linchan por un instante al Alcalde, se salvó de milagro, porque alguien le rescató. Todo empezó porque nos prometió que iban a proyectar un flins de putillas, que se llama “AGUA”, vamos esa noche se congregaron todos los becerros del pueblo, toos mirando la pantalla y mira tu por donde que el flins es de esos que tanto te gustan a ti, es una de indios, no de los de las historia de Estefanía, no, de esos amarillos, de la India. Imagínate la aventura, empezó y una música mu rara, to iba mu lento, mu lento. Encima la putilla era una niña, el párroco del pueblo se escandalizó, se levantó y se fue. Yo estaba que no daba un duro por la vida de nuestro amadísimo Alcalde. Por no verse no se ve ni una tetilla. Toos tirando las botellas de cerveza a la pantalla. Como está la cartelera últimamente, que hay más mujeres de vida alegre que en prostíbulo de la carretera de Burgos. En fin, como diría Domino Harvey, estos han sido los hechos…más o menos. A ver si vienes pronto al pueblo, que te echamos de menos más que Pedro a Copito de nieve.

NO HAY NADA COMO LOS CLÁSICOS

“LA NOCHE DE LOS GIRASOLES” narra la historia de Pedro (Mariano Alameda) y Esteban (Carmelo Gómez), dos espeleólogos que llegan a una zona montañosa para estudiar el hallazgo de una cueva y determinar si posee interés científico. Les acompaña en su periplo por Castilla La Mancha Gabi (Judith Diakhate), la novia de Esteban, que les espera al pie de la montaña. Pero cuando salen de la cueva, la encuentran aterrorizada…
Este es el punto de partida de una opera prima genial, entretenida, sin pretensiones, hecha con talento y la sabiduría de los grandes maestros. Inclusive, el propio director en un momento concreto del metraje hace alusión a John Ford y concretamente a la “La diligencia”, que supuestamente la están emitiendo en TVE.
No había visto nada igual desde aquel debut tan espectacular protagonizado por Alejandro Amenábar con “Tesis”. Tanto por el género como por su buen hacer. No es, creo modestamente, intención del director realizar una película innovadora, para nada, sólo pretende contar una historia que entretenga al espectador, que le hagan pasar sus dos horas y media como si fueran un suspiro. Es un claro ejemplo de que el buen cine no tiene porque ser caro, ni tener presupuestos con cifras que marean con sólo escucharlas. Y tengo claro que es una película muy recomendable y sería un pecado perdérsela. Espero que el boca a boca funcione con ella y sea lanzada al lugar donde debe estar en los primero puestos del ranking de las más vistas, por meritos propios que son muchos.
Su director, Jorge Sánchez Cabezudo, pone en pie un guión propio, estructurado en seis capítulos, donde adopta un punto de vista diferente alrededor de ocho personajes corrientes enfrentados a la casualidad y a situaciones extremas, donde la violencia es el motor de toda la historia, y que hará que tengan que elegir un camino que es inevitable. A caballo del thriller y el drama, se nos presenta un film sólido como una roca, en el que cada palabra está elegida, el bolero de Antonio Machín alcanza su significado propio y dota de entidad al metraje. Además, se nota que conoce la España profunda, su visceralidad, esa que vemos de pasada cuando vamos de vacaciones y hacemos turismo rural. Posee diversos planos donde pone de manifiesto diversos problemas que acontecen en la España actual y de los que somos o nos sentimos ajenos, tales como despoblación de nuestros pueblos, la soledad, la cultura del pelotazo y el arribismo o el afán de ser famoso a pesar de carecer méritos; y reivindica la tierra, la naturaleza, los pueblos. Dirige a los actores de forma contundente, los sabe llevar a donde él quiere, a todos, sin ninguna excepción. Destacar la conmovedora interpretación que hacen Walter Vidarte y Cesáreo Estébanez, que dan vida a dos lugareños muy particulares llamados Amós y Cecilio, muy humanos con sus virtudes y miserias.

RECONOCIENDO A UN ARTISTA

El director norteamericano David Keith Lynch, acaba de recibir el reconocimiento a toda su carrera en la Mostra de Venecia, al otorgarle el León de Oro a toda su carrera. También presenta fuera de concurso su último trabajo cinematográfico “INLAND EMPIRE”, que lleva rodando desde hace varios años usando técnicas digitales, y que algunos críticos ya lo califican de impenetrable sesión de tres horas de buen cine.
Opinamos que es justo y merecido otorgar este premio a uno de los directores más carismáticos del panorama actual. Nominado por la Academia al mejor director en tres ocasiones por “El hombre elefante”, “Blue Velvet” y “Mullholand Drive” y dos en los Globos de Oro por “El hombre elefante” y “Mullholand Drive”, nunca han llegado a reconocer el gran talento de este polifacético artista, caracterizado por ser inquietante, surrealista, poseedor de una personalidad propia y considerado un outsider de la industria cinematográfica.
Sus constantes son un sonido muy trabajado, el mundo del teatro, los freaks, los viajes tanto físicos como psicológicos donde sus personajes están en constante evolución, así como la descripción de pequeñas comunidades de los Estados Unidos, y como última particularidad cabe destacar su pasión por el mundo hispano, tal y como reflejó en su película “Mullholand Drive”, ácida sátira sobre la industria cinematográfica norteamericana que bebía de los films “El último magnate” y “El crepúsculo de los dioses”. Él mismo reconoce que en la ciudad de los Ángeles la comunidad hispana está incrementándose, reflejándose inclusive en el idioma, y esas transformaciones le apasionan. De ahí, que utilizara una versión en castellano de un clásico de Roy Orbison “Crying”.
Como os adelantábamos en mayo tras entrevistar al director del Festival de Sitges en la Muestra de cine fantástico de Madrid, se podrá ver en el certamen catalán una exposición de su obra pictórica, así como retrospectiva de toda su filmografía, incluyendo el clásico “Blue Velvet” del que se celebra su 20 aniversario de su estreno en el citado festival.

AL FILO DE LA MEDIANOCHE

MENTES CAUTIVAS
Se emite el sábado 2 a las 00:05. Dirigida por Nelson McCormick (Emergencias, Nip/Tuck o CSI) Realizada en el 2003, trata de Lance Bishop, un vendedor de seguros que vive su vida normal hasta que comienzan a sucederle cosas extrañas y descubre que es el objetivo de una operación que se centra en el control de la mente. Interpretada por Adam Baldwin (La chaqueta metálica), Elizabeth Berkley (Showgirls), Tony Todd (Destino final).

WEBS:TELARAÑA LETAL
El sábado día 9 a las 23:40, Sci Fi estrena una producción del 2003. La película se desarrolla en la ciudad de Chicago, donde unos electricistas investigan un laboratorio abandonado en el que encuentran un núcleo de energía atómica que conduce a un universo paralelo. Allí se ven atrapados en un Chicago que ha sido devastado por una araña reina y habitado por seres mutantes. Ahora deberán encontrar su camino de vuelta.

DEATHLANDS
El sábado día 16 a la 01:00 de la madrugada podréis ver otra producción del 2003, con claras referencias a películas como “Mad Max”. La acción se desarrolla en el año 2104, una guerra nuclear ha transformado a la civilización humana en un mundo medieval equipado con armas de alta tecnología. Ryan, interpretado por Vincent Spano (Buenos días, Babilonia o Canción Triste de Hill Street), junto con sus hermanos luchará contra los tiranos.

EL SANTO PECADOR
El sábado día 23 a las 23:55 horas, emiten esta producción del 2002. Nos cuenta la historia de dos jóvenes hermanos que se preparan para ingresar como monjes en la orden de Damasco. Curiosos, se introducen en una sala secreta del monasterio y liberan a dos demonios. Éstos se lanzan sobre la Tierra y escapan al futuro a través de la Rueda del Tiempo.

INVASIÓN FINAL
El plato fuerte llega el sábado día 30 a las 00:05 con esta película dirigida en el 2002 por un director de culto dentro del género, hablamos de Sean S. Cunningham, al que recordaréis por ser el director y productor de “Viernes 13”. La acción se sitúa en un aeropuerto aislado, donde siete pasajeros se enteran de que su vuelo no puede despegar a causa de una tormenta de nieve. Cuando llega un asesino convicto escoltado por dos guardias, empiezan los verdaderos problemas. Para sobrevivir, los pasajeros deberán descubrir quienes, entre ellos, no son de este mundo. Pero la cosa no acaba aquí, el film está interpretado por un actor de culto, Bruce Campbell (Evil Dead), y completan el reparto la actriz Chase Masterson (E.R. o Star Trek: DS9) y el actor Kedar Brown (Mutant X).

PRISION BREAK

Este director natural del Estado de Florida, y poseedor de una filmografía un tanto desigual, que le da igual hacer una con Jackie Chan que con Sir Anthony Hopkins. Y cuya último largometraje la tercera parte de la saga X-MEN, ha sido recibida por el gran público con cierta frialdad.
Ahora, prueba suerte en el mundo catódico, como ya hiciera Bryan Singer con «HOUSE». Es una puesta a punto del género drama carcelario con todos los tópicos actuales, montaje dinámico, excelente puesta en escena, y dirigida con buen pulso. La idea le debe mucho a películas como “La fuga de Alcatraz” de Don Siegel, personaje astuto que planea una fuga.
Parte de una historia básica, dos hermanos encarcelados en una prisión de máxima seguridad llamada River State, el mayor condenado a muerte por matar al secretario de estado y el pequeño, mira tu por donde que es arquitecto y diseño a través de una subcontratación la estructura de los cimientos del citado penal, así que comete un delito para que le lleven con su hermano, pero guarda un as bajo la manga, lleva tatuado en el cuerpo los planos y en su mente un plan de fuga, que verá como capítulo a capítulo se va frustrando poco a poco, y lo que en un principio le parecía muy fácil, se complica por segundos.
Dominic Purcell da vida a Lincoln Burrows, el hermano mayo, en nuestro país es conocido por haber salido en películas como “MI:II” o recientemente en la serie “House”, el hermano pequeño lo interpreta un desconocido Wentworth Miller, visto como actor secundario en “Underworld”, en el papel de Dr. Adam Lockwood. Pero no están solos, les rodea un elenco muy interesante de secundarios, que calificaría de lujo, el primero Peter Stormare, actor fetiche de los hermanos Coen, el productor ejecutivo rescata del olvido a un Stacy Keach, que todos recordaréis por haber encarnado en 1984, a un detective privado muy peculiar en la serie de televisión “Mike Hammer”, y ahora da vida al mandamás de la prisión, como anécdota sirva que para preparar su papel de Alcaide pasó seis meses en una prisión real preparándose.
Se ha rodado en una prision real. Se ha modificado la pena de muerte para obtener mayor impacto de audiencia, en el Estado en el que se ambienta la acción la pena capital es inyección letal, mientras que en la serie es la silla eléctrica. La idea fue propuesta en el 2003 a la Fox, que la rechazó, pero tras el éxito de “24” y “Perdidos”, se animaron a llevar a cabo la producción.
El resultado es una serie interesante, se pasa un buen rato, engancha con facilidad y, lo mejor de todo, no posee grandes pretensiones, y en EEUU han conseguido renovar, ahora emiten la segunda temporada, será por algo.