Tras haber conseguido tres estatuillas doradas por su anterior cuento gótico llamado «El Laberinto del Fauno», Guillermo del Toro regresa a las pantallas este viernes con la segunda entrega de la franquicia Hellboy, con el subtítulo «EL EJÉRCITO DORADO». Para ello ha contado de nuevo con el creador del cómic Mike Mignola para hacer el guión, que ha sido publicado por Dark Horse. Los que vayáis a ver la versión doblada al castellano, disfrutaréis de las voces de Santiago Segura y Jose S. Mota (¡sí, el de Cruz y Raya!), que son Johann Krauss y Abe Sapien respectivamente, que están interpretados por el gran Ron Pearlman y la actriz Selma Blair. Pero los más atrevidos, es decir, los que vayan a verla en VOSE oirán al gran genio de la animación catódica Seth MacFarlane creador de la exitosa serie “Padre de familia” porque presta su voz a Krauss. También hay para los más fetichistas que están de enhorabuena porque coincidiendo con el lanzamiento del film, la marca deportiva Adidas ha creado una edición limitada de zapatillas (5000 unidades) que conmemorarán el esperado estreno de la película. En Madrid, la FNAC de la plaza de Callao expone desde el 25 de agosto y hasta el 10 de septiembre un par de estas exclusivas zapatillas, que podrás ver pero no probártelas. Hellboy regresa esta vez con más músculo, mejores armas, multitudes de monstruos y un pequeño conflicto en el hogar, nuestro demoníaco héroe favorito, gran amante de los gatos, está de vuelta, más dispuesto que nunca a meterse con los malos. Lucha al lado de los buenos cuando lo requiere la ultrasecreta Agencia de Investigación y Defensa Paranormal, también conocida como BPRD (una agencia clandestina creada en 1943 por Roosevelt, que usa tecnología secreta, fuerzas misteriosas y una red de agentes con poderes sobrenaturales para defender al mundo contra otros seres sobrenaturales más violentos). Sin embargo, él prefiere relajarse con un buen puro, unas cuantas cervezas, su piroquinética novia Liz Sherman y sus numerosos gatos. Pero el destino tiene otros planes para ellos. Cuando se rompe la antigua tregua entre los seres humanos y los primeros hijos de la Tierra, el infierno se apodera del mundo. El anárquico príncipe del mundo subterráneo, Nuada, se ha cansado de inclinarse ante los seres humanos. Se le ocurre despertar a un ejército de máquinas de matar que volverá a apoderarse de lo que fue suyo. Por fin, las criaturas mágicas podrán pasearse por la Tierra a su antojo. Sólo Hellboy es capaz de detener al oscuro líder y salvar al mundo de la aniquilación. Se unen al ingenioso demonio de ojos ámbar y a su inflamable novia los principales miembros del reparto de Hellboy: el brillante y acuático miembro de la Agencia, Abe Sapien; el burócrata Tom Manning, y el padre adoptivo y salvador de Hellboy, el profesor Trevor Broom. Para librar esta batalla, la BPRD deberá viajar entre el mundo de los humanos y el mundo mágico oculto, donde reinan las criaturas de la fantasía. Hellboy, con un pie en ambos mundos, pero rechazado por los dos, deberá escoger entre la vida que conoce y el destino desconocido que le llama.
Para poneros al día sobre esta saga, yo el primero, porque no he visto la primera parte, sí lo reconozco, aquí os hago una breve semblanza de los personajes principales, así podremos ir a verla con los deberes hechos.
HELLBOY
Nacido entre las llamas del infierno y llevado a la Tierra de muy niño para perpetrar el mal, el benevolente Dr. Trevor Broom le rescató de un oculto grupo nazi y le crió, convirtiéndole en el héroe más inesperado de todos. Ahora, el superhéroe más duro y drástico, el mayor amante de los gatos, deberá enfrentarse a un príncipe sin piedad y a su ejército de merodeadores. Puede que sea de color rojizo, que tenga cuernos y que nadie le entienda, pero cuando las cosas se ponen feas, más vale llamar a Hellboy. No viene mal que el enorme matón rojizo use su fatal mano derecha, auténtica maza gracias a la invulnerable piedra roja pegada a su antebrazo. Y si eso no basta, sacará a “Big Baby”, un híbrido entre escopeta y revólver con balas del tamaño de potitos para bebés.
LIZ SHERMAN
No hace mucho que la piroquinética Liz ha aceptado los tremendos poderes que empezaron a manifestarse cuando tenía 11 años y que causaron la trágica muerte de su familia. Rechazada por todos debido a sus dotes, la tímida Liz no sólo encontró un hogar en la BPRD, sino también al amor de su vida en la persona de Hellboy. Cansada de sentirse como un monstruo, ha decidido aceptar su nuevo papel de heroína. Siempre que haga falta, dirá: “El fuego no es mi enemigo, forma parte de mí”, desatando una serie de rayos y llamas que destruirán a cualquiera que amenace a sus amigos o a seres inocentes.
ABE SAPIEN
Este brillante ser acuático de casi 150 años tiene poderes psicogénicos que le permiten conocer el pasado y el futuro de los objetos. Es un caballero educado y bondadoso, pero siente una pasión irrefrenable por los huevos podridos. El Icthyo Sapien debe usar un pulmón acuático para poder respirar fuera del agua. Reserva un lugar muy especial en su corazón por la princesa Nuala, que comparte algunos de sus poderes así como su innato sentido de la justicia.
JOHANN KRAUSS
Es el último miembro en incorporarse a la BPRD. Este místico protoplásmico tiene la capacidad de controlar entidades mecánicas y orgánicas para reactivar su sistema neurológico. Es un experto en teleplastia y siempre va envuelto en un espeso traje para contener su ectoplasma gaseoso. Su habilidad para instalarse en cuerpos y seres inanimados será de gran utilidad para Hellboy, Liz y Abe mientras intentan desalojar a los monstruos que pueblan la noche.
TOM MANNING
El agente especial Tom Manning actúa como enlace entre la BPRD y el FBI. Lleva décadas impidiendo que se conozca la existencia del grupo secreto de super héroes. A pesar de haber evitado numerosas catástrofes mediáticas y rechazado los ataques de la prensa amarilla decidida a publicar fotos del hombre demonio, se ve superado por las hazañas de Hellboy en pleno Manhattan. El mundo, atónito, acaba de descubrir la existencia de la BPRD, y Manning está en la cuerda floja. Washington quiere que Johann Krauss sea el rostro de la Agencia ahora que ya no es secreta.
PRÍNCIPE NUADA
Este cruel líder quiere ser el amo de ambos mundos, el humano y el subterráneo, para lo que desafía a su familia y decide despertar a un ejército imparable de extrañas criaturas, conocido como el Ejército Dorado. Ha regresado del exilio al reino de Bethmoora para recuperar la tierra y la libertad que, según él, fueron usurpadas a su pueblo. Para conseguirlo, Nuada sabe que necesita la ayuda de los buenos, de los malos y de los malísimos.
PRINCESA NUALA
La grácil princesa de belleza atemporal tiene un turbador parecido con su brutal hermano gemelo, el príncipe Nuada. Incluso comparten las mismas delicadas cicatrices. Representa el benevolente yin del malvado yang de su hermano. Es la hija preferida del rey Balor, y este le confía la última pieza de la corona real de Bethmoora, un tesoro de oro que puede llevar la paz o la destrucción al universo.
WINK
Ese monstruoso troll es el sicario del príncipe Nuada. Hace lo que le pide su amo, por muy violento que sea. Esta enorme y fea criatura es capaz de ayudar a liberar una horda de hadas con colmillos para que ataque a una multitud inocente y de pasearse por el mercado de trolls buscando pelea. Su gigantesco puño y su mazo de hierro extensible están a la altura de Hellboy y su fatal mano derecha.
EL ÁNGEL DE LA MUERTE
El atemporal y aterrador Ángel de la Muerte lleva innumerables años esperando en su guarida subterránea para llevar una misteriosa profecía a Liz y Hellboy, que afectará a sus vidas y al futuro del mundo. Su corazón está hecho de polvo y arena, y su única compañía ocasional es el Duende de Bethmoora. Dejará que los dos miembros de la BPRD elijan: podrán alcanzar una nueva vida o abrir la puerta a una era de muerte.
Y ahora para finalizar os dejo con un momentazo de la película la canción de amor, un momento que algunos podrán calificar de muy rosa, vosotros mismos. Ya sabéis en el amor no hay fronteras. Y por supuesto con el trailer, traquis, así iréis abriendo boca.
Hola amigos del blog y del canal VIDEODROMO. Ya estamos de vuelta de unas vacaciones insuperables, en las que me he acordado de todos en mayor o menor medida, de veras, por unos motivos u otros, ya lo iréis descubriendo. Este año me he librado y no he sufrido ningún grave percance, así como no me he visto invadido por bichejos que no venían de fábrica. Un recuerdo desde aquí para mis amebas de Cuba, que menudo otoño me dieron, que grandes momentos hemos compartido con Roca.
Este año he visitado las localizaciones de películas como «Lawrance de Arabia» de David Lean que parte de su metraje está rodado en el desierto jordano de Wadi Rum o «Indiana Jones y la última cruzada» ya que en su final se puede ver el Siq y el Tesoro de la ciudad nabatea de Petra, situada en la localidad de Wadi Musa. Se que es más falso que Judas el dicho urbano de: «una imagen vale más que mil palabras», pero os he condensado 22 días de vacaciones en 8 minutos de metraje con localizaciones de ensueño. Así que darle al play y disfrutad.
El cine de LOS HERMANOS WACHOWSKI, sabeís que tiene un sello propio, que a unos gusta más que a otros, pero es indiscutible que lo tienen, sus cintas poseen mucha acción con escenas muy bien coreografiadas, grandes acrobacias, suelen ser críticos con la sociedad del momento («Matrix» y «V de Vendeta») y los efectos visuales cada vez más revolucionarios. Larry y Andy Wachowski no dejan de ser cineastas visionarios. Empezaron en el territorio indie, hasta que los acogió el productor Joel Silver, que tiene en su haber más de 50 películas, incluyendo franquicias como «The Matrix», «Arma Letal», «La jungla de cristal» o «Predator», y los elevó a lo más alto del estrellato. Con cada proyecto intentan ir un paso más allá, en este caso estilizan el hiperrealismo de «Matrix» , generando una realidad brillante, optimista y exagerada, que proporciona una estética más cercana al cine animé. Para ello se han servido de la Tecnología 2½-D. Esta consiste en que las imágenes del film fueron creadas utilizando actores reales frente a pantallas verdes junto con la captación de imágenes digitales de alta definición en 360 grados en exteriores en Italia, Marruecos, Austria, Turquía y en el Valle de la Muerte. Estos exteriores se rodaron con cámaras de alta definición para crear escenarios virtuales envolventes.
SPEED RACER se basa en un relato televisivo, fue realmente la primera serie de dibujos animados que se difundió con éxito a través de Estados Unidos, aquí en España la conocimos con el nombre de «Meteoro». Creada por Tatsuo Yoshida y producida por la legendaria productora japonesa Tatsunoko Productions en 1967, empezó como una serie para televisión de 52 episodios titulada originalmente “Mach Go Go Go.” Sólo después de seis meses de su éxito en Japón fue doblada y se convirtió en un éxito en los Estados Unidos. Esta serie resurgió posteriormente en la televisión al volverse a emitir en la década de 1990, generándose dos versiones actualizadas de la serie que se emitieron conjuntamente a principios de la década de 2000. Si lo pensaís fríamente son casi tres generaciones las que han crecido con Speed Racer durante los últimos 40 años. Las verdaderas estrellas de esta película son los más de 100 modelos de coches que circulan por diversos circuitos exóticos a más de 640 kilómetros por hora, que por supuesto se han creado digitalmente. Pero también, se construyeron dos coches de tamaño real para attrezzo, concretamente los modelos Mach 5 y Racer X.
COSMÓPOLIS
Es el nombre de la ciudad donde está ambientada la acción. Es una metrópolis brillante y llena de colorido, una ciudad con un mar de rascacielos, con letreros y anuncios luminosos que iluminan todos los edificios en el horizonte. En Cosmópolis, las carreras de coches no son sólo un deporte, son una forma de vida, en la que un grupo de pilotos profesionales de elite se disputan la primacía en el circuito internacional. Pasan a toda velocidad en grandes “roadsters” por las curvas y con un gran estruendo a través de exóticos escenarios en coches de rally trucados, a más de 640 kilómetros por hora. Esta conducción combativa y defensiva acrobática al estilo de los gladiadores – con pilotos profesionales de alto nivel “luchando” en medio del aire – se llama “Car-Fu”. En esta ciudad existe la Liga Mundial de Carreras de Coches, cuyo estilo es distinto a todo lo que conocemos. Los coches son obras altamente estilizadas en el arte de la automoción. Cada uno de los coches está diseñado para reflejar la personalidad de su piloto, con el resultado de una colorida e impresionante combinación de pinturas. Las carreras de coches son el deporte número uno en el mundo, y la Liga Mundial está a la vanguardia, efectuándose las retransmisiones por los medios de comunicación de todos los países y en todas las lenguas del mundo. Casi todos los coches y
equipos están patrocinados por las grandes corporaciones. Estos coches no han sido fabricados solamente para alcanzar grandes velocidades sino también para llevar a cabo maniobras arriesgadas que desafían la gravedad en las carreras más increíbles que uno pueda imaginarse. Una carrera puede iniciarse con veinte coches, pero sólo unos pocos pilotos la terminarán.
Los coches de carreras en el mundo de Speed Racer se conocen como T-180 y pueden alcanzar velocidades de más de 640 kilómetros por hora. Cada conductor utiliza coches de calle en su vida diaria y en las carreras en carretera, y coches de carreras y coches T-180 para competir en estadios y pistas. Los mejores pilotos de coches T-180 han de ser capaces de resistir más de 4 veces la fuerza de la gravedad en una carrera típica. Todos los coches de carreras están equipados con Espuma Kwiksave, se trata de una medida de seguridad instalada en cada uno de los coches que consiste en una burbuja, dentro de la que está el piloto, que rebota fuera de la pista para salvarlo en caso de accidente, salvando la vida de los conductores se salven en caso de colisión, rebotando fuera de la pista sin resultar lesionados. ¡Y los pilotos vencedores celebran sus victorias con jarras de leche fría!
LAS CARRERAS
A lo largo de todo el metraje veréis varios circuitos de carreras. Entre los más importante tenemos el circuito de Thunderhead Raceway, que es la pista del barrio de Speed Racer, llena de increíbles peraltes, recodos y curvas. Rex Racer continúa ostentando el record en esta pista, en la que compitió con su Mach 4.
Luego tenemos el circuito de Fuji Helexicon, que es una importante pista en la liga mundial de coches de carreras. Está construida en lo alto de un archipiélago tropical desde donde se domina un maravilloso paisaje marítimo. Esta emocionante pista serpentea en un entorno tropical con recodos y curvas que desafían la gravedad.
El más grande de todos es el rally por carretera Casa Cristo porque abarca dos continentes, tres zonas climáticas y 5.000 kilómetros de las más curvilíneas y traidoras carreteras que ha utilizado para carreras, desde los arcos y las columnas del Muqranna hasta los acantilados de Casa Cristo, el desierto Zunubiano y las cuevas de hielo Maltesas. Aunque la Liga Mundial ha hecho un esfuerzo por limpiar el recorrido del rally, las trampas camufladas para los conductores, que incluyen lanzas, instrumentos cortantes para los neumáticos y baterías de refuerzo, hacen que Casa Cristo sea una prueba de resistencia tan brutal que ha recibido el sobrenombre de “Crisol», pero el que primero cruza la línea de meta gana automáticamente una invitación para el prestigioso Grand Prix.
Pero sin duda alguna el más excitante de los circuitos que se ven en este film está incorporado en el corazón de Cosmópolis, es el Grand Prix que es la más imponente cúspide del deporte, la carrera final que discurre por el fantástico circuito con la mayor altura, jamás concebida, con bajadas que desafían a la muerte, trazados con forma de trébol y sorprendentes lazos. Esta carrera es tan renombrada que se anuncia en todo el mundo y se retransmite por las ondas en más de 80 idiomas.
LOS EQUIPOS
Toda gran liga debe tener sus equipos en torno a los cuales gira toda la acción. El primero de todos es el Racer Motors, que es una organización independiente sin ninguna corporación que la patrocine, es una empresa familiar desde los pilotos hasta los mecánicos, que se reúnen a menudo en el domicilio de Racer para probar las tortas caseras. Este equipo, liderado por el experimentado piloto Speed Racer, tuvo antes otra estrella de las carreras como el controvertido Rex Racer, que estableció el record en el circuito Thunderhead.
La empresa Royalton Industries, es una patrocinadora de carreras de coches de renombre internacional, está dirigida por E.P. Arnold Royalton. Una de sus 140 sociedades es una fábrica del T-180 que presume de una planta de fabricación de coches verticalmente integrada en la que los trabajadores y las máquinas pueden construir un T-180 desde el enlace inicial de carbono hasta su acabado final en treinta y seis horas. El piloto estrella de Royalton es Jack “Cannonball” Taylor, dos veces ganador del Grand Prix y cinco veces campeón de la WRL.
El equipo Togokahn Motors Racing está dirigido por Taejo Togokahn. Este equipo “comodín” cuenta con la joven y prometedora estrella Speed Racer y con el Misterioso Racer X para el traicionero rally Casa Cristo 5000.
El equipo Hydra-Cell está dirigido por el infame Snake Oiler, este equipo es conocido porque siempre saca ases ( o serpientes) de su manga.
Flying Foxes Freight es el equipo más astuto y listo. Está dirigido por la conductora estrella Delila, conocida por sus peligrosos instrumentos cortantes que acechan a los pilotos que se acercan demasiado a su coche.
Los coches del equipo Yen-Che, poseen movimientos dinámicos y una imparable energía, además tienen un botón secreto que hace que uno de sus neumáticos delanteros explote junto a un contrincante.
Los coches del equipo Thor-Axine, Inc. tienen martillos que salen de debajo de los mismos y que se utilizan para lanzar colmenas llenas de furiosas abejas contra sus contrincantes.
LOS PERSONAJES
El personaje central y que da nombre al largometraje es SPEED RACER, interpretado por el actor Emile Hirsch. Nacido y criado en el mundo de las carreras, aprendió a conducir antes de que supiera andar. Actualmente es un piloto que promete y que sigue los pasos de su hermano mayor Rex, que fue quien le enseñó todo lo referente a la conducción, desde llevar calcetines rojos para tener suerte hasta cómo intuir una curva. Speed Racer sigue siendo uno de los pocos pilotos independientes de la Liga Mundial de Carreras de Coches – no tiene ningún patrocinador y compite en el equipo de su padre, Racer Motors.
El coche de calle de Speed Racer es el atronador Mach 5, que está trucado con botones pulsadores especialmente diseñados para proporcionar a su coche las siguientes ventajas:
• El botón A pone en funcionamiento un juego de gatos hidráulicos que mediante un salto pueden hacer que el coche salte lanzándolo por encima de cualquier obstáculo que bloquee su trayectoria.
• El botón B sella el compartimento del piloto, creando una barrera a prueba de balas entre Speed y todo lo que pueda chocar contra él.
• El botón C activa los protectores de los neumáticos para evitar que cualquier instrumento punzante ilegal pueda pinchar los neumáticos del Mach 5 y echarle de la carrera.
• El botón D infla el neumático de repuesto de emergencia Hexa-Dyno rápidamente.
• El botón E activa las hojas en forma de sierra con puntas de zirconio que están en la parte delantera del coche para poder cortar cualquier obstáculo.
• El botón F saca unos crampones de los neumáticos que ayudan a que el Mach 5 maniobre en circunstancias peligrosas de la carretera.
• El botón G lanza un aparato volador con control remoto capaz de transmitir imágenes de la UCAP desde y hasta cualquier punto.
La novia de Speed se llama TRIXIE, que está interpretada por la actriz Christina Ricci. Se caracteriza por ser guapa pero dura. Se conocieron en el tercer curso de primaria y desde entonces han sido inseparables. Trixie, gran conductora por derecho propio, es la compañera de confianza de Speed en la pista y fuera de ella. A menudo le ayuda en sus movimientos de conducción defensiva mientras que vigila las carreras desde arriba con su helicóptero – el TRX rosa y negro.
El actor norteamericano John Goodman da vida a POPS RACER, antiguo luchador y actualmente un genio de la mecánica, trabajó primeramente para uno de los más importantes grupos de empresas de carreras pero dejó este empleo para establecer su propia empresa independiente Racer Motors. Pops es quizá el mejor técnico de coches del planeta y diseña y construye todos los coches de Speed Racer incluyendo el Mach 5.
La gran Susan Sarandon se mete en la piel de Mamá Racer, matriarca de la familia Racer, es cariñosa, tierna y optimista. Frecuentemente es la voz de la razón en la familia, confiando en el criterio de su hijo y equilibrando el espíritu temperamental de Pops. También es famosa por las increíbles tortas caseras que hace.
Kick Gurry es SPARKY, es un as de la mecánica de Racer Motors y amigo de confianza de la familia, es el brazo derecho de Pop y asesor durante las carreras de Speed durante las carreras, con quien permanece en contacto constante por radio con los auriculares.
Paulie Litt interpreta a SPRITLE, que es el travieso hermano de 10 años de Speed, adora a Speed de la misma forma que este adoraba a Rex cuando era niño. Es una enciclopedia andante sobre los coches y las carreras, capaz de enumerar estadísticas a la velocidad de la luz. Spritle y su inseparable mascota Chim-Chim están constantemente haciendo travesuras pero apoyan con todas sus fuerzas a su héroe Speed.
Scott Porter es REX RACER, el talentoso y a menudo polémico hermano de Speed, establece el record de pista en el circuito Thunderhead al volante del Mach 4, pero abandona el equipo de su familia para competir con otros equipos en el circuito de la WRL. Pero unos diez años antes de que Speed alcance su propia gloria al volante, Rex muere en un accidente durante el rally Casa Cristo 5000 al no activarse su Espuma Kwiksave.
Matthew Fox abandona momentaneamente la isla de «Perdidos» para incorporarse a esta gran producción en la que interpreta a RACER X, toda una figura misteriosa del mundo de las carreras de coches, mantiene oculta su identidad ya que trabaja secretamente en el circuito intentando poner al descubierto la corrupción del mundo de las carreras y efectuar una limpieza en este deporte. Pero muchos misterios rodean a este sigiloso piloto que a veces es conocido como el Pájaro de Mal Agüero, el Piloto Maléfico o el Piloto Enmascarado. ¿Quién es él? ¿De qué lado está?
El actor Ji Hoon Jung, popularmente conocido como Rain, muy popular en la televisión coreana, se mete en la piel de TAEJO TOGOKAHN, hijo de Tetsua Togokahn, propietario de Togokahn Motors, y capitán del equipo de carreras. Aunque compite contra Speed en el Fuji Helexicon, Taejo le hace una proposición estratégica para que forme parte del equipo del legendario rally por carretera Casa Cristo, que es tan emocionante como peligroso.
A este gran elenco se incorpora el actor Christian Oliver, que los asiduos al género fantástico recordaréis del film «Frosbitten», y al que pronto veremos en «Valkiria». Olivier encarna a SNAKE OILER, capitán del equipo de carreras Hydra-Cell, se introduce fácilmente en la competición para ganar el rally por carretera Casa Cristo 5000. Con dientes de cobra incorporados en el morro de su coche de carreras, esta serpiente es un contrincante con mala pinta.
Ralph Herforth es JACK “CANNONBALL” TAYLOR, uno de los pilotos más célebres y con más éxito del equipo de Royalton Racecars y uno de los rivales de Speed. El coche de carreras T-180 de Cannonball es el GRX, provisto de un Transpondedor Interior Positivo sobrealimentado que puede alcanzar velocidades de más de 800 kilómetros por hora. Cannonball Taylor está considerado como uno de los mejores pilotos al volante de un coche en una pista de carreras.
Moritz Bleibtreu, al que vimos en la película alemana «El experimento» o en «Munich» de Spielberg , aquí es GRAY GHOST, el Fantasma Gris. Se ganó su apodo por su movimiento de firma: oscilando hacia dentro y hacia fuera de la línea de visión de sus competidores. Gray Ghost, uno de los pocos pilotos imparciales y sin afiliar del circuito, ve a Speed como un competidor digno cuando ambos compiten en el Fuji Helexicon y en el Grand Prix.
Los hermanos Wachoski también rescatan viejas glorias del cine y la televisión norteamericana al darle un papel al actor Richard Roundtree, que encarnó al mítico detective «Shaft». En el film le reservan el papel de BEN BURNS, que es una mítica estrella de las carreras, y ofrece a Speed sus conocimientos y su orientación, enseñándole en base a los errores que cometió durante sus días de gloria en la pista.
Ashley Walters, al que hemos visto recientemente en el thriller «WAZ», intepreta al PRÍNCIPE KABALA, contra el que Speed debe competir en el Grand Prix, conduce un T-180 con incrustaciones de piedras preciosas cuyo valor se estima en 22 millones de dólares.
Jana Pallaska da vida a DELILA, líder del equipo de los Flying Foxes Freight, que es temida por tener escondido en el tapacubos de su coche un instrumento para pinchar los neumáticos de sus contrincantes.
FIGURAS DEL MUNDO DE LAS CARRERAS DE COCHES
Donde hay carreras hay corrupción, y el personaje encargado de perseguir y capturar a los personajes que trasgreden las leyes es el INSPECTOR DETECTOR, interpretado por el actor alemán Benno Fürmann que trata de hacerse un hueco en la industria hollywoodiense. Trabaja codo con codo con Racer X para investigar los casos de corrupción en el mundo de las carreras de coches.
Hiroyuki Sanada, que dio vida a Kaneda en «Sunshine» es en este film el SR. MUSHA, propietario de Musha Motors. Trabaja conjuntamente con Royalton, en un intento de hacerse con Togokahn Motors, mediante un acuerdo secreto.
E.P. ARNOLD ROYALTON es el Presidente y Director General de Royalton Industries, un gran conglomerado de sociedades en el que figura Royalton Racecars, que maneja el equipo más poderoso y con más éxito del circuito. Está acostumbrado a ganar, sin importarle el coste ni las normas a infringir para conseguirlo.
John Benfield, que le hemos visto recientemente en «Cassandra’s dream» de Woody Allen, se mete en la piel de CRUNCHER BLOCK un tramposo organizador de carreras de Royalton. Amaña contratos para eliminar a pilotos de las competiciones o que utiliza corredores con tácticas agresivas para obligarles a abandonar las carreras.
Nan Yu es HOROKU TOGOKAHN, la bella y elegante hermana de Taejo, es muy leal a su familia, aunque no siempre está de acuerdo con los métodos que su padre y hermano utilizan para triunfar.
Este monográfico no podía finalizar de otra manera que con el trailer del ambicioso largometraje, que seguro será un divertimento lleno de acción para todos los públicos. No busqueís en esta cinta a los Wachoski más comprometidos, porque la trama a priori no da juego para ello, pero estará cargada de adrenalina y acción vertiginosa aderezado con acordes tecno.
trailer SPEED RACER
COMENTARIOS:
M.JORDAN: Sólo diré una cosa por la que no me perderé esta película: Emile Hirsch.
ISRA:
Yo me quedo con Christina. Ricci Siempre…
PD: Alguién sabe donde será la premiere española? Si alguien se entera y es tan amable de comentarmelo por email, le estaría completamente agradecido { israel571@hotmail.com }. Gracias
GIANFRANCO: me encanta la pelicula de meteoro y mas me encanta el match 5
MAGO OCONER TDS4: me encanta la pelicula me encanta el match 6 es mortal pero la pista de fuji en la parte de los piches me di cuenta q no es una carrera es un suicido y ese gordo puto q se cage
En 1956 Don Siegel dirige su única película de género y que con el tiempo se ha convertido en uno de los grandes clásicos de la ciencia ficción, hablamos de «LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS«. Su planteamiento no puede ser más básico, en Santa Mira un pueblecito situado al norte de California vive el Dr. Miles Benell. A su consulta comienzan a llegar varios pacientes con una dolencia que no puede tratar: todos ellos insisten en que sus familaires cercanos no son en realidad quienes parecen ser. Intrigado y desconcertado, Miles recorre el pueblo en compañía de Becky, su viejo amor de juventud, y de sus amigos Jack y Theodora Bellicec, comprobando que una serie de peculiares fenómenos tienen lugar en los sótanos y armarios de las casas, mientras los vecinos duermen. El psiquiatra Mannie Kaufman, al que Miles acude en busca de ayuda, le asegura que no se trata más que de una caso de histeria colectiva, cuando la verdad es que la población de Santa Mira está siendo atacada por unos seres que se apoderan de sus cuerpos y mentes mientras duermen, para convertirlos en seres pasivos, obedientes y carentes de cualquier tipo de emoción. Nuestro héroe, el doctor Miles Bennell, no deja de ser un personaje rebelde, un marginado que se enfrenta a las tendencias mayoritarias de la sociedad.
El contexto histórico no puede ser más interesante, realizada dos años después de finalizar las persecuciones y la caza de brujas de McCarthy, justo en pleno apogeo de la carrera armamentística nuclear y espacial, así como de la guerra fría. Hay dos teorías sobre el origen de esta adaptación de una novela por entregas, concretamente tres partes, escrita por Jack Finney en 1954 para la revista Colliers; que la podréis encontrar traducida al castellano en la editorial Bibliópolis Fantástica con el título de “Los ladrones de cuerpos”. La primera es que tras las humillaciones y carreras arruinadas en el seno de la gran industria de Hollywood, esto no podía quedar así, realizando una crítica al fascista método empleado por el anteriormente citado senador norteamericano, en el que unos miembros de la comunidad hollywoodiense delataban a otros acusándoles de ser comunistas, y ya sabéis todos, que si no lo hacían estaban cometiendo delito de traición a su país. Otros teóricos del cine son de la opinión que la cinta no deja de ser una crítica al comunismo, todos piensan igual, no hay distinciones. Creando, este clásico en blanco y negro de 80 minutos de duración, verdaderos ríos de tinta. Yo opino que posee un mensaje antimacarthista. Se pudo escribir y rodar esta conspiración intelectual porque era una película de serie B y en la que nadie se fijó hasta que fue tarde, es decir, hasta que se estrenó y se convirtío en un clásico; mi opinión se basa en que su guionista,Geoffrey Homes, firmó la película con el seudónimo de Daniel Mainwaring porque estaba incluido en las famosas listas negras.
LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS (1956) – behind the scenes
Este film está producido por el que fue uno de los grandes productores independientes de Hollywood, Walter Warger, que tras visonar el material entregado por Siegel, rodó un prólogo y un epílogo sin el consentimiento del director, que a mi juicio no aportan nada a la historia, que sólo tenía como objetivo que fuera más digestivo el duro final del emtraje rodado y que por supuesto no aparecía en la novela original, pero era acorde al mismo, ya que la novela tiene un final feliz. Al igual que Benell y Driscoll están divorciados de sus respectivas parejas en la novela, cosa que no aparece en la película. Pero, a mi gusto, no influyó estos pequeños detalles en el resultado final ni a su posible deterioro por el paso del tiempo. Eso es debido a dos cosas, a la magistral puesta en escena de Siegel que sabe darle la fuerza necesaria en cada momento, gracias al uso de primeros planos, un montaje muy dinámico para el momento, es decir, que hay secuencias que tienen muchos planos. Pero todo esto no sería nada sin el soberbio guión de Daniel Mainwaring, que supo transformar el relato de Finney en una sombría visión de la sociedad norteamericana del momento, acosada por la paranoia urbana y la creciente histeria política de la que se estaban recuperando.
A pesar de que su reparto carecía de grandes estrellas, los actores resultaron ser sólidos como una roca, tanto Kevin McCarthy que da vida a Miles Bennell, Dana Wynter que interpreta a Becky Driscoll o King Donovan en el rol de amigo de Bennell, Jack Bellicec. Esta película está llena de anécdotas y curiosidades. La primera es que podréis ver al director de cine Sam Pekinpah en un pequeño papel, a todos os suena su nombre porque ha pasado a la historia del cine por mostrar las escenas más brutales y violentas a cámara lenta. Siegel le dió un pequeño papel en el film porque por aquel entonces pasaba por una mala racha monetaria. Otra es que la actriz Vera Miles rechazó interpretar a Becky Driscoll en favor de Dana Wynter. La más curiosa es que el título de “La invasión de los ladrones de cuerpos” no le gustaba a Don Siegel, él quería titularla “Sleep no more”
Lo que no cabe duda es que es una auténtica película de culto, en la que no importa tanto dilucidar si se trata de una alegoría del macarthismo, sobre la amenaza del comunismo al mundo occidental, o si es un alegato contra el totalitarismo de independientemente del carácter del mismo. Ya sólo el mero hecho de que genere tal polémica es lo que le da la condición de obra maestra.
ESCENA FINAL DE LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS (1956)
En la década de los 70, concretamente en 1978 se decidió revisitar el clásico de Siegel, y fue el director norteamericano Philip Kauffman el encargado de llevarlo a buen puerto, la película en nuestro país se llamo «LA INVASIÓN DE LOS ULTRACUERPOS«. Aquí la historia cambia un poco, Bennell, pasa de llamarse Miles a Mathew y de ser médico a ser inspector de sanidad de la ciudad de San Francisco. El psiquiatra amigo de Benell, Mannie Kaufman, ahora se llama David Kibner, y es un reputado psiquiatra que escribe libros de autoayuda. El matrimonio Bellicec tienen un negocio, unos baños turcos, donde los clientes pueden darse una sauna o unos barros. Él mantiene su nombre mientras que Theodora pasa a llamarse Nancy. Benell y sus amigos sospechan que algo extraño sucede cuando algunas personas conocidas empiezan a comportarse como si no fueran las mismas de siempre. El encuentro con un extraño ser les pondrá en guardia contra lo que parece ser una invasión alienigena. La acción en vez de tener lugar en una pequeña localidad rural, como era Santa Mira, ahora todo pasa en una gran ciudad, San Francisco.
LA INVASIÓN DE LOS ULTRACUERPOS (1978) – Trailer
El contexto histórico vuelve a ser inmejorable, en la memoria colectiva de los norteamericanos ahora vive el fantasma de Vietnam, el del Watergate, los asesinatos de Martin Luther King y los Kennedy, y los enfrentamientos raciales. Pero también hay una revolución sociológica, nace la idea de la aldea global, dado que los medios de transporte y comunicación cada vez son más veloces y eficaces, donde las ciudades se deshumanizan, la arquitectura es fría a la par que apabullante y reina la incomunicación. La nueva sociedad industrial que trae la contaminación del medio ambiente, así como la adulteración de los alimentos y los peligros de la genética, todos ello es motivo de crítica por parte del guionista. Además, Kauffman acierta al apostar por mezclar la historia de terror puro con la crítica al momento sociológico e histórico norteamericano. Así pues, esta revisitación se erige como toda una vuelta de tuerca a la trama, enriqueciéndola y no es un pretexto de puesta al día de efectos especiales y baches argumentales que poseía el original. Recordad que no se explica en el original el proceso de conversión, el doble en la casa del matrimonio Bellicec, la duplicación en la mina de Becky, entre otras cosas. Para incrementar el interés de la trama rescata un personaje que no aparece en la película original y es el marido de Becky, en este caso intepretado por Art Hindle, generando un triángulo amoroso lleno de infidelidad no consumada. Además, se apostó por darle a la película un final absolutamente desmoralizador y terrible, y lo llevan a tal extremo que si os fijáis no hay banda sonora en los rótulos de crédito finales, distanciado absolutamente del final del libro. El artífice de todo esto fue guionista W.D. Richter, que posteriormente haría el drama carcelario “BRUBAKER” de Robert Redford o ese clásico de Carpenter que es “GOLPE EN LA PEQUEÑA CHINA” En cuanto a la narrativa, como os decía antes, al apostar el director por crear una película a caballo entre la ciencia ficción y el terror, a diferencia de la versión de Siegel, aquí se juega con el sonido, los fuera de campo y ciertos toques gore, tan típicos de finales de los 70 y principios de los 80, por ejemplo, la escena en la que Benell se mata a sí mismo en su jardín antes de comenzar a huir.
ESCENA FINAL DE LA INVASIÓN DE LOS ULTRACUERPOS (1978)
Esta película supuso el primer título importante en la filmografía de Philip Kauffman, que realiza un estupendo trabajo de dirección. Dentro del equipo hay que destacar la labor del director de fotografía Michael Chapman, que había realizado un formidable trabajo para Scorsese en Toro salvaje o Taxi Driver y que poco después le veriamos interpretando al Dr. Berg en la película de James Cameron, “ABYSS” o en “EVOLUTION”. También hay que resaltar la formidable banda sonora original compuesta por Danny Zeitlin, que crea una ecléctica y variopinta composición melódica y orquestal mezclada con momentos jazzies y el tecno vanguardista tan típico de las películas de terror de la época. Todo ello para generar una atmosfera desasosegante y verdaderamente angustiosa, puntuando las emociones de los personajes y los momentos inquietantes eficazmente.
DENNY ZEITLIN: B.S.O. LA INVASIÓN DE LOS ULTRACUERPOS
En este caso para intepretar a nuestro héroe se buscó a un actor de renombre y solido como es Donald Sutherland, arropado por actores tan famosos como Leonard Nimoy, el mítico Dr. Spock de “STAR TREK” o Veronica Cartwright, la famosa niña de “LOS PAJAROS” de Alfred Hitchcock y que tras este éxito formó parte de la tripulación del Nostromo en “ALIEN” Mezclados con actores que provenían del campo televisivo, aunque eran solventes como Jeff Goldblum, que se haría famoso por interpretar a Seth Brundle en el remake de “LA MOSCA” o Brooke Adams, que también trabajaría con Cronenberg, concretamente en “LA ZONA MUERTA”
Como curiosidades tenemos que el director de la primera adaptación, Don Siegel, aparece en un cameo como taxista, al igual que el protagonista de aquella, Kevin McCarthy, repitiendo su mítico final, que ya habéis visto. Robert Duvall también aparece en la película aunque sin acreditar en los rótulos y el director de fotografía del film, Michael Chapman, que es el limpiador de las oficinas del Departamento de Sanidad. Aquellos que tengan la suerte de verla en V.O. escucharéis la voz de Philip Kauffman en la conversación telefónica que tiene Benell con el ayudante del alcalde en la que se citan en el parque y le ruega que sea discreto.
En 1993 se presentó en el festival de Cannes «SECUESTRADORES DE CUERPOS«, segundo remake del film original y tercera adaptación de la novela de Finney, para ello el productor del anterior remake, Robert H. Solo, contrató a un director tan interesante como outsider, hablamos del enfant terrible, Abel Ferrara. La crítica esta vez fue muy dura con él, y la acogió con gran frialdad, y eso que tenía una gran reputación por obras tan inquietantes como “BAD LUTENANT”
SECUESTRADORES DE CUERPOS
Para ello contó con su guionista habitual Nicholas St. John, que trabajaron sobre el material de Dennis Paoli y Stuart Gordon, que a su vez reelaboraron un primer borrador escrito por Larry Cohen y Raymond Cistheri. A buen entendedor sobran las palabras, pero os explicaré en tres líneas que ocurrió. El primer director elegido por el productor Robert H. Solo fue Larry Cohen, pero como no fue de su gusto la visión del asunto, se contrató a Stuart Gordon, que ya tenía en su haber “REANIMATOR” y por defecto este trajo a Dennis Paoli al proyecto, ya que es su guionista habitual. Pero no debió de gustarle el tratamiento del guión porque así entró el tandem St. John-Ferrara, que fue el definitivo. Todo esto afectó al film, ya que no hay una apuesta clara. El caso es que la acción retorna al medio rural, pero esta vez enclavado en el ambiente castrense, ya que toda la película se desarrolla en el interior de una base. Está claro que lo que se critica es el mundo militar, su despersonalización, aunque continúa el eje argumental de la incomunicación en el seno familiar. La historia arranca cuando la familia Malone se traslada a la base militar porque el padre Steve va a realizar un estudio medio ambiental de la zona. Otra cosa en común con el original de 1956 es el retorno al final “feliz”, pero esta vez en helicóptero. Los únicos guiños al clásico de Kauffman son el grito de identificación, la recogida de la basura humana y los rídiculos títulos de crédito, porque me gustan más los de la versión de Kauffman y aportan algo a la historia, cosa que en la versión de Ferrara no es así. Gracias a la evolución de los efectos especiales mejoran las escenas de la duplicación. Pero el guión está lleno de obviedades, se habla de guerras químicas y biológicas de soslayo. De hecho, Steve va a la base a analizar los vertidos de residuos de la base, aunque también intenta hablar de las relaciones verticales, del principio de autoridad tanto paterno filial como de mando directo, en el caso militar. Pero el producto final es para fagocitación directa de teenagers incomprendidos, aunque de todas las versiones es el primero que empieza con la ambigüedad con la que empieza el libro de Finney. Además, el peso de la narración que en el libro lo lleva Benell, aquí lo lleva la jovencita hija de Steve, Marti Malone. El personaje de Jack Bellicec se transforma en jovencita también, y en este caso es la hija de Coronel de la base, Jenn Platt. El personaje de Becky Driscoll se convierte, lógicamente en un personaje másculino y se llama Pete, que es un piloto de helicópteros. Por cierto, la banda sonora compuesta por Joe Delia, compositor habitual de los proyectos del tandem St. John-Ferrara, es un tanto mediocre.
Tanto el contexto histórico como el sociológico no tiene nada de espectacular, Bush padre y Boris Yeltsin dirigen las principales potencias y firman un tratado de desarme nuclear, entra en funcionamiento el espacio económico europeo, se firma en París un acuerdo para la prohibición de armas químicas. y tiene lugar un atentado contra las Torres Gemelas en Nueva York. Así que la capacidad de crítica social era escasa. También podemso decir que el final de esta versión es el más parecido al final de la novela, si no fuera por el añadido del helicóptero.
El film está interpretado por actores que en otras ocasiones suelen ser de reparto, y en este caso llevan el peso específico de la cinta, así tenemos a la incipiente Meg Tilly o Gabrielle Anwar, que intepretan a madre e hija respectivamente, pero también tenemos al actor Forest Whitaker que da vida al Mayor Collins, que es el médico de la base, que posee una de las mejores escenas de la película. Encontramos en los principales papeles a Terry Kinney o Reilly Murphy que dan vida a padre e hijo, que eran perfectos desconocidos y venían de la televisión. Por cierto, este último volvió a repetir con Ferrara en dos películas más.
La película nunca se llegó a estrenar en nuestro país en los cines, salió directamente al mercado del video de alquiler y venta. Y no está entre las preferencias de los aficionados al género, aunque su distribuidora, la Warner traté de vincularla a las precedentes mediante estrategias publicitarias. Así que podemos considerar este producto como fruto industrial, claro ejemplo de que el remake no suele aportar nada, a diferencia de la versión de Kauffman.
Lo único rescatable y verdaderamente impactante era este diálogo en boca de la actriz Meg Tilly:
¿A dónde vas?
¿A dónde vas a huir?
¿Dónde te vas a esconder?
En ninguna parte.
Porque ya no queda…
nadie como tú.
Habrá que esperar hasta el año 2005 para ver una revisitación apócrifa, es decir que bebe tanto de la novela de Finney como de la adaptación cinematográfica de Don Siegel, pero a su manera. Hablamos de la serie de televisión «INVASIÓN«, creada y desarrollada por uno de los vastagos del clan familiar Cassidy, Shaun Cassidy, que ya había creado la serie “Caso Abierto”. La serie juega con la suplantación del ser humano por una especie alienígena y el enfrentamiento entre ambas. Esta revisitación también esta centrada en el ambiente rural, en un pueblecito. La diferencia es que lo alienígenas son acúaticos en vez de ser una especie vegetal, además los hay buenos y malos. La serie se ha podido ver a través del canal temático FOX, y Telemadrid, vamos en el circuito de las televisiones autonómicas.
INVASIÓN SERIE TV-Trailer
Pero no queda aquí el asunto ya que la productora Warner Bros en el 2007 ha decidido volver a readaptar el clásico de Finney, para ello el productor Joel Silver, famoso por haber producido “Matrix” o “V de Vendetta”. Este proyecto ahora una realidad se llama “INVASIÓN” Comienza con la explosión, al entrar en la atmósfera, de la lanzadera espacial “Patriot”, esparciendo sus restos desde Washington DC a Dallas. Estos se hayan contaminados por unas esporas alienígenas resistentes tanto al frío del espacio exterior como a las altas temperaturas de la reentrada al planeta Tierra. Las autoridades intentan hacerse con el control de la situación, pero la invasión ha dado comienzo. Este es a groso modo el comienzo de la cuarta adaptación de la novela de Jack Finney “Los ladrones de cuerpos”. Para ello el productor Joel Silver, artífice de cintas como “Matrix” o “V de Vendetta”, ha buscado un director y guionista de origen europeo, así Oliver Hirschibiegel famoso por sus películas “El hundimiento” o “El experimento” y David Kajganich, se encargan respectivamente de estas labores.
Este novel guionista centra toda la acción en la era post 11-S. Se sirve de que la sociedad norteamericana está en permanente estado de ansiedad, provocado por la paranoia constante contra el terrorismo, secuela de la caída de las Torres Gemelas. En su convivencia diaria, esta vez, con el fantasma del terrorismo. La propaganda norteamericana maltrata a los libre pensadores y aboga por un héroe anónimo que se sacrifica sin sentido por la patria. Han perdido libertades en pro de una supuesta seguridad. Además, las constantes amenazas biológicas, por ejemplo la gripe aviar, etc. Las relaciones diplomáticas norteamericanas son muy conflictivas con el resto de la comunidad internacional, da igual que sea Corea, Irán, Irak, Rusia o Venezuela; casos a los que alude explícitamente el director y guionista a lo largo de todo el film. Pero tampoco se olvidan de las tensas relaciones entre Rusia con la excomunista Checoslovaquia, o de la manipulación que están sufriendo los norteamericanos en sus medios de comunicación. Así como, de la despreocupación que sentimos todos hacia el prójimo en las grandes ciudades, nadie se preocupa por nadie, cualquier intromisión en el camino de nadie se considera una agresión. Cuestión ya explorada en sus predecesoras. También, ha hecho cambios sobre la idea central del libro que es la supervivencia como especie, tanto la alienígena como la humana. Ya no existen las vainas, la infección es más inquietante porque es más directa y exponencial, aunque su estadio parásito recuerda mucho al que se podía ver en la primera secuencia de la versión de Kauffman. La influencia de los videojuegos y de películas como la franquicia “28 (días o meses) después” son notables e innegables. Transforma al Dr. Miles Benell en un personaje femenino, en este caso es psiquiatra, cuando tanto en el libro como en el original era médico generalista. Para darle vida a han contado con la estrella Nicole Kidman. Betty Driscoll pasa a ser pues un personaje masculino y se llama Ben Driscoll y le da vida otra estrella emergente, Daniel Craig. Ha introducido un nuevo personaje y es Oliver, el hijo de la doctora Benell. El personaje de Kaufman, el psiquiatra se mantiene aunque con otro nombre Tucker y es un asesor científico del presidente de los Estados Unidos. Vuelven a recuperar al matrimonio Bellicec, solo que él pasa a llamarse Theodore y cambia de profesión como de estrato social, ahora es político y se codea con embajadores de todo el mundo, y Theodora, su mujer, ahora se llama Ludmilla. Como curiosidad contaros que Veronica Cartwright que en “LA INVASIÓN DE LOS ULTRACUERPOS” daba vida a Nancy Bellicec aquí interpreta a Wendy Lenk una paciente de la doctora Benell, que además tiene una particular característica que no os vamos a desvelar. El final de esta versión no tiene nada que ver con la del 78, posee un final feliz como el libro, pero que dista en argumento mucho de él.
En este caso la banda sonora ha corrido a cargo de John Ottman, un geniecillo que también es montador, especialista en adaptar el tempo de la música al montaje, pero en este caso no han contado con él para las labores de montaje de la cinta. Retorna a la idea de Danny Zeitlin, mezclando acordes tecno con otros sinfónicos y abrigados de diversos efectos sonoros para puntuar los diversos estadios psicológicos de los personajes. Y hablando de montaje, uno de los logros de Joel Negron y Hans Funck es reflejar muy bien qué se podría sentir tras un periodo muy largo de carencia de sueño, entrecortando los planos y distorsionándolos. Atención deben prestar mis estimados lectores a los títulos de crédito, son los mejores de las cuatro versiones, están realizados por Prologue y te cuentan como se produce la transformación a nivel celular, a diferencia de los títulos del 78 que te cuentan el viaje a través de los vientos solares.
Esta versión es mejor que la realizada por Ferrara, y está cercana a la altura de la original o la de Kauffman del 1978. Todo ello debido a que no gustó nada el montaje final, no es de extrañar dado que la visión del problema global es diferente para un europeo que para un norteamericano, así que esto se tendría que plasmar en la película. Así que Joel Silver para resolver el problema que tenía entre manos, llamó a los hermanos Wachosky para reescribir partes del guión, volvieron a rodar escenas, cosa a la que evidentemente se negó el director alemán, y por eso el productor llamó a su abanderado James McTeigue, que ya habían trabajado juntos en “V de Vendetta”. Y vista la filmografía del equipo americano, lo que creo que realmente han aportado es una aceleración del ritmo de la película en su tercio final, y habrá que ver si algún día podemos ver al versión integra de Oliver Hirschibiegel, para poderlas comparar. A pesar de todo, el productor norteamericano sostiene que esta versión toca temas muy contemporáneos, y da un giro a la invasión extraterrestre, ya que abarca temas como el miedo a la epidemia hasta el descontento social y político. Así que esta versión que se ha estrenado queda como una de las más cínicas, debes de elegir entre ser humano o extraterrestre; un mundo con problemas aunque tengan origen en la avaricia, codicia, porque son imperfecciones humanas, o la tranquilidad extraterrestre, donde lo que importa es la unidad, todos somos iguales, no hay diferencias.
Si aún no habéis visto la película, os dejo con el trailer en alemán en honor al pobre director y con la crítica de Cotu, para que tengáis otro punto de vista. Como podéis ver hasta hay dos carteles, esto es de traca, a mi me gusta porque me parece más inquietante el azul, el rojo se inspira más en el cartel de la película de Siegel (1956)
LA INVASIÓN (2007) – Trailer
Así que como podéis ver esta especie invasora, los ladrones de cuerpos o también conocidos en la galaxia como ultracuerpos, que ya analizó en su momento Monsieur Copépodo da mucho de si, y es capaz de generar ríos y ríos de tinta.
COMENTARIOS:
FER:
¡Joder, cómo te lo has currado, Alfie!
Estoy totalmente de acuerdo con lo que dices de cada peli. De la de Ferrara solo me gustó Forest Witacker, desesperado al ver que todo lo que le rodea ha cambiado para siempre (momentazo pistola en la sien, como a mí me gusta).
Pero que sepas que esta, como te dije ayer, es una peli zombi. Pero zombi que te cagas. Esos seres en los que la gente se transforma son jodidos zombis, tío, no lo puedes negar. Si no, mirate la escenita del coche de la nueva, con la Pfeifer atropellando vainas/zombis.
Me ha encantado que nos cuentes todas esas curiosidades. Es una maravilla.
Gran trabajo.
RAFA: ¡Guau! Un trabajo impresionante. Dan más ganas todavía de ver cualquiera de las películas o de leerse el libro. A mí me da que tampoco este remake estará por encima de la versión de 1978, mi preferida.
FER: A mí me la has puesto d… digo, que me ha entusiasmado, la verdad. Creo que voy a ver esta noche (no me entra el sueño, oiga) la que también es mi favorita, la del 78. Qué bueno lo de que los títulos de crédito son sin música…
ALIENZOMBIE: Excelente enfoque en las cuatro adaptaciones felicitaciones, espero que la gente lo lea, la mejor, sin duda la del 78 esta entre mis favoritas junto con La Cosa de Carpenter
Warner Española nos ha cedido amablemente esta entrevista al realizador Michael Haneke, del que pronto podremos ver su nueva versión de «FUNNY GAMES» protagonizada esta vez por actores norteamericanos como Tim Roth, Naomi Watts, Michael Pitt o Brady Corbet, y de la que os haré llegar mis impresiones en un par de días, hasta entonces aquí teneís esta impresioannte entrevista en donde el director nos desgrana los motivos de esta revisitación a lo que puede ser su obra maestra.
¿Cómo piensa que han cambiado los medios en los últimos diez años desde el estreno de la primera versión de FUNNY GAMES? ¿Cómo cree que ha cambiado la perspectiva de los espectadores en cuanto a su visión de la violencia?
Creo que la película es más relevante ahora porque las películas son más brutales y las estrategias de ventas son más refinadas. También me refiero a estrategias de ventas desde un punto de vista estético, no desde un punto de vista comercial, sabes, sino la forma en que se hace el marketing de una película ha cambiado.
¿Se ha planteado nuevas preguntas sobre la violencia y los medios con esta versión de la película, o son las mismas que planteó con la versión de 1997?
Las preguntas son las mismas, pero creo que su relevancia ha cambiado.
En la época que Ud. hizo la película original de FUNNY GAMES, las películas SAW y HOSTEL aún no se habían rodado. Con la llegada de las franquicias de SAW y HOSTEL, ¿cómo ve la evolución del cine americano y el papel que se adjudica al espectador de ello ?
De alguna manera, es la misma pregunta o está relacionado con el mismo tema de que todo se está empeorando, todo se está haciendo más odioso. Encuentro que las películas de hoy en día son cada vez más planas, más banales y al espectador le tratan como si fuera tonto y con esta película, intento protestar contra eso. Quiero que me tomen en serio como espectador y cuando hago una película intento pensar en mi espectador como una persona inteligente, no tonto, eso es todo.
¿Qué diferencias, si es que las hubiera, hay a la hora de hacer esta película para un público europeo en vez de un público americano? ¿Fue consciente de esta cuestión durante la producción de la remake? ¿Hubo algo diferente en su acercamiento al tema?
No es tanto una cuestión de hablar del público americano contra el público europeo. Lo que importa es que si hago esta película en inglés llega a la mayoría del resto del mundo. Llega a la gente en Asia y África, o donde sea, no solo a Estados Unidos, y eso no es posible con una película rodada en alemán.
Esta es una historia de la invasión de un hogar, pero la gente que invade no quiere robarles sino atemorizar a sus victimas. Por un lado, Ud. demuestra que tenemos hambre de ver violencia. Por otro lado, la película aprovecha los temores que tenemos de convertirnos en victimas. ¿Estaba intentando demostrar ambas ideas o se inclinaba hacia una de ellas?
Como principio, no me analizo a mi mismo, quiero que el espectador interprete mi película. Como espectador, puedes sacar la lectura que quieres de ella. Hay muchas complejidades en esta película—no se trata solo del consumo de violencia—aquello es solo un aspecto de la película. Espero que las otras complejidades sean claras para el espectador cuando la vea. No quiero dar una manual de instrucciones de cómo hay que ver esta película- todo el mundo puede interpretar la película como quiera, la película termina con el espectador. No termina con mi opinion.
El tema de la película es muy provocativo. ¿Por qué es este un asunto tan importante, sobre todo dentro del paisaje cultural actual?
Todo el que infringe la corriente principal de pensar y no me refiero solo al cine, generalmente es provocativo. Cualquiera que sea la antítesis a la norma y a la forma convencional, se le llama obsceno y provocativo. Así que si lo interpretas así, espero que todas mis películas sean obscenas y provocativas. Pero hay que tener en cuenta que lo obsceno es lo contrario de lo pornográfico. Mis películas no deberían ser pornográficas pero pueden ser obscenas y provocativas.
¿Cómo fue el proceso del casting? Con unos papeles tan comprometidos, ¿qué buscaba en los actores?
Una de las condiciones para que hiciera la película era que Naomi Watts interpretaría a Anna porque pensaba que ella sería ideal para este papel como una actriz de habla inglés. En cuanto a los otros actores, los buscaba según los criterios que siempre me guían cuando busco actores: la calidad del actor. No me interesa un tipo en concreto- me interesa un actor o una actriz que encaja en el papel, que trabaja en ese papel, y en este caso en concreto, necesitaba actores que podrían interpretar unos papeles muy comprometidos.
¿Cómo ha elegido los actores para los papeles de los dos intrusos en esta remake? ¿Buscó algo en particular?
Buscaba buenos actores—era el criterio más importante para mí. Era importante que fueran ideales para el papel y que fueran actores que son emocionantes de ver en pantalla y con Michael Pitt y Brady Corbet, creo que encontré aquello con ambos actores. Esta el hecho que estos actores son algo parecidos. Los dos son rubios, de un tamaño parecido etc., y tienen más o menos la misma edad, que es una coincidencia. A mí me da igual el color de su pelo. Por ejemplo, en la original en alemán, son unos tipos muy distintos. Yo simplemente buscaba los mejores actores para los papeles.
¿Qué películas en la filmografía de Naomi Watts le convencieron para elegirla para la remake de FUNNYGAMES?
La vi en 21 GRAMOS y MULHOLLAND DRIVE y me pareció una actriz increíblemente buena. Sencillamente quería trabajar con ella porque creo que es una actriz excelente.
Cuando trabaja con los actores ¿cómo consigue aquellas expresiones terroríficas y aquellas interpretaciones tan magníficas? ¿Cómo les ha ayudado a conseguir un nivel de intensidad y de emoción tan consistente a lo largo de la película?
Es imprescindible contar con actores de primera clase y hay que evitar errores. Por ejemplo, Fred Zinneman un paisano mío que trabajó mucho en Hollywood—hizo películas como SOLO ANTE EL PELIGRO y THE NUN’S STORY—él dijo una vez cuando le preguntaron básicamente la misma pregunta o sea de cómo conseguía tan buenas interpretaciones de sus actores, y él dijo que es bastante fácil. Necesitas a) un buen reparto y b) hay que evitar errores. Puede sonar banal, pero es verdad y hacer un buen casting no solo quiere decir conseguir buenos actores pero que los buenos actores encajen con sus papeles. Y cuando se habla de evitar errores, quiere decir que si ellos se desvían en algún momento del guión o de la visión del director, tienes que saber cómo hacerles volver y esto por supuesto, es muy complejo y muy difícil. No existe ninguna receta para esto pero básicamente se puede resumir con esos dos puntos.
¿Cuales son sus favoritas películas de los últimos cinco años?
Las películas de Abbas Kiarostami y Bruno Dumont.
¿Cuándo fuiste niño, ¿qué películas querías hacer cuando llegaras a ser un director?
De hecho, cuando era niño no pensaba en hacerme director, quería ser cualquier otra cosa según la edad que tenía. Quería haber sido músico pero desgraciadamente no tenía suficiente talento así que me convertí en director.
¿Piensa volver a hacer alguna otra de sus películas? Si es así, ¿cuáles?
No, desde luego no volvería a hacer ninguna otra de mis películas.
¿Cuáles son sus próximos proyectos?
Estoy trabajando en una película que se sitúa antes de la primera Guerra Mundial, sobre los niños que se han criado en esa época y que luego se convierten en la generación de los Nazi.
Gracias a mis avezados lectores del VIDEODROMO surge este monográfico dedicado a uno de los elementos más complicados de rodar, hablamos del plano secuencia, que seguirá creciendo a medida que nos enviéis vuestras aportaciones.
Según la Wikipedia un plano cinematográfico es la unidad narrativa más pequeña pero significativa del hecho audiovisual. Es la parte de una película rodada en una única toma. Así pues, el plano secuencia, es un tipo de plano en donde la cámara se mueve creando así una toma en donde se muestran diferentes acciones de los personajes conservando las unidades espaciales y temporales. Es decir que los objetos y los actores se mueven ante la cámara o la cámara se mueve, por lo general mediante un travelling horizontal o vertical o bien mediante un giro, también conocido como panorámica.
Así que requiere de una exhaustiva planificación, requiere de maestría por parte del director, ya que ha de organizar a todos los integrantes del equipo de rodaje y a los actores y aquello suene como una orquesta sinfónica, que los acordes sean melódicos y suenen con gran armonía. Así todos estarán listos cuando suene la claqueta, y a partir de ese momento la acción tendrá lugar, la cámara se convierte en testigo único, el operador sabrá de antemano si el director en tal marca quería un plano general o por el contrario quiere un primer plano de tal o cual objeto o personaje. Así, el carácter del plano secuencia es descriptivo. Por lo general, le sirve al director para puntualizar algo, es como si utilizaramos multitud de adjetivos con un sustantivo. Luego, cuanto más largo es más carga emocional y de datos poseerá. Será un plano más denso en información, por lo tanto exigirá del espectador más atención. Por eso, es difícil encontrarlo en un film de acción.
El plano secuencia más largo que existe lo realizó Sir Alfred Hitchcock en 1948, era la primera vez que utilizaba el color, y su fotografía es esmerada. Me refiero al film «LA SOGA», basada en una obra teatral «Rope’s end». El plano secuencia en cuestión dura desde el inicio de los títulos de crédito iniciales hasta los rótulos finales, es decir, 80 minutos. El truco para cambiar de bobina era hacer un zoom sobre las chaquetas de los personajes, así que cada 10 minutos debía hacer un zoom. Así la labor de montaje se realiza en la preproducción, en la planificación del plano y durante su elaboración, es decir, durante el rodaje. Lógicamente se ha de ensayar varias veces para que todo el mundo se encuentre en las marcas en los momentos precisos.
LA SOGA
Un admirador sin lugar a dudas del gran mago del suspense es el director norteamericano Brian de Palma, que le ha homenajeado hasta la saciedad en multitud de películas, pero hoy está en este monográfico por el pedazo de plano secuencia que realizó para su película «SNAKE EYES» de 1998, y le servía para abrir su cinta ambientada en el mundo del hampa, con jugadores empedernidos, apuestas, malos y traidores que acuchillan por la espalda a sus mejores amigos.
SNAKE EYES: SECUENCIA INICIAL DEL FILM
Pero sin duda uno de los que han hecho historia en el cine es el realizado por Orson Welles en 1958 en su película «SED DE MAL» que además le servía de escena de apertura del film, que ahora podeís mirar a continuación, consiguen poner en mayúsculas la palabra suspense.
SED DE MAL
El gran genio de Hollywood, Robert Altman en 1992 realiza un ejercicio satírico sobre la Meca del cine, en la que podíamos disfrutar al principio de la película con un plano secuencia que servía para mostrarnos el funcionamiento de un gran estudio un día cualquiera a la par que podemos leer los rótulos de crédito iniciales del film «EL JUEGO DE HOLLYWOOD».
EL JUEGO DE HOLLYWOOD
Un novato Paul Thomas Anderson nos demostraba en su ópera prima «BOOGIE NIGHTS» de 1998 que daría mucho que hablar, ya que creó un magnífico plano que acababa como el rosario de la aurora y en el que describía el ambiente de las fiestas de alto standing en Hollywood, concretamente en el ambiente del cine porno.
BOOGIE NIGHTS
Pero hay más ejemplos de plano secuencia. SuperSantiEgo, consigue rizar el rizo y ha encontrado este pedazo de escena de acción, nos trae este plano secuencia sacado del film «THE PROTECTOR», interpretado por Tony Jaa (de Ong Bak fame). Está rodado con una steadycam y dura 3 minutos. Es simplemente asombroso.
THE PROTECTOR
Otro de nuestros lectores Australino nos aporta al genio de los genios, hablamos de Staley Kubrick que era muy dado ha realizar planos muy largos y muy elaborados, él aporta el film de 1957 rodado en blanco y negro llamado «SENDEROS DE GLORIA» en el que podíamos ver a Kirk Douglas recorriendo las trincheras del frente francés sorteando todo tipo de obstáculos, humanos y físicos, con la iniciaba la película. Secuencia que por otra parte ha sido homenajeada recientemente en dos cintas muy distintas, la primera francesa de Jean-Pierre Jeunet «LARGO DOMINGO DE NOVIAZGO» y la segunda es española, estrenada hace un mes y es obra de Alex de la Iglesia, hablo de «LOS CRÍMENES DE OXFORD». Pero amigos, tras verla, que podeís verla tranquilamente, todos podremos decir que no es un plano secuencia aunque es genial en cuanto a planificación.
SENDEROS DE GLORIA
Monsieur Copepodo nos trae bajo el brazo a otro de los grandes, al maestro de los maestros, hablamos del cineasta griego Theo Angelopoulos. Este director es el amo de los planos secuencia. Cópepodo destaca de toda su filmografía dos películas una de 1991 que es «EL PASO SUSPENDIDO DE LA CIGÜEÑA» y otra de 1995 se trata de «LA MIRADA DE ULISES» Dos dramas fronterizos entre la realidad y la ficción, entre países, entre la vida y la muerte. Es impresionante el caso de «La mirada de Ulises» porque llega a realizar una elipsis en pleno plano secuencia, atentos que no tiene desperdicio.
LA MIRADA DE ULISES-ESCENA DEL BAILE PRIMERA PARTE
LA MIRADA DE ULISES-ESCENA DEL BAILE SEGUNDA PARTE
EL PASO SUSPENDIDO DE LA CIGÜEÑA
SECUENCIA 1
EL PASO SUSPENDIDO DE LA CIGÜEÑA
SECUENCIA 2
Mónica Jordan desde su «Espejo Pintado» nos brinda otro ejemplo, concretamente el plano secuencia del largometraje de 1964 «SOY CUBA» del director ruso Mijail Kalatozov, que poseía dos versiones, la cubana y la rusa. Como ella misma reconoce: «una no sabe cómo narices consigue mover la cámara por los lugares que la lleva»
SOY CUBA
También nos trae otra rareza que rivaliza con «LA SOGA» se llama la película «EL ARCA RUSA» dirigida por Aleksandr Sokurov en el 2002, un plano secuencia único de 95 minutos. Así que gana por 15 minutos al genio británico. Toda una hazaña si le sumamos la increíble puesta en escena y los número tan espectaculares que conforman la película: 2000 extras, 3 orquestas, 33 habitaciones, y una única toma. Ahora vaís y os la bajaís de la mula corriendo. Rufo ha encontrado otra curiosidad sobre este largometraje en la wikipedia, este palno secuencia es puro por estar rodado con video digital HD, así se elimina el problema de la limitación de tiempo de las bovinas, y dura algo más de 90 min porque es el máximo que permitian los discos duros, al parecer, era 100, y se consiguió grabar al cuarto intento.
José Alberto Delgado os ha encontrado buceando en el youtube el plano secuencia de «UNO DE LOS NUESTROS» obra maestra del género de gagsters que realizó en 1990, el director italoamericano Martin Scorsese, impresionante el uso del steadycam en esta secuencia, no puede dar más información porque no puede, nos describe la relación de pareja, la situación «profesional» del personaje interpretado por Liotta, ¿quién da más en menos tiempo?
UNO DE LOS NUESTROS
Yo para finalizar os dejo con ese pedazo de plano secuencia que os mostraba en el post y del que os llevo hablando desde el día 2 de enero, hablo del film realizado en el año 2007 por el realizador Joe Wright, y firme candidato al Oscar, hablo de «EXPIACIÓN». En él nos mostraba las atrocidades de la guerra y el desolador panorama de las tropas británicas, en un gran escenario de la II Guerra Mundial concretamente la playa de Dunkerque.
«EXPIACIÓN»
Lo bonito de este monográfico es ver como con el tiempo entre todos lo hacemos crecer, Javier Mongil nos hace dos aportaciones muy curiosas, la primera sacada de la tercera parte de la saga «LA GUERRA DE LAS GALAXIAS», concretamente el inicio del episodio «LA VENGANZA DE LOS SITH», que como el propio Javier opina, y con el que coincido plenamente: «Lucas riza el rizo en escenas de batalla espacial con un plano secuencia en el que la cámara (virtualmente) sigue a los cazas de los jedis entre los cruceros enzarzados en combate en la órbita de Coruscant. Creo que no hay planos semejantes en el resto de las películas de la saga. Lástima que el resto de la película no esté a la altura de esta brillante secuencia.» Otra cosa es la calidad en si misma del resto del film.
«STARS WARS, Episodio III: LA VENGANZA DE LOS SITH»
El otro ejemplo que nos aporta el Señor Mongil lo ha creado uno de los directores británicos que ha sido comparado con el mismísimo Orson Wells, por su reelaboración de Enrique V. Hablamos de Kenneth Branagh. Que en nuestro país es tan odiado como amado, para unos resulta un pedante importante y para otros es un gran director, del qeu seguro veremos cosas interesantes. Pero lo que nos interesa de su filmografía es la adaptación de la ópera de Mozart «LA FLAUTA MÁGICA», simplemente soberbio el plano secuencia con la obertura sonando de fondo, y es claro homenaje al film de Kubrick «Senderos de gloria» y que como Javier dice: «Se nota una clara influencia del “Senderos de Gloria” de Kubrik en la secuencia en que la cámara sigue al oficial (esta vez, no príncipe) Tamino. El acoplamiento de la imagen con la melodía es excelente.»
«LA FLAUTA MÁGICA» SECUENCIA INICIAL
Bueno, y al resto de la blogosfera, continuamos aceptando nuevas aportaciones con las que hacer crecer este gran monográfico escrito entre todos, ya sabemos que cada día que pasa cuesta más encontrar un ejemplo que no hayamos colgado, pero entre todos podemos.
Hola aqui va el enlace del plano de Uno de los nuestros, supongo qu es el que buscas.
AUSTRALINO: Hola de nuevo y gracias por mencionarme. Como os dije, no sé demasiado de cine…
Pero hay una cosa que no entiendo, seguramente estoy equivocado. En “La soga”, en los dos cortes que parece que tiene la peli, entiendo que hubo que cargar la nueva bobina. Entonces, ¿se cuenta como plano secuencia todo el metraje de la peli? ¿Por qué? ¿Se hacía inmediatamente? Quiero decir, cambiaban la bobina rápidamente y continuaban con el rodaje inmediatamente. Imagino que no, pero realmente no lo sé.
Es decir, aunque la peli parece que tiene un plano secuencia único, pero en realidad está dividido en tres partes. Y digo yo que cada parte se rodaría en días distintos, ¿no?
No sabía lo de Senderos de gloria, ¡gracias!
CQ: Qué maravilla!!!! con lo que me gustan a mí los planos secuencia… ya tengo para ver un buen rato… así que me pondré a buscar estas películas, las que no he visto, para ponerme a verla y disfrutar de esos planos…
muy buen reportaje… muy currado!!!!!
un saludo!!!
FER: ¡Estupendo artículo, amigos!
SUPERSANTIEGO: Un apunte a mala uva: en la obra maestra absoluta que es Senderos de Gloria no sólo no es un plano secuencia porque se cambia de perspectiva y de plano, sino que la escenografía está al servicio de la brillantez de la escena y no de la verosimilitud histórica. Semejante trinchera-pasillo sería poco menos que suicida, porque cae un obús bien encaminado y sólo serviría para encauzar la explosión y matar a todo quisque. En realidad iban en zig-zag cada pocos metros, para evitar que ocurriese lo anterior.
Mira si habré visto veces la peli pero nunca me he dado cuenta hasta ahora de ese detalle. El cabrón del Kubrick, que te atrapa con la secuencia.
MATIAS: ¿Alguien sabe cuál fué el primer plano secuencia en la historia del cine?
Este otoño llegará a nuestras pantallas de la mano de DeAPlaneta «Los niños de Huang-Shi». Dirigida por Roger Spottiswoode (James Bond. El mañana nunca muere), está protagonizada por Jonathan Rhys Meyers (Match Point), Radha Mitchell (Melinda y Melinda, Descubriendo Nunca Jamás) y Chow Yun Fat (Tigre y Dragón, Piratas del Caribe: en el fin del mundo). James McManus es el periodista inglés que sacó a la luz la historia de George Hogg tras un viaje a Pekín y ha sido el guionista de la película junto con Jane Hawksley. «Los niños de Huang-Shi» narra la historia de un joven inglés que condujo a una escuela de niños chinos a través de las montañas para ponerles a salvo de la ocupación japonesa. Una maravillosa historia real desconocida fuera de China.
UN HÉROE INGLÉS EN CHINA. UN PADRE PARA «LOS NIÑOS DE HUANG-SHI»
Durante la invasión japonesa en China en los años 40, un joven inglés, George Hogg se encontraba en el país tras terminar sus estudios en Oxford. Estaba dando la vuelta al mundo antes de incorporarse a un trabajo en Londres. Hogg, impresionado por la situación del país, comenzó a trabajar como periodista. Presenció continúas atrocidades y matanzas, y poco a poco desarrolló gran interés en el movimiento cooperativo de la China libre. En 1942, (Hogg ya hablaba mandarín) fue enviado a Huang-Shi, una remota aldea para hacerse cargo de un colegio de niños huérfanos. No había material con que trabajar, el colegio estaba prácticamente abandonado, los niños tenían sarna y apenas podían comer.
Con una voluntad de hierro, Hogg reconstruyó el colegio, organizó la vida escolar, consiguió financiación para comida, sembró huertos y pavimentó canchas de baloncesto. Como si de un digno colegio británico se tratara enseñó y educó a un abandonado y rebelde grupo de huérfanos de guerra chinos.
Desde un principio Hogg rechazó la idea de que los comandantes militares nacionalistas reclutaran a los chicos para luchar contra las fuerzas japonesas. Pero ante la inminente situación, decidió trasladar la escuela a un lugar más seguro donde poner a salvo a los niños: Shandan, una aldea situada a más de 1.100 kilómetros bordeando el desierto de Gobi en la frontera entre Mongolia y El Tibet. Hogg consiguió una flota de carros tirados por mulas y a principios de 1945 ponía en marcha a unos 30 chicos del colegio. Fue el invierno más frío en veinte años. Tormentas de arena, carros que se precipitaron por barrancos…, pero sólo dos chicos perdieron la vida en aquel viaje de diez semanas. Al llegar a Lanzhou, Hogg consiguió 6 viejos camiones para recorrer los últimos 400 kilómetros hasta Shandan. Cuatro meses después había reconstruido un viejo templo y lo había convertido de nuevo en una escuela.
George Hogg contrajo tétano debido a un corte que se hizo jugando al baloncesto con los niños. Murió en julio de 1945 a pesar de los esfuerzos de sus alumnos que hicieron lo imposible por salvarle la vida.
Hogg es una leyenda viva en China y un hombre muy querido y respetado. Algunos de los «niños» viven todavía y se reúnen para honrar al joven inglés a quien le deben la vida
El próximo 26 de septiembre llegará a nuestras pantallas lo que promete ser la comedia del otoño, se llama «TROPIC THUNDER, UNA GUERRA MUY PERRA» Encabezan el reparto Ben Stiller, Jack Black y Robert Downey Jr. Se trata una comedia de acción sobre un grupo de actores ensimismados que pretenden rodar la película bélica más cara de la historia. Después de que los excesivos gastos (y los descontrolados egos de los mimados actores) amenacen con acabar con la película, el frustrado director se niega a parar el rodaje y lleva a su reparto a las profundidades de las selvas del Sudeste de Asia para “aumentar el realismo”; allí, se encuentran por casualidad con unos guerrilleros de verdad. El guión está escrito por los actores Justin Theroux, Ben Stiller y Etan Cohen.
El Presidente de la Diputación de Córdoba y Presidente de Animacor, Francisco Pulido, y el Director del Festival Animacor’08, Antonio Zurera Aragón, han presentado el pasado 24 de julio en el Salón de Plenos de la Diputación de Córdoba algunas de las novedades del IV Festival Internacional de Animación de Córdoba, ANIMACOR’08. El certamen, patrocinado por la Diputación de Córdoba, la Delegación de Cultura de la Junta de Andalucía, la Delegación de Igualdad y Bienestar Social – Instituto Andaluz de la Juventud y el Consorcio Provincial de Desarrollo Económico, se celebrará del 3 al 8 de noviembre. En su cuarta edición, el certamen consolida a la ciudad de Córdoba como escaparate de la animación internacional.
En esta nueva edición, el importe de los premios en metálico asciende a 42.000 €. Los ganadores de la Sección Oficial Competitiva, en sus categorías de Largometraje, Cortometraje y Serie de TV, recibirán también la ya mítica estatuilla del «Carrasquito», que reproduce la imagen del logotipo oficial del certamen. Entre los galardones a otorgar, destaca el Premio RTVA a la Creación Audiovisual Andaluza, en colaboración con la Obra Social de Cajasol, y dotado con 3.000 € y trofeo.
Como novedad en esta edición, la Gala de Clausura, Homenaje y entrega de Premios de Animacor’08 tendrá lugar en el Teatro Coliseo de Palma del Río. Un año más, los niños serán parte integrante de una original iniciativa, el Jurado Infantil, que entregará el Premio Especial a la Mejor Serie de TV, dotado con 3.000 € y «carrasquito». Los nombres de los miembros de este Jurado, elegidos este año entre los participantes del «II Concurso Infantil de Relatos», celebrado en la Mancomunidad de Municipios Vega del Guadalquivir, se harán públicos el próximo mes de septiembre.
Muestra de su cada vez mayor prestigio internacional es que la convocatoria para participar en ANIMACOR`08, que finaliza el 15 de Agosto, está teniendo una formidable repercusión internacional que anima a confiar en un considerable incremento del número de obras recibidas con respecto al año anterior. Además de la Sección Competitiva, ANIMACOR’08 mantendrá las proyecciones matinales para centros escolares de Córdoba y provincia, que han sido acogidas con gran éxito por el público infantil. Así mismo, se organizarán ciclos de proyecciones dentro de las Sesiones Informativas y Actividades Paralelas tales como talleres didácticos que explorarán las posibilidades de las nuevas tecnologías, una sugerente masterclass y conferencias destinadas a deleitar a los amantes del género. Estas actividades y proyecciones tendrán lugar en la Filmoteca de Andalucía y en el Palacio de la Merced de la Diputación de Córdoba, sedes oficiales del Festival.
ESTUDIOS MORO, UN HITO EN LA ANIMACIÓN EUROPEA
El Patio Barroco del Palacio de la Merced acogerá además una interesante exposición, que rendirá homenaje a los hermanos José Luis y Santiago Moro, representantes de la era dorada de la publicidad en España, que durante quince años crearon iconos tan representativos como la Ruperta del «Un, dos tres» o el mítico separador publicitario de «Vamos a la cama, de La Familia Telerín», reconocido como uno de los mayores éxitos de la televisión española.
ANIMACOR’08 también mantendrá su característica diferencial con respecto a otros festivales con la celebración del III Foro Multilateral de Coproducción de Animación, durante los días 6 y 7 de noviembre. Por último, el Festival deja abierta este año la participación en el «III Circuito Provincial de Animación» a los municipios que así lo decidan por iniciativa propia.
Las bases y las fichas de inscripción se pueden descargar de la página oficial del festival:
Tras haber conseguido tres estatuillas doradas por su anterior cuento gótico llamado «El Laberinto del Fauno», Guillermo del Toro regresa a las pantallas este viernes con la segunda entrega de la franquicia Hellboy, con el subtítulo «EL EJÉRCITO DORADO». Para ello ha contado de nuevo con el creador del cómic Mike Mignola para hacer el guión, que ha sido publicado por Dark Horse. Los que vayáis a ver la versión doblada al castellano, disfrutaréis de las voces de Santiago Segura y Jose S. Mota (¡sí, el de Cruz y Raya!), que son Johann Krauss y Abe Sapien respectivamente, que están interpretados por el gran Ron Pearlman y la actriz Selma Blair. Pero los más atrevidos, es decir, los que vayan a verla en VOSE oirán al gran genio de la animación catódica Seth MacFarlane creador de la exitosa serie “Padre de familia” porque presta su voz a Krauss. También hay para los más fetichistas que están de enhorabuena porque coincidiendo con el lanzamiento del film, la marca deportiva Adidas ha creado una edición limitada de zapatillas (5000 unidades) que conmemorarán el esperado estreno de la película. En Madrid, la FNAC de la plaza de Callao expone desde el 25 de agosto y hasta el 10 de septiembre un par de estas exclusivas zapatillas, que podrás ver pero no probártelas.
felicitaciones, espero que la gente lo lea, la mejor, sin duda la del 78 esta entre mis favoritas junto con La Cosa de Carpenter
VIDEODROMO 
Yo me quedo con Christina. Ricci Siempre…
PD: Alguién sabe donde será la premiere española? Si alguien se entera y es tan amable de comentarmelo por email, le estaría completamente agradecido { israel571@hotmail.com }. Gracias
GIANFRANCO: me encanta la pelicula de meteoro y mas me encanta el match 5
MAGO OCONER TDS4: me encanta la pelicula me encanta el match 6 es mortal pero la pista de fuji en la parte de los piches me di cuenta q no es una carrera es un suicido y ese gordo puto q se cage