Archivo mensual: marzo 2009

ABRAZOS ROTOS: RUEDA DE PRENSA

alfieEl pasado 13 de marzo en los cines Kinépolis de Madrid tuvo lugar la presentación mundial a  los medios del nuevo film del director manchego, más famoso del mundo entero, hablamos de “Los abrazos rotos” de Pedro Almodovar. Al evento acudiron cientos de periodistas, como se puede apreciar en la foto. Sólo os digo está tirada con un gran angular y aún así no cabían todos. La expectación al evento fue máxima. Las expectativas por las nubes.  Almodovar arropado por la recién oscarizada Penélope Cruz, Blanca Portillo, Ruben Ochandiano, Lluis Homar, José Luís Gómez y Tamar Novas llegaron puntuales. Fueron muy generosos, a más no poder porque dieron una de las ruedas de prensa más largas que  un servidor haya conocido. Se preguntó en multitud de idiomas,  sobre multitud de temas y los periodistas extranjeros trataban de chapurrear el castellano como podían. Todo en un tono muy divertido, ambiente distendido, en el que no cabían malos rollos a pesar de la intrusión de la prensa del corazón, que hacían preguntas fuera de tono y sobre temas que no eran los estrictamente profesionales (como siempre), porque lo que haga cada uno en su cama es problema del individuo. Así que pillar palomitas y vuestro refresco favorito y sentaos en primera fila a disfrutar de uno de los eventos más importantes de este año, y que como siempre podreís disfrutar aquí, en el VIDEODROMO.

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Yo a las 10 de la mañana cogí primera fila escorado.

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Esta foto es la que más me gusta, es muy tierna la mirada de Penépole.

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RUEDA DE PRENSA “ABRAZOS ROTOS” PRIMERA PARTE

RUEDA DE PRENSA “ABRAZOS ROTOS” SEGUNDA PARTE

RUEDA DE PRENSA “ABRAZOS ROTOS” TERCERA PARTE

RUEDA DE PRENSA “ABRAZOS ROTOS” CUARTA PARTE

RUEDA DE PRENSA “ABRAZOS ROTOS” QUINTA PARTE

Continuará….

LOS ABRAZOS ROTOS

BUENA.

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cantal Nos habían convocado a las 10:00 para el pase de la nueva película de Pedro Almodóvar, LOS ABRAZOS ROTOS. El cine estaba a rebosar y la expectación era máxima. Después de la película habría photocall y rueda de prensa con el director y sus protagonistas; no esperaba menos. Era el acontecimiento más importante que vivía desde que me incorporé a VIDEODROMO. Habíamos oído hablar muchos sobre este film, sobre qué le inspiró a escribirlo, sobre los protagonistas de la historia, sobre dónde se había rodado…Mucha información, pero ninguno de esos datos me iba a desvelar el misterio: ¿me gustaría el nuevo trabajo del manchego tanto como el último (“Volver”). Pues no, LOS ABRAZOS ROTOS no me ha gustado tanto como “Volver”. La disfruté, pero no me entusiasmó. Y cuando tienes tanta expectación ante alguna película, ésta tiene que estar a la altura porque si no, se estrella. Y creo que eso mismo que me pasó a mí, le puede ocurrir al público que vaya a verla. Aún así, la recomiendo, porque es un film que va a dar mucho de qué hablar y pobre del que se lo pierda. LOS ABRAZOS ROTOS es un drama, con pinceladas de cine negro, uno de los favoritos del director manchego, que a su vez incluye rasgos de comedia, latentes en las escenas en las que se está grabando una película dentro de la película. Para Almodóvar ha sido una especie de homenaje al cine, que ha querido mostrar incluso en el título, inspirado en la película “Viaje a Italia” de Rossellini en la que se descubre a una pareja que ha muerto abrazada sorprendida por la lava del Vesubio.

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La idea del film está inspirada en una fotografía que tomó Almodóvar en Lanzarote hace años. En ella, el manchego quería inmortalizar una bella playa en un paisaje volcánico pero al revelar la instantánea se dio cuenta de que en esa playa aparentemente solitaria, había una pareja abrazada a lo lejos. Enseguida se le vino a la cabeza que ahí tenía una historia, pero no ha sido hasta ahora cuando se ha decidido a contarla.

El argumento, que procedo a desgranar, no es que sea brillante, pero tampoco me disgustó. Mateo (interpretado por Lluís Homar) es un director de cine, guionista y escritor que se quedó ciego hace catorce años a raíz de un accidente de coche. A partir de entonces adoptó su pseudónimo, Harry Caine, y solamente escribe guiones para otros con la ayuda de Diego (Tamar Novas) el hijo de su amiga y directora de producción Judit (Blanca Portillo). Esta última tiene que viajar para hacer unas localizaciones y en su ausencia, su hijo sufre un accidente que le hace permanecer en cama. Para que el muchacho se entretenga durante su recuperación, Harry decide contarle cómo se quedó ciego y cómo perdió a la mujer que más había amado en el mundo.

los-abrazos-rotos-4Son los años 90 y Mateo Blanco está rodando una comedia, “Chicas y maletas”, protagonizada por Lena Rivero (Penélope Cruz), con Judit como directora de producción y con Ernesto Martel (José Luis Gómez) como productor. Este último no está muy interesado por el cine pero piensa que financiando el film de su pareja, Lena, de la que está obsesivamente enamorado, la mantendrá controlada y a su lado. Para asegurarse de ello, le encarga a su hijo Ernesto (Rubén Otxandiano) que haga el making off de la película como excusa para no perder de vista a Lena cuando está fuera de casa rodando. Pero el hijo no tiene buena mano con la cámara, lo que llevará a Martel a contratar a una lectora de labios (Lola Dueñas) que le desvele lo que no puede escuchar de las conversaciones entre el director y su actriz principal. Gracias a estos vídeos se entera de que, como él sospechaba, Mateo y Lena tienen una relación secreta, pero cuando ésta intenta abandonar a Ernesto, no lo consigue, tiene miedo de que no quiera continuar con el rodaje y perjudicar así a Mateo y su película. Pero una vez terminado, director y actriz lo dejan todo para marcharse a Lanzarote y poder vivir libremente su historia de amor. Lo que no saben es que el destino no se lo va a permitir.

Me ha costado mucho explicarme para que todos entendáis el argumento y espero haberlo conseguido. Por eso no le quiero quietar méritos a Almodóvar, construir una historia así no tiene que ser nada fácil y el resultado es bueno. Del presente se viaja al pasado, donde a su vez aparece otra película (“Chicas y maletas”), con Lena como actriz principal. Después llega el presente de ese pasado y otra vez de vuelta al 2008…Toda una hazaña, os lo digo desde ya, porque los saltos están muy bien hilados y todo encaja perfectamente.

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Y no quiero dejar pasar la oportunidad de decir que esta vez, la historia que nos cuenta el director manchego no es solamente una historia de mujeres, sino que los hombres tienen una vital importancia en el argumento. Aunque siguen siendo ellas los personajes más “golosos”, los roles masculinos tienen mucho que decir, y llevan casi todo el peso de la película, lo contrario de lo que nos tiene acostumbrados el director español, que, quitando “La mala educación”, siempre ha preferido dar a las mujeres el protagonismo absoluto en sus trabajos. En todo caso, el argumento aprueba el examen con nota.

En cuanto al guión, no me convenció del todo. Hay muchas frases poco apropiadas, que no me encajan muy bien en los personajes que las dicen. Voy a hacer referencia especial al monólogo de Judit (Blanca Portillo), hacia el final de la película. Me llamó especialmente la atención cómo empieza: “No sé de qué habéis hablado todos estos días, pero lo que sí sé es lo que no os he contado en todos estos años”. Esta frase suena muy estudiada, es complicada y poco natural. No es creíble en un lenguaje verbal, parece más propio de una carta, de alguien que se está expresando por escrito y puede pensar lo que va a decir. Como este ejemplo, se encuentran varios en el film.

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Otro de ellos es en una escena en la que Lena y Mateo llegan a un hotel regentado por unos ingleses a pedir trabajo. El inglés de Lena es sospechosamente correcto. Es cierto que antes que actriz fue secretaria de Ernesto, un importante empresario que tendría relaciones laborales con empresas extranjeras. Pero no es una chica de mundo (queda claro en las primeras escenas del personaje con sus padres) y no creo que su inglés fuera tan correcto como para expresarse de esa forma tan natural, sobre todo teniendo en cuenta que lleva varios años retirada de su antiguo oficio de secretaria.

Trabajar durante meses para no obtener un resultado perfecto, en cuanto a montaje y linealidad o coherencia del guión, me parece una pérdida de tiempo. Fijaos en concreto en la escena en la que Lena y Mateo llegan a un hotel en Lanzarote. Es la misma a la que me he referido antes cuando he hablado de la extraña perfección del inglés de la actriz. La secuencia empieza cuando ellos entran de la calle al hotel y van directos a la recepción. Ahí la protagonista pide trabajo a dos personas que se encuentran detrás del mostrador y antes de que se vaya, le enseñan un periódico con una instantánea suya y le dicen “Justo estábamos comentando mi compañero y yo que si era usted la de la foto”. Vale, pues que alguien me explique cuándo lo estaban comentando, ¿antes de conocer a Lena? Porque acaba de llegar al hotel y todos hemos visto cómo entraba, no os ha dado tiempo a comentar nada. Será que son videntes y no lo sabíamos.
Pero hay más incoherencias, sobre todo en el personaje de Blanca Portillo, Judit. En la película, ella confía completamente en Mateo (Lluís Homar) ¿pero tanto como para dejar a su hijo con él en un lugar extraño cuando acaba de salir del hospital porque se ha quedado ciego? Y tengo más preguntas para este mismo personaje ¿Tu hijo ha estado en el hospital porque ha tenido un accidente y cuando te dice que no te quiere contar lo que ha pasado lo aceptas sin más? Reconozco que me volví un poco loca pensando si estaba hecho a apropósito o simplemente no han reparado en ello. Sea como fuere, resulta chocante y deja al espectador desconcertado.

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Ahora bien, el reparto es sorprendente. Almodóvar rescata actores como José Luis Gómez, pero también vuelve a contar con antiguos compañeros de rodaje, como Penélope Cruz, Blanca Portillo o Lluís Homar. Penélope tiene razón, Pedro Almodóvar saca lo mejor de la actriz que hay en ella. Cuando vi Volver cambié el concepto que tenía de esta chica de Alcobendas, en cuanto a calidad artística se refiere (porque respecto a lo demás sigo pensando exactamente lo mismo, sobre todo después de coincidir con ella en la presentación del film). Su personaje de Raimunda me cautivó y me sorprendió al mismo tiempo; no me esperaba una interpretación tan buena de esta chica que se dedicaba a hacer películas malas y comerciales en EEUU con los macizos de turno, tales como Tom Cruise o Matthew McConnaughey, con los que además compartía cama. En LOS ABRAZOS ROTOS me ha vuelto a impresionar. Tiene un papel muy distinto al último que hizo con su director fetiche, pero aún así, lo defiende con dignidad. No se me hubiera ocurrido otra actriz mejor para encarnar a Lena, alguien que fuera capaz de interpretar una mezcla de pasión, fragilidad, y optimismo dentro del drama.

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Lluís Homar está cobrando cada vez más protagonismo en el panorama español. Ha interpretado a Juan Carlos en “23-F. El día más difícil del rey”, le hemos visto en la serie “Herederos”, en “Gominolas”…parece que está dando por fin con los papeles que le van a dar la popularidad, merecida, porque es un actor que no ha parado de trabajar. Almodóvar ya contó con él en “La mala educación” y ha querido volver hacerlo ahora. Homar se trabajó el papel con ayuda de un invidente e incluso, contaba Almodóvar en la rueda de prensa, llegó a acudir a los ensayos con los ojos vendados desde su casa.
Blanca Portillo completa el trío protagonista. Ella es buena actriz (me lo ha demostrado con creces en el cine pero sobre todo en el teatro), pero no me termina de encajar en el papel que le han dado esta vez. Lo dejaré a la opinión de cada uno.
No quiero pasar por alto el buen trabajo de José Luis Gómez como Ernesto Martel, el malo malísimo de la película y el de Tamar Novas (que ya ganó un Goya como actor revelación por “Mar adentro”) y Rubén Otxandiano, que con mejor suerte el segundo y peor el primero, han interpretado a los personajes con gran destreza y entrega. Estos nuevos chicos Almodóvar van a dar que hablar…

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Lo mejor de la película es la que a su vez se está rodando dentro de ella, “Chicas y maletas”. Es como una mini versión de “Mujeres al borde de un ataque de nervios” y en ella intervienen muchas de las denominadas chicas Almodóvar, como Rossy de Palma, Chus Lampreave o Carmen Machi, que también ha sido protagonista del corto “La concejala antropófaga”, una especie de Spin off de su personaje en “Chicas y maletas”. Este corto tiene una peculiaridad; no sé si lo habéis visto (si no es así, aquí lo tenéis) pero en los créditos del final hay una gran sorpresa, fijaos bien en el nombre del director…

La concejala antropófaga

De todas formas, merece la pena ver LOS ABRAZOS ROTOS, como todo lo que hace este gran director, amado por casi todos pero también odiado por algunos. La estética de la película es muy suya, la música es buena (Aberto Iglesias), la fotografía también (Rodrigo Prieto) y el estilismo (Sonia Grande) tiene un sobresaliente por mi parte (sobre todo los vestidos que lleva Lena y que le financia Enesto Martel, os podéis imaginar qué despliegue de Chaneles…).
Pues eso, que si no la veis no podréis criticar, para bien o para mal, la última película de Almodóva. Yo me he dejado muchas cosas en el tintero, pero no lo puedo contar todo, así que esperaré vuestros comentarios, estoy deseando leerlos.

UNA PAREJA DE TRES

Dedicado a “Goshito”

Esta semana queremos sorprenderos, algunos pensareís que se nos ha ido la cabeza, para nada. Hemos elegido para la nuestra SESIÓN DOBLE el nuevo film de David Frankel, al que todos recoradeís por haber dirigido la gran comedia “El diablo viste de Prada”. Con este largomentraje nos sorprendió una vez más, así que sin más preámbulos pasen a leer…

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SINOPSIS:
Mientras cae la nieve en su noche de bodas, los recién casados John (Owen Wilson) y Jenny Grogan (Jennifer Aniston) toman la decisión de dejar atrás los duros inviernos de Michigan y trasladarse al sur para iniciar su nueva vida en la zona oeste de Palm Beach, Florida. Consiguen trabajo en periódicos rivales de la localidad, adquieren su primer hogar y comienzan a enfrentarse a los desafíos que suponen un nuevo matrimonio, nuevas carreras profesionales y, posiblemente, la decisión que transformará sus vidas: formar una familia. Dudando de su capacidad para criar a un niño, John le confiesa su inquietud a su amigo y compañero de trabajo Sebastian (Eric Dane), a quien se le ocurre la solución perfecta: John tiene que regalarle a Jenny un cachorro. Y entonces llegó Marley.

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Los Grogan adquieren una monada de perro, un Labrador de pelo rubio y poco más de cinco kilos peso, que en nada de tiempo crece hasta llegar a ser una apisonadora de casi 46 kilos y con una energía tan arrolladora que convierte su hogar en un completo caos. Le expulsan de la escuela de adiestramiento, muerde las paredes de la casa, destroza un sofá de un mordisco, vuelca los cubos de la basura, roba un pavo de Acción de Gracias, devora almohadas y flores, se bebe el agua del baño y persigue al mensajero de UPS. Incluso un collar carísimo y recién comprado no está a salvo de las desenfrenadas travesuras de Marley. En medio del desastre que va generando a lo largo de los años, Marley es testigo de los altibajos que los Grogans experimentan en su vida familiar, por su trabajo, por los cambios de casa y, sobre todo, por el buen número de problemas que se derivan de una familia en aumento. A pesar de que Marley parece el peor perro del mundo, de algún modo sacará lo mejor de ellos.

ARGUMENTO:

cantalLo que más me sorprendió de UNA PAREJA DE TRES fue precisamente su argumento. Antes de ver el film, pensaba que se trataba de una comedia romántica como tantas otras en la que simplemente incluían una mascota que haría tres carantoñas y cuatro travesuras para tener al público entretenido. Pues para nada es así; la película habla sobre las relaciones de pareja, las dificultades de crear una familia, tener que renunciar a parte de tu vida por ellos y sobre todo, del amor que ofrecen los animales, que siempre están ahí, en los momentos buenos pero también en los malos. Pero no me malinterpretéis, no peca de película ñoña. Tiene momentos muy divertidos en los que Marley es el protagonista y todos los que tengáis perro o simplemente os gusten los animales  la vais a disfrutar especialmente.

alfieMe encantó el argumento. Personalmente, me encantan las películas que versan sobre periodistas. Uno que tiene sus taras, ya sabeís. En este caso más, porque vas viendo como influye la vida del perro en el devenir tanto profesional como personal del reportero. La trama es un tanto agridulce, tiene sus momentos cómicos y sus momentos más dramáticos. Que nadie se llame a engaños, es una tragicomedia, advertidos quedaís. Muy entrañable. A mi casi se me escapa una lagrimilla en las ultimas secuencias. también hay que reconocer hay un cierto poso de conservadurismo, la familia, ya sabeís, etc. Pero, no reviste mayor importancia, y se le puede llegar a perdonar en un momento dado. Vamos, que no es escandaloso.

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LA SECUENCIA:

cantalMarley es difícil de educar y Jenny y John deciden llevarlo a una escuela de adiestramiento de perros, de la que está al frente la severa y estricta señora Kornblutt, interpretada por Kathleen Turner. Ésta se piensa que ningún perro va a desobedecerla y que es cuestión de saberlos llevar, algo que duda que el joven matrimonio Grogan haya sabido hacer. Pero nada más lejos de la realidad. Marley hará pasar a la adiestradora por un gran aprieto y creará situaciones divertidas en la escuela, en la que no durará mucho tiempo…

alfieMe encantó la secuencia final. No puedo desvelar más sin despriparos nada, pero sí os puedo decir que está rodada con eficacia, profesionalidad, y mucha, pero que mucha ternura. Es preciosa. No es la séptima maravilla, pero es simple, es genial, y funciona como un reloj suizo. Además, los actores que participan en la secuencia están en su papel, le dan el tono adecuado, y eso es muy importante, sobre todo porque si se hubieran pasado, habría quedado tan obscenamente melodramático como un capítulo de “La casa de la pradera”, ¡qué serie para el recuerdo!

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EL PLANO:

cantalEs de noche y el matrimonio está durmiendo. El perro va dando vueltas por la casa a oscuras y llega un momento en el que entra en el dormitorio de la pareja y se queda junto a la cama, en el lado de Jenny; me gustó especialmente el plano en el que se le ve a ella durmiendo boca arriba, con una tripa enorme de embarazada y al lado a Marley, mirándola fijamente en la oscuridad. En ese momento Jenny se incorpora de golpe, se ha puesto de parto. Me encanta el momento, cómo el perro intuye lo que va a pasar y quiere estar ahí, al lado de su dueña. Es ese instinto animal, de intuición y protección a la vez. Me pareció precioso y resume perfectamente el amor, la fidelidad y la compañía que se recibe de un animal.

alfieA mi gusto el mejor plano del film es el de Marley con la tripa embarazada de Jenny. Resume el espíritu del largometraje y de la historia que nos quiere contar Frankel, y es en este justo instante donde se ve su buena labor como director. Esa correcta planificación, ese saber esperar para obtener del perro esa mirada, que te taladra la retina, y te llega directamente al corazón. Es profesionalmente tierna, sabe dar en la diana, no va a hurgar en el sentimiento a propósito como hubieran hecho otros, y eso hubiera sido un recurso fácil, para nada, es así de simple. Es como la vida misma.

EL PERSONAJE:

cantalSi tengo que elegir un personaje, me quedo con Marley. Es el protagonista absoluto de la acción porque prácticamente todo gira en torno a él. El resto de los personajes maduran, se hacen mayores y cambian su forma de ver la vida. Se van complicando a medida que avanza la película. Pero Marley es como es, desde el principio hasta el final, revoltoso pero también cariñoso y será el que haga darse cuenta al matrimonio formado por John y Jenny de lo que verdaderamente importa. Y sobre todo es al que más cariño le coges a los largo del film, desde que es un cachorro y dan ganas de comértelo hasta que se hace mayor y provoca todo tipo de situaciones divertidas y entrañables a la vez.

alfieMe quedo con el personaje de John, insisto en mis taras infantiles. Me sorprende una vez más el actor Owen Wilson, capaz de dar lo mejor y lo peor. Aquí teneís una ración de lo mejor. Está medido, me gustó porque sabe darle dimensión al personaje, vas viendo la evolución psicológica. Lo hace de una forma convincente. Además, posee el personaje más difícil, porque debe crear química tanto con el perro como con Jennifer Aniston, y la genera. Y para finalizar, creo que todos tenemos un poco de John en nuestro interior, que buscamos a veces donde no debemos, y anhelamos lo que no podemos tener, cuando a nuestro alrededor tenemos más cosas de las que nunca hubieramos podido imaginar. Puede que sea un defecto humano.

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LO MEJOR:

cantalLa lección de vida que te da el film. Gracias a la evolución del joven matrimonio te das cuenta de que la vida no es fácil, que durante un tiempo eres joven, puedes elegir el trabajo que más te apetezca hacer, eres libre y no tienes que preocuparte por nada. Pero eso no es así siempre y llega un momento en el que tienes que tomar decisiones por una familia entera y no pensar tanto en ti mismo. La película expone todas estas situaciones pero también te enseña que al final, merece la pena todo el sacrificio, porque consigues algo más gratificante que lo que te pueda dar un trabajo. Pero también quiero destacar el amor por los animales, la fidelidad que tiene un perro con sus dueños, el amor incondicional que da una mascota.

alfieMenuda sorpresa. Uno que fue con la legaña puesta al pase ya que fue a primera hora de la mañana, con la expectativa de ver una comedia, sobre todo, porque había visto el trailer y daba a entender que era una comedia popi-digestiva, con o sin pretensiones, muy cercana al concepto de facilona. Es más, yo pensaba: ¿cómo este director se había atrevido a realizar tal proyecto? La respuesta la obtuve al verlo. He de reconocer que no hubiera pagado por verla, ni muerto. Eso habría sido un gran error. Porque el es muy recomendable, le llegará al alma a todos aquellos que hayan tenido relación más o menos intensa con un perro. Lo mejor, la parte dramática del largometraje.

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LO PEOR:

cantalSu final, totalmente previsible.

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Lo peor a mi gusto es la parte cómica de la película, no funciona, o eso creo a mi modesto entender. Está rodada de una manera un tanto pueril o infantil, que sabes por donde te va a venir el tiro, ese creo que es el gran fallo del director, no sabe darle el tono. Me imagino que en esos momentos tenía en la mente al posible público infantil, pero esta bonita historia es más que una simple película para niños, intrascendente. El que acuda al cine pensando en ello se equivocará. Es un largometraje con bastante poso. Es más, creo que lo peor que le ha podido pasar a esta cinta es que se la venda como una comedia más, y no es así. Es más, solemos acabar con el trailer, y me tomo la justicia de mi mano y no os lo pongo, para el que quiera que acuda, pero sin ideas preconcebidas, así se sorpenderá ante un buen film.

CALIFICIACIÓN:

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SOUTHLAND TALES-EL MONOGRAFICO

Amigos del blog y del canal VIDEODROMO, desde hoy podeís leer “SOUTHLAND TALES-EL MONOGRÁFICO”. Este proyecto lo hemos escrito entre mi inestimable amiga y fiel lectora Mónica Darko, persona a la que le debo muchas cosas, Monsieur Copépodo y un servidor. A ellos le debo todo, por eso les agradezco la enorme paciencia que han tenido todos estos meses conmigo, por mi impaciencia, por mi demora, por todo en general. Esta obra surge durante mi estancia en EEUU, donde tuve la oportunidad de ver el film en cuestión. Tras un segundo visionado, Monsieur Copépodo y yo llegamos a la conclusión, sobre todo tras leer lo que se había publicado en la red, que estaría genial hacer un monográfico donde pudieramos defender la obra de Kelly. Así que chateando con Miss Darko le sugerí a ella la idea para saber que opinaba. Emocionados nos embarcamos en esta aventura que ha tardado bastante en ver la luz, pero ha llegado el momento. Pasad y disfrutad de él. Gracias, una vez más a Miss Darko y a Copépodo.

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A CIEGAS

Hola amigos y lectores de este humilde blog llamado VIDEODROMO. Hoy queremos tirar la casa por la ventana y hemos realizado entre Cantal y un servidor el que posiblemente sea el post más ambicioso de todos los escritos hasta el momento, pretende ser una de las coberturas más amplias a un film que consideramos trascendente por lo que trata, por su brillantez técnica, y porque puede que sea uno de los largometrajes más importantes del momento.  Así que poneos las zapatilas, relajaos y disfrutad de…

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“Creo que no nos quedamos ciegos, creo que estamos ciegos, ciegos que ven, ciegos que viendo, no ven”.

José Saramago

Esta frase del gran escritor y Premio Nobel resume perfectamente la esencia del film A CIEGAS, del cineasta Fernando Meirelles basada en la obra de Saramago publicada en 1995 y titulada “Ensayo sobre la ceguera”. Una adaptación que no ha sido fácil ya que el escritor no quiso ceder los derechos del libro durante mucho tiempo. Pero el guionista Don McKellar y el productor Niv Fichman se llevaron el gato al agua y pusieron el proyecto en manos de Meirelles que ya había dirigido con éxito “Ciudad de Dios” y “El jardinero fiel”. Una vez elegido el reparto, se pusieron en marcha para rodar una historia apasionante repleta de dilemas morales, donde se ponen a prueba todas las estructuras sociales existentes.  Con actores de lujo (Julianne Moore, Mark Ruffalo, Danny Glover), es una película que no dejará a ningún espectador indiferente y que os recomendamos desde VIDEODROMO. Se estrena este viernes 13 y como adelanto, aquí tenéis en primer lugar una SESIÓN DOBLE.

SINOPSIS:

Comienza con un flash. Un hombre se queda ciego repentinamente cuando conduce del trabajo a casa. De repente, todo su mundo se convierte en una neblina lechosa e inquietante. Una tras otra, cada persona que se cruza – su mujer, su médico, incluso el aparentemente buen samaritano que le lleva a su casa – correrá la misma suerte en un momento dado. A medida que se extiende el contagio y el pánico y la paranoia se apoderan de la ciudad, las víctimas de la ceguera repentina, de “La enfermedad blanca”, son confinados y sometidos a cuarentena en un psiquiátrico abandonado en donde cualquier parecido con la vida normal empieza a desvanecerse.

Dentro del hospital en cuarentena hay un testigo secreto: una mujer (Julianne Moore) que finge estar ciega para poder estar junto a su marido (Mark Ruffalo). Armada de un creciente valor y con voluntad de sobrevivir, llevará a una improvisada familia de siete personas por un viaje a través del terror y el amor, la depravación y la belleza, la guerra y el asombro, para salir del hospital y volver a una ciudad devastada en la que pueden ser la única esperanza. Su viaje pone de manifiesto la peligrosa fragilidad de la sociedad y el estimulante espíritu de la humanidad.

ARGUMENTO:

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No había leído el libro de Saramago y la película me ha sorprendido cien por cien. Lo mejor de este guión es que tiene muchas interpretaciones y todas son válidas. Cada espectador va a sacar sus propias conclusiones, sus teorías, va a enfocar cada situación que viven los personajes de una forma distinta en cada caso. Me encanta este tipo de films en el que el espectador es una parte activa; de hecho es casi como un voyeur: tú les estás viendo a ellos, pero ellos no pueden ver…El ritmo en frenético y cada secuencia te sorprende tanto o más que la anterior. No creo que haya nada que le sobre o le falte al argumento. Además, el final me pareció increíble…pero no quiero comentar nada para no estropearos la película a los que no la hayáis visto.  Y todo transcurre en una ciudad desconocida, en un país que no se sabe cual es…está claro que podría ser cualquiera, porque lo que les pasa a estos personajes le puede pasar a cuelquiera en cualquier lugar del mundo desarrollado. Por último, lo que destaco es el mensaje que te transmite a lo largo de toda la película: no hay peor ciego que el que no quiere ver.

alfieTuve la ocasión de ver el film nada más volver de Estados Unidos, eso fue porque vi la convocatoria y salí corriendo a ver este film que sabía que había triunfado en el pasado festival de Sitges, alzándose con el premio del público y al mejor diseño de producción. Así que imaginaos lo que me pudo sorprender el argumento. Entiendo los temores del premio Nobel Saramago sobre la cesión de los derechos para la adaptación cinematográfica. Esta trama en manos de otros director se podría haber convertido en una película de infectados (que no de zombis, amigo Kike, perdonadme este chiste particular). Me encantó la crítica social que hay en el fondo de la trama de tintes apocalípticos, eso y muchas cosas más, que no os develaré, la hacen muy dura. Vivimos en una sociedad absolutamente despersonaliza, somos números, no le importamos a nuestros jefes, no ven o valoran nuestro trabajo. De todo eso y más va este fenomenal largometraje.

LA SECUENCIA:

cantalMi secuencia favorita es aquella en la que Gael García Bernal, que se declara el rey de uno de los pabellones del centro donde están encerrados, se hace con la comida, lo que implica hacerse también con el poder. Hay una secuencia en concreto en la que hace “pagar” por la comida a los habitantes del resto de los pabellones. Como lógicamente no tienen dinero, le entregan las joyas o pertenencias más preciadas que tienen a cambio de poder llevarse algo a la boca. Esta secuencia me hizo plantearme hasta qué punto el ser humano es capaz de hacer daño a los demás por pura ambición y avaricia. Él tiene la comida y sabe que sin ella no pueden subsistir, así que se aprovecha de la desesperación de los otros. ¿Os suena? Desgraciadamente, es una situación que se da hoy en día en demasiados países, lo que me hizo pensar bastante. Además, en esa misma secuencia aparece el ayudante del rey, un hombre que ya había nacido ciego y muchos le increpan y le preguntan que cómo es capaz alguien que ha pasado por eso toda su vida de aprovecharse así de los demás, que él mejor que nadie debería comprenderlos. Es angustioso, da mucho que pensar sobre la naturaleza del ser humano…

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alfieDestacaría la secuencia protagonizada por el primer ciego, es maravillosa desde cualquier punto de vista. Esta planificada de una forma brillante. Técnicamente, sienta las bases para que el espectador sepa cuando los personajes se van a ir quedando poco a poco ciegos, la eficacia con la Meiralles mezcla los sonidos, la banda sonora y la fotografía de César Charlone. Es sobria, contundente, y los diálogos están medidos con lupa, y son muy verosímiles.

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EL PLANO:

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El plano más impactante es la primera vez que alguien se queda ciego en la película, nada más empezar. Se trata de un chcio que vuelve a casa en coche después de trabajar. Está en un atasco, los coches pitando, cientos de transeúntes andando a su lado  y de buenas a primeras, no ve. El espectador lo sabe porque aparece un plano en blanco. La ceguera es blanca, no negra¡¡ No te lo esperas así, es sorprendente.

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alfieVamos, no lo dudo ni un segundo, me quedo con el plano en el que la chica de gafas oscuras mira al cielo y le cae la lluvia en la cara. Creo que por el romanticismo que desprende este fenómeno atmosférico. Me encanta la planificación del plano, es decir el movimiento de cámara que realiza Meiralles. Magnífico. Es un plano lleno de lirismo y esperanza. La actriz se entrega por completo al director, parece que desnuda su alma ante la cámara. Es simplemente tan maravilloso como eficaz.

EL PERSONAJE:

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No es fácil elegir solamente a un personaje, pero en este caso me quedaré con el del médico, interpretado por Mark Ruffalo. Es el segundo personaje que se queda ciego en el film e ingresa con su esposa en el centro de cuarentena. Como su mujer puede ver, éste pasa a depender totalmente de ella; es quien le da de comer, quien le asea y se encarga de todo. Sucede de tal manera que él empieza a detestar el hecho de que en vez de su esposa parezca su madre y deja de verla con los mismos ojos (aunque parezca un contrasentido, esa es la sensación que te trasmite el personaje). Pierde las ganas de tener sexo con ella e incluso lo busca con otra. Como mujer y espectadora, me inspiró una especie de odio hacia el personaje. Podía entenderlo, pero me pareció machista, muy injusto y sobre todo me hizo pensar cómo este hombre necesitaba ser el protector de su mujer y no al revés.  A pesar de todo él es un hombre bueno, ama a su mujer, se preocupa por los demás, pero la ceguera le rompe sus esquemas y cambia su forma de sentir.

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alfieLa mujer del médico, tampoco lo dudo. Mi elección se debe a una gran variedad de motivos. El primero, mi amada Julianne Moore está soberbia a lo largo de todo el metraje. El segundo, es una gran actriz, sólo con su mirada es capaz de transmitir muchas cosas. Es impresionante la labor que ha hecho, como ha construido conjuntamente con el director brasileño el personaje. El tercero, recita las frases escritas por Don Mckellar con gran solvencia. Mi cuarto motivo es que haces el viaje con ella, te adentras en ese mundo de terror y angustia humana.

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LO MEJOR:

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Lo mejor ha sido ver cómo representaba Fernando Meirelles la ceguera. No era nada fácil y no se ha limitado a ponerlo todo negro o gris, sino que ha optado por el blanco. Los poquísimos planos subjetivos que utiliza de las personas que se están quedando ciegas, lejos de la oscuridad, se acercan a la claridad más pura, como si la niebla invadiera sus ojos. Y durante todo el film se mantiene esa claridad casi agobiante…

alfieLo mejor de este magnífico largometraje son multitud de cosas, pero todas tienen un nexo común: trasladar al cine con el mayor rigor posible la maravillosa novela de José Saramago. Todos han trabajado en la misma línea, eso es obra de genial Fernando Meiralles, así que podría decir que lo mejor es que el productor canadiense <!–[if gte mso 9]> Normal 0 21 false false false MicrosoftInternetExplorer4 <![endif]–><!–[if gte mso 9]> <![endif]–> <!–[endif]–>Niv Fichman tras leer el guión de Don McKellar pensara en el director brasileño. Ese fue su momento de gracia, y la mejor decisión de su vida, y por ende para todos nosotros, que de esta manera podemos disfrutar de una genial película, que espero disfruteís como yo la he disfrutado, y en la que podreís ver interpretaciones maravillosas por parte de todo el elenco de actores, todos están maravillosos.

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LO PEOR:cantal

Lo peor del film para mí fue pensar que la raza humana es completamente salvaje. Necesitamos un Gobierno, unas leyes que hagan a la sociedad más justa y sin las que no podríamos vivir. Creo que las personas encerradas del film representan una sociedad o un país en el cual el que tiene las armas o la comida se hace con el poder y se aprovecha de los más débiles. Es terrible, el hombre no ha evolucionado nada y si ahora mismo nos dejaran completamente al libre albedrío, nos extinguiríamos. Es desolador…

alfieLo siento, pero para mi la película es perfecta, no le encuentro nada que pueda jugar en su contra, y eso, que había leído todas las críticas de todos mis lectores que habían tenido la suerte de verla en primicia en el festival de Sitges.  Me ha parecido formidable. Sólo un apunte más amigos, esto es una película, no es la novela de Saramago, luego el que acuda al cine pensado que va a ver la novela al pie de la letra, creo que lo lleva claro, y en segundo lugar, creo que eso puede ser lo peor.

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MUY BUENA

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alfie OBRA MAESTRA

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alfieBueno amigos pero aún hay más, el pasado 3 marzo en la Casa América de Madrid tuvo lugar la última rueda de prensa con carácter mundial de presentación del film a los medios. Acudieron a defender el film su productor Niv Fischman, el director Fernando Meiralles, y el premio Nobel José Saramago. No cabía un alfiler en la rueda, estaba abarrotado, todo el mundo escuchaba con vehemencia al autor de la novela y al director. Como no podía ser de otra manera, allí que fui con mi cámara en mano para recoger ese gran momento con el fin de que podaís a partir de hoy dsifrutar de él, ya que se que algunos de mis lectores sois fans del autor luso.

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RUEDA DE PRENSA “A CIEGAS” PRIMERA PARTE

RUEDA DE PRENSA “A CIEGAS” SEGUNDA PARTE

RUEDA DE PRENSA “A CIEGAS” TERCERA PARTE

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alfiePero también os queremos presentar un libro, personalmente considero de lectura obligatoria para todos aquellos que quieran dedicarse a la dirección. Se llama “Diario de rodaje de A ciegas”. Está escrito por el realizador brasileño y editado por “Ocho y medio”. Es simple, es genial, os adentrará en el rodaje, os dará explicaciones sobre los motivos que le llevaron a tomar determinadas decisiones. Podreís leer el sistema de trabajo del realizador, cuánto tiene de intuición, cuánto de planificación. Es imprescindible para entender su forma de hacer cine, pero también para descubrir a la persona. Lo generoso que es, muestra de ello lo tuvimos en la rueda de prensa, que acabaís de ver. Espero que no os defraude esta recomendación literaria.

 

LOS MUERTOS VAN DEPRISA

REGULAR

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El gallego Ángel de la Cruz se estrena como director de un largometraje no animado con LOS MUERTOS VAN DEPRISA. Después de “El bosque animado”, que consiguió dos Goya y “El sueño de una noche de San Juan”, que se hizo con uno, De la Cruz ha querido trabajar con personajes de carne y hueso en esta comedia que refleja como nadie las tradiciones y creencias gallegas que aún existen en la actualidad. En Videodromo, además, hemos tenido la oportunidad de entrevistar a una de sus protagonistas, María Castro, una joven y prometedora actriz que nos ha concedido un ratito de su tiempo para hablar del film, de su tierra gallega y de sus sueños y proyectos. LOS MUERTOS VAN DEPRISA se estrena este viernes 13 en los cines.

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Irene (Neus Asensi) es una camionera que llega al pueblecito costero de Fariño do Mar para cargar marisco. Pero al intentar atravesar el pueblo, se queda atascada con el camión en el puente, justo el mismo día del entierro de Cándido, artista y uno de los hombres más importantes del pueblo. Como el cortejo fúnebre no puede pasar, regresan a casa donde seguirán velando el cadáver mientras se decide qué hacer con el camión atascado. Muchos se ponen en contra de Irene, y encabezados por Filomeno (Chete Lera), el hijo del difunto y patrón mayor de la cofradía de mariscadores, pretenden desmontar el camión pieza por pieza para poder realizar el entierro dignamente. Pero la recién llegada enseguida encuentra un apoyo en Jerónimo (Manuel Manquiña) y Venancia (Belén Constenla), la farera y antigua novia de Filomeno, que apuesta por desmontar la estatua diseñada por el fallecido para que pueda pasar el camión. Mientras no se ponen de acuerdo, el difunto sigue de cuerpo presente y es mientras tanto cuando se van a dar las situaciones más supersticiosas y los rituales más tradicionales de la cultura funeraria gallega: echar sal sobre el muerto, consultar a una “meiga” para que el alma abandone el cuerpo, la santa compaña…Una serie de anécdotas a las que pondrán fin la hija de la farera, María, (María Castro) y el hijo de Filomeno, César (Sergio Bermúdez), que mantienen una relación en secreto y gracias a eso, encuentran la solución al problema.

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Una comedia que transmite el pensamiento y forma de ser de los gallegos, pero a través de una situación y unas historias personales que bien podrían darse en cualquier región de nuestro país. La historia es divertida, pero cuenta con un guión que es bastante previsible y le hace perder fuerza a los diálogos. Los actores son gallegos en su mayoría y eso aporta a la película un sentimiento que no se hubiera logrado de otra forma. Además, se trata de buenos profesionales que no se ven habitualmente en el cine español, caras nuevas y otras no tan nuevas que se agradecen (ya pensaba que no iba a ver nada de nuestro cine sin Fernando Tejero o Javier Cámara). Quiero destacar el trabajo de Berta Ojea, como Maruxa, la hija del fallecido. A pesar de ser una papel secundario, tengo que reconocer que esta actriz, a la que solamente conocía por su papel en la serie de TVE “La señora”, me sorprende cada día más. Está genial en sus personajes y este no es una excepción.

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Como anécdota tengo que decir que el papel de Cándido, el difunto, estaba pensado en un principio para el ya desaparecido actor Fernando Fernán Gómez. Ángel de la Cruz se llegó a entrevistar con él, pero el rodaje se retrasó unos meses y desgraciadamente falleció antes de poder hacer la película. Una pena, porque hubiera sido un gran punto favor de este film que además, cuenta con bellos paisajes de la localidad de Rinlo (Ribadeo) donde se rodó.

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La actriz María Castro (conocida por todos por su papel de Jesi en la serie de televisión “Sin tetas no hay paraíso”, interpreta a María, la hija de Venancia. Una joven que quiere escapar de Fariño para lograr su sueño, ser actriz. María Castro también quería ser actriz y lo ha conseguido. Este es su tercer largometraje, pero también ha trabajado en doblaje. Simpática, guapa y muy habladora, María nos contó como buena gallega que es, los secretos y tradiciones de esa tierra mágica, sus proyectos y sus retos como joven promesa que es. Su color preferido es el azul, le gusta “Let me out” del grupo Dover y le encanta  leer libros.

ENTREVISTA A MARIA CASTRO

LEJOS DE LA TIERRA QUEMADA

MUY BUENA

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El gran Guillermo Arriaga, el guionista de “Amores perros”, “21 gramos” Y  “Babel”, se ha lanzado a la dirección con LEJOS DE LA TIERRA QUEMADA, un film en el que ha puesto todo su talento, que no es poco y que lleva su incomparable sello de identidad. Una historia compuesta a base de otras historias, vidas que se cruzan, dramas personales en los que mezcla presente y pasado como sólo él sabe hacerlo. Para todos los que conozcáis su trabajo, sabréis que son relatos duros, cargados de dramatismo, pero también llenos de humanidad; personajes que, sin quererlo, se ven perseguidos por la casualidad, por la sucesión de unos hechos que por accidente o casualidad, les marcarán toda la vida. Protagonistas que no pueden huir de su pasado ni de su presente, pero que se enfrentan a sus miedos de una forma admirable.

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En LEJOS DE LA TIERRA QUEMADA, las historias se mezclan unas con otras y en el centro de esa telaraña está Sylvia (Charlize Theron), una encargada de un prestigioso restaurante en Portlan, Oregón. Una mujer misteriosa, con una mirada llena de frialdad y miedo a la vez, que utiliza el sexo como vía de escape sin pensar que pueda dañar a las personas que se encuentran a su alrededor. Así transcurre su vida hasta que un extraño aparece en su vida y le devuelve a su pasado más oscuro pero a la vez más anhelado. En la ciudad de Las Cruces, en Nuevo Méjico, dos adolescentes, Mariana (Jennifer Lawrence) y Santiago (JD Pardo) descubrirán el amor tras la repentina pérdida de sus padres y Gina (Kim Basinger), una mujer casada y con hijos vive una aventura con un hombre también con familia y de un estrato social muy diferente al suyo. Se ven a escondidas en una vieja caravana en medio del desierto sin saber que su amor les llevará a un trágico final que repercutirá en el destino de muchos de los personajes del film.

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No muy lejos de allí, en México, una niña llamada María vive feliz con su padre hasta que éste tiene un accidente mientras conduce una avioneta, un hecho que cambiará la vida de ambos para siempre.

Personajes con una vida dramática, que aparentemente no tienen nada en común, estarán más relacionados de lo que el espectador puede pensar en un principio. Un guión de sobresaliente y una dirección a la altura de su trabajo como escritor, han conseguido que Arriaga obtenga un resultado brillante, como en otras ocasiones. Cada película que escribe es diferente pero en todas pone su sello personal, su esfuerzo y su talento. Los personajes son auténticos, interpretados por actores que han puesto a disposición de Arriaga todas sus artes interpretativas. Destacan las mujeres, en torno a las que gira todo el film. Personajes de diferentes edades (una niña, una adolescente, una treintañera y una mujer madura) en los que se ha elegido a la perfección a las actrices que los han interpretado.

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Charlize Theron no me deja de sorprender. Creo que cada papel que hace, lo borda y en este caso no ha sido menos. Un gran acierto, la actriz contaba con el físico y la calidad interpretativa necesaria para el personaje de Sylvia. Igual que Kim Basinger. Llevaba tiempo sin verla en ninguna película y ha vuelto por la puerta grande en el papel de Gina, nada fácil al tratarse de una mujer madura que tiene una aventura secreta y que además esconde un gran complejo en su cuerpo. Pero la mayor revelación ha sido la joven Jennifer Lawrence, en el papel de Mariana. No había visto ningún trabajo suyo, aunque ha participado en varias series de televisión, y ha sido una grata sorpresa descubrirla en LEJOS DE LA TIERRA QUEMADA. Sin duda una gran promesa que no tardará en hacerse con buenos papeles después de su gran actuación en este film.

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Pero el personaje más llamativo, por su importancia a lo largo de toda la película y precisamente por no ser de carne y hueso, es la fotografía ; los paisajes. El mar, los acantilados, el árido desierto, campos de maíz… Planos en los que solamente se ve a las personas y el horizonte infinito. Un excepcional trabajo del oscarizado Robert Elswit. Guillermo Arriaga le ha dado una importancia tal a los paisajes que el espectador no puede dejar de admirar su belleza y a su vez su implicación en la historia. Esto mismo me ocurrió con “Babel”, en la que los paisajes formaban también parte del relato.
LEJOS DE LA TIERRA QUEMADA es una película obligada para todos los seguidores de Arriaga pero también para aquellos que aún no lo hayan descubierto, porque entonces, no sabéis lo que os estáis perdiendo.

HOTEL PARA PERROS

MALA

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Este viernes 13 de marzo se estrena HOTEL PARA PERROS. Una comedia infantil con alguna que otra pincelada de drama, mucho “hermano y sobrina de…” y poca sustancia. Una lástima porque como ya os habréis dado cuenta, me encantan las películas para niños, eso sí, que estén bien hechas y cuenten, como mínimo, con un argumento aceptable. Puede que no haya sido muy buena idea estrenar este film sobre perros apenas un mes después de que viéramos “Un chihuahua en Beverlly Hills”. Sé que las comparaciones son odiosas, pero no lo puedo evitar y mientras que la del chihuahua me sedujo desde el principio, HOTEL PARA PERROS no ha estado a la altura.

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El film refleja las aventuras de dos hermanos huérfanos, Andi (Emma Roberts) y Bruce (Jake T. Austin), que viven con una familia de acogida un tanto peculiar, dos aspirantes a cantantes de rock un tanto particulares y muy estrictos con los niños, que les prohíben tener con ellos a su mascota, Viernes, un gracioso y astuto perrito que ya tenían cuando vivían sus padres. Andi y Bruce no quieren renunciar a su perrito y por eso cometen todo tipo de travesuras que rozan incluso el delito para intentar mantenerlo sin que sus padres de acogida les descubran. Pero no es fácil y el asistente social que lleva su caso (interpretado por Don Cheadle) les advierte que, a pesar de los esfuerzos que está haciendo para que no ocurra, si no mejoran su comportamiento les tendrán que separar y llevarlos a un centro de acogida. La suerte no les da la espalda del todo y gracias a Viernes, descubren un hotel abandonado donde esconder a su amigo sin que les descubran. Aunque dentro del hotel no estarán solos porque además de los dos perros que ya vivían dentro, se les une toda una tropa de amigos de Viernes. Con la ayuda de los chicos de la tienda de mascotas del barrio y una amigo que les sale de improviso, Bruce conseguirá llevar a cabo toda una serie de inventos que permitirán a los perros vivir allí con todas las comodidades. Lamentablemente, la alegría no les dura mucho; el hotel clandestino es descubierto y Andi y Bruce tendrán que ingeniárselas para devolver a sus amigos caninos y a ellos mismos a la vida y hogar que se merecen.

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A este argumento sólo hay que añadir un final que ya tienes claro cuál es desde el principio, un hecho que no dice mucho del argumento de esta película canina en la que los actores son bastante mediocres, aunque siempre hay alguna excepción. Una de las protagonistas es la sobrina de Julia Roberts, Emma Roberts, que, a pesar de todo, lo hace bien. Defiende correctamente su apellido y posiblemente llegue lejos, por su parentesco, sí, pero también por su incipiente talento como actriz. Otra de mis favoritas es Lisa Kudrow. La actriz, que todos conocemos por su papel de Phoebe en Friends, interpreta a la madre de acogida de los niños, un personaje cruel, estricto y falto de todas las cualidades que se pueden esperar de una madre. Y mi favorito, Don Cheadle. Recordadle en “Hotel Rwanda” o en “Crash”, impresionante. En esta ocasión dadas las escasas posibilidades de su papel, lo ha dignificado todo lo que ha podido. Los demás, no merecen ni mención, ya os podéis imaginar…

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La película intenta recrear las aventuras de unos chicos con muchas ganas y mucha imaginación, pero del intento se llega al fracaso cuando el espectador se encuentra con situaciones inverosímiles, escenas rocambolescas y diálogos poco creíbles. No creo que la idea sea mala, solo que no se ha llevado de la forma correcta. Bromas que poco tienen que ver con la risa, niños que se creen adultos…una serie de elementos que no llegan a dar con la fórmula del éxito de este tipo de películas.

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Lo mejor, los perros. Me esperaba unos canes parlanchines, o que expresaran con voz sus pensamientos. Pero no, se dedican a ladrar y punto, algo que agradecí bastante. Las escenas en las que ellos son los protagonistas son las más divertidas del film: cómo se asean, comen, hacen ejercicio…

En definitiva, en este hueso hay muy poco que rascar.

TERCER DÍA DE LA VI MUESTRA SCI-FI

alfieLeticia Dolera saltó al ruedo del Palafox para presentar el último film del director iraní afincado en Estados Unidos, Barbet Schoerder. Se llama “INJU” BUENA. Por ahora tiene pinta de permanecer inédito en España. Todos le recordareís por haber dirigido largometrajes tan interesantes como “El misterio Von Bulow” o “Mujer blanca, soltera busca”, y desastres como “Asesinato…1,2,3” monumento a la mayor gracia de la pesada Sandra Bullock. Esta vez nos adentra el mundo del escritor Alex Fayard, que viaja a Japón para promocionar su nueva novela. Allí conoce a Tamao, una geisha amenazada de muerte por un antiguo amante, el huidizo escritor de libros policíacos repletos de atrocidades Shundei Oe, un misterioso autor a quien nadie ha visto el rostro y en cuya obra Fayard es todo un especialista. A partir de entonces Fayard se sumerge en un mundo de misterio y perversidad, de sexo y violencia, siguiendo el rastro de un hombre sediento de venganza. Este previsible film posee su gracia, sobre todo en la forma tan ingenua con la que mezcla realidad y ficción, sobre todo en el arranque del metraje. Lo mejor es que Schoerder dirige este film sin pretensiones. Las actuaciones son correctas. Esto no es “Elimperio de los sentidos”, para nada, es más es en esos momentos supuestamente sensuales donde pincha el film, quedando escenas un tanto ridículas. Estamos ante el típico caso de: “no hay que pedir peras al olmo”, la película es así de ingenua y simple, pero que bien merece un visionado, sobre todo si es a la hora de la siesta.

TRAILER “INJU”

El segundo toro de la tarde que tuvimos que lidiar fue “VINJAN” MALA. Es una coproducción entre Francia, Bélgica y Reino Unido protagonizada por la bella Emmanuelle Béart y Rufus Sewell, que dan vida a Jeanne y Paul, un matrimonio incapaz de aceptar la pérdida de su hijo durante el tsunami de 2004. Ese es le motivo por el que se han quedado a vivir en Tailandia, agarrándose desesperadamente al hecho de que el cuerpo del niño nunca fue encontrado. Jeanne está convencida de que fue secuestrado durante el caos que siguió a la catástrofe y que sigue vivo. Paul se muestra escéptico, pero es incapaz de echar abajo la última esperanza de su mujer. La pareja se embarca entonces en una búsqueda que los llevará a las profundidades de la jungla tropical, al corazón de un reino sobrenatural donde los muertos nunca lo están del todo. Este sí que es un film pretencioso en el fondo y en la forma, lento muy largo, que cuando se quiere poner tenso llega tarde, porque uno está hastiado. Fabrice du Welz intenta mezclar dos géneros como es el drama de la perdida del hijo y el terror, pero queda una propuesta deslabazda, sobre todo porque no encuentra un engranaje adecuado. Las inquietantes imágenes de su tercio final son poderosas, y con ellas podría haber realizado otra película.

TRAILER  “VINJAN”

Y finalmente apareció en el tendido la actriz catalana, que con emoción pasó a dar la estocada final a la muestra con el film norteamericano “UNDERWORLD 3: LA REBELIÓN DE LOS LICÁNTROPOS” REGULAR. Film realizado por Patrick Tatopoulos, que se centra en los orígenes de la sangrienta contienda que desde hace siglos se libra entre los aristocráticos vampiros y los bárbaros licántropos. Un joven licántropo, Lucian, emerge como poderoso líder y consigue reunir a los hombres lobo para sublevarse contra Viktor, el cruel rey vampiro que los ha perseguido durante cientos de años. Lucian cuanta con la ayuda de su amante secreta, la bella vampira Sonja, en su batalla para liberar a los licántropos de su brutal esclavitud. Pero dejemos que sea el público soberano que hable…

CRÍTICA  “UNDERWORLD 3: LA REBELIÓN DE LOS LICÁNTROPOS”

Detrás de este gran evento está la persona de Adrián Guerra, programador de la muestra, otro gran fan y conocedor del género, que un día creyó que todo es posible, y años tras año nos intenta acercar lo mejor del cine fantástico, ciencia ficción y terror. Ayer tuvimos la ocasión de entrevistar a este amante de films como “Blade runner”, “Tiburón” o “El resplandor” y fan de directores de la talla de David Lynch, David Cronenberg o Steven Spielberg.

ENTREVISTA A ADRIÁN GUERRA

En fin, aquí damos por finalizada esta gran cobertura de una de las citas obligadas en Madrid. Personalmente creo que ha sido una edición cargada de buenas películas. Se me han pasado estos tres días como un suspiro, y lo malo que se me harán eternos los 364 restantes esperando a una nueva edición.

SEGUNDO DÍA DE LA VI MUESTRA SCI-FI

alfieMorfeo y mi despertador se confabularon y fueron los culpables de que llegara tarde a la muestra, así que reconozco públicamente que me perdí “20th CENTURY BOYS” de Yukihiko Tsutsumi. Pero no fui el único porque Leticia Dolera llegó a la par. Brilló con sus presentaciones una vez más, fustigó a los frikis que le pedían a gritos que  se desnudara. también reconoció públicamente que con Paco Plaza había visto cumplido su sueño de interpretar a un vampiro en el falso trailer “MALDITO VIERNES”. Sus intervenciones más brillantes llegaron con el sorteo del vídeojuego “OVERKILL” de la casa SEGA, fueron delirantes y muy divertidos. Los audiocomentarios a sus intevenciones fueron de los más peregrinos. Pero, pasemos a lo que nos deparó esta segunda jornada.

En primer lugar pudimos ver “MIDNIGHT MEAT TRAIN” BUENA, que en España saldrá directamente al mercado de vídeo bajo el título de “EL VAGÓN DE LA MUERTE”. Film dirigido por Ryûhei Kitamura y basado en un relato corto del siempre inquietante Clive Barker, que nos presenta al fotógrafo Leon Kaufman, que trata de realizar para la destacada galerista Susan Hoff, una serie de provocativos estudios nocturnos de la ciudad y sus habitantes. Ella le pide que sea aún más audaz y llegue a mostrar el lado más oscuro de la humanidad en su siguiente trabajo. Convencido de que por fin está en el camino hacia el éxito, Leon se obsesiona con el encargo, hasta el punto de seguir los pasos de un asesino en serie que comete sus truculentos crímenes en el metro, durante la noche. La fascinación que Leon experimenta por el asesino le hace ir cada vez más lejos en su periplo hacia las entrañas del metro, un viaje hacia el mal en el que sin querer embarcará a su propia novia. La película es buena, posee una gran factura, me encantó sobre todo el trabajo de fotografía, ya que es magnética la peleta de colores fríos que le dan a la película. Destacar el corto papel de la resucitada Brooke Shields en el papel de galerista con aires de grandeza. El resto de reparto están en su lugar, están fenomenal tanto Bradley Cooper que da vida al fotógrafo en busca de éxito, y Vinnie Jones como el carnicero. Otro psycho killer para la posterioridad. El film posee pinceladas un tanto gores muy impactantes. Es una pena que no se llegue a estrenar, así que desde aquí os recomendamos que esteís atentos a las estanterías de vuestros videoclubs favoritos.

TRAILER  “EL VAGÓN DE LA MUERTE”

Luego pudimos ver el nuevo trabajo de Jennifer Lynch, “SURVEILLANCE” OBRA MAESTRA, que se alzó con el premio mejor película en el pasado festival de Sitges, en el que dos agentes del FBI llegan a un pequeño pueblo en mitad de ninguna parte para investigar una serie de asesinatos. Allí hablan con tres testigos: un policía de gatillo fácil, una chica colgada de las drogas y una niña de ocho años que todavía se encuentra en estado de shock. En el transcurso de los interrogatorios los agentes descubren que cada uno de los testigos da una versión distinta de los hechos, ocultando claramente una parte de la verdad. Pero para saber que opinamos al respecto debeís ver la valoración del público recogida en el siguiente vídeo.

CRÍTICA DE SURVEILLANCE

TRAILER  “SURVEILLANCE”

Tras el sorteo pudimos ver la magnífica “DÉJAME ENTRAR” OBRA MAESTRA del realizador sueco Tomas Alfredson, que se alzó en la pasada edición del festival de Sitges con el Melies de Oro a la mejor película fantástica. El largometraje nos cuenta la historia de Oskar, un endeble niño de 12 años que sufre regularmente los malos tratos de sus compañeros de colegio sin oponer resistencia, pero en su interior alberga sueños de venganza. Su deseo de tener un amigo parece convertirse en realidad cuando conoce a Eli, también de 12 años, que acaba de mudarse a la zona. Pero la llegada de Eli coincide con una serie de ataques y truculentas muertes. Oskar descubre entonces que Eli es una vampira, pero su amistad con ella resulta ser más fuerte que su miedo. No dejeís que nadie os cuente de qué va, ni que esconde esta trama. Es tan magistral como romántica. La platea del Palafox cayó rendida a la propuesta sueca. No defraudó a nadie. Y llevó a la muestra al punto más álgido. Posee un guión sólido, con una estructura clasica, salpicado de grandes dosis de humor negro, como la que podreís ver al final del metraje. La gran fuerza del film, creo que reside en la gran química que hay entre los dos jóvenes protagonistas del film, Kåre Hedebrant y Lina Leandersson, que dan vida respectivamente a Oskar y Eli. Sus miradas, tan poderosas como tiernas, que dejan al espectador noqueado en la butaca. No quiero hablar más porque quiero evitar desvelaros nada. Es imprescindible su visionado para todos los amantes del género.

TRAILER  “DÉJAME ENTRAR”

La jornada finalizó con “SPLINTER” cuatro-audiocomentarios del norteamericano Toby Wilkins, largometraje de serie B a caballo del género infectados y zombies. Responsable de los efectos especiales de  numerosass cintas de género, como por ejemplo “D-TOX”,  la franquicia “SCOOBIE DOO” o “EL DRAGÓN ROJO”. La propuesta del film es un biológo y su chica quieren disfrutrar unos dáis de vacaciones, pero tomará un inesperado y terrorífico rumbo cuando encuentran en mitad de la carretera a una chica que parece pedir auxilio. Al detener el coche, ambos son atacados por su amigo Dennis, que los obliga a pasar a la parte de atrás a punta de pistola mientras se pone al volante. Sin embargo, lo peor está por llegar. Tras chocar con una extraña criatura, se ven forzados a parar en una gasolinera, donde descubrirán horrorizados con qué clase de depredador se están jugando la vida. Gracias a Wilkins los audiocomentarios llegaron de nuevo a la muestra. Nos divertimos un montón viendo este film un tanto mediocre, con diálogos dignos de la papelera de reciclaje, pero que en con la compañía adecuada hacen que sean magistrales.