Archivo mensual: abril 2009

17 OTRA VEZ

Amigos, el pasado 28 de abril se dejó ver el pelo por Madrid el actor norteamericano Zac Efron que acudió para presentar su nueva película 17 OTRA VEZ” Al photocall y  la rueda de prensa acudió también una legión de fans, vamos nunca había oído tantos decibelios en tan poco tiempo, los tímpanos todavía los tengo un poco tocados, y no me digáis que es por la edad, mal pensados. Ataviado con un look rabiosamente juvenil, camisa de cuadros, pantalón vaquero y con pelazo perfectamente peinado, lució palmito ante su legión de adolescentes hormonad@s, porque había de todo, niños y niñas, todos con carpeta y boli  en ristre para obtener el codiciado premio, un autógrafo, vamos no di crédito las chicas con minifalda eran capaces de saltar setos cual gacela en la sabana africana, no os podéis hacer una pequeña idea, menos mal que mis colegas de Tri-Pictures me salvaron de las fans y conseguí entrar, ahora toca el momento de devolver a las fans lo que grabé, así que ahora niños y niñas, señoras y señores con todos ustedes, el mito, el ídolo juvenil, el guaperas, ZAC EFRON

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17 OTRA VEZ”-PRIMERA PARTE-RUEDA DE PRENSA

17 OTRA VEZ”-SEGUNDA PARTE-RUEDA DE PRENSA

1970

aeropuertoEste año es relevante por dos motivos, el primero, surgieron las películas de catástrofes de la mano de un director de garra como es Henry Hathaway, y que para esta afrenta se hizo acompañar de George Seaton. Entre los dos hicieron “AEROPUERTO”. Film eficaz, entretenido, y que además contó con un gran reparto, estrellas de la talla de Burt Lancaster, Jean Seberg, Jacqueline Bisset, George Kennedy, Helen Hayes o el cantante y actor Dean Martin. Todas las bases, claves y pautas las podéis apreciar en esta cinta, a partir de aquí todo fueron fotocopias, nadie consiguió innovar en el género. El segundo motivo fue la aparición en el panorama norteamericano de Russ Mayer, al que descubrí en la retrospectiva dedicada a este atípico realizador en un certamen del IMAGFIC, además en los antiguos Alphaville, actuales Golem, pusieron las más famosas del ciclo. Lo más característico de su filmografía son las “Vixen” o “zorritas” como se podría traducir, en megavixensrealidad se trata de chicas con más silicona que la Obregón, que molaba verlas correr, porque sus neumáticas delanteras saltaban a cámara lenta y hacían que un servidor tuviera sueños húmedos durante meses. Podemos decir, sin lugar a dudas, que se trata de softporn, vamos películas de tetas grandes y culos, eso sí, mezclado con altas dosis de humor corrosivo, diálogos delirantes, irreverentes e incorrectos, obra del famoso crítico de cine americano Roger Ebert. En este año realizó su primera película para un gran estudio, se trata de “BEYOND THE VALLEY OF THE DOLLS” y “MEGAVIXENS” en el que las zorritas se encargarán de descubrir la identidad del asesino de Adolph Schwartz, que muere cuando alguien deja caer una piraña en su bañera.

Pero antes de la adolescencia está la infancia, y en ese periodo de mi vida pude disfrutar de tres clásicos entrañables como “CUANDO LOS DINOSAURIOS DOMINABAN LA TIERRA” del siempre genial Val Guest, que me trasladó a tiempos tan molones como remotos, con sus dinosaurios y demás criaturas prehistóricas, y que uno disfrutaba como un crío comiendo los-aristogatospatatas fritas y destrozando los oídos de los cinéfilos. El segundo era “LOS ARISTOGATOS”, maravilloso film de animación de la Disney, dirigido por el eterno Wolfgang Reitherman, en la que una anciana millonaria y excéntrica convive con sus gatos y con la única ayuda de su fiel mayordomo, Edgar. Este largometraje era tan divertido y entretenido como “LE LLAMABAN TRINIDAD” del genial dúo Terence Hill y Bud Spencer, que eran únicos repartiendo mamporros a diestro y siniestro. Mira que no soy fan de los westerns pero es que en este caso me chiflaba como sonaban los puñetazos y las bofetadas. Y ya que hablamos de este odiado género para mí por lo menos, hablaré ahora de “DOS MULAS Y UNA MUJER” con esta historia me partí la caja. Se trata de la curiosa historia de un mercenario y una monja en el México del siglo XIX. Está espléndida Shirley MacLaine dando la réplica a Clint Eastwood, en esta  divertida cinta dirigida por el director de acción Don pippiSiegel. Fue una pareja atípica pero que encontraron una química muy interesante. Del siguiente personaje era más que un fan, vamos tenía hasta el póster de la película, hablo de PIPPI CALZASLARGAS: PIPPI EN LOS MARES DEL SUR”, veneraba a Inger Nilsson, estaba literalmente colado por ella, era la joven que interpretaba a Pippi. Me encantaba verla volar en su coche, cómo se divertía con sus amigos Tommy y Annika, su caballo y el mono. ¡Ay! ¡Qué recuerdos!

Pero el dramón que me aburrió tanto como la recaudación de taquilla que obtuvo fue “LOVE STORY” del director Arthur Hiller, que catapultó a la fama a la pareja de actores formada por Ali MacGraw y Ryan O’Neal. ¡Qué pedazo de bodrio! Y además esa música empalagosa, que tenía la cualidad de taladrar el cerebro del pobre que la escuchaba, enquistándose hasta el final del día. Otro largometraje que le siguió la zaga y me hizo bostezar hasta el infinito y más allá fue el oscarizado film bélico “PATTON”, realizado por uno de los directores más prolíficos de los años 70, Franklin J. Schaffner, que además tuvo un reparto de lujo como casi todas sus grandes un-hombre-llamado-caballoobras, fijaos George C. Scott, Karl Malden, entre otros. No hay que ser un lince para adivinar con ese título que se trata de la biografía del General George S. Patton, quien tras vencer a Rommel en el norte de África, condujo a sus tropas de manera imparable a través de Europa. Madre mía, la de bostezos que me pegué. Una de la que era imposible zafarse en la infancia fue sin duda “RÍO LOBO” de Howard Hawks. Interpretado por John Wayne, y una jovencísima Jennifer O’Neill, a la que vería posteriormente en un film de Cronenberg, Scanners para más señas. Pero obviamente, eso en aquella época lo desconocía por completo. Pero en cambio dentro de las películas dedicadas al lejano oeste que me gustaron y me impresionaron, una fue “UN HOMBRE LLAMADO CABALLO” de Elliot Silverstein, con un jovencísimo Richard Harris, que hacía que el personaje de Kevin Costner en “Bailando con lobos” pareciera que estaba de fiesta en el albergue Marina D’or, ciudad de vacaciones. Qué mal rato pase con la famosa escena del piercing a lo cafre que podéis ver en el cartel de la cinta.

También me impresionó sobremanera el guión de “EL HOMBRE QUE SE APARECIÓ A SÍ MISMO tinieblas(TINIEBLAS)” de Basil Dearden, con un Roger Moore que intentaba descansar de su “Santo” y su “James Bond”. La trama es tan simple como que Harold Pelham es declarado muerto durante unos breves segundos después de un trágico accidente de coche, un tranquilo hombre de negocios, vuelve a la vida milagrosamente sobre la mesa de operaciones. Sin embargo, algo extraño sucede, pues durante aquellos segundos parece que un demoníaco ambicioso doble ha usurpado su personalidad, tanto en su vida pública como privada. Cuando regresa a casa, se da cuenta de que su doble no sólo está poniendo en peligro toda su carrera, sino también comprometiendo su matrimonio. Será el decisivo encuentro con su doble lo que podrá llevarle a los límites de la locura. No sabéis lo que me pudo impresionar a mi este film, no sé si ahora de adulto me causaría tanto impacto, pero en aquel momento flipé y no sabéis de qué manera.

Hubo tres largometrajes en mi adolescencia que me dejaron noqueado por su temática o por la propuesta en sí misma, el primero de ellos es la historia de Marcello que siendo niño se ve turbiamente enredado por el chófer Lino, el-conformistaa quien dispara y cree haber matado. En consecuencia, crece con un cierto complejo de culpabilidad, no sólo por haber asesinado a un hombre, sino también por escrúpulos de tipo moral. Su única obsesión es ser “como los demás”, y eso le impulsa a refugiarse en el fascismo, no por ambiciones políticas, sino para confundirse en la indiferencia y el conformismo. Jean-Louis Trintignant y Stefania Sandrelli, protagonizaban esta historia dirigida por el siempre comprometido Bernardo Bertolucci, hablo del film “EL CONFORMISTA” El segundo es una adaptación de la biografía homónima de Artur London titulada “LA CONFESIÓN” realizada por el exministro de cultura durante el gobierno del PSOE, Jorge Semprún, y el realizador griego afincado en Francia, Costa-Gavras, además contaba esta cinta con un reparto de impresión, en el que destacaba el matrimonio formado por Yves Montand y Simone Signoret. La trama se centraba en las purgas comunistas contra un sector de la izquierda heterodoxa efectuadas en Checoslovaquia tras la Primavera de Praga. A mi me pareció una película dura, dura, dura. Y la tercera es el drama romántico titulado “LOS GIRASOLES” dirigido por el realizador italiano Vittorio De Sica. Para contar la historia de Giovana y Antonio contó con la ayuda de Sophiawoodstock Loren y Marcello Mastroianni, que volvían a repetir como pareja. No se me olvidará nunca la escena de la estación, impresionante, y eso que la vi con 13 años.

Si “Flesh” no supe por donde cogerla imaginaos su siguiente propuesta llamada TRASH”, dirigida obviamente por Paul Morrissey, en la que volvía a trabajar con su muso Joe Dallesandro, que en este caso interpreta a un joven y guapo yonqui que vive en un apartamento del Lower East Side de Nueva York, lo único por lo que nos atraía al grupete de amigos que acudíamos al cine estudio “Bellas Artes” a verlas eran sus desnudos explícitos, porque para nosotros era una oportunidad de ver felpudos. Pero también disfrutábamos con cintas llenas de música como WOODSTOCK”, famoso documental ganador de un Oscar en el que podías ver en acción a Richie Havens, Joan Baez, Roger Daltrey, John Entwistle, Keith Moon, Pete Townshend o Lennie Baker.

En las antípodas del este mal gusto cinematográfico se encuentra uno de los la-hja-de-ryanrealizadores que más admiro, hablo del gran David Lean, que este año estrenaba su magnífica “LA HIJA DE RYAN”, protagonizada por Robert Mitchum, Trevor Howard, Christopher Jones, John Mills, Leo McKern, Sarah Miles y Barry Foster, vamos un reparto increíble y entregado para contar esta historia que nos traslada a Irlanda cuando se produce el levantamiento contra los ingleses en 1906. Vamos una de las películas imprescindibles de este año. Al igual que el film francés “EL CARNICERO” dirigido por Claude Chabrol en la que nos cuenta como el carnicero Popaul conoce a la profesora del pueblo Hélène en el banquete de una boda en una localidad rural francesa. Desde entonces su amistad se incrementa hasta la aparición de chicas asesinadas en los alrededores del pueblo y Hélène encuentra en la escena del crimen el encendedor que le regaló a Popaul. Un largometraje de esos que te dejan sin aliento, siempre la recordaré por su desasosegante atmósfera realista.

Me defraudaron tanto “REGRESO AL PLANETA DE LOS SIMIOS”, secuela dirigida por Ted Post y protagonizada por James Franciscus, que en aquel momento disfrutaba de su momento de gloria sobre todo porque triunfaba en el mundo catódico con “Longstreet”; como los-violentos-de-kellyTORA, TORA, TORA” dirigido por Richard Fleischer y Kinji Fukasaku, en el se reviven los acontecimientos que desembocaron en el ataque japonés a la Armada naval norteamericana en Pearl Harbour el domingo 7 de diciembre de 1941. Narrada desde el punto de vista de los dos bandos, es un relato de los errores diplomáticos cometidos por ambos países con antelación al ataque. Vamos a mi me apreció un poco infumable y un ladrillo en su momento. En cambio disfruté como un niño con el film bélico “LOS VIOLENTOS DE KELLY”, donde aparecía el teniente Kojak más conocido en su casa por el nombre de Telly Savalas, eso por no hablar del magnífico Clint Eastwood, Donald Sutherland o Gavin MacLeod; y con otro western atípico dirigido por el eficaz Arthur Penn, hablo de “PEQUEÑO GRAN HOMBRE” en la que el brillante Dustin Hoffman interpreta al único superviviente de 121 años de edad en la última batalla de Custer. El protagonista va narrando la apasionante historia de su vida, desde su adopción por los indios Cheyenne hasta sus matrimonios y amistad con Will Bill Hickok. Su increíble historia también implica que puede tratarse de uno de los mayores embusteros que deambuló por el salvaje Oeste.

Bueno, y un año más llegamos al TOP FIVE:

En el puesto NÚMERO CINCO tenemos un largometraje que es tan soberbio como entrañable. Antes que “House” ha existido y existirá “LA VIDA PRIVADA DE SHERLOCK HOLMES” Cinta en la que podemos ver como Billy Wilder se acerca al mito de Sherlock Holmes, lo deconstruye y genera una visión muy realista, irónica y cómica del mito. La trama comienza con la desaparición de marido de Gabrielle Valladon, eso lleva a que el Imperio Británico esté a punto de desestabilizarse. Así que estamos ante un caso de seguridad nacional. Y el lúcido detective en compañía de su gran amigo, Watson, se dirigen a Escocia en busca del señor Valladon, a pesar de las amenazas que reciben.

LA VIDA PRIVADA DE SHERLOCK HOLMES-TRAILER

En el puesto NÚMERO CUATRO tenemos a otro mito, este caso se trata de la revisión de MaBaker, que hiceran muy popular en la década de los 70 y 80 el grupo BoneyM, hablo del film dirigido por el gurú del cine de serie B Roger Corman , e interpretado por una Shelley Winters tocada por los dioses, hablo de esa maravilla del cine de mafiosos llamada “MAMÁ SANGRIENTA”, en la que aparecían , Pat Hingle, Don Stroud, Diane Varsi, Bruce Dern, Clint Kimbrough y Robert De Niro. Vamos si no la habéis visto, ya estaís tardando. Puede que se trate del film de gangters más gore que haya visto nunca. Una pasada.

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En el NÚMERO TRES tenemos un clásico entre los clásicos, hablo de la tumultuosa relación entre Don Lope y Tristana, que el mañico realizador afincado en Francia llevó a la gran pantalla bajo el título de “TRISTANA” Es imprescindible su visionado, podréis disfrutar de los másgnificos talentos de Catherine Deneuve, Fernando Rey, Franco Nero o Lola Gaos. En su momento me impactó la atmósfera enfermiza que genera Buñuel.

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Y para finalizar he de reconocer que me costó este año decidirme por el film que ocuparían el primer y segundo lugar, en primer lugar porque los trasfondos de sus argumentos son parecidos, son largometrajes con un marcado mensaje antimilitarista, y en SEGUNDO LUGAR son muy buenos los dos, así que subjetivamente dejo en el puesto número dos al film “SOLDADO AZUL” de Ralph Nelson. Menudo elenco consiguió reunir, desde la bella Candice Bergen, al catódico hombre rico, Peter Strauss, al secundario de lujo, Donald Pleasence, o a Jorge Rivero, un western de los 70 sin este actor secundario no era una del oeste. La trama era tan simple como que un pagador del ejército y su escolta son atacados por los indios y solo quedan dos supervivientes: Cresta Lee y el soldado Johnny. Ambos vivirán una odisea para llegar a Fuerte Reunión y serán testigos del exterminio del pueblo cheyenne por las tropas del coronel Iberdson. Es una cinta muy dura, pero que merece la pena ser vista, y es de lo mejorcito que hizo Hollywood sobre el exterminio de los indios. Nunca se ha hecho nada igual, el resto han sido copias edulcoradas para los bien pensantes.

SOLDADO AZUL-ESCENA DE LA MASACRE

SOLDADO AZUL-TRAILER

Y dejo para el PRIMER PUESTO una de las comedias más vitriólicas, irónicas, irreverentes, jocosas y sobre todo, con más mala leche que el cine norteamericano haya hecho nunca. Como no podía ser de otra forma, sólo un realizador pudo ser capaz de hacerla, ese no es otro que el brillante Robert Altman, que puso bajo su batuta a un reparto excepcional integrado por Donald Sutherland, Elliott Gould, Tom Skerritt, Sally Kellerman, Robert Duvall, Roger Bowen. Hablo de la gran comedia “M.A.S.H”. En ella podemos ver a un grupo de cirujanos del ejército americano que trabajan en un hospital quirúrgico móvil de la Armada americana en la guerra de Corea, y que desarrollan un estrambótico modo de vida con el fin de superar los horrores con que se encuentran día tras día. Aunque altamente cualificados y profundamente dedicados a su trabajo, esta irreverente pandilla de disparatados personajes es igualmente experta en provocar la máxima confusión dentro de la estricta burocracia militar. Brillante film que es una de las alegorías al despropósito que supuso la guerra de Vietnam, y que por desgracia el mundo catódico se dedico a destrozar al hacer una adaptación televisiva, que era un poco infumable, y por desgracia para todos, destrozaba toda la magia del largometraje. Nunca me cansaré de recomendar esta divertidísima comedia, de la que nunca olvidaré la gran escena en la que todo el equipo intenta anestesiar al jugador de rugby para poder ganar el partido.

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Robert Altman habla sobre su film “M*A*S*H

Años anteriores (PREVIOUSLY ON VIDEODROMO):

EL ORIGEN

1967

1968

1969

2005

2006

2007

2008

UN CONEJO SIN OREJAS

MALA.

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Este viernes se estrena “UN CONEJO SIN OREJAS”, la nueva comedia alemana que se ha convertido en un enorme éxito de taquilla en Alemania, ya que lleva más de 40 millones de euros de recaudación. Se ha situado en el puesto 22 dentro de las 30 películas más taquilleras de la historia del cine alemán, por encima de títulos como “El Código Da Vinci”, “Ice Age” o “Harry Potter y El Prisionero de Azkaban”. Esta película protagonizada, dirigida y producida por Til Schweiger, al que todos recordaréis por el film “Knocking on heaven’s door”, nos adentra en el territorio de la prensa del corazón, porque da vida a un periodista llamado Ludo que se dedica, junto al paparazzi Moritz, a cazar estrellas, estrellitas y estrellazos. A veces incluso él mismo se cree las historias que se inventa, hasta que un día sufre las consecuencias: una juez le condena a 300 horas de trabajo social en una guardería. Su directora es Anna, quien le hace vivir un infierno al conquistador periodista en venganza por ser el blanco de sus burlas cuando era niña. Entre las páginas de sociedad y los columpios encontrará un espacio en el que se descubrirá a sí mismo.

conejo-sin-orejas-01 Esta es la premisa de base para una de los peores largometrajes que he visto este año. Es mala a rabiar, y paso a explicarme, analizaré las tres facetas de este hombre orquesta que pone en pie esta obra “divertidísima”. En primer lugar, como director Schweiger desconoce herramientas narrativas tan útiles como las elipsis. Nos cuenta todo, no tiene límite, y encima la mitad de lo que cuenta no tiene mayor importancia. Encima, no sabe dar directrices a sus actores, ni a sí mismo, quedando todo el reparto muy sobreactuado, y desperdiciando escenas que podrían haber sido memorables. Y para finalizar, no sabe puntuar las escenas, pone música incidental a lo Thompson, es decir, a tontas y a locas, de esa manera lo único que consigue es sacar de quicio al respetable. Pero hay más, como productor parece que se ha ido a la Sociedad General de Autores y ha pillado en los saldos los derechos de las canciones más cutres y baratas, y como director lo ha ido colocando a lo largo de todo el metraje independientemente de si es una escena romántica, de acción o con un carácter más intimista. Vamos, que no tiene desperdicio. Además, ha contado con un gran presupuesto, que ha derrochado en generar algunas secuencias bastantes inverosímiles.

conejo-sin-orejas-02 Y en tercer lugar, se ha atrevido a firmar este despropósito conjuntamente con Anika Decker, entre ambos han generado situaciones cómicas que se adentran en la comedia física e intelectual. El problema es que ninguno de los chistes cuaja, las situaciones físicas carecen de verosimilitud y están pasadas de rosca. En cuanto a las que podríamos catalogar de humor intelectual, suelen acabar insultando la inteligencia del espectador. No es un film que pudiéramos catalogar dentro de caca-culo-pedo-pis, como las entrevistas de Pablo Motos (¿alguien ha visto la entrevista a Hurley en “El hormiguero”?, vergonzoso), pero creo que ha desaprovechado lo que podría haber sido una buena comedia. Para intentar ilustrar lo que digo os contaré que hay un personaje infantil que lía una parda en un restaurante, pero tal y como está contado no es ni medianamente divertida. Eso por no hablar del infumable chiste final, el del taxista para situar a los que se atrevan con ella, que va más allá del concepto de hortera.

conejo-sin-orejas-04 El reparto de este largometraje me da mucha pena, porque hacen lo que pueden, inclusive hasta los actores que hacen cameos como Jürgen Vogel, al que todos recordaréis por haber interpretado al profe de “La Ola”. Este buen hombre debe tener una paciencia inmensa al haber accedido a realizar este pequeño papel.

conejo-sin-orejas-05 En fin, que el que tenga valor que vaya a verla, pero no se la recomendaría ni a mi peor enemigo. No merece la pena ni bajársela de ese programa que empieza por M y sirve para compartir contenidos entre los internautas, lo digo porque el ancho de banda está caro y no merece la pena que lo ocupéis con este despropósito de película. Puede, y digo puede, porque según la ley de Murphy todo es susceptible de empeorar,  cabe la posibilidad que esta sea la comedia romántica más pueril, sin sustancia, e irónicamente inefectiva, que hayan visto mis retinas, que gracias a los Hados las conservo, porque hubo un momento que no sabía que era mejor si desfrontalizarme o que me las arrancaran. No os lo podéis ni imaginar.

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PALMARÉS DEL 12º FESTIVAL DE MÁLAGA

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El 12º Festival de Málaga ha llegado a su fin este fin de semana y el soberano jurado de la Sección Oficial de Largometrajes presidido por el gran Álex de la Iglesia, arropado por Sergio Cabrera, Juan Manuel, la irregular novelista Lucía Etxebarría, Juan Madrid, el nuevo chico Almodóvar Rubén Ochandiano y la gran Emma Suárez, han dictado sentencia.
“La Vergüenza”, de David Planell se ha alzado con la Biznaga de Oro, que está dotado con 30.000 EUROS y Biznaga de Plata al mejor guión Egeda, dotado con 6.000 EUROS. “El niño pez” de Lucía Puenzo, film del que ya os hemos hablado en Videodromo, se ha llevado inmerecidamente la Biznaga de Plata (Premio especial del jurado) y merecidamente la Biznaga de Plata a la mejor fotografía (Premio otorgado por FOTOFILM DELUXE), ya os comentaba en la crítica que lo mejor es el gran trabajo de su director de fotografía, Rodrigo Pulpeiro, por sus claros tintes prerrafaelistas.
La gran vencedora del festival podemos decir que ha sido “Tres días con la familia” porque se ha llevado a casa: la Biznaga de plata a la mejor dirección para Mar Coll, la Biznaga de plata a la mejor actriz (otorgado por Nespresso) para Nausicaa Bonnín y la Biznaga de plata al mejor actor para el siempre genial Eduard Fernández.
Sancho Gracia ha conseguido colarse en el Palmares al llevarse la Biznaga de Plata al mejor actor de reparto por “7 pasos y medio”, que también se alzó con la Biznaga de Plata a la mejor Banda Sonora para Joan Sauras. El largometraje “7 Minutos” ha conseguido la Biznaga de Plata a la mejor actriz de reparto para Toni Acosta.
Siento que el film “El pagafantas” de Borja Cobeaga y Diego San José, solo se llevara el premio Alma al mejor guionista novel, y el de la crítica (premio no oficial). Por su parte el público, siempre soberano, y que a veces no va acorde a los pensamientos de la crítica otorgaron la Biznaga de Plata Premio del Público a “Fuga de cerebros”, que desde el viernes ya podéis ver en los cines.
Los premios “menores” de Biznaga de Plata al mejor vestuario han sido para Antonio Belart, por “The Frost” y la Biznaga de Plata al mejor maquillaje para “Flores negras” de Astrid Lehmann y Michaela Oppl. El nuevo premio Biznaga de Plata Premio especial del Jurado Joven ha sido para el film “Amores Locos”, de Beda Docampo
Dentro de la sección Zonazine las dos grandes triunfadoras han sido “25 kilates” que ha conseguido Biznaga de Plata a la Mejor Película (Premio otorgado por el centro comercial “La Cañada”, al mejor actor para Manuel Morón y a la mejor actriz para Aida Folchy; y por su parte “Entre esquelas” ha recibido la Biznaga de Plata al Premio del Público y al mejor Guionista Novel.
En el territorio del cine informativo, es decir, de los documentales la Biznaga de plata al mejor Documental, premio dotado con 10.000 EUROS ha sido para “El Círculo” de José Pedro Charlo y Aldo Garay; y el Premio especial del Jurado ha sido para “Juan y Medio”, de Constanze Witt y Birgit Vogt.
Ahora sólo queda ver que carrera comercial tienen las cintas galardonadas, y sobre todo cuanto tendremos que esperar para ver alguno de ellos, de momento sólo so adelanto que por ejemplo para poder visionar en las grandes salas “El pagafantas” deberemos esperar a finales de Junio principios de Julio, mientras que productos más mediocres como “El niño pez” ya podéis “disfrutarlo” desde el pasado viernes.

LOS INICIOS DE…SIGOURNEY WEAVER

Muchos pensaréis que la primera película de esta actriz norteamericana, un tanto andrógina, nacida en la ciudad de Nueva York en 1949, fue “ALIEN”, pero no amigos, no lo es. Hay que retroceder dos años, exactamente hasta 1977, año en el que apareció en la oscarizada película de Woody Allen “ANNIE HALL”.

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Pero vayamos por partes, Susan Alexandra Weaver cambió su nombre tras leer la novela de Scott Fitzgerald “El gran Gatsby”, en la que uno de los personajes lleva este nombre. Es hija del productor televisivo del canal NBC Pat Weaver, conocido en el mundo catódico como el padre de los talk shows, que hoy en día pueblan las parrillas de todas las cadenas televisivas. Su madre es la actriz británica, Elisabeth Inglis, que apareció en el film de Alfred Hitchcock “Los 39 escalones” interpretando a la hija del doctor Jordan (ojo, si buscáis debéis saber que no está acreditado), y alcanzó la fama al ser la vocalista de la orquesta de Spike Jones. Una vez terminados los años de escuela en 1967, Sigourney Waver se fue durante unos meses a vivir en un kibbutz en Israel. Luego, regresó y estudió en la universidad de Standford, donde llevó una actividad teatral muy beligerante contra la participación de EEUU en la guerra de Vietnam y contra su presidente, Lyndon B Johnson. Posteriormente hizo teatro más convencional y tradicional con la compañía teatral Shakespeare de San Francisco. Tras pasar por New Heaven, ya que cursó estudios en la escuela de arte dramático de Yale, acabó realizando teatro en Nueva York, donde fue dirigida por Sir John Gielgud en la adaptación teatral de la novela de Sommerset Maugham “The Constant wife” donde compartió escenario con la gran actriz Ingrid Bergman. Pero no le importó que su primera aparición cinematográfica no llegará a decir ni una línea, es más es de lo más breve, y para verla tendréis que esperar casi a que finalice el largometraje, es justo en el momento en que Annie y Alvy han roto y se encuentran en la puerta de un cine donde están poniendo el documental “La pena y la piedad”, que como bien podréis imaginar le sirve a Alvy para hacer un chiste sobre su situación actual. Ella lleva una gabardina.

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Ya sabéis que si no tienes una línea hablada en un film no puedes entrar en el sindicato de actores,  pero no se puede quejar que aparece acreditada en los títulos finales, en compañía de grandes personalidades como Marshall McLuhan, el novelista Truman Capote o el cantante Paul Simon y actores incipientes como Christopher Walken, Janet Margolin o Jeff Goldblum. Así que Sigourney tuvo que esperar hasta ser dirigida un año después por Dan Cohen en “Madman” a tener su primera línea de diálogo. Tras esto, Pat Weaver movió algún hilo que otro y su hija acabó siendo la teniente astral más famosa del firmamento, y el resto os lo sabéis de memoria.

THE INTERNATIONAL

MUY BUENA.

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alfieEste viernes se estrena el nuevo trabajo de uno de los directores más brillantes que ha dado el panorama europeo, hablo del cineasta alemán Tom Tykwer, que se caracteriza siempre por ofrecernos propuestas cada vez más arriesgadas. Ya su anterior obra fue la adaptación cinematográfica de uno de los éxitos literarios germano, no es otro que “El perfume”. En este caso nos trae bajo el brazo el sólido thriller “THE INTERNATIONAL”, en el que el Agente de la Interpol Louis Salinger y la Ayudante del Fiscal del Distrito de Manhattan Eleanor Whitman, interpretados por Clive Owen y Naomi Watts respectivamente, están decididos a llevar ante la justicia a uno de los bancos más poderosos del mundo. Para ello deberán destapar asuntos y actividades ilegales condenables. La persecución les pone en grave peligro, y obviamente sus enemigos no se detendrán ante nada, incluso llegando a matar, para continuar financiando sus “negocios”.

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Así podemos resumir el argumento de este brillante relato, escrito por el novato Eric Warren Singer, ya que es su primer guión. Hay que reconocer que es soberbio, y como dice una de las frases del guión “la ficción siempre ha de ser coherente” Y en efecto, el hilo argumental más coherente no puede ser. Los diálogos son más que verosímiles, así como las situaciones. Lo vertiginoso es que nos lleva al lado oscuro del capitalismo. Todos aquellos que piensen que este film es como uno más de la saga Bourne, sólo que cambiamos a Matt Damon y ponemos a Clive Owen, pues se equivocan. Sólo se parecen en que usan el mundo como un inmenso decorado. No os dejéis llevar por los prejuicios de una campaña publicitaria que puede ser engañosa, ya que este film da más de lo que os podéis imaginar. Os mostrará aquello que no queréis pensar, aquello que cuando sale en las noticias os hace cambiar el canal, porque os da miedo el frío y duro capitalismo, su poder, hasta dónde el sistema es capaz de llegar. Pero lo malo, es que la realidad siempre supera la ficción. Así que si este largometraje os parece duro al salir, imaginaos lo que puede dar de sí la realidad, a la que intentamos dar la espalda cuando parece que nos va a herir la sensibilidad.

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Obviamente para algunos de mis lectores que saben muy bien cómo funciona el sistema, les advierto no hay nada nuevo bajo el sol, pero más de uno se sorprenderá con lo que esconde la trama. Hay un momento muy golfo protagonizado por un politono, que resume el espíritu de esta obra, y que obviamente no os quiero desvelar. Lo mejor, para mi sin ninguna duda, es ese espíritu que reina y que es heredero de cintas como “Los tres días del Condor” del genial Sidney Pollack o “The Paralax View” que en nuestro país se conoce también con el nombre de “El último testigo”, del inquietante Alan J. Pakula, sólo que llevados al siglo XXI, ya que realizador alemán compone imágenes desde puntos de vista insospechados, dando una vuelta de tuerca a la planificación de planos, cosa a la que ya nos tiene acostumbrados desde su “Corre, Lola, corre”. Así las secuencias completas del atentado de Milán o el tiroteo en el Museo Guggenheim de Nueva York son verdaderamente fascinantes. Poseen garra y fuerza.

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Tykwer firma una vez más la banda sonora del film, y aunque sus programaciones no son tan intensas como las de “Lola Rent”, porque se mezclan con bases orquestales muy clásicas y pragmáticas dan el tono adecuado a las escenas de acción, y llevan en volandas al respetable. Pero, una muestra más de su talento ha sido escoger actores de valía sobrada, aunque alguno de ellos sus rostros os suenen de refilón, porque no son grandes estrellas del star system de Hollywood, así que para poner en pie este relato ha contado con reparto genial, en el que se salva el siempre estomagante Clive Owen, porque hacerlo mal con compañeros de la talla de Armin Mueller-Stahl, Naomi Watts o Brian F. O’Byrne, era una labor muy difícil a la par que compleja. Así que esta semana os recomiendo este magnifico thriller, que se deja llevar por el lema: “piensa global y actúa local”, de tintes un tanto noir y pesimistas, que resuelve muy bien la espesura de su denso argumento con las dosis precisas de acción.

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EL NIÑO PEZ

REGULAR.

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alfieLucía Puenzo, realizadora de “XXY”, regresa con una adaptación de un relato homónimo escrito con tan sólo 23 años llamado “EL NIÑO PEZ”, que al igual que su anterior trabajo está realizado en 16 mm e hinchado posteriormente a 35 mm. Los asistentes del festival de cine Málaga han tenido la oportunidad de ver este cuentecito en el que Lala, una adolescente que vive en el barrio más exclusivo de Buenos Aires, está enamorada de la Guayi, la mucama paraguaya de 20 años que trabaja en su casa. Sueñan con irse a vivir juntas a Paraguay, a orillas del lago Ypoá. El asesinato del padre de Lala apura sus planes. Este es el punto de partida que apura la huída en la ruta que une el norte de Buenos Aires con Paraguay. Mientras Lala espera a su amante en Ypoá, reconstruyendo su pasado (el misterio de su embarazo y la leyenda de un niño pez que guía a los ahogados hasta el fondo del lago), la Guayi es detenida en un instituto de menores. Ella también esconde un crimen en su pasado.

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El eje vertebrador de esta historia que mezcla realidad y ficción es la leyenda del mitay pyra, todo ello mezclado con un viaje en el que el personaje de Lala sufrirá una auténtica transformación emocional. Así que como podéis ver el verdadero desafío de este largometraje es la mezcla de géneros. Ahí juega un papel importante el director de fotografía, Rodrigo Pulpeiro, que delimita por su parte el ritmo de la narración y la enmarca, usando una paleta de colores más saturada cuando se trata de filmar la leyenda y todo lo que tiene que ver más con el mundo de la ficción, que es de clara inspiración prerafaelista, ayudado de cerca por la directora artística, Mercedes Alfonsín. Consigue mantener el suspense de principio a fin, eso sí, no es un final sorprendente, porque te lo imaginas, pero aún así está bien. Lo que no sabemos es si conseguirá con este nuevo trabajo el apoyo unánime que despertó su anterior trabajo, que a mi me pareció una propuesta interesante.

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El gran peso de la trama recae en dos actrices muy interesantes porque su físico juega una baza muy importante, en Inés Efrón que trabajaron previamente con la realizadora argentina y en Emme, que este largometraje supone su debut delante de la cámara. A esas actrices se suman los actores españoles Pep Munné y Carlos Bardém, que les toca una vez más bailar con la fea, por la idiosincrasia y tamaño de sus personajes. Lo que más me ha gustado de esta película es el ambiente onírico y la historia de amor entre los dos personajes, pero lo malo es que el tono decae un poco en los momentos de tintes noir, a pesar de que intenta jugar la baza de lo sórdido, pero no consigue cuajar esta propuesta multifactorial. Porque para rizar el rizo Lucía Puenzo se mete en arenas fangosas de las elecciones que tomamos en la vida, la imposibilidad de cambiar el pasado, de cómo este nos marca, de la necesidad de asumir la culpa por los errores cometidos, eso por no hablar de cuando nos habla de la familia, eso perfectos desconocidos. Así que como podéis ver la trama es muy compleja, que puede que en formato novela funcione, lo desconozco porque no he tenido el placer de leerla, pero en formato cinematográfico tengo claro que hace un poco aguas y se desborda.

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Puede que el personaje mejor definido sea el de Lala, mientras que Ypoá está más desdibujado, además me gusta la transformación tanto física como psicológica de la actriz Inés Efrón, creo que es un auténtico caramelo para cualquier actriz. Esta semana se estrena este film entre un aluvión de propuestas mucho más atrayentes, personalmente no me decantaría por ver esta tragedia que mezcla sangre, sexo, violencia, riesgo, leyendas y huida, resumido así puede que parezca otra cosa pero un servidor se aburrió un poco.

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PONYO EN EL ACANTILADO

MUY BUENA.

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alfieBueno amigos, permitidme que la crítica de hoy se la dedique especialmente a Cantal, en primer lugar porque le gusta el cine de animación, y en segundo lugar, porque la  empiezo  a echar un poco de menos., y cómo me hubiera gustado haber hecho una sesión doble con este film. Ahora esta dulce y maravillosa morada se me hace un poco más grande, pero sé de sobra que  nos leerá  de vez en cuando.  Estoy seguro que irá verla al cine sobre todo después de leer la presente crítica. No os podéis hacer una idea lo que me gustó el nuevo film de Hayao Miyazaki llamado “PONYO EN EL ACANTILADO”. El creador de “La princesa Mononoke” o la oscarizada “El viaje de Chihiro” regresa con este largometraje de animación que nos cuenta la historia de Sosuke, un niño de cinco años, que vive en lo más alto de un acantilado que da al mar. Una mañana, mientras juega en una playa rocosa que hay bajo su casa, se encuentra con una pececita de colores llamada Ponyo, con la cabeza atascada en un tarro de mermelada. Sosuke la rescata y la guarda en un cubo verde de plástico. Ponyo y Sosuke sienten una fascinación mutua.

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Él le dice: “No te preocupes, te protegeré y cuidaré de ti”. Sin embargo, el padre de Ponyo, Fujimoto, que en otro tiempo fue humano y ahora es un hechicero que vive en lo más profundo del océano, la obliga a regresar con él a las profundidades del mar. “¡Quiero ser humana!”, exclama Ponyo y, decidida a convertirse en una niña y regresar con Sosuke, escapa. De esta forma se desata el caos. Las aguas se agitan. Las hermanas de Ponyo se transforman en enormes maremotos con forma de pez que llegan hasta la casa de Sosuke, en lo alto del acantilado. La locura del mundo marino envuelve el pueblecito de Sosuke, que se sumerge bajo las olas.

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Mi personaje favorito del largometraje es Sosuke, porque dentro de él se encuentra todo lo mejor de la raza humana, del espíritu altruista, de la inocencia que perdemos al hacernos mayores, de la honestidad con la que se enfrenta a cada día y a los problemas. La secuencia, que seguro le va a encantar a Cantal, es sin dudarlo el momento en que Ponyo y Sosuke están cenando, es muy divertida a la par que entrañable. En cuanto a la escena, me quedo también sin dudarlo con el momento del maremoto, es un prodigio de animación, que efectos, sabe dotarle de tres dimensiones a lo que sólo tiene dos. El largometraje está inspirado lejanamente en el cuento de “la sirenita” del autor  danés Hans Christian Andersen, sólo que en lugar de ser una sirena es una niña pez, pero no importa, porque el realizador sabe darle las vueltas de tuerca necesarias para mejorarlo, además se me pasó en un suspiro, creo que es la mayor prueba que os puedo ofrecer de que es entretenida.

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Si fuera padre o tío llevaría a mis pequeñuelos, sin dudarlo un instante, a ver esta mágica historia que versa sobre dos conceptos ya muy vistos como son la amistad y la fuerza de la naturaleza, pero sin el barniz edulcorado de las producciones norteamericanas. Todo ello satinado con canciones pegadizas, que a este respetable individuo trasladó a su más tierna infancia cuando veía series tan fascinantes como “Heidi” o “Marco”, así que salí del pase de prensa con un sentimiento de buen rollismo, si me permitís la expresión o el palabro. Ni soy fan de Miyazaki ni he visto sus obras previas, para que os voy a engañar, pero de lo que estoy seguro es que este largometraje posee una imaginación desbordante, sus personajes son reconocibles y muy bien perfilados, así pues poseen una dimensión psicológica, les dota de una personalidad arrolladora. Sosuke se deja llevar por la curiosidad y por su fuerza vital, mientras que Ponyo es espontánea, hiperactiva, mágica y, sobre todo, divertida. Con estos dos personajes teje además una historia de denuncia, de cómo maltratamos nuestro entorno, de lo ruines que somos a veces los seres humanos, de la explotación sin límites de los recursos naturales.

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Así que como se suele decir: nunca es tarde si la dicha es buena. He tardado mucho en descubrir a este realizador nipón, que seguro en la blogosfera hay miles de seguidores. Pero no lo puedo negar la historia me ha parecido hermosa, vibrante, me he sentido niño una vez más, me ha hecho reflexionar sobre determinadas cosas. Eso es lo que trataba el cineasta y lo ha conseguido. Os recomiendo que vayáis desde este viernes a ver al cine esta cinta, disfrutad de los peques de la casa, de sus ingeniosos comentarios que a buen seguro os harán a la salida. Merece la pena, os lo pasaréis todos en grande. Yo estoy por coger a los hijos de mis amigos y llevármelos este domingo al cine por la tarde, porque cualquier excusa es buena para ir a disfrutar de las aventuras de Ponyo, una vez más, no me importa, de veras.

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HANNAH MONTANA: LA PELÍCULA

cantalQuiero empezar este post despidiéndome de todos vosotros, eso sí, sólo como crítica, porque seguiré por aquí como lectora. A partir del lunes empiezo una nueva etapa profesional que no puedo compaginar con el blog y con todo el dolor de mi corazón dejo solo a mi compañero Alfie, al que por cierto quiero agradecer desde aquí que haya confiado en mí para colaborar estos meses en su genial proyecto que es VIDEODROMO. Los he disfrutado muchísimo y he aprendido una barbaridad.

Y no se me ocurría una despedida mejor que un post sobre un film que yo iría a ver al cine sin dudarlo y que se acerca bastante a mis gustos cinematográficos (o eso pensaba yo en un principio…). Me refiero nada más y nada menos que a HANNAH MONTANA: LA PELÍCULA.

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Agarraos que viene curvas porque se trata del mayor fenómeno musical juvenil de los últimos tiempos y la película va a pegar muy fuerte (nos van a hablar de ella en todos los medios de comunicación por activa y por pasiva). Todas las niñas de 12 años harán cola en los cines para verla ataviadas con horquillas de colores y vestuarios imposibles que imitan el estilismo de su ídolo y pondrán sus fotos y canciones en el móvil porque si no tienes el politono de Hannah Montana no eres nadie. Todo un acontecimiento para ellas sólo comparable a lo que ocurre con High School Musical.

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Algunos os estaréis asustando así que para los que no sepáis quien es Hannah Montana os diré que se trata de una serie de Disney Channel, muy popular entre las niñas de todo el mundo, que cuenta las aventuras de Miley Stuart (Miley Cyrus), una chica que lleva una vida normal pero que caracterizada con una peluca rubia se transforma en Hannah Montana para cumplir su sueño de ser cantante de pop. Con esta doble identidad, la joven puede llevar una vida normal en el colegio y con sus amigos sin tener que pagar el alto precio de la fama. En la serie, Miley es huérfana de madre y vive en Los Ángeles con su padre Robby Ray (interpretado por su padre en la vida real, el cantante de country Billy Ray Cyrus) y su hermano.

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En el film la historia es la misma solo que el padre de Miley, cansado de que a su hija se le haya subido la fama a la cabeza, decide volver con su familia a su antiguo hogar en Crowley Corners. En pleno estado de Tennessee y rodeada de campo y animales, Miley se reencontrará con sus raíces y con antiguos amigos como Travis (Lucas Till) con el que conocerá lo que es el verdadero amor.

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Pues que queréis que os diga de HANNAH MONTANA: LA PELÍCULA, ya o podéis imaginar cómo se desarrollan los acontecimientos. Mailey llega a la granja de su abuela y no se adapta a las rutinas del campo y a vivir en un pueblo donde ni siquiera hay un centro comercial donde ir de compras. Pero según va avanzando la película se dará cuenta de que lo importante en la vida no es ser guapa y famosa como Hannah Montana sino sincera y fiel a una misma. Lógicamente se trata de un film hecho para el lucimiento de su protagonista, Miley Cyrus y su alter ego Hannah Montana, aunque esta última no aparece en muchas ocasiones. El argumento es más simple que una mesa y el guión tres cuartos de lo mismo. Claro que hay que tener en cuenta que está dirigida a un público que no supera los 12 años, así que si no tenéis esa edad y no os obliga nadie a verla (hijos o sobrinos), os podéis ahorrar esa tortura. Porque creedme, es tal pastel que los cuentos de Disney parecen dramas a su lado. Escenas lamentables y cero creíbles, el chico perfecto para la chica imperfecta, el padre que ya de paso también se lleva a una chica al huerto, la abuela orgullosa de su nieta y el pueblo salvado gracias a la protagonista. En fin, que el patrón está más visto que nada. Y puede que pecara de ingenua pero sinceramente pensaba que el film iba a estar mejor. Espero que las niñas de 12 años no tengan mucho criterio cinematográfico…

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Eso sí, no todo tenía tintes patéticos y hay dos aspectos que me gustaría calificar de decentes: la fotografía y la música. A la primera contribuye mucho el hecho de que se grabaran muchas escenas en exteriores y de que haya unos paisajes realmente increíbles. Y lo segundo, la música, buenas canciones de pop cañero y buenas baladas que hacen a Miley Cyrus merecedora de la fama que tiene como cantante y compositora. Además, hay una escena (la mejor del film) en la que la protagonista se arranca a bailar una canción entre pop y contry, con una divertida coreografía y una letra especial que a mí se me pegó y estuve tarareando el resto del día. A ver cuanto tardan sus fans en aprenderse los pasos y bailarla en el patio del colegio.

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HANNAH MONTANA: LA PELÍCULA me ha defraudado aunque espero que no les pase lo mismo a todas esas chicas que están esperando ansiosas su estreno en España, que no será hasta el próximo 8 de mayo. Seguro que no, la disfrutarán como enanas, que para eso está hecha. Por cierto, esta semana Miley Cyrus visita Madrid, no os lo perdáis porque os haréis una idea del fenómeno fan que mueve esta chica.

Y con esto acabo y aprovecho para dar las gracias a todos lo que habéis leído y comentado los post que he hecho con mi mejor intención y lo mejor que he podido a pesar de mis extravagantes e infantiles gustos. Nos seguiremos viendo (o mejor dicho, leyendo) en VIDEODROMO.

STAR TREK 11

MUY BUENA

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cantalNo sé exactamente en qué década ponían en televisión la serie “Star Trek”, creada por Gene Roddenberry, pero sería por los menos en los años 60, aunque luego la repondrían una y otra vez como suele ser habitual cuando algo tiene éxito. El caso es que yo no la he visto en mi vida, ni medio capítulo, pero sí que tenía en mente la imagen de un único personaje, Spock, pero sólo porque lo había visto en muchas parodias y refritos televisivos. También había escuchado que ese personaje con cejas extrañas y orejas de duende, viajaba a bordo de una nave llamada Enterprise y que podía hacer un característico gesto con la mano que mucha gente imita (a mí no me sale nunca…).
Pues bien, con este panorama de ignorancia absoluta en la materia me fui a ver “STAR TREK 11″, dirigida por J.J Abrams, la última película basada en la famosísima serie de la que se han hecho secuelas, versiones y películas a diestro y siniestro. Para mi suerte, en “STAR TREK 11” se cuenta el comienzo de la historia, algo muy habitual últimamente (en breve podremos ver los comienzos de cierto superhéroe de “X Men”) así que no me hacía falta saber nada acerca de estas aventuras espaciales. No os puedo decir si el film es fiel o no a la serie o tiene poco o mucho que ver con las anteriores películas, seguramente los que las hayáis seguido podrías decirlo mejor que nadie, pero lo que sí os puedo asegurar es que a partir de ya, Star Treck cuenta con una nueva seguidora. Yo, una de las mayores fans de las comedias románticas recomiendo una película de naves espaciales y extraterrestres, parece una broma, pero no lo es.

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El film cuenta el principio de todo, cómo empezó la amistad entre Kirk y Spock y las aventuras del Enterprise, una nave que forma parte de la flota de la Federación de Planetas Unidos que parte de la Tierra para salvar un planeta llamado Vulcano. Sólo los mejores de la Academia están en la nave estrella, capitaneada por Pike (Bruce Greenwood), entre ellos Spock (Zachary Quinto), Uhura (Zoe Saldana) y Kirk (Chris Pine). Una vez en marcha, los pasajeros del Enterprise se dan cuenta, gracias a Kirk, de que la real amenaza que se cierne sobre Vulcano no es producto de la naturaleza sino que se trata de una nave capitaneada por Nero (Eric Bana), que pretende vengarse de Spock y de paso acabar con varios planetas, entre ellos la Tierra.

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Os puedo decir que pasé dos horas sin quitar los ojos de la pantalla, creo que ni parpadeé. Y es que no le falta de nada: tiene acción, amor, amistad, humor, efectos especiales…Me sorprendió en todos los sentidos porque a pesar de contar una historia de ciencia ficción, el guión está muy conseguido, utiliza unos términos que resultan completamente verosímiles y un argumento más que interesante que da continuos saltos en el tiempo para explicar lo que está pasando en el presente. A esto hay que añadir cierta dosis de humor que relaja las tensiones de tanto misil, tanta galaxia y tanto agujero negro. Está bien hecha y es creíble, cumple con los requisitos mínimos para una buena película de ciencia ficción y los supera de sobra. Los actores también me sorprendieron. Eric Bana encarna al malvado Nero y de qué manera, caracterizado al máximo y con cara de pocos amigos; me costó mucho reconocerlo. Menos me costó Zachary Quinto, uno de los protagonistas de Héroes, que interpreta al archifamoso y protagonista de la saga, Spock. Según he leído, hasta se depiló las cejas de verdad para interpretarle. Su personaje es frío y no muestra sus sentimientos más que en contadas ocasiones, como en una sorprendente escena con cierta compañera de nave que os sorprenderá. Pero el que causará admiración y envidia entre el género masculino y levantará pasiones entre el femenino es Kirk, el guapo y rebelde soldado de la Academia. Es inteligente pero muy impulsivo y llevará a Spock por el camino de la amargura hasta que se dan cuenta de que ambos tiene el mismo objetivo, acabar con Nero y unidos pueden conseguir muchas más cosas que peleándose. Además de sus protagonistas, no perdáis de vista al joven piloto ruso, si veis la versión original (muy recomendable) os hará pasar más de un buen rato con su peculiar forma de ser un su característico acento.

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“STAR TREK 11” es un gran trabajo de dirección de J.J Abrams y como referencia os diré que además de dirigir y escribir guiones para las grandes películas de Hollywood también es el creador de series como “Perdidos”. De hecho hay una escena en la que Kirk es perseguido por una extraña criatura con aspecto de oso que me recuerda mucho a alguna escena de esa serie.

“STAR TREK 11” se estrena en España el 8 de mayo y os la recomiendo a todos, hombres y mujeres, mayores y pequeños. No he querido hablar mucho sobre el argumento porque quiero que lo disfrutéis como lo hice yo, partiendo de cero. Seguramente mi gran entusiasmo se debe a que era la primera vez que veía algo de esta saga pero precisamente por eso le va a gustar a todo el mundo. Puede que nunca os haya llamado la atención Star Treck o los films de ciencia ficción relacionados con el espacio, pero aún así o precisamente por eso tenéis que ir a verla porque vais a cambiar de opinión, os lo aseguro. Y a los que sí os guste ese tipo de películas, entonces puedo garantizaros dos horas de diversión.