AGALLAS-ENTREVISTA

El pasado 21 de agosto pudimos entrevistar a Andrés Luque Pérez, co-director de unos de los mejores largometrajes nacionales de lo que llevamos de temporada, hablo del thriller «AGALLAS», que se estrena este viernes, y al que le deseamos la mejor recaudación posible. Creo que este film funcionará mucho de boca-oreja, pero ya lo desmenuzaremos en otro momento. Esta fue una de esas entrevistas que uno disfruta, sobre todo porque descubres a todo un personaje lleno de talento, conocimiento y un gran gusto cinematográfico. Así que sin más preámbulos os dejo con…

ANDRÉS LUQUE PÉREZ
PRIMERA PARTE

ANDRÉS LUQUE PÉREZ
SEGUNDA PARTE

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SHORTS-LA PIEDRA MÁGICA

Toe Thompson, de once años, es el saco de boxeo de los matones de una comunidad de las afueras, Black Falls, donde sus padres, al igual que los padres de otros niños, trabajan en Industrias Black Box, el fabricante del dispositivo multi-función que está arrasando en el país. Pero durante una inesperada tormenta, cae del cielo una misteriosa Piedra Arco Iris que concede deseos a la persona que la encuentra. De pronto, el vecindario, que Toe considera de por sí extraño, se empieza a convertir en algo más raro todavía. A medida que la Piedra Arco Iris recorre la ciudad, de niño a niño y de padre a padre, los deseos revolucionan rápidamente el vecindario en un salvaje desenfreno que incluye desde diminutos alienígenas hasta mocos gigantes.

Esta es la trama del nuevo trabajo del cineasta Robert Rodríguez llamado “SHORTS-LA PIEDRA MÁGICA”, y con el que busca revalidar taquillazos como de “Spy Kids y de Las aventuras de Sharkboy y Lavagirl”. Y lo conseguirá porque ha creado un producto bastante inusual, y me explico. Se trata de una película llena de acción para toda la familia, con efectos especiales, que da igual que canten o que no, porque el espíritu que gobierna toda la producción es el de las películas de serie B y las “double features”, traducido al castellano, las sesiones dobles, que no quiero ponerme pedante. Pero hay más, encima se permite el lujo de darle una estructura a la new mexican way, ya sabéis contado en forma de puzzle, que al final se comprende todo, y posee una coherencia. Estaba tratando de hacer un chiste, ya sabe usted Miss Darko que soy muy patoso con los intentos de chistes.

Lo que termina de sorprender es que encima se nos pone educativo, en el mejor sentido de la palabra, y hace que de esto toda una plusvalía. Desconozco que les da este director a sus actores, pero para este largometraje ha conseguido a estrellas de la talla de William H Macy o James Spader, que son geniales, pero que aquí andan un poco forzados, y ligeramente histriónicos, eso obviamente por la mano de Rodríguez, porque ellos con otros directores no se comportan así, y es el único punto débil del film. Porque por el resto, se salva, narrativamente es ameno, no pierde el ritmo en ningún momento y es sólo recomendable para ir con los más pequeños de la casa, y papás y mamás, no os asustéis que no os aburréis. Es una buena elección para pasar un rato agradable con los peques. El resto que no esté bajo estas circunstancias, absteneros de ir a verla, para vosotros llegará la semana que viene todo un películón del que os hablaré largo y tendido. Hasta entonces buen fin de semana y no pasar mucho calor.

UNA MAMÁ EN APUROS

«UNA MAMÁ EN APUROS» nos cuenta un día en la vida de Eliza Welch, que posee dos hijos pequeños, un marido cariñoso pero muy despistado y un enorme deseo de encontrarse a si misma y poder retomar su abandonada carrera de escritora. Sin saberlo, está a punto de vivir un día que pondría a prueba hasta a la mejor madre del mundo: en sólo 24 horas deberá organizar el cumpleaños de su hija, lidiar con el equipo de rodaje de una película que ha invadido su urbanización, asistir a la comida semanal con sus amigas, intentar escribir un artículo para una revista, sacar a pasear a su perro incontinente, y por si fuera poco, perseguir a su escurridizo hijo de dos años.

Así da comienzo este nuevo trabajo en el que Uma Thurman juega a ser Diane Keaton, eso parece una labor fácil, pero al ver el resultado de “Motherhood”, título real del film, y que podríamos traducir como maternidad, no lo es. Lo que esta claro es que no funciona en gran medida por la exagerada e histriónica composición de la actriz norteamericana. Están mucho mejor sus compañeros de reparto como Minnie Driver, actriz a la que podéis recordar del film de Gus Van Sant “El indomable Will Hunting” o Anthony Edwards, que le pudimos ver en el último trabajo de David Fincher, llamado “Zodiac”. Realizan un trabajo más cercano a la realidad, con los que es más fácil identificarse.

Así que posiblemente estemos ante el peor trabajo de Uma Thurman, que buscaba un cambio de registro y se ha estrellado por completo. Con esto no quiero decir que sea difícil identificarse con esta abnegada madre, para nada, lo que intento deciros es que no le otorga ni el menor grado de verosimilitud. Así que en vez de crear una mujer única, entrañable, tierna y triste, se acaba convirtiendo en una madre desquiciada e histérica.

También hay que reconocer que la guionista y directora Katherine Dieckmann tampoco es Woody Allen, ya que crea un libreto cargado de estereotipos. Eso es una pena, porque lo que podía haber sido un discurso coherente, acaba siendo maniqueo. Esta película, ambientada en el West Village de Nueva York, trata de ser una comedia sobre la maternidad, la identidad, la feminidad, la sexualidad, el compromiso, pero entre tanta línea argumental el largometraje se le va de las manos, y consigue que en el mejor de los casos esboces una ligera sonrisa. Vamos que el cine está caro y hay mejores comedias en cartel, eso sí, serán menos cínicas e irónicas, que parece ser que es lo que la directora trataba de realizar, pero te ríes, que es de lo que se trata. Por cierto, me parece flipante que esto se haya estrenado en el festival de Sundance, por mucha musa del movimiento Indie que sea Miss Thurman.

Esta castañita se estrenará el 28 de agosto.

EXPEDIENTE 39

Una trabajadora social, especialista en asuntos familiares, llamada Emily Jenkins, ha visto horrores domésticos variados: mentiras, negligencias, malos tratos. Posee más trabajo del que es capaz de llevar, eso la lleva a trabajar por encima de sus posibilidades. Su jefe, a pesar de que lleva 38 casos le entrega el “EXPEDIENTE 39”. Se trata del caso de una pequeña de 10 años llamada Lillith Sullivan. Emily acude a la visita de rigor, pero su inquietante y reservada familia la dejan agitada y perturbada. Cuando los padres de Lillith intentan dañar a su única hija en un ritual de madrugada, Emily interviene. Conmovida por la soledad y la inocencia de Lillith, decide hacer algo que nunca antes se había permitido a sí misma: involucrarse de manera personal. Esperando hacer lo mejor por la retraída muchacha, le ofrece a Lillith un hogar acogedor y feliz hasta que pueda encontrar una familia adoptiva.Y ahí es donde empieza el auténtico terror.

Esto es a grandes rasgos el núcleo central de la trama del nuevo trabajo de la actriz norteamericana ganadora de un Óscar, Renee Zellweger, que explora nuevos registros en este largometraje que comienza como el típico telefilm de las cuatro de la tarde de la cadena familiar A3. Pero de repente, se torna en un inquietante film sobre los términos educar y negociar, sobre todo dentro del marco de la asertividad. Esa es la mejor línea argumental del film, la más agobiante e inquietante, sobre todo, es un enorme reto que ya sabréis si lo resuelve bien o mal la protagonista. Así va girando la tuerca el guionista hasta que crea una madeja enorme de la que le cuesta desenmarañar, porque también quiere explorar de dónde nace el miedo, entre otras cosas, y para resolver la ecuación toma el camino más fácil, y por supuesto menos inquietante, pero un así  le queda un film correcto a Christian Alvart, del que este otoño podremos ver la esperada «Pandorum».

En su contra juega lo previsible que son algunos aspectos del relato, porque el terror dentro del seno familiar es algo tan viejo como el propio género. Ese es su marco conceptual, así que este film se nutre de otros como “La profecía”, “El otro” de Robert Mulligan, “El buen hijo” o la última sensación del género de niños con mala uva, “Joshua” que en nuestro país se mal tituló “El hijo del mal”, y que nos brindó una de las mejores interpretaciones de Sam Rockwell, que además en aquella edición se alzó con el premio a la mejor interpretación masculina. Lo que es obvio es que en este tipo de subgénero lo más inquietante son los niños, aquí brilla con luz propia el trabajo de la joven Jodelle Ferland, que se come entera a Renée Zellweger, lleva la iniciativa interpretativa y llena la pantalla. Ya demostró su valía en la catódica serie «Hospital Kingdom» o en «Tideland» de Terry Gilliam.

Personalmente creo que es un problema de casting, que nunca debían haber contado con la escarizada actriz, es demasiado maternal, tiene cara pan, de no haber roto un plato, así que cuando se intenta poner en plan Ripley, pues como que no funciona. Pero aún así, el film sorprende y tira hacia delante, sobre todo por la gran labor de  Ian McShane y Bradley Cooper que los hemos descubierto recientemente en la serie de televisión “Kings” y “Resacón en Las Vegas” respectivamente. Interpretan personajes llenos con algún doblez que otro, y se ven expuestos a los mayores retos, sobre todo porque tienen que cambiar de registro. Cosa que la actriz principal no consigue. Así que puedo concluir que lo peor es Renee, con esa carita de buena niña, de no haber roto un plato. Las dos mejores secuencias están interpretadas por los actores anteriormente mencionados, y en ambas juegan un papel esencial el montaje, tanto de imagen como de sonido, creando en ambos casos situaciones terroríficas, sobre todo con elementos absolutamente cotidianos.

Así que a pesar de tener un arranque lento y bastante catódico, se puede llegar a recomendar este film. ¡Vale!, tapándome un poco la nariz. Cuesta entrar, pero retoma el rumbo entretiene, y cierra de una forma bastante comercial y cómoda, sobre todo para el guionista que no se planteo otros posibles escenarios que podrían haber quedado más inquietantes y perturbadores, como el caso de “Joshua” del que antes os hablaba.

ALFIE EN BARNA

He tenido un fin de semana muy, pero que muy cinéfilo. Todo empezó así…

AVATAR: ENTREVISTA A JAMES CAMERON

Hoy os dejo con una post de máximo interés para muchos de vosotros que os encanta el diseño y la animación en 3D. Lo primero agradecer a 20th Century Fox por cedernos esta entrevista realizada por David S. Cohen a James Cameron en la que profundizan en los aspectos técnicos desarrollados en el novedoso formato 3-D, y además nos desvela el arte y la técnica del formato estéreo. Puede que algunos hayáis leído una versión abreviada de la presente entrevista porque apareció publicada el 11 de abril de 2008.

«AVATAR», la próxima película del director James Cameron, se considera uno de los proyectos cinematográficos más esperados de la reciente historia del cine. Siendo su primer filme narrativo desde que realizó la película número 1 del box office y éxito de todos los tiempos «Titanic» (1997), «Avatar» constituye la realización de un sueño que Cameron tuvo hace mucho tiempo de fusionar el formato digital 3-D estéreo con una historia de carácter épico que se exhibiera en la gran pantalla. David S. Cohen, de la revista Variety, realizó esta entrevista a Cameron por e-mail. Hasta la fecha, Cameron es el director que más se ha implicado en la investigación del formato 3-D, sin embargo, todavía mantiene aspectos concretos de su filme «Avatar» bajo secreto.

David S. Cohen: Usted ha trabajado en 3-D anteriormente y ha sido un verdadero divulgador de esta técnica. Mucha gente de la industria comenta la importancia de mostrar en las salas de cine una experiencia que va más allá de lo que la gente puede obtener en casa. Asimismo, estamos observando que al público le gusta el formato 3-D y que esta técnica se está convirtiendo en un motor fundamental para la adopción de sistemas de formato digital en las salas de cine. Pero hablando en concreto de su labor como director y guionista, ¿qué es lo que añade el formato 3-D al aspecto creativo de un proyecto cinematográfico?
James Cameron: Yo creo que Godard se lo sabía a la perfección. El cine no es una verdad 24 veces por segundo; es una mentira 24 veces por segundo. Los actores pretenden ser personas que no son, en situaciones y entornos completamente ilusorios: un día simula la noche, un paisaje árido pretende ser húmedo, la ciudad de Vancouver pasa por ser Nueva York, pedacitos de patata simulan ser copos de nieve. El edificio es simplemente un decorado de delgadas paredes, la luz del sol es un equipo de iluminación Xenon y el ruido del tráfico lo proporcionan los especialistas de sonido. Todo es una ilusión, pero el premio es para quienes consiguen que la fantasía sea más real, más visceral y más reconocible por el público. Esta sensación de realidad se refuerza enormemente gracias a la ilusión estereoscópica. Hasta la fecha, en los tipos de películas que han sido principalmente mi especialidad, la fantasía se aprecia mejor a través de un sentido de la realidad basado en el detalle y en la textura, que favorece la historia en todo momento. Todo el conjunto de personajes, diálogos, diseño de producción, fotografía y efectos especiales debe orientarse a producir la ilusión de que lo que estás viendo está realmente pasando, no importa lo improbable que la situación pudiera ser si uno se parara a pensarlo – por ejemplo, un traveling de un cyborg ubicado fuera de su tiempo que mate a una camarera puede cambiar la historia. Cuando uno ve una secuencia en 3-D, ese sentido de la realidad se amplifica. La corteza visual concluye, a un nivel subliminal pero generalizado, que lo que está viendo es real. Todas las películas que he hecho anteriormente podrían haberse beneficiado absolutamente del formato 3-D, por lo tanto, creativamente, yo considero la técnica 3-D una extensión natural de mi oficio de cineasta.
Una película en 3-D te sumerge en la escena con una mayor sensación de presencia física e implicación. Creo que una resonancia magnética de la actividad cerebral mostraría que hay más actividad neuronal cuando se ve la película en formato 3-D que si se ve en 2-D. La mayoría de la gente cuando piensa en las películas 3-D se imagina sobre todo secuencias con extraños artilugios: personajes u objetos que vuelan, flotan o se proyectan hacia el público. En realidad, en una buena película en estéreo estas tomas deberían ser más la excepción que la regla. Ver una película en estéreo es observar una realidad alternativa a través de una ventana. Resulta algo intuitivo para la industria del cine la idoneidad de esta cualidad de inmersión en los filmes de acción, fantasía y animación. Lo que es menos evidente es que el aumento de esta sensación de presencia y realismo funciona en todo tipo de escenas, incluso en los momentos más dramáticos e íntimos. Lo cual no significa que todas las películas deban hacerse en 3-D, porque en muchos casos el resultado puede no justificar los costes, pero, desde luego, no debería de haber ninguna razón creativa por la cual una película no pudiera ser rodada en 3-D y beneficiarse de ello.

EL MUNDO DE LOS PERDIDOS

“EL MUNDO DE LOS PERDIDOS” es el nuevo trabajo del cómico norteamericano Will Ferrell al que podréis recordar de castañitas como “Embrujada” y joyas como “Más extraño que la ficción”. En este caso interpreta a un científico llamado Dr. Rick Marshall, que posee una personalidad un tanto especial y está obsesionado con viajar por un vórtice espacio-temporal a una dimensión paralela. Pero en la presentación del libro donde expone sus teorías acaba teniendo un encontronazo con un periodista, se convierte en el hazmerreír de YouTube y acaba dando clases en un instituto. Todo es así hasta que Holly, que es paleontóloga realiza un sorprendente descubrimiento y le insta a que acabe de fabricar su máquina de taquiones.

Los dos se trasladan hasta el lugar de los hechos y allí conocen a Will, un cazador de recuerdos algo bruto y paleto. Rick activa la maquina y acaban viajando a una dimensión donde serán perseguidos por un T. Rex y por unos reptiles humanoides lentísimos llamados Sleestak. Los tres seres humanos, Marshall, Will y Holly, no tienen más remedio que fiarse de su único aliado, un primate llamado Chaka para intentar salir de la dimensión híbrida en la que se han metido. Si regresan de la involuntaria expedición, se convertirán en héroes. Si se quedan atrapados, serán unos refugiados permanentes en el mundo de los perdidos.

Este largometraje está basado en la clásica serie homónima creada por los iconos televisivos Sid y Marty Krofft. Estuvo en antena tres años y constó de 43 episodios. Brad Silberling, del que seguro habréis visto “Casper” o “Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket”, se ha encargado de llevar a buen puerto este proyecto escrito por Dennis McNicholas y Chris Henchy, que han transformado ligeramente las aventuras del profesor Rick Marshall y sus dos hijos Will y Holly, que habían cruzado una puerta temporal y penetrado en un mundo donde el pasado lejano y el presente colisionaban. Han conseguido transformar la mítica serie estrenada en 1974 pero han mantenido su espíritu absolutamente familiar y entretenido, a los niños les encantará os lo prometo, y a los sufridos padres no les disgustará. Es un cocktail explosivo entre la ciencia ficción, la comedia y el cine de aventuras, en el más puro estilo Indiana Jones, ya que nuestro héroe es todo un “paleontólogo cuántico”. He de realizar una pequeña aclaración, que ningún biólogo o físico pretendan que esto sea verosímil.

El único problema es el propio Will Ferrell, que como el director le de rienda suelta se convierte en un cúmulo de gestos. Su histrionismo en este caso está moderadamente controlado, no llega a ser como en “Elf”. En el caso que nos ocupa se tolera bastante bien. En las antípodas están sus compañeros de reparto. Por ejemplo, Danny McBride está más contenido, y Jorma Taccone, que para vosotros será todo un descubrimiento, pero que tuve la oportunidad de verle en algunos skechts del programa “Saturday Night Live”. En el caso que nos ocupa, protagoniza alguno de los momentos más divertidos del film conjuntamente con la actriz Anna Friel, y que desde luego, supera a Ferrell en las réplicas.

Me encantó y me desternillé con la secuencia en la que el Dr Rick Marshall quiere rescatar su famosa máquina de taquiones que al funcionar suena la banda sonora de “A chorus line”, concretamente el tema «I hope I get It«, mientras tiene que pasar entre los huevos del pterodáctilo. Este es posiblemente uno de los mejores momentos de Farrell en el film. Y ya que hablamos de música, el que demuestra estar en plena forma es el siempre genial Michael Giacchino, que nos sorprende una vez más con una partitura heredera en esta ocasión de Danny Elfman.

Lo mejor sin duda es que se trata de un producto sin retensiones, cuyo único motor es hacer pasar un buen rato a los menores de la casa y a los no tan niños. Así que os recomiendo esta semana este film a todos aquellos que seáis padres o tengáis que llevar a vuestros sobrinos al cine, porque para los pequeños de la casa hay poco donde elegir, y esta es una muy buena opción.

Esta película se estrena el viernes 21 de Agosto.

THE BARCELONA CONNECTION

No amics, no és el remake castís de «THE FRENCH CONNECTION» de William Friedkin, no, tranquils i no se’m alboroto. Es tracta que aquest cap de setmana caminar per Barcelona. Així que estaria orgullós, gustós, i serà tot un plaer poder quedar a dinar, sopar, fins i tot anar al cinema, oi, el meu estimat Redumum? o anar a una exposició sobre el setè art, tal com em va prometre la meva estimada Miss Mónica Darko. Només em queda afegir una coseta més, el meu mòbil i el meu correu als més propers el coneixeu de sobres, però tot i així poso un banner amb la meva adreça de correu electrònic.Tinc moltes ganes de conèixer i de prendre’m unes cerveses amb vosaltres.
Fins el dissabte
Traducción:
No amigos, no es el remake castizo de «THE FRENCH CONNECTION» de William Friedkin, no, tranquilos y no se me alboroten. Se trata de que este fin de semana andaré por Barcelona. Así que estaría orgulloso, gustoso, y será todo un placer poder quedar a comer, cenar, inclusive ir al cine, ¿verdad, mi estimado Redumum? o ir a una exposición sobre el séptimo arte, tal y como me prometió mi estimada Miss Mónica Darko. Sólo me queda añadir una cosilla más, mi móvil y mi correo los más cercanos lo conocéis de sobra, pero aún así pongo un banner con mi dirección de correo electrónico.

EL SEMENTAL ITALIANO. LOS INICIOS DE…SILVESTER STALLONE

Todos los comienzos suelen ser duros y difíciles pero el de Sylvester Gardenzio Stallone, más conocido como Sly, el semental italiano o simplemente Stallone, fue por demás. Este actor nacido en la ciudad de Nueva York el 6 de julio de 1946 en el famoso barrio de Hell’s kitchen, que podríamos traducir como “la cocina del infierno” se formó en el American College de Suiza y cursó sus estudios superiores en la Universidad de Miami. Fue en esa época, concretamente en el año 1970, donde intervino en su primera película. En él no tenía ni la más simple línea de diálogo, pero os puedo prometer que puso toda la carne en el asador, el film según IMDB se llama “THE PARTY AT KITTY AND STUD’S” pero también lo podréis encontrar bajo el título de “ITALIAN STALLION” o «WHITE FIRE».

Se trata de un largometraje “porn-soft” pero subidito de tono, en el que Kitty y Bill son una pareja con problemas conyugales, y ella tras conocer al semental italiano, se entrega en cuerpo y alma a los placeres de la carne, y así da comienzo un viaje iniciático de búsqueda de identidad, que posee toques absolutamente surrealistas y expresionistas. Os lo prometo, posee unos decorados que ni el mismísimo Dalí. El que quiera que la visione. Por cierto, lo mejor son los títulos de crédito iniciales, porque son todo un homenaje a la cartelería modernista y a la francesa del periodo de entreguerras.

La actriz Henrietta Holm hace lo que puede con un papel de esos para pasar a a posteridad, que posee muchas reminiscencias de «Los amantes de lady Chatterley»  de D. H. Lawrence, pero en versión liberación femenina años ochenta. Es un film que posee un marco conceptual cercano al porno soft desarrollado por el cineasta holandés Paul Verhoeven en sus inicios como «Delicias turcas», etc, o del británico Ken Russell, pero en este caso con tintes más norteamericanos,  vamos sin tanto esteticismo o florituras eróticas, en síntesis, que va más al grano como bien podéis apreciar en las imágenes.

La acción está narrada en flashbacks, así que este recurso hace que la película se vea lastrada y que parezca que la acción no va a ningún sitio. Se reitera mucho en los conflictos de personalidad de Kitty. Además, la música que mezcla sintetizadores tan típicos de los 80’s con la guitarra española, hace que sea un tanto insufrible. Así que hay que tener aguante. Lo mejor sin duda es el desenlace del film, porque esta película porno posee trama, aunque no os lo podáis creer, y he de reconocer que el final me sorprendió, va spoiler: “ella está muerta” Vamos, que casi me rompo la caja torácica.

Hay que resaltar también la fuerte influencia del movimiento psicodélico y de la blaxploitation en una secuencia que da verdadera verguenza ajena, porque más que una orgía parece que juegan al corro de la patata. En cuanto a Stallone, sólo aparece en la secuencia de apertura y otras dos más, eso sí, le veréis echar  hasta sus jugos seminales,. Pobre Sly, lo que tiene que hacer uno por triunfar en la meca del cine. Además. tanto el maquillador como el peluquero de la cinta parecían odiarle, porque salía con unas pintas hererederas del lider del grupo de heavy metal «Kiss»

Por cierto, no sale acreditado en este largometraje por ninguno de sus alias o nombres, al igual que el director también se cambió el nombre. Lewis Morton firma como…

En ese mismo año intervino en un film llamado “No Place to Hide” donde interpretaba a Jerry Savage, pero no os puedo dar más datos porque aunque he hecho todo lo posible por encontrarlo, pero no lo he conseguido. Así llegamos, a 1971 donde consiguió otro papel, este con más enjundia, porque era todo un homenaje al cine cómico mudo, todo gracias al realizador norteamericano Woody Allen, que le brindó la oportunidad de interpretar a un ladrón en el metro de la Gran Manzana, protagonizando una secuencia que a pesar de carecer de diálogos es para morirse de la risa, y posee una gran carga irónica, todo esto ocurre en el film “Bananas”.

Esta secuencia tiene lugar en el primer tercio del film. Allen tras salir de una tienda de comprar unas revistas porno se mete en el metro, y allí tiene lugar esta delirante secuencia llena de todo el típico humor judío, socarrón y con mala uva. Esta aparición es más breve que su relación carnal con Kitty, duró sólo 35 segundos y a diferencia del caso Sigourney Weaver, él no sale acreditado al final del film.

En muchas biografías  podréis leer que este es su primer papel reconocido. Pero, tuvo que esperar hasta 1976 para que la industria del cine le encumbrara hasta lo más alto gracias al su eterno papel de “Rocky”, largometraje dirigido por John G. Avildsen, y que obtuvo tres estatuillas doradas: mejor película, dirección y montaje. Eso por no hablar de su rentabilidad, ya que la rodaron en 28 días con un presupuesto bastante modesto, 1,1 millón de dólares, y recaudó más de 115 millones de dólares solo en Estados Unidos. Además, puede que sea una de las franquicias más rentables de todos los tiempos ya que ha visto cinco secuelas. De esta manera queda en el olvido unos inicios muy tortuosos, llenos papeles sin un mísero diálogo, pero en los que enseñaba de todo. Pero sus fans tuvieron que esperar hasta  1993, fecha en la que rodó el film futurista «Demolition man», para volver a disfrutar de su cuerpo, porque sale desnudo en laos títulos de credito y en la escena de la deshibernación. Pero todo hay que decirlo, en esta ocasión Miss Bullock no disfrutó de sus carnes como Henrietta Holm o Sharon Stone en la famosa ducha de «El especialista»

ENEMIGOS PÚBLICOS

Este viernes se estrena el esperado nuevo trabajo de Michael Mann llamado “ENEMIGOS PÚBLICOS”, con el que nos traslada a los años que sucedieron a la Gran Depresión. En esa época, John Dillinger, un carismático atracador de bancos, se convirtió en el objetivo número uno del incipiente FBI y de su mejor agente, Melvin Purvis. Nadie era capaz de detener a Dillinger y a su banda, no había cárcel que se les resistiera. En pleno apogeo de su carrera delictiva, marcada por los numerosos atracos a bancos, robos, persecuciones, fugas y tiroteos, Dillinger fue calificado por las fuerzas de seguridad del país como «el enemigo público número 1″de América.

Lo que nadie puede negar, y yo no seré el primero, es que ese veterano cineasta posee clase y oficio, y eso se aprecia en cada fotograma del film. Además, es un esteta, con lo que posiblemente estemos ante la más esteticista obra que se haya realizado sobre la figura del gangster John Dilinger. El marco conceptual de este aclamado cineasta para su nuevo trabajo hay que buscarlo en largometrajes propios del género, tales como “Érase una vez en América” de Sergio Leone o “Los intocables de Elliot Ness” de Brian de Palma. Os trasladará a ellos bien por la forma de rodar o por la fotografía. Pero es más, el tratamiento que le da a las escenas de los robos es más el típico de los westerns clásicos como “La diligencia” de John Ford, y encima lo mezclamos con thriller de acción como “Heat” del propio realizador. Y algo que tampoco nadie puede dudar son las estupendas suites que le crea Elliot Godenthal para lás impactantes imágenes del señor Mann, creando todo un perfecto matrimonio, con una personalidad propia.

La figura de un mafioso siempre es cautivadora, máxime si tiene el rostro de Johnny Depp, ansiaba ver a este actor fuera de histrionismos, estridencias, y muecas, tan típcios de los últimos productos Disney que ha protagonizado. En el caso que nos ocupa, creo que lleva con dignidad el peso del film, y elabora un Dilinger un tanto peculiar, pero porque el propio guión escrito por Ronan Bennett, Michael Mann y Ann Biderman, basándose en la novela de Bryan Burrough, sea así. Que mezcle la vida amorosa del famoso gangster con sus fechorías delictivas. Ahí puede que resida uno de los puntos flacos de la película.

Leone en su momento apostó por contar en dos partes una historia de gangters, amor y amistad, y le salió bien, pero Mann apuesta por contar algo parecido en una sola película y le ha quedado un producto un tanto espeso, duro y difícil de digerir, a pesar de todo lo anteriormente expuesto, que es lo que hace que sea llevadero el visionado. Pero en su contra también juega Christian Bale, alguie, algún directivo o amigo le debería de decir al señor Bale que deje de poner todo el rato caritas de: “aquí huele a pedo y yo no he sido”, porque parece que está cabreado con el mundo, y uno ya empieza a cansarse de ese registro. Así pues, no pasa como en “Los intocables” de Brian de Palma, que enfrente de Kevin Costner estaba el gran Robert de Niro, dándole unas réplicas antológicas. Lo siento, eso no lo veréis en este film.

En el terreno cinematográfico es probable que se cumpla un axioma: “detrás de toda bella existe una bestia”, en este caso el papel de bella recae en la oscarizada Marion Cotillard, que está genial, sabe darle las réplicas a Depp y consiguen crear química, y te llegas a creer el romance, y hasta sientes una enorme pena en algunos momentos. Pero amigos, insisto, la película se me atragantó, me iba y venia de la trama, eso no es bueno, según decía el crítico Andre Bazin, eso es un fallo de guión o dirección, y yo apuesto más al de guión, porque han pretendido hacer la historia definitiva y ha quedado una castaña de interés público.

Puede que haya sucumbido a una historia muy ambiciosa a mi corto entender. Os recomiendo un bote de sal de frutas ENO para poder digerir este «peliculón», lo hago sobre todo porque sé que iréis devotamente a ver a Depp y a Mann, pero yo creo que esta semana hay otras apuestas más divertidas y entretenidas, o rescatar otras como la última de Raimi, antes de que desaparezca de cartel.