Archivo mensual: agosto 2009

AGALLAS-ENTREVISTA

El pasado 21 de agosto pudimos entrevistar a Andrés Luque Pérez, co-director de unos de los mejores largometrajes nacionales de lo que llevamos de temporada, hablo del thriller “AGALLAS”, que se estrena este viernes, y al que le deseamos la mejor recaudación posible. Creo que este film funcionará mucho de boca-oreja, pero ya lo desmenuzaremos en otro momento. Esta fue una de esas entrevistas que uno disfruta, sobre todo porque descubres a todo un personaje lleno de talento, conocimiento y un gran gusto cinematográfico. Así que sin más preámbulos os dejo con…

ANDRÉS LUQUE PÉREZ
PRIMERA PARTE

ANDRÉS LUQUE PÉREZ
SEGUNDA PARTE

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SHORTS-LA PIEDRA MÁGICA

BUENA

Toe Thompson, de once años, es el saco de boxeo de los matones de una comunidad de las afueras, Black Falls, donde sus padres, al igual que los padres de otros niños, trabajan en Industrias Black Box, el fabricante del dispositivo multi-función que está arrasando en el país. Pero durante una inesperada tormenta, cae del cielo una misteriosa Piedra Arco Iris que concede deseos a la persona que la encuentra. De pronto, el vecindario, que Toe considera de por sí extraño, se empieza a convertir en algo más raro todavía. A medida que la Piedra Arco Iris recorre la ciudad, de niño a niño y de padre a padre, los deseos revolucionan rápidamente el vecindario en un salvaje desenfreno que incluye desde diminutos alienígenas hasta mocos gigantes.

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Esta es la trama del nuevo trabajo del cineasta Robert Rodríguez llamado “SHORTS-LA PIEDRA MÁGICA”, y con el que busca revalidar taquillazos como de “Spy Kids y de Las aventuras de Sharkboy y Lavagirl”. Y lo conseguirá porque ha creado un producto bastante inusual, y me explico. Se trata de una película llena de acción para toda la familia, con efectos especiales, que da igual que canten o que no, porque el espíritu que gobierna toda la producción es el de las películas de serie B y las “double features”, traducido al castellano, las sesiones dobles, que no quiero ponerme pedante. Pero hay más, encima se permite el lujo de darle una estructura a la new mexican way, ya sabéis contado en forma de puzzle, que al final se comprende todo, y posee una coherencia. Estaba tratando de hacer un chiste, ya sabe usted Miss Darko que soy muy patoso con los intentos de chistes.

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Lo que termina de sorprender es que encima se nos pone educativo, en el mejor sentido de la palabra, y hace que de esto toda una plusvalía. Desconozco que les da este director a sus actores, pero para este largometraje ha conseguido a estrellas de la talla de William H Macy o James Spader, que son geniales, pero que aquí andan un poco forzados, y ligeramente histriónicos, eso obviamente por la mano de Rodríguez, porque ellos con otros directores no se comportan así, y es el único punto débil del film. Porque por el resto, se salva, narrativamente es ameno, no pierde el ritmo en ningún momento y es sólo recomendable para ir con los más pequeños de la casa, y papás y mamás, no os asustéis que no os aburréis. Es una buena elección para pasar un rato agradable con los peques. El resto que no esté bajo estas circunstancias, absteneros de ir a verla, para vosotros llegará la semana que viene todo un películón del que os hablaré largo y tendido. Hasta entonces buen fin de semana y no pasar mucho calor.

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UNA MAMÁ EN APUROS

MALA

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“UNA MAMÁ EN APUROS” nos cuenta un día en la vida de Eliza Welch, que posee dos hijos pequeños, un marido cariñoso pero muy despistado y un enorme deseo de encontrarse a si misma y poder retomar su abandonada carrera de escritora. Sin saberlo, está a punto de vivir un día que pondría a prueba hasta a la mejor madre del mundo: en sólo 24 horas deberá organizar el cumpleaños de su hija, lidiar con el equipo de rodaje de una película que ha invadido su urbanización, asistir a la comida semanal con sus amigas, intentar escribir un artículo para una revista, sacar a pasear a su perro incontinente, y por si fuera poco, perseguir a su escurridizo hijo de dos años.

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Así da comienzo este nuevo trabajo en el que Uma Thurman juega a ser Diane Keaton, eso parece una labor fácil, pero al ver el resultado de “Motherhood”, título real del film, y que podríamos traducir como maternidad, no lo es. Lo que esta claro es que no funciona en gran medida por la exagerada e histriónica composición de la actriz norteamericana. Están mucho mejor sus compañeros de reparto como Minnie Driver, actriz a la que podéis recordar del film de Gus Van Sant “El indomable Will Hunting” o Anthony Edwards, que le pudimos ver en el último trabajo de David Fincher, llamado “Zodiac”. Realizan un trabajo más cercano a la realidad, con los que es más fácil identificarse.

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Así que posiblemente estemos ante el peor trabajo de Uma Thurman, que buscaba un cambio de registro y se ha estrellado por completo. Con esto no quiero decir que sea difícil identificarse con esta abnegada madre, para nada, lo que intento deciros es que no le otorga ni el menor grado de verosimilitud. Así que en vez de crear una mujer única, entrañable, tierna y triste, se acaba convirtiendo en una madre desquiciada e histérica.

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También hay que reconocer que la guionista y directora Katherine Dieckmann tampoco es Woody Allen, ya que crea un libreto cargado de estereotipos. Eso es una pena, porque lo que podía haber sido un discurso coherente, acaba siendo maniqueo. Esta película, ambientada en el West Village de Nueva York, trata de ser una comedia sobre la maternidad, la identidad, la feminidad, la sexualidad, el compromiso, pero entre tanta línea argumental el largometraje se le va de las manos, y consigue que en el mejor de los casos esboces una ligera sonrisa. Vamos que el cine está caro y hay mejores comedias en cartel, eso sí, serán menos cínicas e irónicas, que parece ser que es lo que la directora trataba de realizar, pero te ríes, que es de lo que se trata. Por cierto, me parece flipante que esto se haya estrenado en el festival de Sundance, por mucha musa del movimiento Indie que sea Miss Thurman.

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Esta castañita se estrenará el 28 de agosto.

EXPEDIENTE 39

REGULAR

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Una trabajadora social, especialista en asuntos familiares, llamada Emily Jenkins, ha visto horrores domésticos variados: mentiras, negligencias, malos tratos. Posee más trabajo del que es capaz de llevar, eso la lleva a trabajar por encima de sus posibilidades. Su jefe, a pesar de que lleva 38 casos le entrega el “EXPEDIENTE 39”. Se trata del caso de una pequeña de 10 años llamada Lillith Sullivan. Emily acude a la visita de rigor, pero su inquietante y reservada familia la dejan agitada y perturbada. Cuando los padres de Lillith intentan dañar a su única hija en un ritual de madrugada, Emily interviene. Conmovida por la soledad y la inocencia de Lillith, decide hacer algo que nunca antes se había permitido a sí misma: involucrarse de manera personal. Esperando hacer lo mejor por la retraída muchacha, le ofrece a Lillith un hogar acogedor y feliz hasta que pueda encontrar una familia adoptiva.Y ahí es donde empieza el auténtico terror.

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Esto es a grandes rasgos el núcleo central de la trama del nuevo trabajo de la actriz norteamericana ganadora de un Óscar, Renee Zellweger, que explora nuevos registros en este largometraje que comienza como el típico telefilm de las cuatro de la tarde de la cadena familiar A3. Pero de repente, se torna en un inquietante film sobre los términos educar y negociar, sobre todo dentro del marco de la asertividad. Esa es la mejor línea argumental del film, la más agobiante e inquietante, sobre todo, es un enorme reto que ya sabréis si lo resuelve bien o mal la protagonista. Así va girando la tuerca el guionista hasta que crea una madeja enorme de la que le cuesta desenmarañar, porque también quiere explorar de dónde nace el miedo, entre otras cosas, y para resolver la ecuación toma el camino más fácil, y por supuesto menos inquietante, pero un así  le queda un film correcto a Christian Alvart, del que este otoño podremos ver la esperada “Pandorum”.

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En su contra juega lo previsible que son algunos aspectos del relato, porque el terror dentro del seno familiar es algo tan viejo como el propio género. Ese es su marco conceptual, así que este film se nutre de otros como “La profecía”, “El otro” de Robert Mulligan, “El buen hijo” o la última sensación del género de niños con mala uva, “Joshua” que en nuestro país se mal tituló “El hijo del mal”, y que nos brindó una de las mejores interpretaciones de Sam Rockwell, que además en aquella edición se alzó con el premio a la mejor interpretación masculina. Lo que es obvio es que en este tipo de subgénero lo más inquietante son los niños, aquí brilla con luz propia el trabajo de la joven Jodelle Ferland, que se come entera a Renée Zellweger, lleva la iniciativa interpretativa y llena la pantalla. Ya demostró su valía en la catódica serie “Hospital Kingdom” o en “Tideland” de Terry Gilliam.

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Personalmente creo que es un problema de casting, que nunca debían haber contado con la escarizada actriz, es demasiado maternal, tiene cara pan, de no haber roto un plato, así que cuando se intenta poner en plan Ripley, pues como que no funciona. Pero aún así, el film sorprende y tira hacia delante, sobre todo por la gran labor de  Ian McShane y Bradley Cooper que los hemos descubierto recientemente en la serie de televisión “Kings” y “Resacón en Las Vegas” respectivamente. Interpretan personajes llenos con algún doblez que otro, y se ven expuestos a los mayores retos, sobre todo porque tienen que cambiar de registro. Cosa que la actriz principal no consigue. Así que puedo concluir que lo peor es Renee, con esa carita de buena niña, de no haber roto un plato. Las dos mejores secuencias están interpretadas por los actores anteriormente mencionados, y en ambas juegan un papel esencial el montaje, tanto de imagen como de sonido, creando en ambos casos situaciones terroríficas, sobre todo con elementos absolutamente cotidianos.

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Así que a pesar de tener un arranque lento y bastante catódico, se puede llegar a recomendar este film. ¡Vale!, tapándome un poco la nariz. Cuesta entrar, pero retoma el rumbo entretiene, y cierra de una forma bastante comercial y cómoda, sobre todo para el guionista que no se planteo otros posibles escenarios que podrían haber quedado más inquietantes y perturbadores, como el caso de “Joshua” del que antes os hablaba.

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ALFIE EN BARNA

He tenido un fin de semana muy, pero que muy cinéfilo. Todo empezó así…

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AVATAR: ENTREVISTA A JAMES CAMERON

Hoy os dejo con una post de máximo interés para muchos de vosotros que os encanta el diseño y la animación en 3D. Lo primero agradecer a 20th Century Fox por cedernos esta entrevista realizada por David S. Cohen a James Cameron en la que profundizan en los aspectos técnicos desarrollados en el novedoso formato 3-D, y además nos desvela el arte y la técnica del formato estéreo. Puede que algunos hayáis leído una versión abreviada de la presente entrevista porque apareció publicada el 11 de abril de 2008.

“AVATAR”, la próxima película del director James Cameron, se considera uno de los proyectos cinematográficos más esperados de la reciente historia del cine. Siendo su primer filme narrativo desde que realizó la película número 1 del box office y éxito de todos los tiempos “Titanic” (1997), “Avatar” constituye la realización de un sueño que Cameron tuvo hace mucho tiempo de fusionar el formato digital 3-D estéreo con una historia de carácter épico que se exhibiera en la gran pantalla. David S. Cohen, de la revista Variety, realizó esta entrevista a Cameron por e-mail. Hasta la fecha, Cameron es el director que más se ha implicado en la investigación del formato 3-D, sin embargo, todavía mantiene aspectos concretos de su filme “Avatar” bajo secreto.

David S. Cohen: Usted ha trabajado en 3-D anteriormente y ha sido un verdadero divulgador de esta técnica. Mucha gente de la industria comenta la importancia de mostrar en las salas de cine una experiencia que va más allá de lo que la gente puede obtener en casa. Asimismo, estamos observando que al público le gusta el formato 3-D y que esta técnica se está convirtiendo en un motor fundamental para la adopción de sistemas de formato digital en las salas de cine. Pero hablando en concreto de su labor como director y guionista, ¿qué es lo que añade el formato 3-D al aspecto creativo de un proyecto cinematográfico?
james cameron_avatar_03James Cameron: Yo creo que Godard se lo sabía a la perfección. El cine no es una verdad 24 veces por segundo; es una mentira 24 veces por segundo. Los actores pretenden ser personas que no son, en situaciones y entornos completamente ilusorios: un día simula la noche, un paisaje árido pretende ser húmedo, la ciudad de Vancouver pasa por ser Nueva York, pedacitos de patata simulan ser copos de nieve. El edificio es simplemente un decorado de delgadas paredes, la luz del sol es un equipo de iluminación Xenon y el ruido del tráfico lo proporcionan los especialistas de sonido. Todo es una ilusión, pero el premio es para quienes consiguen que la fantasía sea más real, más visceral y más reconocible por el público. Esta sensación de realidad se refuerza enormemente gracias a la ilusión estereoscópica. Hasta la fecha, en los tipos de películas que han sido principalmente mi especialidad, la fantasía se aprecia mejor a través de un sentido de la realidad basado en el detalle y en la textura, que favorece la historia en todo momento. Todo el conjunto de personajes, diálogos, diseño de producción, fotografía y efectos especiales debe orientarse a producir la ilusión de que lo que estás viendo está realmente pasando, no importa lo improbable que la situación pudiera ser si uno se parara a pensarlo – por ejemplo, un traveling de un cyborg ubicado fuera de su tiempo que mate a una camarera puede cambiar la historia. Cuando uno ve una secuencia en 3-D, ese sentido de la realidad se amplifica. La corteza visual concluye, a un nivel subliminal pero generalizado, que lo que está viendo es real. Todas las películas que he hecho anteriormente podrían haberse beneficiado absolutamente del formato 3-D, por lo tanto, creativamente, yo considero la técnica 3-D una extensión natural de mi oficio de cineasta.
Una película en 3-D te sumerge en la escena con una mayor sensación de presencia física e implicación. Creo que una resonancia magnética de la actividad cerebral mostraría que hay más actividad neuronal cuando se ve la película en formato 3-D que si se ve en 2-D. La mayoría de la gente cuando piensa en las películas 3-D se imagina sobre todo secuencias con extraños artilugios: personajes u objetos que vuelan, flotan o se proyectan hacia el público. En realidad, en una buena película en estéreo estas tomas deberían ser más la excepción que la regla. Ver una película en estéreo es observar una realidad alternativa a través de una ventana. Resulta algo intuitivo para la industria del cine la idoneidad de esta cualidad de inmersión en los filmes de acción, fantasía y animación. Lo que es menos evidente es que el aumento de esta sensación de presencia y realismo funciona en todo tipo de escenas, incluso en los momentos más dramáticos e íntimos. Lo cual no significa que todas las películas deban hacerse en 3-D, porque en muchos casos el resultado puede no justificar los costes, pero, desde luego, no debería de haber ninguna razón creativa por la cual una película no pudiera ser rodada en 3-D y beneficiarse de ello.

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EL MUNDO DE LOS PERDIDOS

MUY BUENA

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“EL MUNDO DE LOS PERDIDOS” es el nuevo trabajo del cómico norteamericano Will Ferrell al que podréis recordar de castañitas como “Embrujada” y joyas como “Más extraño que la ficción”. En este caso interpreta a un científico llamado Dr. Rick Marshall, que posee una personalidad un tanto especial y está obsesionado con viajar por un vórtice espacio-temporal a una dimensión paralela. Pero en la presentación del libro donde expone sus teorías acaba teniendo un encontronazo con un periodista, se convierte en el hazmerreír de YouTube y acaba dando clases en un instituto. Todo es así hasta que Holly, que es paleontóloga realiza un sorprendente descubrimiento y le insta a que acabe de fabricar su máquina de taquiones.

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Los dos se trasladan hasta el lugar de los hechos y allí conocen a Will, un cazador de recuerdos algo bruto y paleto. Rick activa la maquina y acaban viajando a una dimensión donde serán perseguidos por un T. Rex y por unos reptiles humanoides lentísimos llamados Sleestak. Los tres seres humanos, Marshall, Will y Holly, no tienen más remedio que fiarse de su único aliado, un primate llamado Chaka para intentar salir de la dimensión híbrida en la que se han metido. Si regresan de la involuntaria expedición, se convertirán en héroes. Si se quedan atrapados, serán unos refugiados permanentes en el mundo de los perdidos.

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Este largometraje está basado en la clásica serie homónima creada por los iconos televisivos Sid y Marty Krofft. Estuvo en antena tres años y constó de 43 episodios. Brad Silberling, del que seguro habréis visto “Casper” o “Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket”, se ha encargado de llevar a buen puerto este proyecto escrito por Dennis McNicholas y Chris Henchy, que han transformado ligeramente las aventuras del profesor Rick Marshall y sus dos hijos Will y Holly, que habían cruzado una puerta temporal y penetrado en un mundo donde el pasado lejano y el presente colisionaban. Han conseguido transformar la mítica serie estrenada en 1974 pero han mantenido su espíritu absolutamente familiar y entretenido, a los niños les encantará os lo prometo, y a los sufridos padres no les disgustará. Es un cocktail explosivo entre la ciencia ficción, la comedia y el cine de aventuras, en el más puro estilo Indiana Jones, ya que nuestro héroe es todo un “paleontólogo cuántico”. He de realizar una pequeña aclaración, que ningún biólogo o físico pretendan que esto sea verosímil.

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El único problema es el propio Will Ferrell, que como el director le de rienda suelta se convierte en un cúmulo de gestos. Su histrionismo en este caso está moderadamente controlado, no llega a ser como en “Elf”. En el caso que nos ocupa se tolera bastante bien. En las antípodas están sus compañeros de reparto. Por ejemplo, Danny McBride está más contenido, y Jorma Taccone, que para vosotros será todo un descubrimiento, pero que tuve la oportunidad de verle en algunos skechts del programa “Saturday Night Live”. En el caso que nos ocupa, protagoniza alguno de los momentos más divertidos del film conjuntamente con la actriz Anna Friel, y que desde luego, supera a Ferrell en las réplicas.

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Me encantó y me desternillé con la secuencia en la que el Dr Rick Marshall quiere rescatar su famosa máquina de taquiones que al funcionar suena la banda sonora de “A chorus line”, concretamente el tema “I hope I get It“, mientras tiene que pasar entre los huevos del pterodáctilo. Este es posiblemente uno de los mejores momentos de Farrell en el film. Y ya que hablamos de música, el que demuestra estar en plena forma es el siempre genial Michael Giacchino, que nos sorprende una vez más con una partitura heredera en esta ocasión de Danny Elfman.

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Lo mejor sin duda es que se trata de un producto sin retensiones, cuyo único motor es hacer pasar un buen rato a los menores de la casa y a los no tan niños. Así que os recomiendo esta semana este film a todos aquellos que seáis padres o tengáis que llevar a vuestros sobrinos al cine, porque para los pequeños de la casa hay poco donde elegir, y esta es una muy buena opción.

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Esta película se estrena el viernes 21 de Agosto.