Archivo mensual: septiembre 2009

LOS LÍMITES DEL CONTROL

Victor  Guybrush de “El pepino marino navega de nuevo” vuelve a ser la firma invitada una semana más y esta vez ha ido a ver la nueva película de inclasificable Jim Jarmusch

BUENA

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Los límites del control no es una película al uso. El director y guionista Jim Jarmusch propone al espectador un relato lento, un viaje un tanto surrealista y onírico con un ritmo muy pausado cuyo significado varía según cada espectador y que se centra en estimular los sentidos más que en contar una historia. Isaach De Bankolé, que ya había trabajado antes con Jarmusch, es el Solitario protagonista. Apenas habla. No sabemos nada de él, a parte de que su presencia basta para llenar la pantalla y salirse por los bordes. En un aeropuerto dos hombres le dan las claves del trabajo que debe realizar, encriptadas en unas misteriosas frases, pero que tienen toda la pinta de incluir un ajuste de cuentas o un asesinato. Podría ser el punto de partida de una historia de género negro, pero no es el caso, o al menos no exactamente.

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Con las primeras instrucciones recibidas en el aeropuerto, el Solitario ya sabe qué hacer, pero nosotros seguimos en ascuas. Vemos cómo se sienta en la terraza de un bar en pleno centro de Madrid. Pide dos cafés en tazas separadas, y espera a su contacto. El contacto informa a Solitario de cómo reconocerá al siguiente contacto. Además, intercambian una caja de cerillas. En la caja de cerillas Solitario encuentra en un mensaje cifrado escrito en una hojita de papel. Tras leerlo, se traga el papel con un sorbo de café.

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El Solitario atraviesa España sin variar en lo más mínimo su modus operandi. Pide dos cafés en tazas separadas, espera al contacto, intercambian cajas de cerillas, lee el código, se traga el papel. En su piso franco duerme vestido, se despierta antes del amanecer y practica tai chi. Y así todas las mañanas. Y luego va a un bar. Y pide dos cafés, en dos tazas separadas. Y espera al contacto, las cerillas y el mensaje cifrado.

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El peso de la historia lo soporta perfectamente De Bankolé. Esto tampoco es decir mucho si consideramos que la historia no es gran cosa, pero se convierte en un gran elogio al actor cuando nos damos cuenta de que ese repetir acciones en el que se sustenta la trama nos lo hemos tragado con patatas porque el tío tiene un magnetismo increíble. El resto de actores (Luis Tosar, Paz de la Huerta, Tilda Swinton, John Hurt…) componen el mosaico de extraños personajes que Solitario va encontrando a lo largo de su viaje, los contactos que le hacen avanzar hasta conseguir su objetivo, un objetivo que no se nos revela hasta el final de la cinta pero que tampoco ahí queda muy claro de qué se trata o por qué lo cumple. Mención especial merece Bill Murray, grande entre los grandes haga comedia o drama, viaje en el tiempo, a Japón o se encuentre en una casita de un pueblo andaluz.

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La belleza formal de Los límites del control es indiscutible. Tanto Jarmush como el director de fotografía, Christopher Doyle, han conseguido una atmósfera increíble. Predominan los planos fijos que son atravesados por el protagonista en su imparable avance a través de la historia y frente a los ojos de los espectadores, los colores intensos y la luz poderosa. Todo esto para hacer que el espectador SIENTA algo, para que, según palabras del director, salga de la sala del cine viendo los objetos más cotidianos de forma distinta.

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Las localizaciones retratan una España mágica en la que, por suerte, han dejado de lado a Barcelona. No me malinterpreten, es solo que en la variedad está la diversión y España no es solo la ciudad condal. Es estupendo ver los campos de Castilla, pueblos abandonados del sur, la Torre del Oro o las Torres Blancas y la fuerza visual que pueden tener, y no, por enésima vez, el parque Güell y la Sagrada Familia.

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Deseo insistir en el concepto que no estamos ante una película al uso. La maestría de Jarmusch se demuestra cuando es capaz de repetir una y otra vez los mismos diez minutos de los cafés y las cerillas durante los 120 minutos que dura el metraje, no sólo en el fondo sino en la forma. Aunque, mi mayor desencuentro con “Los límites del control” no es tanto que se olvidase de la historia para favorecer la envoltura y apelar a los sentimientos del espectador (algo completamente lícito si se hace bien, como es el caso), sino que se trate de una película surrealista, pero poco. Me explico: uno de los personajes comenta en un momento dado que las mejores películas son como sueños que no estás seguro de haber tenido. Los sueños de Jarmusch son muy bonitos, encantadores e hipnóticos, pero después de 100 minutos se echa en falta algo de movimiento, de sorpresa, de locura onírica para evitar que nos aburramos y decidamos despertarnos. Lo que es un sueño que se recuerda, vamos.

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Solo un poquito más Lynchiano y habría salido de la sala aplaudiendo. En ese sentido da la impresión de que la cinta se queda corta. Además el metraje es, seguramente, excesivo y con media hora menos también podrían haber despertado los sentidos del público, con el aliciente de haber evitado cansarles. Las interpretaciones que se pueden dar a la película son tantas como espectadores la vean, pero si rebuscan un poco por la red de redes (después de haber visto el film, claro) se sorprenderían de cómo entiende la gente según qué cosas. Creo que ha quedado claro, pero lo repito por si luego hay despistes: no vayan a verla si no les gustan las cosas raras y las gafapastadas. Están avisados.

LOS SUSTITUTOS

BUENA

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Boston es conocida como la ciudad de los abogados, situada en la costa este de los EEUU, sirve como gran escenario para las nuevas aventuras de Bruce Willis en la gran pantalla, y una vez más regresa al género de ciencia ficción con LOS SUSTITUTOS. Acertada traducción del título original, que nos traslada a un futuro en la gente vive sus vidas por control remoto desde la seguridad de sus casas a través de robots que les sustituyen. Son representaciones mecánicas de ellos mismos pero más sexy y físicamente perfectos. Es un mundo ideal donde el crimen, el dolor, el miedo y las consecuencias no existen. En esta utopía se produce el primer asesinato en años y el agente Greer del FBI descubre una conspiración tras el fenómeno de los robots.

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El film se estrenó el pasado viernes 25, y Jonathan Mostow esta vez ha conseguido hacerse con la taquilla norteamericana en el primer fin de semana de estreno, desbancando a “Pandorum” y “Fama” que eran sus mayores contrincantes. Todos recodaréis al realizador norteamericano por haber dirigido la peor parte de la franquicia “Terminator”, obviamente hablo de la tercera parte subtitulada “La rebelión de las máquinas”. Pone en pie este proyecto ayudado, una vez más de John D. BrancatoMichael Ferris con los que colaboró en el citado engendro, y que en este caso han adaptado la novela gráfica de Top Shelf Comix de Robert Venditti y Brett Weldele. Os recomiendo una visita a La realidad estupefaciente donde Supersantiego ha realizado un artículo sobre el citado cómic.

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Así pues, con este largometraje ya van dos películas que se han estrenado en menos de un mes y que tienen como núcleo argumental la adicción a la tecnología, a los juegos donde uno crea personajes y es sustituido por un virtual, y que en el fondo reflejan el deseo de convertirte en algo que no eres, pero que deseas ser. Obviamente todos habréis pensado en la malograda Gamer. En este caso, todos los robots son tremendamente sexy y reemplazan a sus menos atractivos sustituidos. Gente normal que ya no tiene que aventurarse en el mundo real. Y la pregunta que subyace a lo largo de todo el film es si la tecnología no ha ido demasiado lejos. Porque actualmente podemos ver a adultos (entre 28 y 42 años, más o menos) que son adictos a videojuegos de tipo comunitarios, me refiero a los que se pueden jugar en red.

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En este caso, la idea argumental se explota mejor a diferencia del film protagonizado por Gerard Buttler. No es que hayan descubierto la pólvora, y la idea sea innovadora, no, no digo eso, pero por lo menos bucea en ciertos aspectos psicológicos, cosa que un servidor agradeció, y además, sus guionistas consiguen que el largometraje funcione como thriller, ya que hay un único giro argumental, que hace que la trama tenga su enjundia, los más avezados de la clase puede que se lo esperen, pero no es tan obvio a priori. Y Mostow a diferencia de Neveldine y Taylor sabe graduar acertadamente las dosis de acción y drama, así la cinta no se ve lastrada en ningún momento, y hace que quede un producto entretenido.

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Este producto está muy emparentado estéticamente con Yo, Robot de Alex Proyas y argumentalmente más con “Gamer”, los de mi quinta y más allá no dejarán de pensar en Almas de metal de Michael Crichton, que homenaje a la citada película hay en la escena del negocio de estética que posee la mujer del agente Greer.  Aunque encontraréis reminiscencias de Blade Runner, pero ni sus guionistas ni su director son capaces en explorar en la idea de quiénes son más humanos, los robots o los seres de carne y hueso, aunque pinceladas hay a lo largo del film explorando esa idea, como por ejemplo la escena de la fiesta donde los robots se están drogando, y que a un servidor le traslado por un segundo al mundo maravilloso mundo de Matt Groening de “Futurama” cuando Bender se hace adicto y acaba en el infierno robot.

FUTURAMA: BENDER EN EL INFIERNO ROBOT

Esta escena me sirve para hablar de algo que a mi me resulta significativo y que quiero poner de relevancia, es el puritanismo de la sociedad norteamericana. Me explico. Si como guionista o director te propones hacer una escena en la que juegas con un artilugio de forma fálica y pones a un ser femenino y juegas con el encuadre haciendo un primer plano de sus piernas y el citado cacharrito, pues amigo juega hasta el final, pero no lo dejes a medias. Pero hay más, ayer pude ver en el canal SYFY “Desafío total” de Paul Verhoeven. Os podéis creer que censuraron la escena de la mutante de tres pechos, y que toda imagen que tuviera que ver con el sexo, como el flyer que lleva Arnold en la mano en Marte del bar de Venusville o cuando hacen un gesto obsceno con la mano, lo pixelan. Sí amigos, así anda esta sociedad.

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 Y obviamente, si haces una película bajo el sello de Disney no te plantees poner una escena de ese calado, y si lo haces, se valiente y llévalo hasta las últimas consecuencias, porque los niños no son tontos, y los adultos menos. Un último detalle, quiero resaltar la faceta de productora ejecutiva de la actriz Elizabeth Banks, es decir, que posee gran poder de decisión sobre el resultado final del producto porque obviamente pone más cantidad de dinero, y que a diferencia de otras estrellas que lo hacen, ella no pone su dinero para hacer productos a mayor gloria de su imagen, sabe perfectamente separar ambas facetas, hablo por ejemplo de casos como Tom Cruise o Sandra Bullock. La actriz norteamericana sabe apostar por proyectos curiosos como “W” de Oliver Stone, del que ya os hice una reseña el año pasado o este resultón film, muy recomendable en el caso de que tengáis un domingo tonto o que os guste como a mí el género.

 

“FLASHFORWARD”, LO MÁS DESTACADO DE LA SEMANA

DEDICADO A CHACAL, también conocido como el chico de los números 😛

El mundo catódico está que arde esta semana aquí en Estados Unidos. El lunes dio el pistoletazo de salida para todas las series, así el lunes hubo entrega doble del doctor jonkie más famoso de Fox. Sólo os puedo reseñar lo que dice la publicidad, que para salvarse deberá ayudar a otros pacientes, y eso no lo verá con buenos ojos su psiquiatra. Os recuerdo que estuve en el concierto de U2, ese fue el motivo por el que me perdí la premiere.

El martes pudimos ver el piloto de “The Forgotten”, que podríamos traducir como “Los olvidados”. Esta serie está protagonizada por Christian Slater, que da vida a Alex Donovan. Esta producción del todo poderoso Jerry Bruckheimer viene a ser una variante de “Caso abierto”, no ha tenido mucha repercusión mediática. A mi me pareció más de lo mismo. Nada reseñable. Bueno sí, que por fin el señor Slater ha encontrado el lugar que le pertenece y de donde nunca debió salir, el mundo catódico. Y no sé yo si continuará, porque la repercusión ha sido muy escasa.

“THE FORGOTTEN”-TRAILER

El miércoles todos esperábamos el estreno de dos series, la primera suponía el reenceuntro de Courteney Cox con las grande audiencias en EEUU, tras el fracaso de “Dirt”. Para ello ha regresado un territorio cómodo para ella como actriz, al de la comedia con “COUGAR TOWN”. La serie no está mal. Courtney interpreta a Jules una mujer divorciada de mediana edad, que posee un hijo de unos 14 años que va al instituto, y dos amigas que no se aguantan entre ellas. Una es más joven, rebelde y comparten trabajo, se dedican a vender casas, y la otra es más conservadora y de la misma edad de la protagonista. Las grandes situaciones cómicas nacen de cómo todos esos mundos tiran de Jules hasta que la situación es insostenible. Por ejemplo, porque la sociedad entiende que un hombre puede salir con una mujer de menor edad que él, y en el caso de una mujer no. Esta serie escrita por Kevin Biegel, guionista habitual de “South park”, “Scrubs” o del film, “Yo, yo mismo e Irene”, juega  a ser rebelde, todo lo que se puede ser dentro del Prime Time. ¿Continuará? Quién sabe. Puede que sí, sobretodo si explotan la bis más cómica de la actriz. Aunque siempre le quedará la franquicia “Scream” donde refugiarse para pagar la hipoteca. A mi me pareció un piloto correcto en el que no han terminado de explotar todas las posibilidades, me hizo sonreir, punto.

“COUGAR TOWN”-PROMO

Luego pudimos ver el piloto de otra serie, esta tenía como aliciente que estaba basada en los personajes de la novela de John Updike, se llama “EASTWICK”, y sí, como bien os imagináis es una readaptación del libro Las brujas de Eastwick, que en su momento fue llevada a la gran pantalla en 1987 por George Miller, con un elenco de quitar el hipo, integrado por Jack Nicholson, Cher, Susan Sarandon y Michelle Phiffer, y en ella aparecía en un personaje secundario Veronica Cartwright, si nuestra queridísima Lambert de “Alien”, que vuelve a interpetar a Bun. Bien, Ashley BensonRebecca RomijnLindsay Price sustituyen al trío cinematográfico, y Jon Bernthal es el encargado de luchar contra la imagen de un Nicholson en pleno estado de gloria. La única que repite es Miss Cartwright, que acaba en coma, y no sabemos que juego dará en la serie porque si en el primer capítulo ya cae en coma, a saber que le tienen deparada los guionistas a esta gran actriz. La serie como bien os podéis imaginar es más pueril, porque se emite en Prime Time, así que el sexo es muy edulcorado. Y ahí es donde flaquean las tres actrices, porque no tienen ni la fuerza ni el carisma para poner a tono a la audiencia sin enseñar nada que no deba ser visto en este horario. No saben ser sugerentes, al igual que Jon Bernthal que le faltan kilos de mala leche para interpretar un personaje tan peculiar y con miles de dobleces. Entre el reparto hemos podido ver al protagonista de Kyle XY, que por fin Matt Dallas abandona papeles de teenager, para interpretar a hombres hechos y derechos, lo hace bien y salva su parte del guión, es de los mejorcitos del reparto, todo sea dicho.

“EASTWICK” -TRAILER

Pero claro, el plato fuerte de la semana estaba por llegar. Imaginaos que un buen día supuestamente todos perdemos la conciencia a la vez durante dos minutos y 17 segundos, y nos trasladamos al futuro, concretamente a la fecha 29 de abril del 2010. Seis meses después.  Esa es la propuesta del episodio piloto de la serie “FLASHFORWARD”, basada en el libro homónimo de Robert J. Sawyer en el que se realizará una crónica de lo que pasa cuando el mundo se “desconecta” durante dos minutos y 17 segundos y se provoca una imagen del futuro que afecta a todos por igual. La adaptación ha corrido a cargo de David S. Goyer que posee un currículo un tanto irregular desde haber participado en el guión de “Batman Beguins” y “El caballero oscuro” a películas de peor calidad como “The unborn” que en España se estrenó bajo el título de “La semilla del mal”, y por Brannon Braga, que ha sido guionista de “Star Trek: la próxima generación”, de la mítica “24” o de la segunda entrega de “Misión Imposible”. Estos dos escritores anoche aseguraron en un videochat en la web de la cadena ABC, donde les hicieron una entrevista en exclusiva, que ya tienen escrito el final de la primera temprada, así como el final de la serie. El piloto lo ha dirigido Goyer y seamos francos, el arranque más “Lost” no puede ser, y no lo digo para mal, sino como un acierto. Se han gastado la friolera de 7 millones de dólares en crear un ambiente absolutamente apocalíptico, y los resultados son muy bueno, la factura del piloto es impecable, y muy interesante la trama, que en parte parece heredera de “Lost”, pero en este caso se trata de un único salto temporal, y a partir de aquí los guionistas juegan con el destino y la posibilidad de alterarlo. Porque a algunos les gusta lo que han visto, pero a otros no, porque inclusive mueren.

“FLASHFORDWARD”-TRAILER

Los homenajes a “Lost” recorren el piloto desde una vaya donde se anuncia la compañía aérea “Oceanic” hasta la aparición en uno de los papeles principales de Sonya Walger, que da vida a Penny en ‘Perdidos’, y aquí interpreta a Olivia, una cirujana casada con un policía exalcohólico llamado Mark Benford, interpretado por otro conocido actor, hablo de Joseph Fiennes, que entre otras cosas participó en su día en la película ‘Shakespeare enamorado’.  Y remataron el capítulo con la aparición de Dominic Monaghan, sí amigos, el Charlie de “Perdidos” Lo que está claro es que de los cuatro pilotos este si que está llamado a continuar, a nosotros nos entusiasmo la propuesta, el resto ya veremos si desaparece de parrilla o no, os mantendremos debidamente informados.

“FLASHFORWARD” – Promo 2

Después pudimos ver en la CBS el inicio de la segunda temporada de “EL MENTALISTA” con títulos de crédito renovados, con un aire más pop, pero las tramas siguen la misma línea, con los mismos actores Simon BakerRobin Tunney, Amanda Righetti y Tim Kang, que van resolviendo casos, pero la gran novedad es que les han apartado del caso de psycho killer JOHN, el rojo, que os recuerdo había matado a mujer e hija de Patrick, porque sostienen que el víctima, y por eso no debe estar involucrado, así entra en juego un nuevo personaje que obviamente no se llevará nada bien con el equipo, porque será quien esté al mando de esa investigación. Así que más de lo mismo. No ha grandes novedades, al igual que las habido en CSI, en sus múltiples variantes, Vegas, Miami.

“EL MENTALISTA” – New Fall Series Preview

Esta noche arrancan las nuevas temporadas en la CBS de “Medium”, “Entre fantasmas” y “Numbers”, si hubiera algo que reseñar, os lo haría saber. Pero sin duda alguna y es el siguiente hito de la semana, aquí todos esperamos a las nueve horas del domingo no para ver el arranque de la nueva temporada de “Mujeres desesperadas” con boda incluida o “Caso abierto”. No. Todos estaremos ante el televisor a las nueve de la noche porque queremos y ansiamos ver la inquietante cuarta temporada del psychokiller más famoso de la ciudad de Miami, hablo de “DEXTER” que por lo que podemos ver en los anuncios va a ser papá.

“DEXTER” TRAILER CUARTA TEMPORADA

Los dos siguientes platos fuertes en el terreno de la comedia arrancan el lunes en la CBS, son la nueva temporada de “Cómo conocí a vuestra madre” y “The Big Bang Theory” que a estos les dejamos en Alaska pasando frío.

Por cierto, me despido de vosotros con un anticipo, el 3 de noviembre arranca el remake televisivo de “V” en la cadena ABC, ayer lo anunciaron a bombo y platillo, lo único que me llamó la atención es que pudimos ver a Juliet, la lostie en uno de los papeles principales. Ya os contaremos que da de sí. Para abrir boca os dejo con el trailer.

V – TRAILER

 

EL SOPLÓN

Amigos, hoy os dejo con la opinión de la firma invitada de Victor Guybrush. Yo he visto el film también y no se merece una sesión doble,  que esa idea nos rondaba la cabeza, pero como suscribo cada palabra que pone, no tiene el menor sentido hacerlo, porque es mala como la carne de vampiro, es dura, se hace eterna, y no hay por dónde coger esta nueva entrega de la famillia Soderbergh, porque os recuerdo que el film está producido por su amiguito George Clooney. Lo único rescatable de este demencial producto es Scott Bakula, actor eminentemente catódico, pero que aquí compone un personaje entrañable, te da pena constantemente, y no me extraña que se le agote la paciencia, a mi a los 30 minutos de visionado. Los títulos de crédito son absolutamente kitsch porque pertenecen a otra década, así que queda absolutamente anacrónico y el personaje de Matt Damon se parece a Austin Powers como un huevo a una gallina, si es a eso a lo que trataba de jugar el director. Para finalizar tan sólo dar un apunte más, Monsieur Copépodo se quedó frito llegado el ecuador de la película, y los espectadores no hacían más que salir y entrar de la sala. Fue harto insufrible y la gente estaba aburrida hasta la médula, allá vosotros si vais a ver esta inmensa tomadura de pelo.

MALA

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Después del fracaso de “The Girlfriend’s Experience”, el díptico de “El Ché” y dejando de lado la interminable saga de “Ocean’s”, Steven Soderbergh apuesta por la comedia negra en esta cinta basada en hechos reales que narra la historia de Mark Whitacre, el ex-directivo que a finales de los noventa fue condenado a diez años y medio de cárcel por defraudar 9 millones de dólares a su empresa. Whitacre,  interpretado por Matt Damon, se nos presenta como un tipo de mediana edad, con gafotas y bigotón, que disfruta de una vida desahogada y tranquila junto a su familia en una estupenda casa en Decatur, Illinois y que trabaja en una de las mayores compañías agrícolas del mundo, la ADM, que tiene en el maíz una de sus principales negocios.

 

Le falta el zapatófono

Le falta el zapatófono

La historia comienza cuando nuestro protagonista informa a sus superiores de un posible sabotaje que está haciendo perder millones a la compañía. Cuando el FBI empieza a investigar el asunto Whitacre les confiesa que no existe tal sabotaje y que el verdadero delito que afecta a la ADM es que los ejecutivos de la compañía, entre los que se encuentra él mismo, pactan los precios de sus productos con la competencia. El FBI le propone trabajar como una suerte de agente doble, micrófono oculto incluido, y es entonces cuando se convierte en “¡EL SOPLÓN!!” y pasa a colaborar con el FBI grabando conversaciones y reuniones con el fin de recabar las pruebas suficientes para inculpar a sus jefes y hacerles cumplir la ley.

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La premisa es interesante y Matt Damon, el elemento central de la historia, cumple a la perfección soportando todo el peso de la narración, al igual que el resto del reparto, entre los que destaca el agente del FBI Brian Shepard interpretado por Scott Bakula. Pero el resultado final no convence. Y cuando digo que no convence digo que a mí no me convence, porque las puntuaciones de la IMDB (más de 7) y Rotten Tomatoes (75%) dejan claro que está gustando y mucho en los Estados Unidos.

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Si el giro de guión que convierte a Whitacre en colaborador del FBI engañando a su propia empresa os parece interesante, olvidadlo, porque es solo el principio del fin: es el primero de innumerables engaños que nuestro protagonista urde para no destapar sus verdaderas intenciones, volviendo locos a FBI, abogados, familia y espectadores.

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En ningún momento podemos estar seguros de si lo que nos cuenta el soplón es cierto o si volverá a cambiar su versión de los hechos. Y es en esto en lo que se basa al cien por cien la película, y este exceso es el que termina por dilapidarla. ¿Realmente intenta colaborar con el FBI porque se siente mal rompiendo la ley o es que quiere quitar de en medio a sus superiores y hacerse con su puesto? ¿Es tan tonto como parece o se lo hace y es en realidad una mente privilegiada que va a dejar a todos con un palmo de narices y a huir con un buen puñado de millones de su empresa? Estas preguntas, en principio interesantes, dejarán de interesar antes de que la película llegue a su ecuador.

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A pesar de que la historia tiene gancho el guión es aburrido. A la media hora de cinta sabes con certeza que lo que acaba de contarle Whitacre a los agentes del FBI o a sus superiores es mentira y que en los próximos cinco minutos contará otra historia diferente que volverá a engañarles y a sacar de quicio al personal. Y se hace eterno, pesado y acaba saturando sin remedio, porque la película no sale de ahí. A base de darle vueltas al mismo concepto el asunto se vuelve predecible y poco interesante.

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La fotografía es estupenda, eso sí. Los tonos ocres que reinan durante todo el metraje crean una atmósfera en la que es difícil no sentirse a gusto, a pesar de estar deseando que destapen la mentira al pesado de Whitacre de una vez por todas. No se puede decir lo mismo de la banda sonora, cansina a más no poder, a la que solo le falta un golpe de batería cuando el protagonista deja con un palmo de narices, por enésima vez, al resto de personajes. Sí, al volver a cambiar su historia.

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Es imposible no recordar películas como ATRÁPAME SI PUEDES o QUEMAR DESPUÉS DE LEER durante la proyección de “¡El soplón!”, pero la cinta de Soderbergh no llega al nivel de éstas ni en sueños. Ni es una buena comedia, ni una buena historia de espionaje. Tal vez sea una buena adaptación del libro de Kurt Eichenwald en el que retrata la historia real de Mark Whitacre, pero esta vez Soderbergh no ha dado lo mejor de sí mismo y ni se acerca a sus trabajos más interesantes.

GAMER

MALA

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Imaginaos un futuro cercano en el que el juego y el entretenimiento han evolucionado hasta convertirse en un nuevo y aterrador híbrido. Los seres humanos controlan a otros seres humanos a escala masiva en juegos online con jugadores múltiples que juegan con personas…hasta el final. La tecnología para el control de la mente está a la orden del día y en el centro de los controvertidos juegos está su creador, un multimillonario solitario llamado Ken Castle, que viene a ser una suerte de nuevo Bill Gates. Su última creación, que obviamente es la sensación del momento, se trata de un videojuego llamado “Slayers,” que permite a millones de personas realizar sus fantasías más violentas online ante una audiencia global, utilizando a prisioneros reales como avatares con quienes pelean hasta la muerte.

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Su protagonista Kable es controlado por un joven jugador legendario llamado Simon, que a pesar de las escasas probabilidades, consigue mantener con vida a Kable cada semana, que fue apartado contra su voluntad de su familia, encarcelado y obligado a luchar, convirtiéndose en un moderno gladiador que debe sobrevivir lo suficiente para poder escapar del juego y liberar a su familia, atrapada en otro juego llamado “Society”, y recuperar su identidad para así poder salvar a la humanidad de la despiadada tecnología de Castle.

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Pues por una vez y sin que sirva de precedente, he de decir que Cotu  tenía razón, este largometraje es malo hasta la saciedad. Juega a ser un thriller de acción ambientado en un futuro pero que se queda en un pretexto. A Mark Neveldine y Brian Taylor creadores de este producto hay que reconocerles que ideas tienen, pero lo malo es que no saben desarrollarlas en el papel y menos en los fotogramas. Crean un guión con un par de ideas más trascendentes y personajes supuestamente complejos, pero que en el desarrollo se diluyen en una más de tiros y bombas por doquier. Con efectos especiales abrumadores. Cuando acaba la proyección te quedas sentado en la butaca y te dices, es un largometraje hueco, carece de sentido algunas cosas, y en lugar de criticar caen en el juego. Desaprovechando lo que podría haber sido un producto ciertamente novedoso.

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Lo peor del reparto es  Gerard Butler que parece sacado de film “300”, poniendo las típicas caritas y morritos de Leónidas. Lo mejor sin duda son tanto John Leguizamo, que posee un papel muy cortito pero consigue que al final de la proyección te acuerdes de él, como Kyra Sedgwick, a la que podéis ver en la serie “The Closer”, y que aquí interpreta a una presentadora de televisión un tanto particular.

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Mención aparte merece el actor Michael C. Hall, al que todos conocéis de la serie “Dexter”, aquí da vida al villano creador, y que posee un momento estelar, de los antológicos. Hablo del número musical cantando “under my skin”, que viene muy a cuento en ese momento del film, y que juega a ser un homenaje de “La naranja mecánica”. Pero no será este el único que veréis, ya que hacen otros a “Blade Runner” o “Matrix”.

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Lo mejor de esta película es su banda sonora, no la original, sino del uso que hace de canciones como la versión de “Sweet dreams” de Marilyn Manson o del único hit de la banda Blodhoungang. Lo peor del film es que carece de vida propia, intenta jugar bazas pero no las aprovecha, Neveldine y Taylor pretenden anclar el film a una firme base en la realidad presente sobre la que sustentar su crítica, pero lo más irónico es que les ha quedado un largometraje cercano a lo que pretenden criticar, pan y circo para todos, y no hay nada inteligente detrás. No sé si llego tarde, y ya algunos habéis caído en la trampa del marketing y la habéis visto, en caso contrario huid mientras las fuerzas os aguanten.

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360 GRADOS

Estimados lectores ayer tuve la oportunidad de entrar en la catedral del fútbol americano, que no es otra que el estadio de los New England Patriots, que como nos está pasando en España ahora se llama “Gillette Stadium”, y está situado a las afueras de Bostón, y a unos 119 kms de nuestro apartamento. Y cuando digo afueras me refiero como a unos 50 km del centro de la ciudad, así que si no tienes coche no hay forma humana de llegar hasta allí a no ser que uses el coche de San Fernando.

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El motivo era acudir al concierto de U2 llamado 360º World Tour, que iniciaron el pasado mes de junio con dos conciertos en Barcelona y finalizarán la semana que viene en el estadio de los Giants en New Jersey. Para pasar a la gira Americana con 12 conciertos más. Por cierto, qué gran organización por parte de Ticketmaster, nos mandaron correos electrónicos los días previos al show, como le dicen por aquí al evento, para recordarnos que iba a acontecer y cómo se podía llegar.

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La primera sorpresa de la velada fueron los cuarenta dólares que nos costó aparcar el cochecito, vamos casi como el precio de la entrada ya que nos costó 50 dólares más impuestos. Como si se tratara de una jornada futbolera en el parking había tailgate, es decir, todos haciendo la barbacoa pertinente en el aparcamiento, nosotros por nuestra parte decidimos hacer cena de sobaquillo como dicen los valencianos, nos llevamos el “bocata”, que obviamente nos tomamos mientras otros hacían unas pedazo barbacoas de cuidado. Vamos como venga Gallardón aquí la lía parda, haciendo una ley antitailgates, porque aquí la compañía se pone hasta las cejas de cerveza antes de entrar, porque dos cervecitas normales te salen por 22 dólares impuestos incluidos, y además, tienes que pagar el vaso de plástico, ahí queda eso. Así que no es de extrañar que hagan este tipo de cosas. Además, quiero llamar vuestra atención sobre un detalle de la foto, a lo largo y ancho de los diversos parkings hay estos aseos portátiles, así en ninguna esquina huele a lo que no debe. Deberían aprender Gallardón y Esperanza. 

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Entrar en este gran estadio es como entrar en el Vaticano, vamos que no consigues hacerte una idea de lo inmensamente grande que es, hasta te parece pequeño, sobre todo si encima el escenario es gigantesco.

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La banda irlandesa llenó los dos días, empezaron con una ligera demora, pero el concierto fue una pasada, algunos sabéis que opino que el nuevo trabajo de la banda atiende a razones de marketing y de fabricación automática que al verdadero corazón del grupo irlandés, pero anoche nos sorprendieron a todos con los mixes que se marcaban, mezclando canciones y letras, y haciendo versiones de canciones del nuevo álbum que son más auténticas y mejores que los temas originales del CD.

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El escenario es era una especie de nave espacial y su propósito era que el público se sintiera cerca de la banda y el objetivo lo conseguía con creces. Nosotros que estabamos bastante lejos lo vimos como si estuvieranos abajo enfrente del escenario. No os podéis hacer una idea de lo increíble que es la escenografía, funcionaba como el mecanismo de un reloj suizo, con una perfección brillante. Porque la pantalla se trasformaba en una inmensa celosía árabe de colores. El momento álgido del concierto fue sin duda cuando cantaron “Until the end of the world”, tema que aparecía en la banda sonora del homónimo film de Win Wenders, Bono subió al escenario circular a una chica del público, se subió en sus brazos mientras cantaba las primeras estrofas del tema, y luego improvisaron una performance muy romántica. Obviamente, él la iba dirigiendo, dándole directrices como avanza por la pasarela, quédate ahí. A pesar de todo, quedó un momento muy romántico y tierno. El estadio de los New England Patriots se vino abajo. Pero también tocaron temas de más bandas sonoras, como por ejemplo “Elevation” que aparecía en “Tom Rider” o  la canción “Stay” que aparecía en el largometraje de  Win Wenders “Far away, so close” que se tradujo al castellano como “Tan lejos, tan cerca” y se trataba de la segunda parte de “El cielo sobre Berlín”. Y fue de agradecer que estuviera poco mesiánico, aunque alguna perlita dejó caer.

Pero hubo un momento, mientras comenzaba el concierto que no pude evitar pensar, ojala que Bono se transforme por un instante en Peter Griffin y nos cante el famoso “Shipoopi” que aparecía en uno de los capítulos de la gran serie de animación “Padre de familia”.

SHIPOOPI-PADRE DE FAMILIA

Por cierto, el famoso “Oe, oe, oe” lo cantaron a las mil maravillas los cientos de espectadores que habían en las gradas, así que nos resulto muy familiar, y un pequeño detalle más. Para pedir un bis, lo hacen golpeando con la palma de la mano el respaldo del asiento, así que imaginaos el estruendo que se organizó en un momento. Parecía que venía una estampida de búfalos.

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Y os preguntaréis: si todos llevan coche y el estadio estaba hasta la bandera, ¿debisteis salir a las mil y monas? Pues no, amigos. Estos chicos lo tienen todo organizado a la perfección. Nosotros estábamos atemorizados, y corrimos que nos las pelamos para llegar al coche, porque claro lo teníamos en el parking 12 de 18, así que un poco asustados por lo que nos pudiéramos comer si que andábamos. Pero, todo hay que decirlo, abrieron tres carriles de salida, las incorporaciones eran alternativas un coche cada vez. Me recordó (amigo Sancho) a la salida del concierto del Olimpia Stadium en Berlín. Era como una regla implícita que nadie te explicaba pero que todos obedecían. Y salimos de aquel atolladero en menos de 15 minutos, eso sí nos quedaba un largo camino a casa, de una hora y media de duración. Me imagino que mis estimados Eulez y Julia se hacen una pequeña idea porque han hecho ese camino con nosotros, pero mereció la pena el esfuerzo económico y físico.

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MYSTIC PIZZA

Hoy voy a dar el inicio formal a una sección que rondaba mi atolondrada cabeza, y que no acababa de dar forma y lo he encontrado, se llamará “LUGARES DE CINE”, algunos pensaréis, vaya se ha matado, pues sí, es el más evidente, pero no se me ocurría otro mejor. Con esta parte del Videodromo quiero resaltar, lugares que vaya visitando a lo largo de mis viajes por el mundo y que tengan una cierta repercusión cinematográfica. Hoy iniciamos la sección que con un lugar muy culinario…

Dando vueltas por el estado de Connecticut, uno puede encontrar un pequeño pueblecito costero llamado Mystic.

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Allí en 1993, la familia Zelepos abren un local llamado “MYSTIC PIZZA”. El trabajo duro, el esfuerzo familiar, y la “receta secreta” fueron los principales ingredientes que labraron su éxito local. Hasta que en 1997 un día, los chicos de Hollywood repararon en este curioso lugar.

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La guionista Amy Holden Jones quedó prendada de este lugar de comidas, y lo convirtió en el núcleo de la acción de una película que llevaría el nombre del negocio familiar y que cuenta la vida de tres camareras. Para Daisy Araujo, su sensible hermana Kat y su amiga Jojo el último verano después del instituto será un verano que nunca olvidarán. Las tres amigas trabajan en la pizzería y allí compartirán sus deseos, sus sueños y sus planes para escapar de la pequeña ciudad. Cuando Daisy se enamora de un joven llamado Charles, todos piensan que ha encontrado la manera de dejar la ciudad. Pero cuando las chicas descubren que Charles no es el hombre que aparenta ser, se dan cuenta de que con la amistad y el respeto se encontrarán a sí mismas y una manera de salir de Mystic.

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Así Donald Petrie, director de esta película tendría todos los ingredientes, el folliage del otoño de Connecticut, un guión resultón, un buen restaurante, pero le faltaba uno, la protagonista. Le faltaba encontrar un reparto que funcionara y para ello buscó y encontró a unas desconocidas, por aquel entonces, Julia RobertsAnnabeth Gish y Lili Taylor. La película se estrenó en 1988. Fue todo un éxito que vino a reforzar el del citado restaurante.

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Así todos querían ir a probar ese trozo de cielo al que hacía referencia la camiseta que llevaba la protagonista del film. Y para que lo voy a negar, yo también quería probarlo, y me gustó os lo prometo. El local ha sufrido algunas mejoras, obviamente, y dista de la imagen del largometraje. Ahora e sun púlpito consagrado a la imagen de Julia Roberts y a la película en sí. Sus paredes están decoradas con imágenes del rodaje y con cartelería del film.

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Al fondo de la foto podéis apreciar una pantalla de televisión, es más, hay otra en una posición simétrica en el comedor, donde puedes ver ininterrumpidamente la pelicula mientras te comes tu pedazo de cielo. Hay que reconocer que la especialidad de la casa estaba riquísima y no era tan cara. Como cabría pensar a priori.

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No me extraña que todos quisieran un recuerdo, todo el mundo se llavaba el menú como objeto de recuerdo, y esto llevó a la familia Zelepos a dar a cada cliente el suyo, así que no pude evitar llevarme el mío de recuerdo. Y de paso como no tenía corta pizzas me hice con el mío, qué mejor recuerdo de un lugar de cine.

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Así que si podéis o tenéis la curiosidad de visitarlo, no dejéis de hacerlo, está en el incomparable marco del típico pueblo costero, y desde luego nada mejor que el otoño para visitar Mystic.

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LA COSA…EL ENIGMA DE OTRO MUNDO

“Una advertencia: decidle al mundo entero, vigilad el cielo, no os descuidéis, vigilad, seguid vigilando el cielo”
Scotty, “El enigma… de otro mundo” 1951.

“Nadie confía en nadie y todos estamos agotados. No puedo hacer nada más, sólo esperar. Mc Ready. Piloto. Puesto fronterizo número 31”.
Mc Ready, “La cosa” 1982

Con estos dos diálogos quiero poner de relieve lo distintas que son entre sí estas dos adaptaciones de la novela “Who goes there?”, que podríamos traducir como ¿quién va?, escrita por el padre de la ciencia ficción moderna John W. Campbell Jr.  La primera fue realizada por Christian Nyby y producida por Howard Hawks para la RKO Pictures. La segunda, dirigida por John Carpenter y producida por el famoso tandem de los ochenta Lawrence Turman y David Foster, ¡qué grandes películas nos dio!, en compañía de Larry J. FrancoStuart CohenWilbur Stark para Universal Pictures.

LA VERSIÓN DE 1951

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 Contexto historico y social:
Esta película al igual que otras producciones de serie B del momento, realizadas con escasos recursos pero con guiones muy sólidos como por ejemplo, la primera versión de La invasión de los ladrones de cuerpos de Don Siegel o Them! de Gordon Douglas, pertenece a la corriente de largometrajes de género que se hicieron dentro de “la guerra fría” que mantuvieron norteamericanos y rusos hasta la caída del muro de Berlín el 9 de noviembre de 1989 y también dentro del pánico atómico que nació tras el bombardeo del 6 de agosto de 1945 sobre la ciudad de Hiroshima. En 1951 Estados Unidos y la Unión Soviética están dentro de la mayor contienda propagandística, la carrera espacial.

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Pero no hay que olvidar la caza la brujas promovida por el senador republicano Joseph Raymond McCarthy, que creo el Comité de Actividades Antiamericanas. En febrero de 1950 lanzó una acusación pública contra 205 supuestos comunistas infiltrados en el Departamento de Estado. El macarthismo fue símbolo de la feroz persecución anticomunista que sufrió la comunidad intelectual norteamericana desde 1950 hasta alrededor de 1956, ya que en 1957 dejó su cargo. Fue una lucha ideológica contra lo que se llamó el peligro rojo, el comunismo. Y que se verá reflejada en mayor o menor medida en estas cintas de ciencia ficción.

 El guión
Charles Lederer se encargó de adaptar el libro a la gran pantalla en este caso, aunque según IMDB, Hawks también participó de forma no acreditada en las labores de guión y dirección. No por ello deja de ser un producto muy curioso. Podemos ver como entre las situaciones más terroríficas como las del acecho del extraterrestre o las de sus posteriores intentos de caza, se intercalan otras con un carácter más humorístico, en el caso del periodista Scotty posee un carácter más cínico, y en el de McFerson y Eddie que se basan más en los juegos de palabras.

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Además serán ellos los que dimensionen el grado de camaradería que existe entre ellos y el capitán Patrick Hendry. Pero también hay otras más románticas, en esta línea argumental es importante el personaje de Nikki, la secretaria del doctor Carringhton, que posee una historia de amor con el Patt.

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La línea argumental de base enfrenta a dos comunidades la científica y la militar, encarnadas en el doctor Carrington y el capitan Patrick Hendry. El primero es famoso por haber obtenido el premio Nobel de ciencia y haber participado en los experimentos del atolón de Bikini. Pat por su parte es famoso por su camaradería, compañerismo, siempre buscando el bien común, defendiendo a todos los que están bajo su mando. Es divertido y fiel. Mientras que para el científico este encuentro es un momento fascinante y quieren realizar contacto, compartir conocimiento.

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Los aspectos argumentales más relacionados con la carrera espacial los encontramos en los diálogos de la secuencia en la que el doctor Carrington les cuenta que ha caído un avión, y Patt plantea la posibilidad de que sean los rusos, si su tecnología puede estar tan avanzada. Por lo tanto no es descabellado concluir que la tesis del film es muy macartista y conservadora. Que denosta la ciencia y el mundo intelectual. Pero que posee momentos muy brillantes como cuando todos están sobre el hielo y tratan de determinar la forma y el tamaño. A muchos en su momento esta secuencia les tuvo que parecer terrorífica.

El alienígena
Se trata de un claro exponente de una raza invasora. El papel recayó en el actor James Arness, posee un aspecto visual muy antropomórfico, muy típico de las producciones de esta época, y cercano a la figura de Frankenstein interpretado por Boris Karloff en algunos aspectos visuales, como su comportamiento y forma de andar. Aunque existen diferencias, porque nos cuentan que sus células son como las de una planta o árbol. Por eso dispararle balas carece del menor sentido, por eso tratan de exterminarlo por otras vías. Pero lo más curioso es lo emparentado que está con otro hito del terror del momento, hablo de “Drácula” de Tod Browning, ya que se alimenta de sangre. Eso le daba un carácter feroz.

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El aspecto más espeluznante del film es cuando el doctor planta las esporas obtenidas de la mano del alienígena y surgen plantas que son alimentadas con plasma fresco. Y es aquí donde conecta esta cinta con el posterior clásico de 1956, “La invasión de los ladrones de cuerpos”, los alienígenas son plantas que surgen de unas vainas. Como dice el doctor Carrington al carecer de corazón, carecen de emociones y eso hace que su raza sea superior a la nuestra. Y cuando parece que la trama se pone apocalíptica, en la secuencia en la que los científicos empiezan a plantear hipótesis sobre velocidad de reproducción, podemos ver que sólo es con el fin de justificar que hay que exterminar al alienígena, quedando claro que los guionistas no buscan explorar esta vía.

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Otras curiosidades
En cuanto a Christian Nyby había ejercido con anterioridad a este film como montador en otros largometrajes de Howard Hawks como “Tener o no tener” de 1944 o “El sueño eterno” de 1946. Pero su carrera acabó en el mundo catódico haciendo capítulos para series de la talla de “El fugitivo”, “Kojak” o “Las calles de San Francisco”.

LA VERSIÓN DE 1982

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Introducción
En el otoño de 1982 llegó a las pantallas españolas esta gran versión sobre el clásico de Nyby, porque pese a lo que pese, como tal hay que tratarlo. El lanzamiento de la versión de John Carpenter se vio un tanto eclipsado, tal y como le pasó a “Blade Runner”, por una visión más amable de los alienígenas procedentes del espacio exterior, hablo de “E.T.: El extraterrestre” de Steven Spielberg, película de ciencia ficción de tintes más infantiles y familiares, se convirtió automáticamente en el fenómeno cinematográfico del año batiendo todos los récords mundiales de recaudación, y consagró a su director. El largometraje fue denostado e incomprendido en su momento, tanto por crítica y público, pero con el tiempo ha convertido en todo un fenómeno de culto, y que ahora vamos a analizar.

Antecedentes:
El proyecto inicialmente estuvo en manos de Tobe Hooper y Kim Henkel, pero quedó en un cajón de la Universal hasta que tras el inesperado éxito de “Alien”, decidieran los directivos desempolvar el proyecto, y Carpenter fue el director finalmente escogido tras cosechar un enorme éxito con “Halloween”, cuando le pidieron los directivos de la productora que si se hacía cargo de hacer una nueva versión, este se hallaba inmerso en la postproducción de “La niebla”.

El contexto histórico y social
Este largometraje está claramente marcado por una enfermedad, el SIDA, que se reconoció oficialmente el 5 de junio de 1981, cuando el Center for Disease Control and Prevention (Centro para la prevención y control de enfermedades) de Atlanta (Estados Unidos) convocó una conferencia de prensa donde describió cinco casos de neumonía por Pneumocystis carinii en la ciudad de Los Ángeles. En cuestión de meses gran parte de la comunidad cinematográfica de la costa oeste de Estados Unidos quedó arrasada por este virus, y tenía alarmada a toda la población, más a los grupos de riesgo, que por aquel entonces eran homosexuales, adictos a drogas por vía parenteral y hemofílicos. Además, la URSS lanza la estación espacial MIR al espacio.

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Los aciertos de un gran guión
El productor y actor Bill Lancaster, hijo del genial Burt Lancaster y que le perdimos a la temprana edad de 50 años de un infarto de miocardio, firma un guión que según algunos autores es más fiel al relato original y nos llevará hasta los lejanos parajes de la Antártida, a diferencia de su predecesora que está situada en Ancorage, Alaska.  Con una espectacular escena de persecución en la que un helicóptero quiere dar caza a un perro. De  este modo nos adentra en un paraje inóspito y en una trama de aires gélidos y apocalípticos, en la que el espectador desde el primer minuto sabe que no podrá hacer nada, y nadie les puede ayudar.

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Este libreto hay que leerlo en claves sociales y no políticas. Se aleja de las claves típicas que son sello de identidad del realizador Howard Hawks, tales como, la camaradería, los elementos desdramatizadotes como los personajes graciosos, los flirteos entre adultos; abandonando por completo también a los militares salvadores y las tesis macartistas conservadoras de la versión original. El gran acierto del guionista es centrar todo el relato en una historia de terror de tintes apocalípticos, donde los conflictos sociales y sanitarios sean todo nuestro foco de atención.

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Esta expedición científica integrada por doce miembros no deja de ser una representación de la sociedad norteamericana del momento. Y es aquí donde este film entronca con un hito predecesor, hablo de “ALIEN, el octavo pasajero”. Así por ejemplo Nauls y Childs, son los dos únicos miembros de raza negra en la expedición científica, y poseen las profesiones que nadie quiere: cocinero y mecánico. Además, les aplica todos los estereotipos posibles, van sobre patines, poseen un lenguaje soez, escuchan música disco. 

T. K. Cartel es Nauls

T.K. Carter es Nauls

Keith David es Childs

Keith David es Childs

El resto de los miembros que integran este equipo son blancos y tenemos a dos pilotos (Mc Ready y Palmer), radio operador (Windows), un médico (Cooper), biólogo (Blair), asistente del biólogo (Fuchs), el perrero (Clark), geólogo (Norris), meteorólogo (Bennings) y Garry que está al mando de toda la estación. No existe cohesión entre ellos, así las disputas raciales se dejan ver a lo largo de todo el metraje, por ejemplo en la secuencia en la que Garry cede el mando de la estación y Childs trata de hacerse con él, pero el resto de los miembros prefieren a Mc Ready, es más el llega a decir que hay que tener un carácter más templado para ser líder. 

Kurt Russell es Mc Ready

Kurt Russell es Mc Ready

A. Wilford Brimley es Cooper

Wilford Brimley es Blair

David Clennon es Palmer

David Clennon es Palmer

Charles Hallahan es Norris

Charles Hallahan es Norris

Richard Masur es Clark

Richard Masur es Clark

Richard Dysart es Cooper

Richard Dysart es Cooper

Thomas Waites es Windows

Thomas G. Waites es Windows

Peter Maloney es Bennings

Peter Maloney es Bennings

Joel Polis es Fuchs

Joel Polis es Fuchs

Donald Moffat es Garry

Donald Moffat es Garry

El segundo acierto es explorar lo que nos incomunica como individuos sociales, me refiero al lenguaje, al idioma. Eso nos puede aislar, y en el film hasta matar. Eso lo apreciamos muy bien en la secuencia del piloto noruego que quiere matar al perro al inicio del film. Posee unas líneas de diálogo muy bien declamadas, porque le da un aire absolutamente apocalíptico y desquiciado, a pesar de que no le comprendes ni una sola palabra, sabes como espectador qué dice y qué pasa por su mente. Llegados a este punto, es de ley decir que este personaje está interpretado por Larry Franco, uno de los productores de la cinta y primer ayudante de dirección. Aquí además se sirve de los estereotipos, ya que el perro es el mejor amigo del hombre, y como un animal tan bello va a ser un ser tan vil que merezca morir a sangre fría y a balazos.

Larry Franco haciendo de científico noruego desquiciado

Larry J. Franco haciendo de científico noruego desquiciado

Lancaster acertadamente bucea en los aspectos más psicológicos del drama, que todo sea dicho están muy bien trabajados, y de forma paralela al desarrollo de la acción busca o indaga en aquellos elementos que nos hacen ser más humanos, por ejemplo, las adicciones (marihuana, alcohol), la vehemencia en el carácter o las pulsiones, el espectador a medida que avanza el metraje verá como estas cualidades irán despareciendo de los personajes, y así podremos ir detectando quién es humano todavía y quién ha sido asimilado.

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Hay que fijarse en detalles como los canutos, las botellas de vodka o whiskey, la secuencia de la partida de ajedrez, etc. Además, explora la idea del individualismo, que se supone que nos hace más humanos y marca la diferencia entre unos y otros, frente al colectivo y la masa, tesis apoyada en “La invasión de los ultracuerpos”. Pero en “La cosa” les lleva a la perdición, porque es ahí donde arraiga el valor de la desconfianza, y eso les llevará a la destrucción. Desconfianza que nos rodea en nuestro día a día. ¿En quién confiáis? Por eso es tan vigente la trama del film.

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Dentro de las emociones bucea en el miedo, así veremos que transforma a algunos de los miembros del equipo en seres más mezquinos, mientras que otros optan ante esta emoción por el suicidio como salida. Donde la timidez o el no ser tan extrovertido como el resto de miembros de la expedición te lleva a la muerte como le pasa a Clark y convierte a una buena persona, Mc Ready en asesino, porque piensa que está matando al extraterrestre sólo porque no muestra sus sentimientos en momentos de gran tensión.

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Y termina de tensar esta línea del guión cuando juega con la necesidad del individuo por socializarse, tras el encierro de Cooper en el cuarto de las herramientas, y todas sus secuencias a partir de ahí juegan con el suicidio (la soga que vemos colgada dentro del encuadre) y con la idea de que él alberga en su interior el extraterrestre y necesita socializarse para seguir asimilando individuos, es así como llegamos al tercer gran logro, y lo que la hace verdaderamente terrorífica, la idea del contagio.

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La forma de vida alienígena sobrevive no parasitando otras, sino que las asimila. Es aquí donde el guionista trabaja sobre la idea del contagio sanguíneo, para llevarlo al paroxismo en la magnifica y muy recordada secuencia en la que todos los miembros de la estación se someten a la particular prueba sanguínea. Ahí es donde explora los temores a dar positivo, y desvelar que tu eres uno de ellos, un alienígena.

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Así se aleja por completo de utilizar el camino ya andado por Scott en Alien, sobre la idea del intruso, y centrar aquí todo el núcleo fuerte de la trama. Y generando un final antológico, de los más apocalípticos que se habían visto hasta el momento, el último que recuerdo cronológicamente de la misma talla es “La invasión de los ultracuerpos” de Phillip Kauffman de 1978. Este final está protagonizado por Mc Ready y Childs, uno frente al otro, pasándose la botella de J&B, teniendo como telón de fondo la estación completamente destruida mirándose, y preguntándose que hacen ahora, y Mc Ready le contesta tan sólo podemos esperar, y cierne la duda sobre el personaje de Childs ¿estará contagiado?

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Lancaster acierta una vez más al transformar el relato en un thriller al uso, en una novela de misterio como por ejemplo “Los diez negritos” de Agatha Christie, así Mc Ready no deja de ser una suerte de Hércules Poirot, que juega a averiguar ¿quién es quién? y va tras la pista del alienígena que se esconde, que por supuesto le va tendiendo toda suerte de trampas, y ha de ir solventándolas con mucha imaginación, y a veces usando la fuerza, como por ejemplo la escena de la dinamita. Y me recordó mucho a ese relato de la famosa escritora británica en la medida que los personajes van muriendo de uno en uno. Hasta que sólo quedan dos, curiosamente el investigador y el asesino.

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El fuego es, una vez más, un elemento importante al igual que en “El enigma … de otro mundo”, será el método elegido para destruir al alienígena, no porque sea una planta como en el original, sino porque no deja rastros y es un elemento purificador.

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Objetivo: aterrorizar al espectador
Para ello el astuto Carpenter juega por un lado con el fuera de campo, lo que no te muestra, ahí vuelve a entroncar con “Alien” ya que nuca vemos por completo al extraterrestre, y sobre todo porque no tiene una forma definida. Es aquí donde hay que destacar la labor de Rob Bottin, que crea una criatura extraña, informe pero a la vez reconocible, y se agradece que se aleje de las figuras antropomórficas tan típicas de este género, y que se aleje por completo de la imaginería del film de Nyby. Otro ejemplo lo encontramos en la escena de Bennings en el almacen.

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Otra de los grandes aciertos es el sonido, poniendo planos con muy pocos elementos, pero que con el sonido incrementa la tensión y exacerba la imaginación del espectador. El gran ejemplo es la secuencia de la perrera, es más lo que se oye que lo que se ve. Pero el resultado obtenido es tensión máxima.

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El tercer mecanismo, que la hace heredera del momento en el que surgió, son las pinceladas gore con las que Carpenter salpica el metraje. Están bien usadas, porque realza la trama y están plenamente justificadas, como por ejemplo en la secuencia de la autopsia realizada por el doctor Cooper.

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Y la última herramienta usada es, y obviamente la más explotada por Alfred Hitchcock, esconder algo, quién, al verdadero motor de la trama a la bestia llegada del espacio en seres reconocibles y amistosos, empezando por el perro y pasando luego por los miembros más venerables y cándidos de la expedición, el científico mayor y el veterinario.

La puesta en escena:
La apuesta del director es fuerte, alejándose de ambientes familiares y cálidos. Así que se traslada a las antípodas y realiza una puesta en escena sobria, minimalista y gélida. Pero también se pueden apreciar pinceladas expresionistas, como en la secuencia en la que el perro va eligiendo cuarto y encuentra el de Palmer abierto y vemos como se aproxima a él jugando con las sombras.

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Y es en la planificación y en la explotación de los recursos, como por ejemplo la escena en la que Bennings es incinerado en el exterior de la base, en la que dispone a los actores en círculo en torno a la figura en llamas, creando una magnífica metáfora en la que podemos entender que el aliengena ha roto el círculo de confianza y está entre ellos, es uno más, en donde apreciamos el oficio de este gran director.

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Un trabajo artesanal

 Este film está realizado en una época donde no se hacían las películas por ordenador. Donde los creadores jugaban con la imaginación del espectador, haciendo sus productos más interesantes. Así, nuestro particular alienígena está realizado con animatronics y es más real, que si lo hubieran hecho por ordenador, nos tratan de vender que es mejor, lo cierto es que sale más barato, pero no es mejor, y encima gana en verosimilitud. El gran merito en este campo se lo debe llevar Rob Bottin, pero Stan Winston también merece ser mencionado por su gran labor desarrollada en la escena de la perrera realizada a petición de Bottin.

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Estando estos a la altura del que sin duda podemos decir que es el gran mago, hablo del rey de las pinturas mate, no es otro que el gran Albert Whitlock, que recibió el Oscar en 1974 por las 70 pinturas realizadas para el film de catástrofes “Terremoto”. Este artesano puede jactarse de haber trabajado con los grandes desde David Lynch al mago del suspense, Alfred Hitchcock. Pero siempre nos quedará su enorme talento, en dos escenas del film podemos ver las claves de su enorme trabajo, de su maestría en una técnica que parece desaparecer con la llegada de la era del ordenador, y la aportación a la industria del trucaje; no son otros que manejar de forma correcta la paleta de colores, determinar que tono se desea, la luz que es necesaria, y sobre todo saber colocar de forma correcta a los objetos y los personajes en el lugar preciso. Esto que puede parece una afirmación simple, es más compleja de lo que parece, porque requiere ir más allá del trabajo en dos dimensiones, que es en lo que consiste un dibujo, para tener claramente definido en la mente el resultado en tres dimensiones, y verlo proyectado en una pantalla otra vez en dos dimensiones pero con perspectiva. Y no cabe la menor duda de que también requiere una gran coordinación con el director de fotografía, en este caso se trataba de Dean Cundey, porque los de cómo rodara a los elementos sobre la pantalla azul determinaría el resultado total sobre el mate. Para que os quede claro ásí funciona este tipo de trucaje.

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La banda sonora:
Firmada por Ennio Morricone es un tanto bipolar, ya que oscila entre los acordes minimalistas generados con el sintetizador, con clara influencia del Carpenter más cercano a “Halloween”, y los acordes más clásicos generados con instrumentos de cuerda como el violín, acompañados de grandes orquestaciones, como los que se pueden escuchar en el momento en el que descubren la nave.

Paralelismos y homenajes:
Es innegable que existen ciertos paralelismos en la planificación de algunas escenas o planos, en este caso se trata de un gran homenaje porque las tramas son paralelas y sólo poseen un nexo común que es la figura del invasor, que va desde los rótulos de crédito iniciales

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pasando por el inicio del film…

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o la mostrarnos el lecho donde yace el extraterrestre…

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 o el intento fallido de exterminar al alienígena

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Incluso en la escena que podemos ver en el monitor de vídeo cómo el equipo de noruegos da forma a la nave enterrada en el hielo, que nos traslada a cómo resuelve Nyby el problema de dimensionar el tamaño y la forma de la nave. Así queda claro que no es un avión, y obviamente no realiza ningún ejercicio de metáfora con la figura obtenida.

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Pero Carpenter homenajea a otros clásicos del género, como por ejemplo “La invasión de los ultracuerpos” de Kauffman cuando Bennings es asimilado por el extraterrestre, y cuando es destruido en el hielo, ahí hasta el técnico de sonido homenajea ese película al ponerle un grito muy parecido a que daban los ultracuerpos al reconocer a un humano.

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En tercer lugar a “Alien” con el tratamiento que le da a los personajes de Palmer y Nauls, que son como Parker y Brett.

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OBRA MAESTRA

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Cuatro jóvenes viajan en coche atravesando el desierto de camino a la playa, pero las cosas no son lo que parecen: éste no un viaje de placer sino todo lo contrario. Su único objetivo es escapar de un virus mortal que podría acabar con toda la humanidad… y evitar cualquier contacto con otros seres humanos. Esta es la premisa de partida de la road movie apocalíptica “INFECTADOS” dirigida por Àlex y David Pastor, hermanos en la realidad. Toda una ópera prima, fresca, hecha con cuatro duros, mucha imaginación, y sobre todo mucho talento.

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No estamos ante un film de carreritas y de infectados en línea más dura de “28 días después”, se trata de un largometraje cuyo marco referencial hay que buscarlo en el mundo literario, en obras como “Al este del Edén” de John Steinbeck o en el mejor Richard Matteson, el de “Soy leyenda”, aunque las referencias al universo de “Mad Max” de George Miller y a “El tiempo del lobo” son directas y obvias. Así pues, el guión escrito por los hermanos Pastor nace de la pasada pandemia de gripe aviar. El film está cargado de mucha ironía y crítica social y religiosa, esas mascarillas que llevan una sonrisa amable, y lo único que representan es una cordialidad ficticia, porque no quieren saber nada de nadie, eso sí, ante todo cuidar las formas hasta que las pierden, o esas buenas cristianas que llegado el momento de demostrar su valía no son capaces de dar todo al prójimo que lo necesita.

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No os podeís hacer una remota idea. Aquí, en norteamerica en la universidad, si una chica se constipa, hay un pulverizador con alcohol, le dan un trapo y todo lo que toque lo debe limpiar. En el gimnasio hay un pulverizador y cada vez que acabas con un aparato hay que pulverizar y limpiar la superficie. Todo esto dentro del marco de las medidas preventivas de la universidad. Así que lo que se ve en la película no es remotamente desquiciado, es una realidad pura y dura.

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Así que han creado todo un intenso thriller, que se centra en los personajes, y huye de propuestas de acción para darle un aire más realista. Hasta el punto que uno vislumbra como nos puede llegar a afectar una situación de ese calado. Es ahí donde nace la vertiente más terrorífica del film, porque es algo que podría pasar en un futuro muy cercano, y eso da mucho miedo.

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Si me tuviera que quedar con alguna secuencia dudaría entre la de la piscina o la del perro, casi me subo por la butaca, es eficaz y está muy bien planificada. En cuanto a lso actores, quiero destacar la gran labor de Chris Pine, que da vida a Brian, el mayor de los dos hermanos, quien se ha convertido en un rostro muy conocido para el gran público tras interpretar a James T. Kirk en la superproducción de J.J. Abrams STAR TREK.

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Nada que ver con ese registro, aquí lidera la acción y marca la pauta al resto de sus compañeros de reparto. Compone así lo que podría ser su mejor papel hasta la fecha. Por su parte, Lou Taylor Pucci, al que todos recordaréis por su aparición en la gran “Southland tales”, le da réplica a la misma altura, y se erigen como el núcleo central de la historia, y el resto de personajes gira a su alrededor. No quiero olvidarme de la gran labor de ese eterno secundario que es Christopher Meloni, que parece tener más suerte en el medio catódico que en el cinematográfico, y que esperamos que esto le de la oportunidad para saltar de productos como “Ley y Orden” a otros de mayor lucimmiento, como el papel que tiene en este largometraje, que da vida a un conmovedor padre, y que se lleva una de las mejores secuencias del film, con uno de los diálogos más inquietantes y enternecedores que he visto en mucho tiempo.

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Es una historia en la que los que te dan verdadero pánico son los que no están infectados, luego más que moraleja yo diría que la película invita al espectador a realizar una reflexión sobre un futuro venidero, y plausible, nos avisa sobre determinados comportamientos, trata de que pensemos en cómo actuaríamos si nos viéramos en esa situación, cuál sería tu reacción moral si te encontraras en una situación de caos y de anarquía, es ahí donde nace la garra y la fuerza del film. Así que por todos estos motivos le concedo el puesto de honor y las cinco estrellas a esta fábula apocalíptica.

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La fecha de estreno se ha retrasado hasta el 16 de octubre porque ha conseguido hacerse un hueco en Sitges, le deseamos mucha suerte porque se merece algún galardón, por su valentía y por su buen hacer. Todo un gran debut.

MALDITOS BASTARDOS-INGLOURIOUS BASTERDS

Esta semana se estrena la película más esperada del año, hablo del nuevo trabajo de Quentin Tarantino INGLOURIOUS BASTERDS que en España recibirá el nombre de “MALDITOS BASTARDOS” . Por ese motivo Videodromo, y por cortesía de Universal Pictures España, gracias María, vamos a realizar una SESIÓN DOBLE muy especial, porque en este caso es transoceánica. Por un lado, un servidor ha visionado el film en los Mansfield Movieplex del Eastbrook Mall y por otro, Víctor Guybrush acudió al pase de prensa, y sin más dilación aquí está nuestro parecer. Una última precisión, un servidor escribió hace más de una semana su parte y no he hablado nada con Víctor por chat o correo lectrónico, es más él sabrá lo que opino hoy que se publica, lo digo porque entendereís muchas cosas a medida que os dentreís en el particular universo de…

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SINOPSIS:
Durante el primer año de la ocupación alemana de Francia, Shosanna Dreyfus presencia la ejecución de su familia a manos del coronel nazi Hans Landa. Shosanna consigue escapar y huye a París, donde se forja una nueva identidad como dueña y directora de un cine. En otro lugar de Europa, el teniente Aldo Raine organiza un grupo de soldados judíos para tomar brutales y rápidas represalias contra objetivos concretos. Conocidos por el enemigo como “Los bastardos”, los hombres de Raine se unen a la actriz alemana Bridget Von Hammersmark, una agente secreta que trabaja para los aliados, con el fin de llevar a cabo una misión que hará caer a los líderes del Tercer Reich. El destino quiere que todos se encuentren bajo la marquesina de un cine donde Shosanna espera para vengarse.

ARGUMENTO:
Víctor Guybrush: En la Francia ocupada por los nazis de una realidad histórica alternativa un montón de alemanes afines al Tercer Reich van a sufrir la ira y ansias de venganza de un puñado de judíos. A pesar de lo que pueda parecer por el trailer, la historia no se centra en los Basterds de Brad Pitt, y más de uno ha quedado decepcionado al no encontrarse con dos horas de violencia gratuita y descerebrada. Pero realmente es una suerte que Inglourious Basterds sea algo más que eso. Huelga decir que los detractores más machacones y cansinos de Tarantino se quejarán de lo de siempre. Si eres uno de ellos no hace falta que sigas leyendo, y mucho menos que vayas a ver la película. Aunque eso deberías haberlo deducido hace años.

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Alfie: No podía creerme que Tarantino fuera a realizar un largometraje bélico teniendo como telón de fondo la II Guerra Mundial, encima se permite el lujo de hacer una película de nazis y judíos, y consigue salvar la cabellera. El argumento a pesar de que os pueda parecer manido, hibrida una vez más los géneros, hace que sus fronteras se diluyan como el azúcar en el café, dando lugar a un producto dulcemente adrenalínico y revolucionario. Hay momentos que el argumento parece ser un western, otras un thriller, otras una comedia, pero lo mejor de todo es que no se sale de los estándares argumentales que debe tener el film por pertenecer al género que pertenece. Eso sí, tiene sus típicos momentos “Itchy and scratchy” tan típicos de Tarantino, que son formidablemente gores.

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SECUENCIA:
Víctor Guybrush: Aunque hay varias secuencias memorables y elegir hace que me sienta como si menospreciase las otras, me quedo con la apertura del film, en la que el coronel de las SS Hans Landa, alias el Cazador de judíos, interroga a un granjero francés llamado Perrier LaPadite sobre la posibilidad de que esté escondiendo a una familia de judíos en su granja. Muchos aseguran ya que es el mejor inicio de una película de Tarantino, y puede que no les falte razón. Es tal la tensión que se genera con la conversación entre Landa y LaPadite que hubo quien saltó de su butaca en sin necesidad de subidas del volumen de la música ni nada parecido.

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Alfie: Difícil elección, es muy duro tener que elegir una secuencia o diálogo, pero la que más recuerdo por las risas incontenibles que me generó, o mejor dicho que nos generó a todos los de la sala, fue la secuencia de cuando la actriz alemana presenta al equipo italiano de cine que la acompaña. Es buenísima, es más estoy escribiendo este texto y se me caen las lágrimas de la risa. Es brutal, funciona como el mecanismo de reloj suizo, es perfecta. Los actores están estupendos y Tarantino sabe encontrar el tono a caballo del thriller y la comedia, es posiblemente sublime, por la sencillez con la que está planteada en el guión y la brillantez de la puesta en escena. No os podéis hacer una idea. Creo que pasará a la posteridad.

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PLANO:
Víctor Guybrush: El plano que me dejó boquiabierto y hundido, y al mismo tiempo certificó que me había metido de lleno en la historia y estaba disfrutando como un enano cuenta demasiado de la película, así que me lo voy a ahorrar. La medalla de plata se la lleva el plano de Shosanna riendo cruelmente entre el humo. Impresionante.

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Alfie: Ardua decisión, mis estimados lectores, me voy a decantar por un plano el protagonizado por la actriz francesa Mélanie Laurent, se acaba de preparar para llevar a cabo su personal venganza. Son los aires de diva del thriller, que a mi me recordó a la eterna Veronica Lake actriz cinematográfica y modelo pin-up norteamericana, sobre todo por el papel de Ellen Graham en “El cuervo” traducción libre del título original “This gun for hire” realizada en 1942 por Frank Tuttle y está basada en una novela de Graham Green. Sublime, maravilloso, como está fotografiada, vestida, es un prodigio de plano, y resume todo su destino y personalidad. Y ahora que lo pienso, es un personaje que no se hasta que punto lo pensó para su musa Miss Thurman ahora metida en proyectos un tanto maternos y muy olvidables.

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Cartel español Cartel americano, aquí se nota más el parecido

PERSONAJE:
Víctor Guybrush: Hay un montón de personajes a tener en cuenta en la cinta, pero voy a elegir a un secundario sin casi peso en la historia. En las películas de grupos de soldados con misiones suicidas nunca hay tiempo para retratar convenientemente a todos los integrantes del escuadrón. Los secundarios que mueren a las primeras de cambio o los que sirven de apoyo para los protagonistas desde un discreto segundo plano siempre me han llamado la atención, y siempre lamento quedarme sin saber algo más de ellos. Por eso, a pesar del carisma de Raine, Landa, Shoshanna, LaPadite, von Hammersmark, Stiglitz, Wicki y el resto de impresionantes personajes, me quedo con el bastardo Smithson Utivich, alias The Little Man (a pesar de que no es tan bajito), interpretado por el guionista y actor cómico B.J. Novak, conocido, por ejemplo, por su trabajo en The Office y en esta película por seguir a Raine hasta el final. Os podéis tomar esto como un homenaje a esos personajes tan necesarios como olvidados por necesidad del guión.

Me ha quedado todo un homenaje, ¿o no?

Me ha quedado todo un homenaje, ¿o no?

Alfie: Aquí no tengo duda, me quedo con el Coronel Landa interpretado magistralmente por Christoph Waltz, es el gran motor dinamizador de toda la trama de la película. Carezco de adjetivos para calificar la maestría con la que está interpretado este personaje, y lo bien que se amolda a las directrices marcadas por Tarantino. No me cabe la menor duda que es un personaje que pasará a la posteridad y al acerbo cinéfilo de la blogosfera. Lo comprenderán cuando lo vean.

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EL HOMENAJE:
Víctor Guybrush: Una vez más, elegir un homenaje es dejar de lado otros. Tenemos a Sergio Leone por todos lados, referencias a películas alemanas, a Cenicienta y a clásicos como Doce del patíbulo de Robert Aldrich o Grupo salvaje de Sam Peckinpah la música de Ennio Morricone, un buen puñado personajes que se llaman como los actores y directores favoritos de Tarantino y muchas referencias a sus anteriores trabajos… pero en realidad todos estos homenajes están incluidos en uno mucho mayor, y es con este con el que me quedo: el homenaje al cine. Ya sabíamos cómo amaba Tarantino al 7º arte, pero esta vez lo demuestra de forma superlativa. A lo bestia. Literalmente.

Alfie: Me quedo con todo este inmenso homenaje al séptimo arte, aunque la valentía de Tarantino no tiene precio en el momento que nos traslada al film “La cenicienta” de Walt Disney, por la planificación, encuadre, y sobre todo como consigue cargar de suspense el plano.

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Aunque sin duda, el mejor de todos, es cuando se pone didáctico y nos desentraña la mejor técnica del mago del suspense para generar ansiedad en el espectador en la secuencia del cine cuando los italianos se acomodan en sus butacas y nos muestra lo que esconden. Parece sacado del libro de Francois Truffaut “El cine según Hitchcock”. Muy bueno, digno de la serie de televisión en blanco y negro para más señas llamada “Alfred Hitchcock presenta”.

alfred hitchcock presenta

LO MEJOR:
Víctor Guybrush: Los diálogos en dos o tres idiomas, la mezcla de acentos y los acentazos, las malas pronunciaciones y los personajes políglotas, que a su vez son los elementos que hacen posibles las escenas más tensas del film. Ver esta película doblada debería ser DELITO, y la verdad es que no me imagino cómo habrán solventado los dobladores el problema. No quiero ni saberlo. Fuera de la película, lo mejor es que a Tarantino le sigan dejando hacer lo que le apetece. En la variedad está la diversión, y pese a que a muchos de sus detractores les gustaría que no volviese a dirigir, este hombre es necesario para el cine actual.

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Alfie: La gallardía de revitalizar un género aparentemente muerto y en el que nadie se había atrevido a innovar, desde los hermanos Zucker y Jim Abrahams con Top Secret! Al llevarlo al territorio de la comedia, dando así una vuelta de tuerca al género, y que por motivos propios se convirtió en un film que se quedó en la mente de muchos cinéfilos, obviamente en la de los no puristas. Tarantino lo saca de la comedia y lo adentra en el del thriller. Eso sí, le ha quedado un largometraje muy afrancesado, como gran parte de su producción, y en el caso que nos ocupa es muy patente, y eso es de agradecer. Llegados a este punto recomendar, casi hasta el punto de la exigencia, de un visionado en versión original, cómo juega con los idiomas en el film, es divertido y sublime en algunos momentos, y cómo se recrea en los diálogos en francés. Si eres de verdad cinéfilo, o te llamas así, es IM-PER-DO-NA-BLE no disfrutar de este largometraje con los diálogos recitados en su idioma correspondiente. Si teméis perderos, os puedo comentar que la he visto sin subtítulos y no te pierdes, se sigue muy bien.

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LO PEOR:
Víctor Guybrush: No poder decirme sobre qué personaje, plano, homenaje o secuencia destaca por encima del resto. Ahora en serio, no me parece que haya algo realmente malo en la cinta, pero sí me creo que es una pena que la historia de los hijoputa (no, me parece que “basterds” no significa bastardos aquí) de Aldo Raine quede un poco coja y esté supeditada a la historia de Shosanna. Aparte de eso, nada que objetar. Nada.

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Alfie: Narrativamente Tarantino tiene un problema, que no poseía su ópera prima “Reservoir dogs”, pero que desde “Pulp Fiction” adolecen sus films. Son sus altibajos. Hay momentos que se recrea tanto en los diálogos, muy ingeniosos algunos, y en la planificación de la secuencia, que las alarga innecesariamente, perdiendo parte del ritmo. No es tanto un problema de montaje, como sí de síntesis, de concreción en algunas situaciones, que son muy buenas, nadie lo niega, pero mejoraría si no las alargara hasta saciedad, porque a uno se le mueve la lentilla y pierde la capacidad de concentración.

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CALIFICACIÓN FINAL:
Víctor Guybrush: OBRA MAESTRA

Alfie: MUY BUENA

El film se estrena el próximo viernes 18 de septiembre.