Archivo mensual: julio 2010

EL EQUIPO A

La adaptación al celuloide del equipo A es un estupendo blockbuster veraniego que hará las delicias de todos los que busquen un entretenimiento que no exija grandes esfuerzos mentales. A pesar de las polémicas que acompañan a todas las adaptaciones, este equipo sabe mantener el espíritu que tenía el de los ochenta en la serie de televisión, si bien un tanto actualizado a nuestros tiempos, pero fiel al fin y al cabo, y eso ya es un triunfo (se me viene rápidamente a la cabeza la película de Dragon Ball y no puedo hacer nada más que aplaudir a este Equipo A).

No cabe duda de que el fan pesadito que llora hasta porque el nuevo M. A. no es tan alto como el anterior (por poner una tontería) podrá sacar mil y un defectos a esta cinta, pero cualquiera con dos dedos de frente sabrá darse cuenta de que el enfoque que Joe Carnahan y los suyos le han dado es más que bueno.

Tiene todos los elementos que deberían satisfacer al público: Hay humor, y es un humor acertado, que va con la serie pero que también funciona por sí mismo. Además, las escenas disparatadas, aunque no son una constante, sí que destacan por su efectividad a todos los niveles. En el trailer ya se nos adelantaba una en la que nuestros mercenarios viajaban en un tanque que iba dentro de un avión. Cuando el avión es derribado, ellos caen al vacío dentro del tanque… y lo demás es historia: una escena de las de aplaudir al final si el espectador ha entrado en el juego que proponen.

En ningún momento del metraje se detiene la acción si no es para volver con más fuerza, y aunque no tiene unos aciertos especialmente destacables sí que es una acción efectiva. El punto negro es, quizás, el final embarullado y con explicaciones y flashbacks innecesarios que no está a la altura de todo lo que se ha visto anteriormente, pero no es suficiente para tirar por la borda todo lo anterior.

De los actores poco puede decirse que no sea bueno. Liam Neeson se fuma los puros como debe de fumárselos un Hannibal estupendo, Bradley Cooper es el Fénix siglo XXI perfecto y Quinton ‘Rampage’ Jackson, con la larga sombra de Mr. T acechando, está a la altura. Por su parte Sharlto Copley, a quien ya vimos en Distrito 9, encarna a un Murdock para el recuerdo. En general los cuatro personajes resultan creíbles, están bastante equilibrados y se ha mantenido un co-protagonismo bastante interesante.

En definitiva, una apuesta segura para los cines este verano. Si la gente logra vencer sus prejuicios y tonterías se lo pasará bien con la última (al menos por ahora) historia del Equipo A.

Calificación: 7

SPLICE, EXPERIMENTO MORTAL

No puedes tenerlo todo. Tienes que aprender a madurar.
Elsa Kast

Deberías mirar mejor tu historia familiar.
Clive Nicoli

SINOPSIS:
Clive y Elsa son una pareja de brillantes científicos especializados en la combinación de ADN que se dedican a diseñar híbridos de especies animales para un laboratorio farmacéutico. Tras el éxito de su último experimento, deciden en secreto ir un paso más allá y usar ADN humano en la creación de un nuevo híbrido que les ayude a revolucionar la medicina moderna. Pero la especie resultante es mucho más que un nuevo escalón en el árbol evolutivo: Dren es una sorprendente y extrañamente hermosa criatura de viva inteligencia y poderosas habilidades físicas que no sólo excede sus sueños más ambiciosos, sino que amenaza convertirse en su peor pesadilla.

ARGUMENTO:
Vincenzo Natali revisita un buen puñado de obras, desde el mito de Edipo hasta Frankenstein en los temas y la mítica Species, aquella serie B en la que Natasha Henstridge paseaba su escultural anatomía (tan perfecta que te creías que venía de otro mundo o que había sido modificada genéticamente) con cara de mala leche. No es nada que no se haya visto antes y no es que estemos ante la obra definitiva sobre las cuestiones morales que plantea la ingeniería genética pero la perspectiva con la que se trata el tema, desde dentro, mostrándonos cómo el experimento empieza de 0 y cómo va evolucionando poco a poco, es muy interesante. Sin embargo no termina por explotar del todo las posibilidades de la premisa ni de los temas por los que pasa casi de puntillas, lo cual le resta muchos enteros.

Natali, Antoinette Terry Bryant y Doug Taylor firman un guión que en un principio te echa para atrás porque te dices, ¡madre mía! otra de xenoformos. Para los menos adictos a la saga Alien, otra de bichos. Pero, Natali al igual que mi adorado David Cronenberg, en “La mosca”, da una vuelta de tuerca al crear una atmósfera dominada por una paleta de colores fríos para criticar la moderna industria farmacéutica y la ingeniería genética. En un intento de ir más lejos, Natali y sus colegas no realizan un guión plano y por ese motivo se adentra en el territorio ya explorado por Shane Carruth en “Primer”, y la criatura, Dren, surgirá fruto de la casualidad experimental, no porque lo estén buscando, porque lo que buscan realmente, ya veréis si lo encuentran o no, se trata de una proteína que se supone que curará todos los males de la sociedad moderna, y erradicará las patologías de la faz de la tierra. Pero volvamos un paso atrás, el verdadero objeto de crítica es tanto la fría y calculadora industria farmacéutica como las relaciones parentales. Es aquí donde el argumento vuelve a ganar puntos. ¿hay que estar verdaderamente preparados para tener hijos? ¿Somos nosotros como padres los que generamos el carácter del hijo? Si tu hijo se rebela contra ti, ¿es porque hay un motivo de peso? Eso mezclado a la influencia de ¿Dónde te escondes, hermano? de Frank Henenlotter hace que merezca la pena ser visionada esta película ya que se aleja de los tópicos del género. Considero que esto es algo más que un mero un híbrido de varios argumentos ya conocidos por todos,  como bien decía Victor, desde clásicos griegos (Edipo) pasando por los de la Universal como Frankenstein, para llegar a cintas más modernas como “Species”. Pero, en manos de un guionista y director tan curioso como es Natali, hay más capas y enjundia de la que parece, y con esto termino, toda esta miscelánea la lleva al paroxismo al introducir un elemento como el incesto, así el argumento vuelve a girar y a sorprender, y creo que estamos ante una película de serie B, pero con factura de A, al igual que hiciera Cronenberg con el insecto más famoso del celuloide. Y es de todo menos aburrida, aunque si previsible en alguno de sus giros.

SECUENCIA:
La única que se puede erigir mejor secuencia es la del amor entre especies, y no diré nada más por si están por aquí los del PETA.

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Me hubiera quedado con el momento de triangulo amoroso en el granero, pero me voy a quedar con la secuencia final que es todo un homenaje al cine de su compatriota, David Cronenberg, con el que se enroca por trama y estética, y que bien podría haber firmado. No, la hubiera dado más nivel, no nos engañemos, Dren habría tenido conflictos de identidad, con sus hermanos, etc. Que ese es su santo y seña, pero en fin, es un buen homenaje a “La mosca”. Con esos dos personajes, obviamente omitiré quien y como, pero que en cierto modo me recordaron, salvando las distancias, al final de “El imperio contraataca” pero en versión desasosegante.

PLANO:
Casi tengo que cambiarme los pantalones después de ver el rostro del híbrido cuando lo sumergen en un recipiente de agua: entre las facciones cuasi humanas, las ondas del líquido y el movimiento que genera y, en general, el ambiente que se crea, la tensión era tremenda.

Me encantó el plano de Dren sobre el tejado, todo un momento Leonardo Di Caprio en “Titanic”, nuevamente salvando las distancias, porque obviamente es un momento muy duro del film y para nada romántico. Pero amigos, así es el subsconsciente de Alfie. Está ligeramente trastornado, y que como bien dice mi estimado 39 escalones, precisa de vacaciones.

PERSONAJE:
Tanto el monstruo (me sabe mal llamarlo así) como Elsa, la científica interpretada por Sarah Polley, se salen de los cánones que se aplican a sus personajes: por un lado el experimento es lo contrario al monstruo prototípico: tiene sentimientos, tiene personalidad, es un personaje más y no solo un bicho que corre detrás de los protagonistas; por otro lado, Elsa (nombre que comparte, por cierto, tanto con la chica real de Brody como con la novia de Frankenstein) no es el típico personaje femenino comparsa del protagonista masculino, sino que tiene una personalidad muy fuerte y definida que se echa de menos muchas veces, sobre todo en mujeres, y que hay que reivindicar más a menudo.

Elsa, es posiblemente lo mejor de la película, y es una pena que no esté acabado de perfilar, está muy bien delimitado pero no están claros todos sus claroscuros. Este es un personaje que es un regalo para una actriz. Posee lo mejor de todos los científicos locos, desde Seth Brundle, pasando por Victor Frankenstein, y para ir más allá le cambian el género al científico loco, eso les da mucho juego a los guionistas y os prometo que lo explotan muy bien en el tercio final del largometraje. Eso y el cambio de roles de la pareja considero que son los grandes aciertos del libreto.

LO MEJOR:
Es un pasatiempo entretenido, con un par de momentos para el recuerdo (como el combate a muerte entre dos híbridos menos desarrollados que la protagonista de la cita) y con un poco de suerte la vuelta de Natali al ruedo.

Es una película que está bien, pasas el rato y sobre todo las nuevas generaciones que no hayan visto mucho cine saldrán de la sala con los ojos a cuadros. Posee cosillas rescatables, y son las que uno hace que tenga fe en este realizador, y que son por las que Guillermo del Toro ha puesto sus dineros en este proyecto. Porque no nos engañemos, nadie pone dinero si no espera recuperarlo. Luego el guión no puede ser tan malo, y la película en general tampoco. También es muy golfo el homenaje soterrado a las películas de parejas, hablo de la escena de las botellas que llevan como nombres Bonnie and Clyde, Sid y Nancy, ambas magníficas.

LO PEOR:
Desaprovechar unos temas que dan para muchísimo, desde el incesto hasta las cuestiones morales sobre la ingeniería genética pasando por las cuestiones del “se nace o se hace”.

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Que a diferencia del gran Cronenberg, con “Splice” apreciamos que Natali es incapaz de firmar una película comercial y adentrarse temas más complejos, y que fueron algunos explorados en el remake de “La mosca”, y otros que los ha enunciado muy bien Victor Guybrush, por eso no os lo voy a repetir.

CALIFICACIÓN

 6.5

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 7

LA LEYENDA DE LOS GUARDIANES-PRESENTACIÓN

El 22 de julio un grupo de periodistas hemos tenido la oportunidad de ver quince minutos del nuevo trabajo del reputado realizador, Zack Snyder que este próximo otoño estrenará en todo el mundo una aventura fantástica, para toda la familia, titulada “LA LEYENDA DE LOS GUARDIANES”, según el guión de Emil Stern y John Orloff, basado en los muy apreciados libros de Kathryn Lasky. Os cuento un poco qué vimos.

La película recrea las aventuras de Soren, un joven búho cautivado por las historias épicas de su padre sobre los Guardianes de Ga’Hoole, una mítica banda de guerreros alados que lidiaron una dura batalla para salvar a toda la población de búhos de los malvados Pure Ones (Los Puros). Mientras Soren sueña con unirse algún día a sus héroes, su hermano mayor, Kludd, se burla de ellos y ansía cazar, volar y arrebatarle a su hermano menor el favor de su padre. Pero la envidia de Kludd tendrá terribles consecuencias, ocasionando que los pequeños búhos caigan de su casa, en la copa del árbol, directamente a las garras de Los Puros. Ahora depende de Soren que puedan conseguir una arriesgada escapada, con la ayuda de otros jóvenes y valientes búhos. Juntos surcan los mares y atraviesan las más espesas nieblas, en busca del Gran Árbol, hogar de los legendarios Guardianes de Ga’Hoole, la única esperanza que le queda a Soren para derrotar a Los Puros y salvar el reino de los búhos.

Se trata de una cinta de animación en 3D, con unos efectos espectaculares, de veras, hasta ahora nada visto por este humilde crítico. Pero lo más fascinante de todo es que a pesar de que se trata de una trama infantil, posee todo el estilo narrativo del realizador de “El amanecer de los muertos”, “300” o “Watchmen” Como el mismo reconocía en la presentación de estos 15 minutos, él y su mujer querían hacer una película para todos los públicos, pero por lo que he visto no está reñido con la acción a raudales, el uso de la cámara lenta y sobre todo perspectivas de cámara un tanto insólitas, como la imagen que podeís ver debajo en la que se mezcla imagenreal y animación. Un auténtico prodigio.

Los actores encargados de poner las voces a los personajes son desde los reputados Helen Mirren, Sam Neill, Geoffrey Rush o Hugo Weaving, pasando por la catódica actriz  Emilie de Ravin, que interpretaba a Claire en “Lost”, para completar el reparto con Emily Barclay, Abbie Cornish, Ryan Kwanten, Jay Laga’aia, Miriam Margolyes, Jim Sturgess y David Wenham.  La leyenda de los guardianes se presentará en 3D este otoño, así que ir afilando las garras mis estimadas lechuzas y búhos, que este largometraje dará mucho que hablar.

FÉLIX FERNÁNDEZ DE CASTRO Y MIGUEL GALLARDO

“María y yo”, el documental sobre la niña con autismo de Félix Fernández de Castro basado en la obra de Miguel Gallardo, ha conseguido aguantar una semana más en las siguientes salas:

Barcelona: Verdi Park, Cinemes Méliès y Alexandra.
Girona: Cine Albeniz
Lleida: Cine Rambla 
Madrid: Cines Verdi y Pequeño Cine Estudio.
Bilbao: Multicines 7
Vitoria: Cien Guridi.

Mi estimado colabrorador Victor Guybrush acudió al pase de prensa y aprovechó para charlar un rato con sus autores, de ahí nacen estas dos breves entrevistas realizadas al director y al protagonista y autor del cómic para conocer un poco mejor el proyecto y que os animen a ir a verla antes de que desaparezcan ante los blockbusters veraniegos de turno.

En primer lugar, el director Félix Fernández de Castro habla del documental:

Victor Guybrush: ¿Fue difícil convencer a Miguel Gallardo para llevar  la historia de su hija María al celuloide?

Félix Fernández de Castro: Fue fácil convencerle, el proyecto enseguida le sonó bien. Inicialmente había dudas, sobre todo respecto a María, porque no es lo mismo una caricatura que la persona verdadera frente a la cámara. Recuerdo que me Gallardo me dijo “ojo, que maría es muy heavy”, refiriéndose a que la caricatura deja cosas fuera, pero la cámara no, así que el personaje es más descarnado. Pero estas dudas solo se plantearon al principio porque la personalidad de María consigue romper las barreras que tiene y hacer empatizar a cualquiera con ella.

VG: El tono de “María y yo” contrasta con el tema tan duro que trata

FF: Eso fue lo que me fascinó del cómic. Lo primero fue que me lo pasé muy bien leyéndolo, y lo segundo el tono, que es muy sorprendente para tratar un tema como este, porque es una discapacidad contada con humor, con ironía incluso, pero sin condescendencia. Es un tono muy honesto, y es lo que hace que sea la excepción de la regla.

VG: La animación es un recurso muy utilizado en María y yo que no suele verse en muchos documentales

FF: Los dibujos eran una exigencia del guión. Hacer un proyecto con Miguel y no meter sus dibujos es algo imposible. La animación que metimos en María y yo ayuda sobre todo en la parte más biográfica, de la que solo teníamos datos pero no imágenes.

VG: ¿Qué otros documentales han influido en este? ¿American Splendor?

FF: Bueno, más que American Splendor la principal influencia es sobre todo el documental de The Devil and Daniel Johnson, que tiene bastante que ver con el tema que se toca en María y yo y que es una película que hay que ver.

VG: ¿Algún proyecto en el futuro próximo?

FF: Me encantaría hacer ficción, tengo también ideas de documental pero no tengo nada definitivo aún.

Y por último Miguel Gallardo habla de la película desde el punto de vista interno:

Victor Guybrush: ¿Cómo surge el proyecto?

Miguel Gallardo: Fue Félix quien se puso en contacto conmigo. Había leído el cómic en un viaje de avión a Madrid y le encantó la historia, le pareció que había material para hacer una película. Así que nos pusimos en contacto con las otras partes, por ejemplo la madre de María, que vive en Canarias, y nos pusimos manos a la obra.

VG: ¿Cómo se tomó María el rodaje?

MG: Ella no era consciente de que estaba siendo parte de una película. Ya conocía a todo el equipo, porque nos pusimos en contacto con ellos antes de empezar a rodar, así que a veces el que estaba más nervioso era yo. Yo me sentía un poco el Gran Hermano, es un poco chocante. Luego ella cuando vio la película… como que le daba igual. Al fin y al cabo no llega al lenguaje abstracto del cine. Ella la ve, le parece bien, ve a sus amigos, se ríe y luego pasa del tema (sonríe).

VG: El tono de la historia contrasta con el tema tan duro que trata

MG: En el libro, y en la película, no hay sensiblería porque tengo  la facultad de poder reírme. Yo no quiero dar pena, ni que María de pena. Yo estoy orgulloso de María.

VG: ¿Está contento con el resultado?

MG: Creo que Félix lo ha hecho fenomenalmente bien. Yo tenía claro que era la película de Félix, y que yo no tenía nada que hacer. 

LOS ACTORES DE MR. NOBODY

¿Conocía el trabajo de Jaco Van Dormael antes de trabajar con él?

Jared Leto: Había oído muy buenas cosas sobre él pero no había visto sus películas. Sólo conocía los títulos. Fue un gran placer descubrir su trabajo. Me impresionaron mucho sus películas y su forma de dirigirlas.

Sarah Polley: “Toto el héroe” es una de las películas más bellas que he visto en mi vida. Jaco tiene una forma de ver el mundo y una imaginación muy especiales. Sus películas no se parecen a ninguna y expresan con contundencia quién es, su humanidad.

Diane Kruger: La verdad es que no sabía quién era. Pero me gustó mucho “Toto el héroe”. El guión me encantó y tenía la impresión de que los actores me tomaban de la mano para llevarme a un sueño.

Linh Dan Pham: Había visto “Toto el héroe” y me había encantado. En esa película había toda la poesía y la fantasía que también está presente en Mr. Nobody, ese lado tan conmovedor que nos traslada a la infancia.

¿Cómo llegó a participar en esta película?

Jared Leto: Vi por primer vez a Jaco después de un concierto que di en Utrecht, en Holanda. Me avisaron que iba a venir justo antes de subirme al escenario. Había leído su guión hacía unos mees y estaba totalmente enamorado de la historia. Me acordé de la calidad del texto y de la emoción que había sentido al leer el guión. Así que le dije lo mucho que me había gustado y que estaba totalmente dispuesto a embarcarme en el proyecto.

Sarah Polley: Cuando me enteré que Jaco estaba preparando una nueva película, quise formar parte de ella, costase lo que costase. Se lo dije y no tardé en recibir el guión. Cuando lo leí, comprendí que quería interpretar a Élise. Acordamos vernos en Nueva York. Me dediqué a convencerle que era la actriz perfecta para el papel. Pero lo cierto es que él acudió a la reunión esperando que yo aceptase… Así que era evidente que estábamos en la misma onda. Y eso es lo que ha caracterizado a toda la aventura: todo encajó como por arte de magia. Nunca he sido tan feliz en un plató.

Diane Kruger: Aterricé en este proyecto por casualidad. Había otra actriz para el papel pero al final no lo hizo. Para convencerme, tuve el privilegio de ver un primer montaje de las escenas que se habían rodado con mi personaje y el de Jared de niño.  Era absolutamente sublime. Al día siguiente, me fui a ver a Jaco a Bélgica. En mi primer encuentro con un director, intento vestirme como lo haría el personaje de la película. Me puse un vestido rojo. Cuando llegué, Jaco se quedó alucinado. Sin saberlo, me había vestido como Anna, con el color rojo que es el código visual de todo su universo. Fue el principio de una gran aventura.

Linh Dan Pham: Como la película se rodaba en inglés, Jaco no quería pasar un casting en Francia. Creía que los franceses no hablaban inglés sin acento, algo que era indispensable para el personaje. Peor un día, recibí una llamada de Renaud Alcalde, su primer ayudante. Me explicó que Jaco Van Dormael me había visto en “De latir mi corazón se ha parado” de Jacques Audiard y que quería trabajar conmigo. Su director de casting en Londres me llamó poco después y esa llamada fue como un examen de inglés. Cinco minutos después de colgar, me volvió a llamar para decirme que me enviaba el guión para organizar un encuentro. Fui descubriendo poco a poco la forma de trabajar de Jaco. Dirige bastante pero da mucha libertad.

¿Cómo reaccionó al leer el guión?

Jared Leto: Me quedé alucinado. Aunque parezca un poco manido, para mí, Jaco es un verdadero genio. Su guión tiene una complejidad y una fluidez alucinantes. Lo que escribe, lo que transmite es singular, original, único. Está muy lejos de los conformismos, de los clichés de Hollywood que suelo leer. Para un actor, trabajar con él es un regalo de incalculable valor.

Sarah Polley: Lo leí y lo releí varias veces. No sé si lo hice porque no acababa de comprenderlo o por el placer de volver a sumergirme en esa maravilla. Sumergirse en ese guión es como devorar una gran novela. Se lo hice leer a toda mi familia y nos dio pie a muchísimas conversaciones.

Diane Kruger: Cuando lo leía, me daba cuenta de la suerte que tenía. Era un proyecto maravilloso. Es cierto que no es un guión fácil de leer porque es muy complicado, pero enseguida me vino a la mente lo que sentí al ver “Olvídate de mí” de Michel Gondry. Todas esas preguntas que surgen cuando tenemos que elegir en algún momento de nuestras vidas. Además, me pareció que el personaje de Anna era el más poético, el papel con el que el espectador quiere identificarse.

Linh-Dan Pham: Retrocedí muchas veces a medida que avanzaba en la lectura del guión. Me preguntaba cómo se las iba a arreglar Jaco para meter tantas ideas en una película. Pero supuse que se parecería a “Toto, el héroe”, así que no dudé ni un segundo. ¡Además, Jaco hace una película cada diez años, así que no me la iba a perder!

¿Cómo definiría su papel?

Jared Leto: Mr. Nobody somos todos y nadie al mismo tiempo. Una ilusión. El fruto de los sueños. Representa al mismo tiempo el amor, la esperanza, la vida y la muerte. Sin lugar a dudas es el personaje más difícil que he interpretado jamás. Era un verdadero desafío interpretar todas esas vidas concentradas en un solo personaje durante todo el rodaje, sin perderse nunca.

Sarah Polley: Élise es una mujer joven con mucho amor dentro de ella. Quiere ser la mejor madre pero no lo consigue. Así que se siente frustrada por su incapacidad de vivir como le gustaría, y todo se debe a su depresión. No comprende por qué no lograr salir adelante. Así que con el tiempo, desarrolla un sentimiento de vergüenza y de culpa con relación a su marido y a sus hijos.

Diane Kruger: En mi opinión, Anna es el personaje más completo de todos. En cada una sus vidas, va hasta el final. Se casa con un hombre y cumple hasta el final con su promesa de no enamorarse de nadie más. En cierto sentido, es la mujer que me gustaría ser…

Linh Dan Pham: Se llama Jeanne. Ama apasionadamente a Nemo Nobody pero él no la quiere. Su relación es un malentendido. Ella creía que era sincero y que la amaba profundamente. Pero cuando crean una familia, se da cuenta de que en su relación falta algo, que él está ausente en cierto sentido. Creo que ese tipo de historias son muy frecuentes. Yo misma me he hecho muchas preguntas con respecto a la pareja. ¿Cómo evoluciona el amor con el paso del tiempo? Cuando la pasión se marchita, ¿el amor se va también? Y además, se demuestra que las vidas aparentemente perfectas pueden no serlas en la realidad. Porque todo parece ir bien entre Jeanne y Jaco: un matrimonio maravilloso con unos niños preciosos en una casa fantástica. Pero las cosas no funcionan. ¡Es trágico y me provoca muchas emociones!

¿Como se preparó para la película?

Jared Leto: Por encima de todo, me apoyé en el guión. Confiaba plenamente en lo que había escrito Jaco. Así que basándome en eso, puse a trabajar a mi imaginación… Pero había que recordar en todo momento que una sola y misma persona es la que vive todas esas vidas. Esta película rompe muchas reglas ya que yo interpreto a un personaje con muchas ramificaciones diferentes. Así que mi meta fue conseguir interpretar doce versiones distintas de la misma persona, según las decisiones que toma. Tenía que construir las diferencias que hay entre ellas sin alejarme de una base común. Trabajar todos los detalles, hasta los más íntimos.

Sarah Polley: La verdad es que no me ha parecido un personaje difícil. Tenía muchísima confianza en Jaco y todo discurrió de forma muy natural. Hablamos y esas conversaciones me despejaron todas las dudas. Cuando sabes que un director confía en ti, y que es recíproco, no tienes miedo a nada. Todo fluye con naturalidad. Uno busca dentro de sí lo que necesita el personaje, pero sin forzar nada. Además en el plató reinaba un ambiente muy alegre y amistoso. En esos momentos es cuando la profesión de actriz se convierte en la profesión más maravillosa del mundo.

Diane Kruger: Por supuesto, Jaco me habló mucho sobre la forma en la que él veía al personaje.  Pero son los trajes y sobre todo el hecho de ser morena lo que me ayudó a convertirme en Anna. Jaco define con una precisión poco habitual el universo de cada personaje. Esa Anna no se parece nada a lo que yo soy en la vida real, pero me resultó bastante fácil fundirme con el personaje.

Linh Dan Pham:  Jaco da mucha libertad desde el principio. Yo me dediqué sobre todo a trabajar mi acento inglés. Tuve un profesor que después también iba al plató. Y me di cuenta que en las tomas en las que el acento era bueno, la interpretación también lo era. En lo que se refiere al personaje, fue mucho más sencillo. Sé muy bien lo que es estar locamente enamorada. ¡No tuve que investigar mucho ni recurrir al Actor’s Studio!

Cuéntenos cómo es Jaco en el plató…

Jared Leto: Enseguida te das cuenta de que Jaco ama a los actores. Además, sabe muy bien lo que quiere y lo comunica de forma muy precisa. Es encantador, y una persona absolutamente exquisita. El diálogo siempre está abierto. Cuando tenía ideas muy precisas sobre lo que quería hacer, y sobre todo en las en las escenas en las que interpreto a Nemo de anciano, me escuchaba y me animaba. Creo que en los ensayos fue cuando hice verdaderamente feliz a Jaco por primera vez. Vio que había comprendido lo que quería y que mis propuestas eran la prolongación de sus ideas. Estábamos haciendo la misma película. Así que al final, lo que se ve en la pantalla no es mi interpretación sino la de Jaco. Todos hemos hecho esta película para él. Es un gran artista. Alguien poco común tanto en el plano humano como profesional.

Sarah Polley:  Jaco es alguien profundamente alegre que sabe compartir su entusiasmo. Siente una empatía permanente con sus actores. No deja nunca de mirarte. Está siempre con nosotros. Se siente uno seguro. Es la mejor forma de dirigir a los actores.

Diane Kruger: Un director suele tener una mirada de deseo por su actriz. Pero Jaco ama a sus personajes. Está enamorado de ellos, en el sentido más puro de la palabra. Lleva diez años escribiendo este guión así que se sabe de memoria todos los detalles íntimos de cada personaje. Ha  vivido con todos ellos. En el plató, no me miraba a mí, a quien miraba era a Anna. Fusionó todas las ideas que yo tenía sobre el personaje, de forma muy natural, y supo encontrar las palabras clave para desbloquear una situación o una escena difícil.

Linh Dan Pham: ¡Siempre está de  buen humor! Siempre dice que la vida es demasiado corta y que hay que divertirse lo más posible. Así que se rodea de personas que ama. Cuando te escoge, te abre los brazos y los brazos de su familia cinematográfica. Así que el rodaje fue muy agradable, muy distendido, y eso te permite dar lo mejor de ti. Me gusta su idea de que el arte no tiene que hacer sufrir. Además, técnicamente, da mucha libertad y va corriendo a medida que transcurren las tomas. En general no necesita hacer muchas tomas. Pero eso no quiere decir que se le escape ningún detalle. Esos pequeños detalles que pueden pasar desapercibidos, como una mirada furtiva, pero que son los que conforman una escena.

Jared Leto: Ha sido un rodaje muy largo y complicado. Tuvimos que cambiar nuestras costumbres durante seis o siete meses. ¡Algunos días tenía que manejar cuatro Nemo Nobody diferentes! Viéndolo con perspectiva, diría que mi enfoque ha sido bastante científico, muy cerebral, para no perderme. Después pude contar con la mirada de Jaco que te acompaña y te lleva. Fueron momentos magníficos, sin dramas, sin preocupaciones insalvables, con una gran fluidez. En el plató había una sensibilidad totalmente desconocida para mí. La mayor parte del equipo ya había trabajado con Jaco en sus anteriores películas. Se notaba que respetaban muchísimo su trabajo. Lo digo y lo repito, ha sido un gran privilegio formar parte de esta familla para vivir esta aventura.

Sarah Polley: Gracias al ambiente que sabe crear Jaco, disfruté muchísimo formando parte de este equipo. No tuve necesidad de aislarme para concentrarme en las escenas más difíciles. Sólo lo hice los primeros días porque quería asegurarme que iba a ser capaz de acceder a ese pozo negro en la que Élise llega a perderse. Pero enseguida comprendí que no tenía necesidad de estar sola en mi rincón, intentándolo verlo todo negro para alcanzar ese estado. Todo el equipo estaba tan entusiasmado con el trabajo de Jaco que no sentíamos ningún peso.

Diane Kruger: El ambiente era muy alegre. He estado en platós donde el ambiente era muy agradable, pero este era como una familia, algo que no había visto nunca. Jaco conocía a casi todos los técnicos desde hace muchos años. Así que durante el rodaje no tuve la impresión de trabajar. De hecho, cuando no me tocaba rodar, iba al plató a ver a los demás o simplemente a estar un rato con ellos.

Linh Dan Pham: El rodaje fue muy largo así que pensaba que sería difícil volver a integrarme en el equipo. No es una situación fácil. Pero lo cierto es que cada vez que volvía me daba la impresión de que nos habíamos despedido la víspera.

¿A qué escena le tenía más miedo?

Jared Leto: Lo que más me preocupaba era interpretar el papel de Nemo casado con Élise, que encarna Sarah Polley. Es el papel que menos se parece a mí. Jaco escribió este personaje como alguien que no sabe qué hacer, ni cómo, ni cuándo, que se siente totalmente impotente ante la angustia de su mujer. En esas escenas me sentía un poco perdido. Me daban ganas de ser mucho más fuerte que el personaje. Además, yo no tengo hijos, así que encarnar a Nemo como padre de tres hijos, no fue nada fácil. En esos momentos del rodaje fue cuando me puse más nervioso. No tenía referencias. Pero Jaco tuvo mucha paciencia conmigo y me ayudó muchísimo.

Sarah Polley: La escena del cumpleaños de la hija de Élise. Estaba aterrada porque tenía la sensación de humillarme delante de los niños al encarnar a esta madre un poco desquiciada. ¡Creía que los niños me iban a mirar con mala cara y que pensarían que yo también estaba un poco chiflada!

Diane Kruger: Interpretar escenas románticas no es nada sencillo. Es fácil caer en los tópicos. Sobre todo porque las que vive Anna son siempre extremas: ya sea en las rupturas como en los reencuentros. Había que ir con cuidado para no forzar demasiado. Eso es lo que más me preocupaba…

Linh Dan Pham: El escena en la cama en la que Jeanne se enfrenta a Nemo Nobody y le reprocha que no la quiera de verdad. Le dice que ni siquiera sabe cuántos terrones de azúcar pone en el café. Me daba miedo por su carga emocional pero también porque es un momento clave de su historia. Jeanne intenta salvar su relación pero se da contra un moro porque Nemo no reacciona.

¿Si tuviera que quedarse con una imagen de esta aventura, cuál sería?

Jared Leto: Hay tantas. Hemos rodado en Bruselas, Amberes, Montreal, Londres y Berlín. Este tipo de experiencia sólo la vives una vez en la vida. Así que estoy muy agradecido a Jaco por su invitación y su confianza en mi trabajo. Espero que la película sea como él la había soñado. Trabajar con él ha sido un gran placer. ¡Si Jaco está contento, yo también estoy contento!

Sarah Polley: De lo que más me acuerdo es que siempre me estaba riendo. Puede parecer extraño teniendo en cuenta al personaje que interpreto. Pero es la pura verdad. ¡Es lo que ocurrió!

Diane Kruger: De todos los momentos maravillosos que viví, el más inolvidable es sin duda mi último día de rodaje. Sarah y Linh Dan ya habían terminado. A Jared todavía le faltaban diez días y yo era la última actriz que quedaba. Jaco lloraba y Philippe (Godeau) estaba tristísimo… Fue muy emotivo y se ha quedado grabado en mi memoria.

Linh Dan Pham: El día en que, en Canadá, rodamos las tres bodas de Nemo Nobody con sus tres mujeres, Diane Kruger, Sarah Polley y yo. Justo antes, Jared nos había explicado que a cada una le correspondía un tipo de beso. Pero yo tuve derecho al sexy kiss. ¡Y fue genial!

LAS VIDAS POSIBLES DE MR. NOBODY

Hoy se estrena una película que tiene todas las bazas para convertirse en objeto de culto, hablo del regreso a la gran pantalla tras nueve años de Jaco Van Dormael, conocido en nuestro país por largometrajes como “Toto, el héroe” o “El octavo día”.  Su nuevo trabajo es una propuesta muy arriesgada, se llama “Las vidas posibles de Mr. Nobody”.

Se trata de una coproducción rodada en Bélgica, Canadá y Alemania. Esta historia que mezcla filosofía, ciencia ficción, drama y ciertas pinceladas de comedia, comienza cuando los padres de Nemo se separan. Él siendo un niño, debe decidir si quedarse con su padre o con su madre. A partir de esa elección se definirá su futuro: ¿conocerá a Élise? ¿Elegirá casarse con Jeanne? ¿Tendrá la oportunidad de vivir junto a Anna?.  Mientras no elija, cualquiera de esas vidas son posibles y todas merecen ser vividas.

Van Dormael firma esta cinta dramática, cautivadora, fascinante, hipnótica, divertida, romántica, sensual, emocionante, vibrante, vital, humana. En síntesis es maravillosa y extraordinaria. Me fascinó, me cautivó, me dejó noqueado en la butaca, con esas imágenes poderosas, plenas de fuerza y vigor. En mi humilde opinión ha merecido la pena la larga espera. ¿Van Dormael puede ser nuestro nuevo Kubrick? No sé qué decíos, pero esto amigos es CINE, sí con mayúsculas.

Cuando salí de verla sentí la necesidad de hablar de lo que acababa de visionar, y mira tu por dónde que Es un hombre que se ha tomado su tiempo en generar su código narrativo para hablar de cosas complejas de una forma muy llana y asequible, que todo el mundo pueda comprender. Sólo hay que dejarse llevar por el sonido y la imagen, tan poderoso el uno como el otro. Porque los temas musicales elegidos os harán vibrar en la butaca, son tan conocidos como increíbles y están en la memoria colectiva de mi generación. Aquí os dejo algunos de los que aparecen…

DAYDREAM, Wallace Collection

WHERE IS MY MIND? Pixies 

SWEET DREAMS (ARE MADE OF THIS), Eurythmics

99 LUFTBALLOONS- Nena

INTO EACH LIFE SOME RAIN MUST FALL- Ella Fitzgerald

MISTER SANDMAN, The Chordettes

RUM & COCA COLA, The Andrew Sisters

EVERYDAY, Buddy Holly

FOR YOUR PRECIOUS LOVE, Otis Redding

CLINK CLINC ANOTHER DRINK, Spike Jones

GOD YU TEKEM LAEF BLONG MI, Hans Zimmer, The Choir Of All Saints Honiara

Mención a parte merecen los diversos homenajes cinematográficos desde el gran Julio Medem (nadie es profeta en su tierra, una pena), Lars Von Trier, David Lynch,  Paul Thomas Anderson, Michel Gondry, Tom Tykwer o Spike Jonze. Tiene lo mejor de todos ellos. Magistral me ha parecido el trabajo de Jared Leto, el más complejo de los que ha realizado hasta el momento. Arropado por la gran actriz y realizadora Sarah Polley, y completan el reparto Diane Kruger y Linh Dan Pham.

Siento no haber podido hacer una sesión doble de este film porque las dos personas indicadas para hacerlo no han podido. Sólo os diré dos cosas más, estoydeseando ir de nuevo a verla, me cautivó mi corazoncito cinéfilo, qué le vamos a hacer. Así que dejaos de películas prefabricadas e ir a ver esta maravilla llamada “LAS POSIBLES VIDAS DE MR. NOBODY”. Sé que algunos pensáis que es un refrito, pero sólo digo una cosa: bienvenidos sean refritos de esta calidad y enjundia.

Calificación: 9

LA VIDA EN UN DÍA

Amigos y lectores de Videodromo quiero hacer hoy extensiva la invitación del productor y realizador Kevin Macdonald a su experimento cinematográfico llamadoLA VIDA EN UN DÍA”. El productor de esta experiencia es nada más y anda menos que el irregular Ridley Scott. El material de la película se lo vamos a dar entre todos, porque mañana rodaremos todos material sobre nuestras vidas. El largometraje se estrenará en el próximo festival de Sundance. Si la secuencia que envíes es elegida aparecerás como co-director de la misma. El objetivo es hacer como una cápsula del tiempo, poder contar a las generaciones venideras como era vivir el 24 de julio del 2010. Me parece tan excitante como chispeante. Me resulta muy curioso amigos, así que desempolvar vuestras cámaras y a rodar mañana. Por cierto además deberás responder cuatro preguntas: ¿Qué temes? ¿Qué te gusta? ¿Qué te hace reír? ¿Qué llevas en el bolsillo?