Archivo mensual: enero 2011

LA SOMBRA PROHIBIDA

Vamos a empezar la semana rescatando una sección que me gusta mucho, es la firma invitada. En este caso se trata del blogero Enrique Dueñas, gran conocedor de la obra de H.P. Lovecraft y de su criatura “Cthulhu”. Por ese motivo, y porque además se encargó hace ahora un año de acudir al pase de la primera parte titulada “La herencia Valdemar“, le he elegido para fuera al pase y nos dijera si es recomenable o no esta adaptación en dos partes.

Aquí estamos, un año después, tratando de desentrañar los misterios de la mansión Valdemar. Mucho me temo, sin embargo, que hay pocas cosas que descubrir. Apenas sentarnos en la butaca, se nos arroja contra un nada sutil prólogo de diez minutos digno de novela de R.L. Stine. Una voz tremendamente dramática nos da más explicaciones de la cuenta para que recordemos los (escasos) acontecimientos de la anterior entrega. Entretanto, llamas, música con coros y efectos digitales. El que no hubiese visto la “Herencia Valdemar”, ya sabe que esperar tras esta introducción.

Ante todo, quiero advertir al lector de que no soy objetivo. El “terror clásico” es uno de mis géneros cinematográficos favoritos. Asimismo, me considero un gran admirador y defensor de la obra del escritor de Providence. También quiero creer que el cine patrio puede salir de esa zanja de ridícula autocompasión en la que parece estar sumido desde tiempo inmemorial. Crear una franquicia con posibilidades comerciales en el extranjero, tratar de entretener sin pretensiones, hacer uso de un universo de fantasía rara vez aprovechado, poner tiempo, esfuerzo y cariño en el proyecto… es imposible no estar de acuerdo con el espíritu que impregna este díptico. Si yo mismo tuviese catorce millones de euros, no los invertiría en algo muy distinto al título que hoy nos ocupa.

Pero esta película es espantosa. Nada ha cambiado respecto al producto ofrecido hace doce meses. Seguimos encontrando los mismos fallos tanto en el fondo como en la forma. El problema principal que parece tener José Luis Alemán es la necesidad de incluir de cientos de personajes sin demasiado impacto en el argumento ni el menor desarrollo psicológico. Por ejemplo, el célebre Jacinto Molina Álvarez interpreta a un mayordomo que, a pesar de sus numerosas líneas de diálogo, podría desaparecer sin el menor perjuicio para la trama. Estas figuras entran y salen de la película sin orden ni concierto. Y, por si esto fuera poco, sus acciones parecen basarse en motivaciones bastante oscuras (y no me refiero precisamente a que sean tenebrosas).

Se nos ha dicho una y otra vez que la inspiración principal del director ha sido el horror gótico de la Hammer. ¿Seguro? Hablamos de la productora que revolucionó el cine de terror. La productora que acogió la visión de Terence Fisher, uno de los más grandes directores del género. La productora que consiguió capturar los mejores momentos de la carrera de Christopher Lee y Peter Cushing. La productora que se atrevió, por primera vez, a incluir violencia explícita y erotismo descarado. No encuentro la menor similitud entre aquellas películas y el trabajo del señor Alemán. Nuevamente, las referencias laterales a la obra de Lovecraft resultan tan numerosas como sonrojantes. Si anteriormente disfrutamos del “rito de Dunwich”, esta vez nos encontramos con las “arañas de Innsmouth” que, al ser devoradas, permiten a los sectarios mantenerse cuerdos. Pero es que Innsmouth es una población pesquera habitada por mutantes que adoran a un dios oceánico. No hay arañas allí. Y aun aceptando la existencia de tan curioso aperitivo, la razón por la cual los sectarios emprenden acciones abominables es por que, precisamente, ya están locos.

Entrar en la wikipedia e incluir a martillazos sonoras palabrejas extraídas de relatos de dominio público no convierte a tu propia obra en una adaptación. Más bien en una violación. Por cierto, utilizar “antiguo” como sinónimo de “primigenio” demuestra, nuevamente, un desconocimiento total del trasfondo escogido. Los primigenio son entidades cósmicas de inagotable poder y que a ojos de los hombres sólo pueden considerarse dioses de infinita crueldad. Los antiguos, por otro lado, son seres alienígenas vegetales con grandes conocimientos en ingeniería genética que crearan la vida en la Tierra. La aparición del Gran Cthulhu (llamado extrañamente “Chuntu”), el señor de las pesadillas, es totalmente prescindible y decepcionará por igual tanto a los que ya le conocían como a los que le ven por primera vez. Roger Corman hizo un trabajo muy superior con “El palacio de los espíritus”. Y en aquel largometraje, el temible primigenio es un muñeco de plástico introducido en un barreño. Aclaro estos puntos por que dudo que nadie más lo haga. Pero no son importantes.

Sí es importante que se haya optado por hacer uso de imaginería satanista y cosmogonía cristiana. Las novelas de “horror cósmico” plantean que no somos más que una mota de polvo en la inmensidad del universo. Que la propia realidad es mucho más compleja y terrible que lo que nuestra limitada mente humana pueda imaginar. Esto entra directamente en conflicto con cualquier religión. Por eso resulta interesante. Hacer que los hechiceros lleven pentáculos impresos en sus togas, usen el número 666 y hablen de “las almas del purgatorio” destruye totalmente cualquier sentimiento de soledad. ¿Que sentido tiene utilizar una ambientación si se van a rechazar sus elementos diferenciales? ¿Para qué robar ideas dispersas de la obra de un autor si no se tiene intención de aplicar el tema principal que las dota de coherencia y unidad? ¿Por qué ignorar de pleno los hallazgos visuales y argumentales que proporciona un trasfondo tan completo y admirado? En definitiva, ¿para qué realizar un film de horror sin horror? Pero como el lector podrá comprobar, no es mi intención centrarme en la fidelidad ya que todo parecido entre este díptico de misterio y la obra de Lovecraft es pura coincidencia. No existe discusión posible.

El lenguaje que utilizan nuestros protagonistas es una lacra constante. Ya es malo tener demasiado metraje de “gente hablando en plano medio” pero la cosa se agrava cuando lo que hablan no nos interesa lo mas mínimo. Las conversaciones carecen de verosimilitud, dinamismo o subtexto. Son exactamente lo contrario a lo que se sugiere en cualquier manual de guión. El diálogo expositivo (y reiterativo) inunda un guión que busca desesperadamente nuestra complicidad. Una vez el desaprovechado (pero espectacular) clímax llega a su fin, se nos castiga con una resolución que parece alargarse hasta el infinito. Da la sensación de que el director tiene miedo de dejar cabos sueltos y, para evitarlo, nos tortura con innumerables aclaraciones. Pero es que la historia ya es suficientemente simple como para no requerir tanta explicación. Lo curioso es que, a pesar de esto… ¡quedan cabos sueltos! Incluso la edición parece deficiente. Repetitiva, sin ingenio y cruzando las historias paralelas de forma que no llegue a preocuparnos ninguna.

Es decir: todo mal. Soy incapaz de encontrar ninguna cualidad redentora a la cinta. Quizás que, por ahí, existe gente que estrena cosas todavía peores. Pero esa es una pobre excusa. He leído que, al menos, resulta entretenida. A mi, me aburrió. Me aburre ver a unos personajes ir de aquí para allá sin objetivos, me aburren los planos sin imaginación. Me aburre sentarme frente a una mala partida de un juego de rol. Especialmente claro resulta esto cuando los protagonistas se detienen durante incontables minutos a discutir en corro “qué hacer” para, después, seguir exactamente el mismo camino. O cuando encuentran toda suerte de objetos útiles en lugares inauditos. O cuando una voz en off acaba resolviendo el conflicto principal por que es más fácil esto que esperar a que los héroes actúen. Al final, tras tantas aventuras, sólo nos queda un cuento demasiado largo (y algo confuso) sobre “el amor”, “la amistad”, “el orden natural de las cosas” y “el triunfo del bien sobre el mal”… es decir, exactamente lo contrario que lo reflejado en la obra de Howard Phillips Lovecraft. Que, como ya se amenazó el año pasado, tiene un extraño cameo al principio de la cinta. Hace levitar un libro. Y, curiosamente, esto no es lo peor de la película.

Calificación: 3

JOSÉ Y PILAR

Yo tengo ideas para novelas, y ella tiene ideas para la vida, y yo no sé qué es lo más importante.
José Saramago

Las respuestas breves. Cuanto más breves, mejor para todos.
Pilar del Río.

Me sumo a la frase de Pilar y por eso haré una crítica breve. Este viernes 28 de enero se estrena el documental “José y Pilar” dirigido por Miguel Gonçalves Mendes. Se trata de una romántica película, es maravillosa, os conmoverá, os lo prometo. Se centra sobre las figuras de José Saramago y Pilar del Río. Dividido en tres actos: la preparación, el viaje y el regreso; recorreremos el proceso de elaboración del libro “El viaje del elefante” que duró tres años, del 2006 al 2009. Mientras, nos adentra poco a poco en el universo de esta particular pareja integrada por una periodista y un escritor.

Lo mejor es la sinceridad brutal de sus protagonistas. La química que hay entre ellos. De magistral se puede calificar la labor de Cláudia Rita Oliveira, montadora del film, que ha sabido elegir los totales, obteniendo como resultado que parezca que la cámara siempre ha estado el lugar apropiado en el momento justo. Miguel Gonçalves hace un trabajo formidable, donde el espectador tendrá el privilegio y  la oportunidad de oro de entrar en el mundo cotidiano de la pareja. Pero su trama trasciende a la pareja, a la figura del famoso escritor y se trata de la historia de un hombre que busca tiempo para ultimar una tarea. Además, uno de los grandes aciertos desde el punto de la narrativa visual es la mezcla formatos para otorgarle más realismo.

Ha realizado un trabajo duro a lo largo de tres años que espero que sea recompensado con una gran taquilla, pero amigos el público es soberano, y será quien dicte sentencia. Sólo puedo agregar que es una gran pena perderse este fenomenal largometraje en el que cada fotograma respira una sinceridad abrumante y una vitalidad sorprendente. Por todo ello va a ser el estreno destacado de esta semana.

Calificación: 9

El 25 de febrero en la librería 8 y 1/2 de Madrid entreviste tanto al director de esta romántica película y a su protagonista, Pilar del Río.

ENTREVISTA A MIGUEL GONÇALVES

ENTREVISTA A PILAR DEL RÍO

DIEZ MINUTOS CON PACO CABEZAS

Este pasado viernes se ha estrenado en nuestras carteleras “Carne de Neón“. Se trata del nuevo trabajo del guionista y realizador sevillano Paco Cabezas Morillo que a sus 34 años se revela como un director con una marcada personalidad, y eso es de agradecer. Aprovechado la presentación a los medios de comunicación del film pude charlar con él durante diez minutos sobre su nuevo trabajo.

Entrevista y texto: Alfie
Fotos: Cortesía de Elena Cantera Garde

RED

Tengo 80 años, un cáncer terminal de hígado, ¿qué me van  a hacer?
Joe Matheson

Esperaba que tuvieras pelo.
Sarah Ross

RED significa Red de Espías Desactivados. En ella está Frank Moses que es un antiguo agente de operaciones encubiertas de la CIA. Ahora lleva una tranquila y solitaria existencia. Eso será así hasta que un buen día aparece en su casa un equipo de asesinos de alta tecnología decididos a acabar con él. Con su identidad comprometida y la vida de Sarah, una mujer por la que siente un gran afecto, en peligro, Frank reúne a su viejo equipo en un intento desesperado por sobrevivir. Esta es la propuesta de partida de esta divertida comedia de acción basada en la novela gráfica de culto de DC Comics, escrita por Warren Ellis e ilustrada por Cully Hamner.

Pocas son las ocasiones en las que una adaptación de un cómic a la gran  pantalla no me ha aburrido, por lo general suelen estar lastradas por grandes preámbulos y los acontecimientos suelen ser muy reiterativos. Pues bien, el guión de Jon Hoeber y Erich Hoeber me ha resultado ameno y divertido, cargado de momentos un tanto cínicos e irónicos, que suponen una vuelta de tuerca a todo este mundo. Robert Schwentke, que firma productos tan mediocres como “Más allá del tiempo” o “Plan de vuelo: desaparecida”, nos sorprende dirigiendo a todo un elenco entregado a la causa. En el brilla con luz propia tanto Mary-Louise Parker como las veteranas Helen Mirren y Rebecca Pidgeon, todas están divertidísimas.

Pero los chicos del reparto hacen lo suyo,  quiero destacar la capacidad de reírse de sí mismo por parte de Bruce Willis, y la sorprendente faceta cómica de dos grandes actores dramáticos como son John Malkovich, Morgan Freeman o Richard Dreyfuss. Pero el corazoncito de este cinéfilo se puso a brincar al ver a Ernest Borgnine en un papel meramente testimonial. Así que como podéis apreciar este largometraje posee un reparto de lujo, que se acopla perfectamente a sus requerimientos tanto de efectos especiales por doquier, en el que veréis a Willis descender de un coche en plena persecución con una soltura y elegancia inusitada, como de acción sin límites, del que destaco la secuencia del duelo protagonizada por Malkovich. Todo ello hace que esta película sea un entretenimiento de calidad, y no me extraña la recaudación realizada en Estados Unidos por la película.

Calificación: 6

127 HORAS

Te vas a quedar solo.
Exnovia

El tandem de guionistas Danny Boyle y Simon Beaufoy, tras cosechar mil y una alabanzas con su “Slumdog Millionaire”, regresan a la gran pantalla esta vez adaptando la novela “Between a Rock and a Hard Place” de Aron Ralston. Los hechos que se narran tanto en la novela como en la película son verídicos. Todo comienza un viernes por la noche del mes de abril de 2003, el joven de 26 años condujo hasta Utah para pasar el fin de semana escalando en el remoto y extraordinariamente hermoso Parque Nacional Canyonlands. El sábado comienza su andadura por el cañón Blue John hasta que el desprendimiento de una roca le deja inmovilizado durante 127 angustiosas horas en medio de la naturaleza salvaje.

Los paralelismos que surgirán entre “Enterrado” y el film de Boyle serán inevitables, múltiples y variados. Personalmente, me ha angustiado mucho más esta película. El realismo que dota algunas escenas genera momentos muy tensos, muy dramáticos y alguno un poco gore, pero todo se soluciona si uno se tapa un poco los ojos en un momento muy concreto. Una vez Boyle aprovecha para hacer audacias narrativas y utiliza ingeniosas técnicas visuales para recrear las múltiples y variadas experiencias del protagonista. Por eso, desde que visionas los títulos de crédito te sentirás atrapado durante los siguientes 90 intensos minutos, en los que a ratos te reirás y en otros te estremecerás hasta la médula; y sólo quedarás liberado cuando Boyle ponga los rótulos finales.

Todo ellos se debe a la mezcla de tres grandes talentos, en primer lugar la gran labor del músico A.R. Rahman, os recuerdo que suyo fue el tema Jai Ho de la oscarizada banda sonora de “Slumdog Millionaire” . En segundo lugar el ameno y espectacular montaje obra de Jon Harris, que os recuerdo también realizó el de “Kick-Ass”. Y el tercer puntal en el que se sustenta el novedoso trabajo de Boyle es la fotografía de Enrique Chediak y de Anthony Dod Mantle, dotada de gran colorido y vertiginosos encuadres. Lo más curioso es que han usado todo un repertorio de lentes para obtener resultados muy sugerentes y atractivos. Entre todos consiguen que un lugar tan bello se convierta en una auténtica prisión, que un espacio natural se convierta en el lugar más claustrofóbico del mundo.

Obviamente para que una silla se sostenga bien y con precisión se necesita una cuarta pata, esa es el actor James Franco, que se mete sin pudor alguno en la piel del aventurero Aron Ralston, y nos ofrece lo que se pueda considerar el mejor trabajo de este joven actor norteamericano hasta la fecha.

Lo que más me gusta de este director británico es que no se repite aparentemente, nos cuenta historias distintas, pero narrativamente posee su sello, que puedes distinguir a la legua. Por ese motivo es un director que polariza a la audiencia. No deja indiferente a nadie. Creo que en este caso, aparte de moderneces visuales, que tenerlas las tiene, nos ofrece un relato lleno de tensión, dramatismo y con algunas pinceladas humorísticas que sirven de válvulas de escape al espectador. Además, le sirve para recuperar la brillante tradición de películas que retratan al hombre situado al límite en su lucha contra la naturaleza. Por todo ello os la recomiendo.

Calificación: 7

videodromo.es

Nunca me hartaré de decir que Videodromo es lo que es, gracias a todos vosotros. Por eso, tras cinco años en la brecha era hora de hacer pequeños cambios, relacionados con el campo del diseño y la maquetación, más que con los contenidos. Así, desde septiembre hasta hoy, si os habéis fijado un poco, se han venido produciendo una serie de modificaciones. Pues bien, más o menos, este proceso culmina con la entrada en Facebook y con la redirección al nuevo dominio al que quiero daros la bienvenida a todos: colegas de los departamentos de prensa de las distribuidoras, lectores y amigos.

http://videodromo.es

En primer lugar quiero agradecer públicamente a Eduardo su increíble apoyo y paciencia conmigo. Por todas las horas dominicales y laborales que le ha echado al asunto. Sin él hoy no estaríamos aquí. Pero tampoco lo estaríamos sin Guzmán Urrero, colega de profesión y amigo. Todo empezó en septiembre tras el visionado de “La red social”. Durante un largo paseo hablamos hasta saciedad de cómo podría mejorar Videodromo. Y el tercer pilar es, sin duda, Monsieur Copépodo, enorme apoyo digital y paño de lágrimas. Lo que dará de sí, no lo sé, no soy vidente. Los cambios apenas los habéis notado, han sido paulatinos, pero el resultado me gusta y creo que también es de vuestro agrado, porque nadie se ha quejado. En un breve plazo de tiempo habrá más sorpresas, pero todo poco a poco, porque si os las cuento ya no serán sorpresas amigos videodromistas.

MONSTERS

El gobierno de Estados Unidos se esta gastando mucho dinero, pero no puedes poner cerco a la naturaleza.
Guerrillero

No te molesta que tenga que ocurrir algo malo para que saques beneficio.
Samantha Wynden

Gareth Edwards escribe, dirige y produce su ópera prima titulada “MONSTERS”. Curiosa cinta que arranca varios años después de producirse una invasión alienígena. América Central es esta vez el territorio elegido, así la zona situada entre la frontera de México y EE.UU se pone en cuarentena. Un periodista gráfico se ve obligado a acompañar y escoltar a la hija de su jefe hasta una zona segura donde pueda coger un barco y regresar a suelo estadounidense. ya que es imposible hacerlo por vía terrestre porque hay que atravesar el territorio donde están establecidos los extraterrestres. Este es el punto de partida del que podría parecer una más de bichos del espacio exterior, pero como todo en esta cinta lleva a error, y ese es su gran talón de Aquiles.

Todo el que piense que esto tiene algo que ver con “”Distric 9” que vaya aparcando la nave espacial que están muy equivocados. Se parecen en una pequeña premisa: la invasión tiene lugar fuera del territorio norteamericano, punto y final. Esto también dista mucho de ser un “Skyline” o “Independence Day”. Esta magnífica película es algo más, y encima es novedoso por su tratamiento, es todo un drama romántico. Nos propone un viaje a través de un universo apocalíptico, donde los “monstruos” son lo de menos, en cierta medida. El marco referencial de la obra de este novel realizador británico, rodada en Méjico, Guatemala y Costa Rica, se encuentra a caballo entre “La guerra de los mundos”, pero la versión de Byron Haskin, y “La reina de África” de John Huston. Es más, Scoot McNairy y Whitney Able se convierten en una versión apocalíptica de Hepburn y Bogart subiendo el río. Ambos actores están en el papel, y Edwards sabe crear la química necesaria para que el drama funcione y la narración avance.

Lo verdaderamente interesante son las relaciones interpersonales, como estas se ven afectadas por los invasores del espacio exterior. Además, es muy original porque se atreve a describirnos muy bien el ciclo vital de los cefalópodos extraterrestres. La curiosidad estriba en que se mueven en diferentes ambientes. Ponen los huevos en los árboles, de forma parecida a hongos epifitos. Tras nacer van al rió crecen, llegan al mar, se reproducen y vuelven a través de la desembocadura para subirlo de nuevo por vía terrestre.

En una de las capas del guión se permite realizar una metáfora política sobre la fuerte inmigración que sufren los norteamericanos  procedentes de Méjico. Se creen que levantando muros podrán resolver el problema social y que les hará invulnerables, para nada. Ahí es donde está para mí la mejor secuencia del film cuando atraviesan el muro y entran en territorio norteamericano desde Méjico. Pero queda solamente enunciada, no busca ahondar más, ese no es el territorio real del film. Al joven realizador le interesa más los efectos de ese universo en la pareja protagonista. Lo muestra de una forma delicada, con un tempo lento, con poderosas imágenes que también se las ha trabajado, sabe donde colocar la cámara obteniendo formidables encuadres, arropadas por una gran banda sonora firmada por Jon Hopkins, que ayuda a atrapar la atención del espectador. Por todos estos motivos os decía que es delicada, tierna, pero a la vez consigue darle un tono muy curioso. Por eso esta semana es “MONSTERS” el estreno recomendado, una película valiente para estos tiempos que corren.

Calificación: 8

CARNE DE NEÓN

El mundo se divide en dos. Los que ponen la carne y los que se la follan.
Ricky.

“Carne de Neón” llega por fin este fin de semana a nuestras pantallas, tras su paso por festivales como Gijón, donde ha sido muy bien acogida tanto por la crítica como por el público. Está basada en el cortometraje homónimo realizado en el 2005 y que ha recorrido más de 22 festivales cosechando mucha fama. En ambos se nos narra las visicitudes de Ricky, un joven que sobrevive en las calles desde los 12 años porque su madre está en prisión. Se ha criado entre prostitutas, chulos y yonkis. Su única ilusión es volver a ver a su madre. Ahora va a cumplir los 23 y su esta va a salir de prisión, por eso decide levantar un nuevo proyecto de vida, el club Hiroshima, un puticlub que ella pueda regentar y dejar atrás su pasado como meretriz, y de paso recuperar el tiempo perdido. Pero, lo que parecía una idea feliz se convierte en todo un desastre.

Paco Cabezas escribe y dirige la alocada aventura de Ricky, que es desvergonzada, divertida, golfa, canalla y llena de grandes momentos. Es un híbrido perfecto entre el Almodóvar más descarado y que no hemos vuelto a ver, que firmaba títulos como “Laberinto de pasiones” o “Entre tinieblas”, con los nuevos realizadores como Quentin Tarantino, Danny Boyle o Guy Ritchie. Así este largometraje, y salvando las distancias, conecta como el mundo de “Trainspotting”, “Reservoir Dogs”,  “Snatch: Cerdos y diamantes” o “RocknRolla”. Es un film con diálogos lapidarios, desvergonzados, irónicos, y cargados de mucha mala uva, así como de humor negro. Personalmente me atraen las películas donde los personajes son desarraigados sociales o perdedores, desconozco el motivo, pero conecto con facilidad con esos universos.

Bienvenido sea este nuevo cine, con nuevos formatos, que son siempre de agradecer. Deslocalizada a propósito, y creo que es una buena idea, ya que se fueron a Argentina a rodar, porque hace que ese universo de bajos fondos sea verosímil. Salvo los personajes de Ricky, Pura, el turco y el director del film porno, todos repiten en su papel. Mario Casas toma el personaje que hiciera Óscar Jaenada en el corto. Es curioso ver como se aleja, en cierta manera, de los registros a los que nos tiene acostumbrados porque nos ofrece su perfil más heavy, y podríamos considerar este papel como la bisagra con el que le ha lanzado al estrellato, me refiero a “H”. Macarena Gómez, cada día mejor actriz, musa de toda la nueva hornada de directores. Espero que esta canija, que ya interpretara en el corto, la lance al estrellato. Esta actriz se lo merece, es como una hormiguita, no hace más que trabajar, a ver si de esta consigue que congraciarse con el gran público. Blanca Suárez, a la que vimos en “Cobardes” y “El cónsul de Sodoma” da vida a Verónica, personaje creado para la película. Está genial haciendo el papel de “Lolita” pero con una bis un tanto cañera. Ángela Molina toma el relevo a Victoria Abril que interpretaba en el corto a Pura, y nos demuestra una vez más que es una de las grandes. En cambio, Vicente Romero repite en su papel de Angelito, está tan genial como en el corto. Sabe darle el tempo y el tono adecuado a su personaje, uno de los más difíciles.

El principal problema que algunos le achacarán es que dirán que es un corto alargado. Cierto, sin albergar la menor duda. Pero no aburre, posee un buen ritmo, pasas un buen rato, que se trata de pagar 8 euros para estar entretenido ¿o no?.  Además, se atreve a bucear en los bajos fondos, en una historia negra llena de personajes tan tiernos como divertidos, tan curiosos como desvergonzados.

Calificación: 7

BLOG

Este viernes 21 de enero se estrena un film que crea mucha expectación y curiosidad, se titula “BLOG” y es la ópera prima de Elena Trapé, que se ha formado en el ESCAC, cantera donde se han formado promesas del cine español como Mar Coll  Tres días con la familia y Roser Aguilar  Lo mejor de mí. Se proyectó en la última edición del mítico Festival de San Sebastián, en la sección Zabaltegui. Allí arrancó aplausos y se trajo bajo el brazo la mención especial  de TVE-OTRA MIRADA.

La singularidad nace de que gran parte de la película ha sido rodada por las propias protagonistas, en forma de diario personal, con cámaras de video domésticas que hacen las veces de webcams. Asimismo, las protagonistas del film son actrices no profesionales que han aportado su naturalidad y experiencias personales, con las que han contribuido a perfilar el guión de esta película. La idea original es de Tomàs Aragay y se trata de la sorprendente historia de un grupo de adolescentes, chicas de 15 años, de clase media-alta, bien educadas, inteligentes, sensibles y conscientes. Un grupo de jóvenes con un plan secreto y un objetivo común, lo que ellas consideran una meta absoluta y una verdad universal: la necesidad de vivir emociones fuertes que las distingan del resto. En su marco conceptual podréis encontrar obras como “Las vírgenes suicidas”, “Fucking Amal” o “Cloverfield”, a lo que yo añadiría que este film es heredero del cine realista de Summers.

Particularmente no he conectado con el largometraje, y no creo que sea un problema de montaje porque es genial, creo que realmente no.  Tampoco lo son todas chicas que integran el reparto, están geniales. Muy frescas, máxime porque hacen de ellas mismas, más o menos; protagonizando todo el elenco la mejor secuencia del film que es la del visionado de una película porno con el fin de documentarse, es de lo más divertido. Puede ser que todo estribe en que sus creadores nos dicen que tratan de mostrarnos otra juventud que no tiene nada que ver con “Mentiras y gordas” o “3MSC”, pero te das cuenta que en el fondo es el sexo es lo que mueve todo.  Pero lo que me espanta es ver noticias como la del instituto de Memphis. No sé, sólo se la recomendaría a los amantes del de los experimentos formales.

RUEDA DE PRENSA

ENTREVISTA A ELENA TRAPÉ-DIRECTORA

Calificación: 4

MÁS ALLÁ DE LA VIDA

Desde “Origen” en la videoarena no había una sesión doble, así que con motivo del regreso del “tito Clint” a las pantallas animé a mi estimado Eulez, regente del blog “Las historias Eulerianas“, y ferviente seguidor de la filmografía de este excelente director norteamericano para acudir al pase de prensa que se celebró la pasada semana en los cines Proyecciones de Madrid. Este es el resultado, amigos y lectores, que lo disfrutéis.

Dame la mano.
Marie LeLay

Una vida basada en la muerte no es vida.
Billy

SINOPSIS:
“MÁS ALLÁ DE LA VIDA” como se ha traducido en España “HEREAFTER” el nuevo trabajo del director norteamericano Clint Eastwood, nos cuenta la historia de tres personas que están obsesionadas por la mortalidad de formas diferentes. En primer lugar la de  George, un trabajador manual norteamericano que tiene una conexión especial con la vida después de la muerte. En el otro lado del mundo, Marie, una periodista francesa, tiene una experiencia cercana a la muerte que sacude su concepto sobre la realidad. Y cuando Marcus, un escolar londinense, pierde a la persona que estaba más cercana a él, necesita desesperadamente respuestas. Cada uno de ellos en una senda en búsqueda de la verdad, sus vidas se cruzan, cambiadas para siempre por lo que creen que podría o debería existir en la otra vida.

ARGUMENTO:
Esperadísima la nueva peli del “tito Clint”, como le llama Alfie, que después de la poco eastwoodiana Invictus nos sorprende con una historia sobre la vida después de la muerte. Y sí, como es habitual en Clint, la historia es importante, claro, pero al final es una excusa para hablar de otros temas. Por ejemplo, “Million Dollar Baby” no era (sólo) un película sobre boxeo, “Sin Perdón” no (sólo) era una película del oeste y “Gran Torino” no era (sólo) una historia de un viejo amargado, etc. Esta es una película sobre el “más allá”, pues sí, pero no sólo sobre eso.  Centrémonos, que aquí Alfie impone un orden. Argumento ultraresumido: Matt Damon habla con los muertos y su historia se mezcla con la de otras personas que tienen experiencias de un tipo u otro con el “más allá”. De por medio la catástrofe del tsunami de 2004 y los atentados del metro Londres de 2005.

Clint Eastwood para su regreso ha contado con el guionista Peter Morgan, al que todos recordaréis de películas como “El desafío – Frost contra Nixon” o “The Queen (La Reina)”. Es astuto porque intenta crear un limbo argumental en el que la religión no tenga peso y el espectador se debata sobre la posible existencia de una vida más allá de la muerte. No le interesa en ningún momento explorar cómo sería. El resultado es un híbrido entre “Ghost”, “Sin miedo a la vida” de Peter Weir y “El sexto sentido”, en tanto en cuanto George puede ver y hablar con los muertos, y el personaje de Marie LeLay, tras sobrevivir a la catástrofe queda marcada psicológicamente. Será en esta segunda línea argumental donde explore la idea de la conspiración para ocultar la existencia de un más allá, ya que ese personaje es una periodista que busca respuestas a los grandes interrogantes de siempre. Y la tercera, protagonizada por los gemelos británicos sirve para explorar y jugar con los sentimientos de la platea. De esta forma crean un producto en cierta medida atípico para lo que es la filmografía de este director, pero que funciona como un reloj suizo, ya que sorprende con los mecanismos con los que ponen en marcha la narración, aunque puedan quedar forzados los nexos de unión entre los tres protagonistas reales de la trama. Y por supuesto, juega donde Eastwood es el rey, en crear una trama de suspense. Lo malo, que el final puede no sorprenda nada.

LA SECUENCIA:
Creo que es inevitable destacar una y mil veces la escena inicial del tsunami. Es sencillamente impresionante y te deja clavado para el resto de la peli. La única pega que pondría es que es una escena no muy habitual en las películas de Eastwood y más bien parece que se trate de algo más propio de Spielberg que, por cierto, es productor ejecutivo de la cinta.

Entiendo que se haya quedado mi estimado Eulez con ese fascinante arranque a lo Roland Emmerich, que sorprende a todo aquel que no haya visto el trailer, como me pasó a mí. Pero, destacaré otra de las secuencias que es marca de la casa del “tito Clint”, me refiero a la de la clase de cocina, en la que Matt Damon y Bryce Dallas Howard ponen toda la carne en el asador, se dejan llevar por la batuta de Eastwood y crean un momento tan divertido como sensual, tan fascinante como inquietante, porque no sabes dónde irán a parar, y te mantiene en una cierta tensión.

EL PLANO:
Se lo comenté a Alfie durante la película. Hay un plano en donde se ve a Matt Damon sentado en una silla frente a una mesa mientras suenan unas notas de guitarra (¿o era piano?) Es una escena esencialmente eastwoodiana, llena de tristeza, melancolía y soledad. Poesía hecha cine sin pretensiones. Por cierto, qué gran actuación de Damon que da mucho más el pego como persona triste y solitaria que como el victorioso y triunfador capitán de la selección sudafricana de rugby en Invictus.

Otro de los múltiples planos a destacar del film es en la maniquea secuencia de la doctora, porque claro ya se sabe la bata blanca impone; pero abstrayéndonos de ese pequeño dato, los personajes de la doctora Rousseau y la periodista en paro Marie LeLay los ubica con toda la intención del mundo en un plano general en el que de fondo podemos ver las montañas nevadas. Eso es marca de casa, una vez más. La panificación es brutal y exhaustiva porque eso le lleva a poder manejar los sentimientos del respetable con total soltura y con mucha clase, como es habitual en un director de su talla.

EL PERSONAJE:
Matt Damon se ha especializado últimamente en papeles de machote pero no corre riesgo alguno de encasillamiento. Su actuación como psíquico es sobresaliente, y no por hacer muy bien como que habla con los muertos, sino porque consigue desprender soledad y tristeza por los cuatro costados, muchas veces sin decir una sola palabra, solamente a través de la expresión corporal.

Complicada eleccción, porque obviamente no voy a repetir. Me quedo con el de Marcus, ese niño inquieto, que obligado por las circunstancias tiene que hacerse adulto antes de tiempo. Ahí es donde los gemelos McLaren, Frankie y George, se lucen como actores. Están muy bien, y lloran como los ángeles, nada de taparse sobre el otro actor o usar otro tipo de triquiñuela barata. No. Eastwood dice accción, y estos lloran como la Meryl Streep. Te conmueven hassta la médula. Me estaré volviendo un blandengue, pero se me escapó una lagrimilla. Es que es un gran personaje y Eastwood lo usa como un cirujano, sin la menor contemplanción y con suma elegancia.

LO MEJOR:
Como en las mejores películas de Clint (aunque esta no lo sea), lo mejor son las reflexiones que surgen acerca de las relaciones entre las personas y sobre la influencia de nuestro pasado en nuestra vida. Todo esto está presente en esta película. Otro argumento recurrente de Clint también aparece aquí: esas familias que quieren lo mejor para el protagonista cuando en realidad sólo les mueven motivos egoístas. Pero sin duda lo mejor de la película es la clase de Eastwood al rodar una historia, por recrearse en los encuadres, por pintar Londres y París con tanto gusto, por desarrollar los personajes hasta donde haga falta. Lo mejor es poder ver cine de verdad, del bueno, sin pretensiones y estupideces. Auténtico cine del tito Clint, como parece que solo él sabe hacer.

Clint Eastwood es uno de esos directores que llega puntualmente cada año con un nuevo trabajo bajo el brazo. Es de agradecer, porque es de los pocos grandes que quedan de lo que podríamos denominar la vieja escuela, aunque en este film ya se lanza a los CGI con soltura y clase. Coincido con Eulez en que no pasará a la historia como una de sus mejores obras, pero es mejor que su anterior trabajo. Posee lugares comunes al resto de su filmografía como la soledad de los personajes principales o la angustía existencial en la que viven o como bien dice Eulez, la influencia del pasado en sus vidas. Todo os sonará a ya visto, pero lo bueno es que lo hace con clase. Queda claro que es un maestro de la narrativa, que con cuatro tonterías que genera una inquietud de libro.

LO PEOR:
El argumento central de la historia (el “más allá” y todo eso) no parece ser lo más adecuado para dar credibilidad a una historia. Muchas críticas ha tenido la peli debido a este planteamiento ya que en la misma se da por hecho que el “más allá” existe y que hay una especie de conspiración internacional para ocultarlo. En base a esto algunos sueltan lindezas tales como “Clint chochea” y “Clint ya ve a la parca”. No deberíamos descalificar una buena película solo porque trate de un tema extraño, algo que por cierto no es la primera vez que Eastwood hace. El que se lo quiera tomar en serio el tema de la vida después de la muerte, allá él; y el que no lo quiera hacer, que piense que es ficción. Si nos tragamos pelis sobre superhéroes que salvan a la humanidad gracias a poderes sobrenaturales no se cuál es el problema para aceptar que alguien habla con los muertos durante un rato como excusa para disfrutar de una excelente película. Tal vez otro punto donde falla la cinta sea en su duración, posíblemente demasiado larga y lenta. Y digo tal vez, porque a mí no me lo ha parecido, aunque entendería que aquellos que sean menos fanáticos del cine de Eastwood y disfruten menos con ciertos detalles así lo piensen.

Coincido con mi estimado Eulez en que esta historia se puede resumir, que a mi parecer es un poco larga. Trata crear tanto clima que le excede, y se sobreexpone al público, con lo que puede acabar un poco saturado. Que lo moderno entre los criticos jóvenes es vapulearla, quedando en cierta medida una obra un tanto incomprendida, que vaya por delante, no es maravillosa, pero que este hombre se merece todo el respeto del mundo. Se lo ha ganado con las canas y su sobrado buen hacer. Otra de las cosas que no me ha gustado es que no acaba de creerse la trama central, el lado más paranormal de la historia, y prefiere y se refugia en lo más psicológico. Para eso que hubiera apostado por adentrarse en el mundo de Weir, pero como tiene a Spielberg produciendo detrás, la producción queda un tanto blandita.

CALIFICACIÓN:
8 6