Crítica “Dabangg”

Y la sorpresa llegó en el quinto día procedente de la India, concretamente de la factoría Bollywood, se trata de la única representación de Asia dentro de la sección oficial a concurso, y creo que será el largometraje que se llevará el premio de la crítica, se titula “Dabangg”, cuya traducción es “Intrépido”.

Ha sido más espectacular que el trailer. Ahora empieza la película.
Chulbul Pandey
O me concede la mano de su hija o la rapto.
Makhanchan Pandey
La gente espera de un diputado que cumpla y no sea religioso.
Jefe de policía.
Le haré tantos agujeros que no sabrá por cual respirar y por cual tirarse pedos.
Chulbul Pandey

Este film dirigido por Abhinav Singh Kashyap nos cuenta la historia de Chulbul Pandey, un policía corrupto y sin miedo, es una suerte de Robin Hood mezclado con Harry el sucio, es desvergonzado, fuerte, astuto, y además utiliza métodos poco ortodoxos, roba dinero a los ladrones para dárselo a los pobres. Además, vive martirizado porque no ha superado los traumas de la infancia. Tras el fallecimiento de su madre, Chubul intentará reparar las heridas del pasado y entablar una nueva relación con su padrastro y hermanastro, pero no será sencillo, ya que sus enemigos querrán aprovecharse de sus rencores para acabar con él.

He de reconocer que no soy un experto en este tipo de cine, hay que reconocer las carencias de uno, pero desde mi ignorancia os la voy a desentrañar. En primer lugar, me llama la atención que Singh arranca el largometraje y pone antes de los títulos de crédito los agradecimientos y as dedicatorias, como si de un libro se tratara.  El guión, escrito por el propio realizador en colaboración de Dilip Shukla, no es nada original, nada que no hayamos visto ya, pero la gran baza es que mezcla los géneros con gran soltura, la comedia, el musical, el romance, el drama y el thriller, todo ello con grandes dosis de acción y entretenimiento, que es lo que hemos venido a ver.

El primer número musical, es el que da título a la cinta, está lleno de vitalidad, dinamismo y muy bien coreografiado, al igual que el resto de las secuencias musicales, que además tienen la característica de poseer un gran volumen de extras.

Me parecen sorprendentes las referencias internas del guión a la propia película, como la primera frase que he destacado, que la ponen justo tras la primera secuencia de acción que abre el film con referencias implícitas en lo formal y en el contenido a “Matrix”. Me han parecido muy divertidas porque las introducen en el momento justo. Al igual que la multitud de gafas de sol que tiene Chulbul, parece Elton John.

Además, me llama la atención las dosis de crítica social reconocidas por el propio realizador que acudió hasta la Mostra para presentar el film. Me refiero a que el villano es un político corrupto. Así que por lo que vemos amigos en todas partes cuecen habas. Otra de las curiosidades es que posee un intermedio, desde “Barry Lyndon“, un servidor no veía una cinta dividida en dos partes, faltaba el cartel de visite nuestro bar. Que seguro que en la explotación en su país de origen lo pondrán, no me cabe la menor duda.

A pesar de que no es original y que dura 126 minutos, no aburre en ningún momento, es más sus guionistas han sabido dosificar con suma coherencia todos los elementos anteriormente mencionados, pero en un rizar el rizo, hay momentos que parece que el film bebe de los mejor de Tarantino y Robert Rodríguez, como por ejemplo la secuencia final con el tractor. Por cierto, para que os hagaís una idea el director de la cinta nos contaba que su protagonista principal Salman Khan es como el George Clooney de Bollywood. hay que reconocer que es un todo terreno, le da igual menear la cadera que pegarse de bofetadas con los malos. De momento es lo mejor de lo que hemos visto a mi gusto, y os recomiendo su visionado. No sé si tendrá distribución en nuestro país, pero espero que haya algún valiente.

Calificación: 8

Crítica “La grieta”

Por la noche recuperé un film español de 1989 titulado “La grieta”, dentro de la retrospectiva que está haciendo el festival al realizador valenciano Juan Piquer Simón, recientemente fallecido el pasado 8 de enero. Es una pena, pocos medios se hicieron eco de la desaparición de este gran luchador del cine de aventuras y de terror.

Cuanto más sofisticado es el diseño, más problemas pueden surgir.
Wick Hayes

Turbulencias, parece que estamos dentro de una batidora.
Fleming

Un capitán nunca abandona su barco
Capitán Phillips

David Coleman desarrolla la idea del propio Juan Piquer Simón y Mark Klein. Que nos trasladará hasta las profundidades marinas donde un experimento genético realizado en una cueva situada en el fondo del mar causa mutaciones en las criaturas que habitan allí. En la misma zona, la desaparición de un submarino experimental llamado Sirena y diseñado por Wick Hayes obliga a los agentes del gobierno a enviar un segundo prototipo en busca de los restos y que averigüen qué pasó con la tripulación. Lo malo es que no sospechan los horrores a los que tendrán que enfrentarse.

Auténtico film de aventuras, realizado con mucha voluntad, pocos medios y sobre todo cuando la magia residía en la mente del espectador y en las maquetas que usaba el director para recrear mundos que salen de la imaginación del guionista. Lo que es obvio es que es un largometraje heredero de su momento, así las alusiones a “Alien” de Ridley Scott son directas y evidentes, tanto en cuestiones formales como de guión, así la introducción de vocablos pseudocientíficos, por ejemplo, o bien en algunos aspectos del desarrollo de la acción. La figura de traidor pagado por el empresa que sólo ha de traer de vuelta el espécimen pero no a la tripulación, y  cosas parecidas.

Del reparto qué decir, que R. Lee Ermey está genial como capitán del submarino, tiene auténticos momentazos con Jack Scalia y Ray Wise. Por su parte los actores españoles, Emilio Linder y Tony Isbert se integran en el reparto con mayor o menor fortuna, pero aún así destaco el momento en que muere Sven, protagonizado por nada más y nada menos que por Pocholo Martínez-Bordiú. Es genial. Una auténtica frikada. Es más cuando finalizó el film éramos como 14 en la sala y aplaudimos por el fenomenal espectáculo que habíamos visto. Hay que reconocer que en cierta medida tenía claro como funcionaba el cine, y fue uno de nuestros primeros realizadores en salir a trabajar al extranjero.

Crítica “La soledad del corredor de fondo”

Dedicado a David Molina, compañero de fatigas

Por la tarde, tras la conferencia de Fernando Savater sobre la figura de James Bond me desplace hasta el centro cultural de la Petxina para revisitar en cine dentro de la sección “Valencia capital europea del deporte” el clásico “La soledad del corredor de fondo” del director británico Tony Richardson. Puede que se trate de un film del que todo el mundo habla pero que pocos conocen de veras. La pena es que no pudimos ver la copia en 35mm que tenían porque se había roto, así que nos pusieron el DVD pero en versión doblada.

En nuestra familia siempre hemos corrido, sobre todo delante de la policía.
Colin Smith

Todo lo que sé es que has de correr sin una meta, esa es la soledad que siente el corredor de fondo.
Colin Smith

La competencia estimulará a Stacy
Director del reformatorio Ruxton Towers

Alan Sillitoe adapta su relato corto homónimo  a la gran pantalla en la que nos cuenta la vida de Colin Smith, un joven de clase obrera que vive en los alrededores de Nottingham. Un día comete un robo en una panadería y es enviado al reformatorio. Una vez allí, se introduce en uno de los programas de reinserción que está relacionado con una de sus mejores cualidades, la de correr. Poco a poco irá cogiendo fondo e irá ganando puestos en la institución penitenciaria. Durante los entrenamientos irá reflexionado sobre su vida anterior y empieza a comprender que se encuentra en una situación privilegiada.

El precedente inmediato de este gran largometraje es sin duda alguna, el estandarte de la Nouvelle Vague, hablo de “Los 400 golpes” de François Truffaut. Tanto por la forma de narrar como por el contenido del film. Los jóvenes cinéfilos pueden pensar que JJ Abrams parece haber descubierto el flashback como instrumento para narrar una justificación de un relato en presente. Si vieran este film se darían cuenta de lo equivocados que están.

Lo más interesante son los diversos planos en los que se mueve esta cinta que versa sobre la reinserción de los jóvenes delincuentes. Habla de las diversas técnicas psicológicas para ayudarles. Pero además, usa el deporte como telón de fondo. Están muy bien descritas las sensaciones que tiene uno cuando va corriendo. Me encantaron esos planos donde en cámara subjetiva de Colin vemos el cielo pasar o el suelo, como se reflejan las cosas en los charcos. La sensación de liberación que tienes cuando has acabado de correr una gran distancia, y has retado a tu cuerpo a ese exceso. Es un buen retrato de la sociedad industrial, de la problemática que le rodea.  Además, toca de soslayo el tema de la eutanasia con la muerte del padre.

Estamos ante una cinta que posee un mensaje claro y contundente. Donde los personajes están muy bien retratados, y sobre todo poseen un perfil psicológico preciso, que hace que el relato tenga una coherencia interna aplastante, y acabes entendiendo las decisiones que toma a lo largo de todo el metraje. Los planos y los movimientos de cámara están maravillosamente planificados. Llegados a este punto quiero destacar la escena de la revuelta del comedor, creo que es el perfecto ejemplo. Antony Gibbs, por su parte, hace una estupenda labor al editar en paralelo la secuencia en la que los internos cantan la canción de Jerusalem mientras están deteniendo de nuevo a Stacy. Funciona a la perfección. Y no quiero finalizar sin hablar de la maravillosa banda sonora con acordes jazzies creada por John Addison que para los cinéfilos más recalcitrantes le recordarán por su trabajo en “La huella” y los más catódicos por haber creador el tema central de la serie de Angela Lansbury, “Se ha escrito un crimen”. Para finalizar elogiar el trabajo de los actores Michael Redgrave o Tom Courtenay y decir que la trama me parece muy vigente.

Calificación: 10

Crítica “Snowman’s land”

Menos mal que vino a salvarnos el film alemán “Snowman’s Land” también perteneciente a la sección oficial a concurso.

La publicidad negativa es mala para el negocio.
Harry

No saben que han hecho. No saben que puerta del infierno han abierto.
Berger

Quiero verlo todo lleno de cadáveres. No se salvarán ni las cucarachas.
Berger

¿Para qué quiero dinero? Con salir vivo de esta me doy por contento.
Walter

Walter es un asesino profesional que ha cometido un error en su último encargo, por ese motivo se ve avocado a abandonar la ciudad y aceptar la oferta de trabajo de un jefe mafioso llamado Berger que vive en las montañas, en la región remota de los Cárpatos, para que proteja su casa. En ese cometido le acompañará Mickey, otro descerebrado asesino a sueldo. Cuando llegan a casa de Berger les atiende su esposa Sibylle. Pronto descubrirán que dentro del hotel hay un enorme laboratorio de fabricación de drogas de diseño. Una noche por accidente en ausencia del marido mafioso la esposa es asesinada, así que ambos deberán esconder el cadáver antes de que llegue por miedo a las represalias. Así que lo que parecía un trabajo sencillo acabará convirtiéndose en un auténtico infierno.

Tomasz Thomson escribe y dirige este cuentecillo de mafiosos decadentes y asesinos en horas bajas con mucha retranca, que cualquiera podría decir que parece escrito por los hermanos Coen. Eso es debido a que las referencias a “Fargo” son variadas e inevitables, así como a “El resplandor” de Stanley Kubrick, sobre todo por el entorno en que han rodado. Os decía que es un cuento porque el largometraje arranca con un narrador omnisciente que nos va adentrando en la vida de Walter, así como en sus diversos problemas que se le avecinan.

Todo ello lo adorna como altas dosis de humor negro, creando una obra entretenida, divertida, irónica, cínica y con bastante acción. El guión, que os contó que lo había escrito aquí en la capital del Turia, posee más de una frase lapidaria, y con momentos muy conseguidos como el del cuchillo eléctrico. Pero aún así, hablando con compañeros de la prensa este film nos ha dividido, hay algunos que les pareció que no era nada original, cosa que reconozco, y que además el desarrollo de los personajes no era coherente, aspecto en el que disiento, porque es lo que hace divertida esta propuesta que huele a ya vista. Os prometo que para mí ha sido un balón de oxígeno.

En cuanto al reparto quiero destacar la gran labor de Jürgen Rißmann como asesino nihilista, la de Thomas Wodianka como asesino tarado, sin olvidar la de Eva-Katrin Hermann y su grandioso momento polvo o la de Reiner Schöne, que da vida a Berger, el mafioso con más mala uva de todo los Cárpatos.

Calificación: 6

Crítica “Tracker”

Tracker” de Ian Sharp abrió la cuarta jornada de la sección oficial a concurso de la XXXII Mostra de Valencia.

No puedes conocer a tu enemigo hasta que no has conocido a su díos.
Kereama

No se puede empezar una historia sin acabar otra.
Kereama

Tras la guerra de los Boers en Sudáfrica a principios del siglo XX, los que sobrevivieron intentaron buscar su lugar en el mundo, ya que se tuvieron que doblegar a su Majestad la Reina de Inglaterra. Así es como Arjan llega a Nueva Zelanda, huyendo de su tumultuoso pasado. Tras un asesinato en la colonia, un maorí es falsamente acusado de haberlo cometido, por ese motivo sale huyendo a las montañas. El Mayor Pritchard Carlysle que a combatido con Arjan sabe de sus habilidades como rastreador, así que le contrata para que de caza al maorí prófugo. Cuando lo consiga nacerá una historia de amistad y respeto, pero antes deberán hacer frente a un grupo de soldados británicos comandados por Carlysle que quieren ahorcarle.

Nicolas van Pallandt escribe un guión que posee fuerte aromas a telefilm de aventuras, que no posee nada original en sus planteamientos ni en la forma de contarlos. Esta llena de tópicos, los dos enemigos que pasarán de discutir airadamente hasta que uno psicoanaliza al otro y le pasan a ser muy buenos amigos, convirtiéndose la trama en una buddie movie al uso, en la que irán saldado sus cuentas con el pasado a medida que vayan llegando a su destino.

Encima Ian Sharp desaprovecha un buen casting, ya que no sabe dirigir a los  actores Ray Winstone, del que guardo siempre en mi memoria su gran papel en “Sexy Beast”o de Temuera Morrison, que le recordaréis por su participación en el episodio II y III de Star Wars y los más cinéfilos por su papel en “Guerreros de antaño” de Lee Tamahori. Los dos llegan a estar ridículos en diversas escenas. Además, el respetable siempre va por delante del guión, con lo que encima no puedes esperar sorpresas, con lo que el aburrimiento te va invadiendo poco a poco, a pesar de que sea de aventuras.  La fotografía de Harvey Harrison es buena porque posee unos parajes impresionantes, y eso siempre ayuda al director de fotografía.  Pero una vez más lo que lastra la narración es el uso pueril de la bada sonora escrita por David Burns, que va guiando al espectador como si se tratara de un lazarillo. Creo que acabaréis viéndola cualquier día en Antena 3, por ser el típico producto familiar, o en T5, la cadena amiga que le encantan los films de aventuras. Tiempo al tiempo.

Calificación: 3

Fernando Savater en el Congreso Bond

En el cuarto día de la XXXII Mostra de Valencia llegó con puntualidad británica el espía más famoso del universo y el único con licencia para matar, me refiero al James Bond, que durante los próximos tres días se le va a celebrar el Congreso Internacional de James Bond: BOND ante el espejo. Alfredo Lujan fue el encargado de presentarlo, así como la primera ponencia titulada “El Hombre tranquilo” impartida por el filósofo y autor Fernando Savater. Y una vez más, para todos los que no os habéis podido desplazar hasta la Casa de Correos en la plaza del Ayuntamiento os dejo con un resumen de su curiosa visión de la cosmología bondiana.

“El Hombre tranquilo” por Fernando Savater.

El título de la ponencia es obvio porque es intranquilo profesionalmente. La principal novedad en la figura de este espía es la introducción de la velocidad, me refiero más al Bond cinematográfico. Introduce la celeridad en el mundo del espionaje, pero si os fijáis en la realidad espía poco. La postilla “Licencia para matar” lo dice todo, es un ejecutor. Y eso lo hace con todo un despliegue de artilugios. Le dura todo poco, se me te en la cama con una mujer y acaban matándola antes de que haga nada con ella. Es un personaje de paso.

Cabe preguntarse ¿por qué nos gusta tanto sus películas? Tengo un amigo que vivía en Suiza. Allí fue donde leí mi primera novela de este personaje. Mi primer Bond fue narrativo, que es totalmente distinto al cinematográfico. El Bond de las novelas es más dramático, más trágico, con una especie de estoicismo. En algunas novelas, inclusive, acaba aceptando la muerte. Bond tenía una novedad, era el primer héroe aventurero, pero no era un personaje romántico, que actúa por desprendimiento, con generosidad y caballerosidad. Todo lo contrario, es cínico, brutal, es antiromántico. Hoy no nos sorprende, pero en su momento, fue un héroe que despertaba dudas morales. Era un personaje inmoral. Es el primer protagonista o el primer héroe que admirabamos por sus ventajas pero no por sus virtudes. Es decir, vive rodeado de lujo, con capacidad para usar artilugios complicados y rodeado de mujeres. Pero lo que es no, su cinismo o humor negro, por ejemplo. La identificación con el héroe es por las ventajas y no por carácter.

Los gadgets que usaba ahora están a nuestra disposición. Por otra parte, el Bond cinematográfico aparece en plena guerra fría pero sin el lenguaje propio del momento. Son historias con características que muestran la extravagancia del poder. No quieren el poder para cosas comprensibles, es para obtener cosas extrañas o vacuas. El único poder que les atrae es el poder por las cosas extrañas, como los grandes Césares, de la antigua Roma, o como los niños pequeños. Los malos de Bond son como niños y no están dentro de las luchas geoestratégicas de la época.

James Bond a pesar de que se va transformado, envejece mal. La novedad se ha perdido, su cinismo está a la orden del día. Se ha convertido en algo corriente. No sentimos ninguna nostalgia hacia la época de la Guerra Fría, a diferencia de Sherlock Colmes y el mundo victoriano, por ejemplo. El mundo de Bond no lo es. Queremos traer sus habilidades a nuestra época. El cambio más evidente que ha sufrido son los protagonistas, los actores que lo han encarnado. Hasta llegar al más desconcertante que es Daniel Craig que se mimetiza con los espías rusos, actúa igual. El humor dentro de la saga Bond es una constante. Se debe a que Brocolli poseía un gran sentido del humor. Siempre hay un punto que hace que no te lo tomes demasiado en serio. La propia brutalidad se contrapone con el humor y hace que nos quedemos con la conciencia tranquila.

Me surge la duda qué puede pensar, hoy en día, un veinteañero sobre lo qué nos atraía del personaje. Bond es un héroe acaparador, que chupa plano, que se queda con todas las chicas de la película, es el héroe del consumo virulento. Lo consume todo, alcohol, mujeres, gadgets, coches, ese el mundo que queríamos todos en aquel momento. Ese es el mundo que tenemos hoy en día. No tengo ni idea de cual será el mundo futuro de James Bond y si al final morirá, y terminará por desaparecer o qué transformaciones sufrirá. Todos en la actualidad somos más malos que él.

Ahora un largometraje Bond es garantía de espectacularidad, pero no porque el personaje funcione. A pesar de que son películas taquilleras, es una más. Antes eran un suceso. Se hablaba de ello como un gran evento. Sinceramente, creo que no le queda mucho.

Mi James Bond favorito es Sean Connery y me encantó la película de “Agente 007 contra el doctor No”. La salida de Ursula Andress en bikini de la playa. La gente ya no sabe porqué se llamaba así a la prenda.,  su nombre se debe al atolón de bikini y no a que sea una prenda que consta de dos partes, la de arriba y la de abajo. Una de las películas más redondas es “Desde Rusia con amor”.

Me cuesta decir que Bond esté muerto. Creo que su fórmula está acabada, pero no en su espectacularidad. Una película Bond antes era inconfundible, hoy hay cincuenta tan espectaculares como ellas.

El espíritu Bond era un precursor, así lo vimos en su momento, era un preludio al mundo actual, de la postura despiadada del éxito a cualquier precio. Y eso ahora lo vemos en cualquier sitio que miremos. Si aparece alguien romántico siempre sospecharemos de él, nadie se cree que eso sea espontáneo o que se pueda actuar de forma altruista.

La figura de Bond es profética y también es verdad que se ha quedado en los actores. La mujer Bond ha contribuido a tapar la figura de Bond como héroe. Puede que haya salido ganando, ha pasado de ser un objeto a ser un reflejo de la mujer moderna. Chocaba y rompía con la heroína del momento.

En la actualidad, Bond cinematográficamente hablando tiene que luchar contra los héroes de cómic, que se han hecho con la producción industrial. Se ha buscado y se han hecho críticas a Hergé  por los argumentos de Tintín. Es curioso que Hergé  tenía un amigo colaboracionista y que atropella el mundo de las convenciones. Ahora solo quedan dos salidas: el cómic, el superhéroe, o bien volvemos a los espías de John Le Carré. Es decir, o te vas a superhéroe o te quedas en la gama humana, porque con los CGI puedes hacer lo que quieras y antes nos sorprendía todo. En cambio, ahora estamos hartos de los excesos, y nos pasa lo que le pasaba a Cecil B de Mille que opinaba que para él la película debe comenzar en un terremoto e ir para arriba.

Hay dos tipos de personajes, los de carácter y los de destino. Los de carácter son los que siempre hacen lo mismo, como por ejemplo Sherlock Holmes, pero los de destino tienen una trayectoria, es decir, tiene un principio, un transito y un desenlace. Bond es de destino. Por eso lo difícil es mantenerle vigente en esas virtudes y defectos.

En un seminario que coincidí con Umberto Ecco daba la casualidad que saltó la noticia que  Sean Connery encarnará a Guillermo de Baskerville cuando llevaron al cine “El nombre de la rosa”. Al autor de la novela, en aquel momento, le parecía una provocación. A él le pareció un horror que fuera Connery el personaje principal. Bond será eterno en la medida de que alguien piense en él.

La novela introduce en la vida burguesa el romance, el concepto de aventura, y que ahora no posee el mismo significado de antaño. La novela moderna nos cuenta como nos adaptamos a la sociedad actual. Antes era más una tradición, hoy no lo tengo claro. Antes la expectativa era importante, hoy me temo que no tanto. Para los aficionados puede que sí. Hoy la industria cinematográfica  te puede dar más cosas.

Crítica “Código Fuente”

Y acabé el tercer día de la Mostra viendo con Cinéfila por segunda vez “ Código Fuente” del realizador británico Duncan Jones, que participaba en la oficial fuera de concurso.

Código Fuente no es un viaje en el tiempo, es una reasignación en el tiempo.
Dr. Rutledge

Esta mañana estás muy raro.
Christina Warren

Capitán, aquí Castillo Sitiado me recibe.
Colleen Goodwin

Porque el mundo es un infierno y podemos reconstruirlo desde sus ruinas.
Derek Frost

El capitán Colter Stevens despierta en un tren de cercanías a toda velocidad sin la más mínima idea de cómo ha llegado allí. Sentado frente a él se halla Christina, una mujer a la que no conoce, aunque ella cree claramente conocerlo. Tras refugiarse en los aseos, se sorprende al ver en el espejo el reflejo de otro hombre, además de tarjetas de identificación en su cartera que pertenecen a un profesor de escuela llamado Sean Fentress. De pronto, una gran explosión hace pedazos el tren. Casi al instante, Colter se ve transportado a una unidad de aislamiento de alta tecnología, donde una mujer con uniforme militar llamada Goodwin exige que le rinda cuentas sobre todo lo que ha visto. Su verdadera misión es identificar a un terrorista que había destruido pocas horas antes un tren y que tiene previsto matar a miles de personas con una explosión mucho más potente en pleno centro de Chicago. Un programa de alto secreto, de nombre clave ‘Código Fuente’, permite a Colter existir brevemente como Sean en la realidad paralela en la que el tren de cercanías está a punto de estallar.

En resumidas cuentas, este es el argumento del guión creado por Ben Ripley, y que supone el regreso a la gran pantalla de Duncan Jones, al que todos recordaremos por su excelente ópera prima titulada “Moon”. En este caso dirige con suma profesionalidad este guión que se inspira en la serie de televisión “A través del tiempo (Quantum leap)” hasta tal punto que el actor Scott Bakula pone voz al padre de Colter en el film. Al igual que pasara con su anterior trabajo, este versa en cierta manera sobre la identidad del individuo, ahí este film entronca literariamente con el mundo de Philip K Dick, pero en un rizar el rizo habla sin hablar, eso sí, con suma delicadeza de los atentados de Madrid y Londres. Algunos a la salida pensaréis en “12 Monos” de Terry Gilliam. Pero, obviamente Silver es el creador de “2012” así que no saquemos los pies del tiesto, que este no es el film definitivo de viajes en el tiempo, para mí lo sigue siendo “Primer” de Shane Carruth. Esto es un divertimento que sólo sabe generar paradojas espacio temporales muy a pesar de que Duncan Jones comulgue con el final tal y como nos contó en la rueda de prensa que concedió en Madrid. Creo que es fallido, pero como te ha entretenido mucho durante 90 minutos pues como que se lo perdonaremos.

Es un film más heredero de las tramas de Alfred Hitchcock, como por ejemplo “Extraños en un tren”, ya la banda sonora creada por Chris Bacon, es toda una declaración de intenciones por sus aromas clásicos tan típicos de las cintas realizadas en la década de los 70. Lo que más me gustó del guión es que sea un profesor de historia el que la reinterprete. Lo peor su comercialidad, que hace que tenga un final que o es acorde o coherente con el hilo argumental, se me hace más digestivo si pienso en que Duncan Jones, que por cierto ha estudiado la carrera de filosofía y al que no pude entrevistar, hubiera tenido en mente a la hora de crear el film la idea de que existen distintas realidades en paralelo.

Calificación: 6

El verdadero placer fue conocer al creador de Psicocine, sabe un montón de lo que habla, doy fé.