NOCHES DE CINE FANTÁSTICO-2010

Un año más regresan los clásicos de los años 50, 60 y 70 de ciencia ficción, terror y fantasía a la Explanada del Complejo El Águila, que acogerá de nuevo el ciclo “Noches de Cine Fantástico” organizado por la Comunidad de Madrid. Así podremos ver cine de género al aire libre de nuevo. Se celebrará del 6 al 11 de julio, todos los días a las 22.15. Esta maravillosa programación incluye títulos emblemáticos en versión original subtitulada, dato muy importante, porque ya sabéis que uno es defensor a ultranza de la VO y  todos filmes son aptos para todos los públicos. Este espacio, donde se ubicó la antigua fábrica de cervezas El Águila, es un enclave curioso donde podremos disfrutar estos largometrajes. La entrada a las proyecciones es libre hasta completar aforo, y se llena os lo prometo, porque uno es asiduo a este evento.

El martes 6 de julio a las  22.15 h se proyectará “LA NOCHE DEL CAZADOR”, basada en el novela escrita por Davis Grubb y adaptada a la pantalla grande por James Agee y  Charles Laughton, que hizo en este caso hizo también las veces de director a medias con el actor norteamericano Robert Mitchum, que se reservó el papel de Harry Powell. La trama es muy simple; tras realizar un atraco en el que han muerto dos personas, Ben Harper regresa a su casa y esconde el botín confiando el secreto a sus hijos. La policía lo detiene, pero, antes de ser ajusticiado, comparte la celda con Harry Powell y en sueños le habla del dinero. Tras su liberación, Powell acude al pueblo de Harper obsesionado por hacerse con el botín, enamora a su viuda y consigue casarse con ella. Además podréis disfrutar de actrices de la talla de Shelley Winters  o Lillian Gish y actores como Peter Graves. Este film norteamericano dura 93 min y se realizó en 1955.

 

El miércoles 7 de julio a las 22.15 h dará comienzo uno de los clásicos de la factoría Corman. Si el año pasado pudimos ver “La máscara de la muerte roja” este año podremos ver otra de las adaptaciones que hizo de Edgar Allan Poe, hablo del inquietante largometraje “EL PÉNDULO DE LA MUERTE”. Este relato ha conocido múltiples adaptaciones, en este caso fue el reputado guionista Richard Matheson, celebre por haber escrito el libro de “Soy leyenda” o “El increíble hombre menguante”, el encargado de llevar el mítico relato de Poe a la gran pantalla. Dirige, cómo no, el rey de la serie B, Roger Corman y e interpreta a Nicholas Medina el gran Vincent Price y a Barbara Steele, a la que todos los fans del género recordaréis por su mítica escena lésbica en “Vinieron de dentro de…” del gran David Cronenberg. La acción nos lleva hasta la Inquisición española. Un hombre viaja a la península en busca de su hermana, sólo para enterarse de que ha muerto. Su esposo, hijo de un temible inquisidor, asegura que fue a causa de una enfermedad, pero ¿es cierto? La saturada fotografía y el ambiente claustrofóbico caracterizan esta película de terror norteamericana. Por cierto, el gran Albert Whitlock se encargó de los mates. El largometraje dura 80 minutos y se realizó en 1961.

El jueves 8 de julio a las 22.15 h tenemos todos una cita con otro maestro del terror, el gran Mario Bava, el indiscutible rey de la serie B italiana. Podremos visionar “LA MÁSCARA DEL DEMONIO”. Realizada cinco años antes de su mítica “Terror en el espacio”, Mario Bava dirigió esta adaptación hecha por Ennio De Concini, Mario Serandrei y Marcello Coscia del relato corto «The Viy» escrito por Nikolai Gogol . En este caso la acción también nos lleva hasta la Edad Media, la Inquisición rusa captura a una pareja de brujos y los ejecuta usando una máscara con púas en su interior que, al ser colocada sobre el rostro de la pareja, les causa la muerte. Siglos después, sus ataúdes son encontrados y abiertos por dos viajeros, que retiran la máscara del centenario cadáver de la bruja Asa. Ésta vuelve a la vida y junto a su amante siembran el pánico en la zona. Repite en el reparto la mítica estrella norteamericana Barbara Steele en un doble papel, por un lado dando vida a Katia y por otro a la princesa Asa. También contó con otro mítico actor de la serie B, hablo del británico John Richardson, al que todos recordaréis por haber compartido pantalla con Raquel Welch en la obra cumbre de Ray Harryhausen “Hace un millón de años” dirigida por Don Chaffey. Si vemos la versión norteamericana escucharemos la banda sonora de Les Baxter. Este filme italiano dura 85 minutos y se realizó en 1960.

El viernes 9 de julio a las 22.15 h todos comenzaremos a babear al poder ver un clásico de los clásicos del cine de ciencia ficción dirigido en 1955 por el gran Val Guest, que en este caso adaptaba conjuntamente con Richard H. Landau el telefilme de Nigel Kneale, hablamos de “EL EXPERIMENTO DEL DR. QUATERMASS”. En ella nos cuentan que el primer cohete espacial británico ha despegado con éxito, y vuelve a la Tierra, pero la comunicación se corta. Sólo uno de los tres astronautas permanece a bordo, y su salud, tanto física como mental está gravemente dañada. Es puesto bajo observación pero su esposa le saca del hospital, liberando de una gran amenaza a la humanidad, ya que el superviviente está siendo consumido por una fuerza alienígena. El actor británico Brian Donlevy dio vida al mítico Dr. Quatermass. Si te haces llamar cinéfilo, eres amante del género y no la has visto, desde este instante que lees estas líneas tienes una cita obligada. Este filme se realizó en 1955, cuando las películas no duraban más de hora y media, esta concretamente 82 minutos.

Menudo fin de semana nos espera, el sábado 10 de julio a las 22.15 h se proyectará un películón, de esos grandes, magníficos y míticos. Tom Tryon se encarga de llevar a la pantalla su propia novela titulada “EL OTRO”, Robert Mulligan se hizo cargo del proyecto. Esta es la historia de dos hermanos gemelos de nueve años, Niles y Holland, viven con su familia en una granja en Connecticut. Ada, su abuela, les ha enseñado un juego, pero uno de los chicos parece haberlo interpretado de un modo insano, y empiezan a sucederse extraños accidentes. A Niles le parece que Holland es el responsable de lo que está sucediendo. Esta espeluznante historia de aires góticos fue interpretada por Chris Udvarnoky y Martin Udvarnoky, gemelos nacidos en Michigan en 1961, y que sólo trabajaron a las órdenes de Mulligan. Completa el reparto Uta Hagen, a la que recordaréis por su papel en “Los niños del Brasil”. En este caso da vida a la abuela de las criaturas e hizo el papel de su vida, está magnífica. Son 100 minutos de terror con mayúsculas, de cuando el cine se hacía con talento e ingenio allá por 1972.

Finaliza este corto pero maravilloso ciclo el domingo 11 de julio a las 22.15 h con la proyección de la mítica cinta de Sir Alfred Hitchcock, “VÉRTIGO – DE ENTRE LOS MUERTOS” donde necrofilia y suspense se dan la mano. Realizada en 1958, nos cuenta las aventuras de Scottie Fergusson, un detective de la policía de San Francisco que tiene vértigo. Durante la persecución de un delincuente, se ve obligado a retirarse cuando un compañero cae de una cornisa al vacío. Un viejo amigo del colegio, Gavin Elster, contrata a Scottie para vigilar a su esposa Madeleine, una bella mujer que está obsesionada con su pasado. Alec Coppel  y Samuel A. Taylor  se encargan de adaptar la novela homónima de Pierre Boileau  y Thomas Narcejac. Está protagonizada en sus principales papeles por James Stewart, la feme fatale Kim Novak y la chica guapa y buena Barbara Bel Geddes, que años más tarde daría vida a la matriarca de “Dallas”. La restauración de este largometraje se lo debemos a estas dos actrices y a la hija del realizador, Patricia Hitchcock. Bernard Herrmann se encargó de poner en pie una de sus partituras más recordadas con la de “Psicosis”. Saul Bass por sus parte creo uno maravillosos títulos de crédito y diseño uno de los afiches más buscados por los cinéfilos. Es más dos curiosidades, Wilson el amigo de “House” tiene colgado en su consulta de oncología el afiche de esta película y Terry Gilliam en sus míticos “12 monos” la homenajeó, y la mítica secuencia de la sequolla es la que Bruce Willis y  Madeleine Stowe ven en el cine de sesión continua, y ella va de rubio a partir de ese momento con la película en claro homenaje a Kim Novak.. Así que amigos residentes en Madrid no debéis perderos estos 120 minutos llenos de gran suspense.

 

La explanada de El Águila está situada en la calle Ramírez de Prado, 3. La parada de metro más cercana es Delicias o Atocha. Otros medios de transporte con parada cencana son Cercanías RENFE, parada Delicias y EMT la línea 8. Recordad la entrada libre hasta completar aforo.

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ALIEN: NARRATIVA FÍLMICA

El terror se convierte plano a plano, en algo sumamente abstracto: es la angustia ante lo desconocido.

Sigourney Weaver.

«ALIEN« es un film muy british a todas luces, con ello quiero decir que no sólo es que esté realizado en Gran Bretaña, no, con ello quiero decir que está realizado muy al gusto de los británicos, aterroriza pero prácticamente sin una gota de sangre, eso es porque profundiza en la narrativa de Alfred Hitchcock, por eso funciona tan bien como thriller o largometraje de suspense, como queráis denominarlo. Así que pasemos a analizar diferentes aspectos de la película que son muy importantes, esos pequeños detalles que están ahí, que parecen irrelevantes, pero no dejan de ser lo que le otorga mayor enjundia al film de Scott.

Saul Bass, gran maestro de ceremonias, y genial introductor, por no decir, diseñador y creador de los más famosos títulos de crédito del cine norteamericano, supo entender muy bien los diseños de Hans Rudi Giger y eso se deja ver en los rótulos iniciales del largometraje a pesar de que no está acreditado. En tan sólo dos minutos nos hará un gran resumen de lo que será el núcleo de este particular viaje espacial. Los motivos por los que no está acreditado, no nos interesan, para mí son meramente anecdóticos, pero lo verdaderamente curioso es la estructura que poseen. Comienza de la forma más inquietante que puede arrancar una película con una pantalla casi en negro, porque nos pone el universo de fondo, comenzamos el viaje de lo general a lo particular, porque acabamos viendo un planeta de fondo.  Todo ello acompañado por la suite creada, por Jerry Goldsmith para marcar este efecto, con instrumentos de viento y cuerda para ir de la mano con Bass e ir de lo dulce y placentero a lo estridente y peculiar.

Gran amante de la geometría, este diseñador apuesta por una tipografía mecánica, que realza el sentido de ciencia-ficción y futuro, y juega con ellas para ir desvelando poco a poco el título del film, juega con la idea de suspense, y nos va adentrando poco a poco en el universo del largometraje. Pero es más, va jugando con otra regla de oro del diseño, la simetría. Pensad que un rostro simétrico es bello, ese es nuestro canon.

La simplicidad otra de las reglas de oro del diseño se deja ver claramente en estos rótulos porque sólo hay un movimiento de cámara, es un travelling, que va de izquierda a derecha, en un plano americano que no deja ver por completo la forma real del planeta que aparece en el fondo de la imagen, homenaje al gran maestro Alfred Hitchcock, obliga al espectador a imaginar si es un planeta o un huevo, así de esta manera llegamos a otra de las características de los rótulos de crédito de Bass y es que es capaz de resumir absolutamente el espíritu del film en dos minutos. Pero no olvidemos que el cine es Gestalt, luego hay que hablar de aspectos psicológicos, nosotros leemos de izquierda a derecha, la música comienza con sólo instrumentos dulces de viento, todo para que el espectador se sienta cómodo a pesar de estar viendo una pantalla casi en negro. Pero el tono de los acordes irán cambiando a medida que el travelling sobre el ecuador del planeta llegue a la mitad del movimiento, allí nos toparemos con a medio camino de un increíble in crescendo que lleva de la mano al espectador. Y es el momento en el que ya tenemos todos los instrumentos (cuerda, viento y percusión), que se correlaciona con el momento justo donde tenemos en pantalla el punto de origen de la criatura. Y cuando Bass nos desvela el título del largometraje por completo, en ese mismo instante nos hallaremos en el clímax del crescendo de la suite de Goldsmith, a caballo entre lo romántico y lo barroco, entre la belleza, el misterio ante lo desconocido. Creando un paroxismo curioso, que se difumina rápidamente a medida que volvemos al universo en general y mediante un encadenado aparece la Nostromo en cuadro en la parte izquierda del fotograma y arranca verdaderamente la película.

No puedo evitar contaros una coincidencia cósmica, Saul Bass había coincidido con Helen Horton, que en «Alien» presta su voz al ordenador central a «Madre», en un film que dirigió en 1974 llamado «Sucesos en la cuarta fase» e intepretaba en esa ocasión a Mildred Eldridch, y también coincidiría con John Barry, el director de fotografia no el músico, del que hablaremos en «los hijos bastardos».

LA LARGA MANO DE JOSEPH CONRAD

Józef Teodor Konrad Korzeniowski, más conocido como Joseph Conrad, es un célebre autor de novela de aventuras, y cuya bibliografía ha conocido más de una adaptación cinematográfica. Tanto Gordon Caroll como Ridley Scott son dos grandes admiradores del autor, eligió para su debut en la pantalla grande «Los duelistas», que realizó de la mano del célebre productor David Puttnam, todo un cazatalentos, y la acción nos trasladaba a las guerras napoleónicas donde podíamos asistir a un duelo sin fin protagonizado por Harvey Keitel y Keith Carradine. Así que ponerle el nombre de «La Nostromo» a la nave es un homenaje más en su filmografía a la obra de Conrad. Esta novela de Conrad ha conocido alguna ambiciosa adaptación televisiva, en la que actores de la talla de Colin Firth, Albert Finney,  Brian Dennehy, Joaquim de Almeida, Lothaire Bluteau o Claudia Cardinale, acompañaban a Claudio Amendola que daba vida al famoso personaje que da nombre a la serie y a la novela, pero que en su momento pasó sin pena ni gloria. Lo verdaderamente curioso es que la novela se centra en un país imaginario sudamericano llamado Costaguana, y Sulaco es el nombre de la ciudad portuaria, y no podemos dejar de pasar por alto que el nombre de la nave en «ALIENS», segunda parte de esta franquicia dirigida por James Cameron, no es otro que el de la citada urbe ribereña, y en la novela es donde se centra la vida de los personajes y la acción fundamental. Y Ridley Scott no deja de construir un relato de terroríficas aventuras espaciales de siete personaje, en la que el viaje sideral marcará a fuego al personaje principal. Pero hay coincidencias con el universo de Conrad. Un importante dato es que el escritor ucraniano vivió la época álgida del colonialismo, la lucha contra las corporaciones y el capitalismo, y todo ello se haya como telón de fondo de esta aventura peculiar. Idea barajada tanto en Nostromo como en «El corazón de las tinieblas», donde reflejará la barbarie del universo colonial africano del siglo XIX, y en el que veremos como el personaje realiza un viaje y lucha contra una corporación. Francis Ford Coppola la adaptó libremente al cine en su célebre film bélico «Apocalypse Now».

LO COTIDIANO

Scott juega con la vida cotidiana al igual que pasa en alguno de sus antecedentes, pero el lo lleva un paso más allá. Así, en primer lugar elimina el machismo de versiones previas e introduce otros problemas como las reivindicaciones salariales, como cuando Brett le comenta a Dallas durante el desayuno que no está de acuerdo con lo que van a cobrar o cuando le pide una gratificación monetaria por ir a investigar la señal desconocida llegando a una acalorada discusión con el capitán de la nave.

Inclusive las actitudes de los trabajadores, como la que muestra personajes como Parker, absolutamente insubordinado, crítico con las decisiones de los mandos, mostrando una actitud cínica hacia la empresa,  llegando incluso a tomarles el pelo, diciendo que tiene que emplear más horas de lo debido para terminar de arreglar la nave.

El racismo, como en la escena en la que Parker le hace levantar a Ash de su asiento y lo limpia con la mano o la introducción de terminología marítima como cuando utilizan los términos virar a babor o a estribor en la escena del aterrizaje o aeronáutica, en la anterior escena podemos escuchar «llegando al apogeo orbital», «recoger el tren de aterrizaje», «conectar la gravedad artificial» o «turbulencias».

Otro ejemplo lo encontramos cuando están tratando de averiguar en que punto del espacio Kane manda a Ripley que contacte con control de tráfico:

Esta es la astronave comercial “Nostromo”. Número de registro 180924609. Me reciben. Astronave comercial “Nostromo” de las Islas Solomon. Me reciben. Número de registro 180924609. Espero contestación…llamando a Antártica, control de tráfico.

NARRATIVA FÍLMICA

El film arranca con múltiples travellings de carácter descriptivos, con amplios planos generales que nos ubican en el entorno, nos describen con todo tipo de detalles como es la nave por fuera, por dentro, nos muestra sus largos corredores. Así Scott, saca partido a todo el diseño de Jean Giraud, más conocido como «Moebius» y Ron Cobb, creadores de todo este particular universo de aspecto industrial, recordad que los personajes de la trama no dejan de ser mineros espaciales. Moebius procedía del mundo del cómic y escribía para la revista «Metal Hurlant», mientras que Cobb  procedía de la serie B y había colaborado previamente con Dan O’Bannon en una inmensa gamberrada espacial dirigida por John Carpenter llamada «Dark Star«, para la que hizo los diseños y los efectos especiales. Os dejo enlace a un gran artículo sobre los diseños de Cobb aparecido en Microsiervos.

Para pasar a primeros planos, todo dentro del mismo travelling, y mostrarnos la recepción del mensaje, que hará despertar a la tripulación, y les embarcará en esta barroca aventura.

Scott da mucho dinamismo a la cámara, sobre todo cuando los personajes suelen tender a estar estáticos en el espacio y viceversa. Así suele fusionar  panorámicas a los travellings, y todos son a contra lectura, para generar desasosiego en una escena cotidiana de la vida mediante la incomodidad física de la lectura. Eso da idea de la exquisita planificación que posee de la escena, al margen de sus conocimientos como cineasta. Así, la secuencia del desayuno se erige como todo un gran ejemplo de la técnica narrativa del director británico afincado en EEUU. Hace un barrido del comedor de izquierda a derecha para acabar centrando el foco de atención en Kane, que posee una línea de diálogo muy profética, al decir que se siente que está muerto.

Uno de los múltiples aciertos de Scott frente a sus predecesores es dotar a las transiciones en las que podemos ver como pasa la nave por delante del encuadre, de un verdadero sentido narrativo dentro del largometraje. Así pues, serán verdaderos puntos y seguidos, que otorgan un cierto alivio a la intensidad de la narración, pero que no dejan de otorgar dinamicidad a la narración. Llegados otra vez  a este punto debemos de hace hincapié en el desarrollo de movimiento. La nave siempre ira a contra lectura, con lo que el alivio es menor, porque inconscientemente marca un stress de lectura al espectador, generándole una cierta ansiedad.

Pero será tras la muerte de Kane que estas transiciones se harán de otra manera, esto es debido que ahora servirán para dar respiros en la intensidad de la narración realmente, pero siempre marcando un punto y seguido. Para ello, siempre veremos pasar la nave pero ya no será un movimiento a favor o en contra de la lectura, es decir de derecha a izquierda o viceversa, ahora será de atrás a delante, siempre alejándose en el sentido del eje de la x espacialmente, bien sea viendo la superior a vista de pájaro o…

la parte inferior de la nave.

Esta película posee una narración muy intensa, por todo lo anteriormente expuesto más que su director abusa intencionadamente de dos recursos: primeros planos y los planos americanos. Es como si en un texto comenzara a poner muchos adjetivos y adverbios tanto a los sustantivos como a los verbos. Puede llegar a ser extenuante, pero que en este caso es eficaz. Pero además le sirve por un lado para no mostrar completamente a la criatura, por otro juega con el fuera de campo, lo que se encuentra fuera del cuadro, obligando de estas dos maneras al espectador a usar la imaginación, y a veces aterroriza más lo que uno se imagina que lo que uno ve realmente. Pero, quiero destacar que usa de una manera muy hitchcockniana los primeros planos calificando a la criatura mediante una herramienta de montaje llamada efecto kuleshsov, y que gracias a Redrum podréis acabar de entender en que consiste.

HITCHCOCK EXPLICA EL RECURSO DEL PRIMER PLANO

Pero que sea intensa no quiere decir que sea rápida, y es ahí donde encontramos otro de los grandes aciertos, el ritmo pausado de la narración que le permite a Terry Rawlings montador y a Scott, poder elegir cuándo y cómo asustar al espectador, y crear así un ambiente idóneo donde sustentar el thriller.

Así pues, es prácticamente imposible que el espectador desconecte del film, aquí hay que hablar del montaje realizado por el siempre genial Terry Rawlings, montador de las tres primeras partes de la franquicia, y que en este particular caso hace un trabajo soberbio al saber gradar muy bien los momentos de tensión que había planificado con anterioridad el director al otorgarle toda una serie de elementos con los que poder jugar, porque no debéis olvidar que en la sala de montaje no puedes rodar lo que no tienes, ese momento ya pasó. Y a veces, sobran cosas, que no aportan mucho más y pueden hacer perder ritmo al film. Así llegamos a la versión del director, que particularmente opino que nunca debería haber existido, las nuevas escenas, eliminadas por Rawlings en su momento, están bien quitadas, porque hacen perder ritmo al metraje y tampoco es que aporten nada novedoso, como si lo hizo Cameron con la idea de la Reina. Sobre todo, porque este film juega un poco a ser un relato de Agatha Christie, y al igual que «La cosa» de John Carpenter, juega a ser una variante de «Los diez negritos», porque desde el principio sabemos quién es el asesino, pero al final sólo quedan la víctima y el verdugo, Ripley y Alien llevándonos a un duelo espacial muy particular, en el que los personajes apenas carecen de armas, y deberán jugar con la astucia, sobre todo la teniente para poder defenderse.

El recurso de la grúa en el film sólo lo usa en una ocasión, se trata de la secuencia que tiene lugar en el interior de la nave alienígena, con el que consigue pasar de un plano americano de Kane a un plano general del interior en contrapicado para realzar más la idea de lo pequeños y vulnerables que son los tres protagonistas.

El lector y espectador de esta magnífica película no debe olvidar que está gestada a finales de la década de los setenta, los gustos narrativos dentro del género estaban en plena evolución, y la corriente del gore cobraba cada vez más fuerza, como ya habíamos visto en películas como «No profanar el sueño de los muertos», de Jorge Grau. Pero Scott en un giro de tuerca, llega a estilizar el gore, y mostrarlo con una gran dosis de asepsia quirúrgica. Las pinceladas son escasas pero contundentes, tres serán las escenas donde podamos apreciar planos que podamos catalogar como gores. Para la primera esperará hasta el minuto 49 de metraje de la versión del director para ofrecérnosla en una verdadera orgía hemoglobínica cuando irrumpe en escena el octavo pasajero procedente del interior de Kane…

, y los otros dos planos se hayan en la muerte del Brett y Parker.

La bibliografía es extensa y variada que avala esta idea, pero el mayor testigo de todo ello es Ivor Powell, productor asociado del film y mano derecha del realizador británico, reconoce en el documental de Lauzirika que el cineasta impuso al equipo ver «La matanza de Texas» de Tobe Hooper realizada en 1974, máximo referente del género gore y obra de culto, sin albergar la menor duda.

THE TEXAS CHAINSAW MASSACRE-TOBE HOOPER-1974

Puedes continuar leyendo el monográfico en:

• LA CRIATURA PERFECTA 
• ANTECEDENTES

PLANO SECUENCIA

Gracias a mis avezados lectores del VIDEODROMO surge este monográfico dedicado a uno de los elementos más complicados de rodar, hablamos del plano secuencia, que seguirá creciendo a medida que nos enviéis vuestras aportaciones.

Según la Wikipedia un plano cinematográfico es la unidad narrativa más pequeña pero significativa del hecho audiovisual. Es la parte de una película rodada en una única toma. Así pues, el plano secuencia, es un tipo de plano en donde la cámara se mueve creando así una toma en donde se muestran diferentes acciones de los personajes conservando las unidades espaciales y temporales. Es decir que los objetos y los actores se mueven ante la cámara o la cámara se mueve, por lo general mediante un travelling horizontal o vertical o bien mediante un giro, también conocido como panorámica.
Así que requiere de una exhaustiva planificación, requiere de maestría por parte del director, ya que ha de organizar a todos los integrantes del equipo de rodaje y a los actores y aquello suene como una orquesta sinfónica, que los acordes sean melódicos y suenen con gran armonía. Así todos estarán listos cuando suene la claqueta, y a partir de ese momento la acción tendrá lugar, la cámara se convierte en testigo único, el operador sabrá de antemano si el director en tal marca quería un plano general o por el contrario quiere un primer plano de tal o cual objeto o personaje. Así, el carácter del plano secuencia es descriptivo. Por lo general, le sirve al director para puntualizar algo, es como si utilizaramos multitud de adjetivos con un sustantivo. Luego, cuanto más largo es más carga emocional y de datos poseerá. Será un plano más denso en información, por lo tanto exigirá del espectador más atención. Por eso, es difícil encontrarlo en un film de acción.

El plano secuencia más largo que existe lo realizó Sir Alfred Hitchcock en 1948, era la primera vez que utilizaba el color, y su fotografía es esmerada. Me refiero al film «LA SOGA», basada en una obra teatral «Rope’s end». El plano secuencia en cuestión dura desde el inicio de los títulos de crédito iniciales hasta los rótulos finales, es decir, 80 minutos. El truco para cambiar de bobina era hacer un zoom sobre las chaquetas de los personajes, así que cada 10 minutos debía hacer un zoom. Así la labor de montaje se realiza en la preproducción, en la planificación del plano y durante su elaboración, es decir, durante el rodaje. Lógicamente se ha de ensayar varias veces para que todo el mundo se encuentre en las marcas en los momentos precisos.

LA SOGA

Un admirador sin lugar a dudas del gran mago del suspense es el director norteamericano Brian de Palma, que le ha homenajeado hasta la saciedad en multitud de películas, pero hoy está en este monográfico por el pedazo de plano secuencia que realizó para su película «SNAKE EYES» de 1998, y le servía para abrir su cinta ambientada en el mundo del hampa, con jugadores empedernidos, apuestas, malos y traidores que acuchillan por la espalda a sus mejores amigos.

SNAKE EYES: SECUENCIA INICIAL DEL FILM

Pero sin duda uno de los que han hecho historia en el cine es el realizado por Orson Welles en 1958 en su película «SED DE MAL» que además le servía de escena de apertura del film, que ahora podeís mirar a continuación, consiguen poner en mayúsculas la palabra suspense.

SED DE MAL

El gran genio de Hollywood, Robert Altman en 1992 realiza un ejercicio satírico sobre la Meca del cine, en la que podíamos disfrutar al principio de la película con un plano secuencia que servía para mostrarnos el funcionamiento de un gran estudio un día cualquiera a la par que podemos leer los rótulos de crédito iniciales del film «EL JUEGO DE HOLLYWOOD».

EL JUEGO DE HOLLYWOOD

Un novato Paul Thomas Anderson nos demostraba en su ópera prima «BOOGIE NIGHTS» de 1998 que daría mucho que hablar, ya que creó un magnífico plano que acababa como el rosario de la aurora y en el que describía el ambiente de las fiestas de alto standing en Hollywood, concretamente en el ambiente del cine porno.

BOOGIE NIGHTS

Pero hay más ejemplos de plano secuencia. SuperSantiEgo, consigue rizar el rizo y ha encontrado este pedazo de escena de acción, nos trae este plano secuencia sacado del film «THE PROTECTOR», interpretado por Tony Jaa (de Ong Bak fame). Está rodado con una steadycam y dura 3 minutos. Es simplemente asombroso.

THE PROTECTOR

Otro de nuestros lectores Australino nos aporta al genio de los genios, hablamos de Staley Kubrick que era muy dado ha realizar planos muy largos y muy elaborados, él aporta el film de 1957 rodado en blanco y negro llamado «SENDEROS DE GLORIA» en el que podíamos ver a Kirk Douglas recorriendo las trincheras del frente francés sorteando todo tipo de obstáculos, humanos y físicos, con la iniciaba la película. Secuencia que por otra parte ha sido homenajeada recientemente en dos cintas muy distintas, la primera francesa de Jean-Pierre Jeunet «LARGO DOMINGO DE NOVIAZGO» y la segunda es española, estrenada hace un mes y es obra de Alex de la Iglesia, hablo de «LOS CRÍMENES DE OXFORD». Pero amigos, tras verla, que podeís verla tranquilamente, todos podremos decir que no es un plano secuencia aunque es genial en cuanto a planificación.

SENDEROS DE GLORIA

Monsieur Copepodo nos trae bajo el brazo a otro de los grandes, al maestro de los maestros, hablamos del cineasta griego Theo Angelopoulos. Este director es el amo de los planos secuencia. Cópepodo destaca de toda su filmografía dos películas una de 1991 que es «EL PASO SUSPENDIDO DE LA CIGÜEÑA» y otra de 1995 se trata de «LA MIRADA DE ULISES» Dos dramas fronterizos entre la realidad y la ficción, entre países, entre la vida y la muerte. Es impresionante el caso de «La mirada de Ulises» porque llega a realizar una elipsis en pleno plano secuencia, atentos que no tiene desperdicio.

LA MIRADA DE ULISES-ESCENA DEL BAILE PRIMERA PARTE

LA MIRADA DE ULISES-ESCENA DEL BAILE SEGUNDA PARTE

EL PASO SUSPENDIDO DE LA CIGÜEÑA

SECUENCIA 1

EL PASO SUSPENDIDO DE LA CIGÜEÑA

SECUENCIA 2

Mónica Jordan desde su «Espejo Pintado» nos brinda otro ejemplo, concretamente el plano secuencia del largometraje de 1964 «SOY CUBA» del director ruso Mijail Kalatozov, que poseía dos versiones, la cubana y la rusa. Como ella misma reconoce: «una no sabe cómo narices consigue mover la cámara por los lugares que la lleva»

SOY CUBA

También nos trae otra rareza que rivaliza con «LA SOGA» se llama la película «EL ARCA RUSA» dirigida por Aleksandr Sokurov en el 2002, un plano secuencia único de 95 minutos. Así que gana por 15 minutos al genio británico. Toda una hazaña si le sumamos la increíble puesta en escena y los número tan espectaculares que conforman la película: 2000 extras, 3 orquestas, 33 habitaciones, y una única toma. Ahora vaís y os la bajaís de la mula corriendo. Rufo ha encontrado otra curiosidad sobre este largometraje en la wikipedia, este palno secuencia es puro por estar rodado con video digital HD, así se elimina el problema de la limitación de tiempo de las bovinas, y dura algo más de 90 min porque es el máximo que permitian los discos duros, al parecer, era 100, y se consiguió grabar al cuarto intento.

Fuente: http://en.wikipedia.org/wiki/Russian_Ark

EL ARCA RUSA

José Alberto Delgado os ha encontrado buceando en el youtube el plano secuencia de «UNO DE LOS NUESTROS» obra maestra del género de gagsters que realizó en 1990, el director italoamericano Martin Scorsese, impresionante el uso del steadycam en esta secuencia, no puede dar más información porque no puede, nos describe la relación de pareja, la situación «profesional» del personaje interpretado por Liotta, ¿quién da más en menos tiempo?

UNO DE LOS NUESTROS

Yo para finalizar os dejo con ese pedazo de plano secuencia que os mostraba en el post y del que os llevo hablando desde el día 2 de enero, hablo del film realizado en el año 2007 por el realizador Joe Wright, y firme candidato al Oscar, hablo de «EXPIACIÓN». En él nos mostraba las atrocidades de la guerra y el desolador panorama de las tropas británicas, en un gran escenario de la II Guerra Mundial concretamente la playa de Dunkerque.

«EXPIACIÓN»

Lo bonito de este monográfico es ver como con el tiempo entre todos lo hacemos crecer, Javier Mongil nos hace dos aportaciones muy curiosas, la primera sacada de la tercera parte de la saga «LA GUERRA DE LAS GALAXIAS», concretamente el inicio del episodio «LA VENGANZA DE LOS SITH», que como el propio Javier opina, y con el que coincido plenamente: «Lucas riza el rizo en escenas de batalla espacial con un plano secuencia en el que la cámara (virtualmente) sigue a los cazas de los jedis entre los cruceros enzarzados en combate en la órbita de Coruscant. Creo que no hay planos semejantes en el resto de las películas de la saga. Lástima que el resto de la película no esté a la altura de esta brillante secuencia.» Otra cosa es la calidad en si misma del resto del film.

«STARS WARS, Episodio III: LA VENGANZA DE LOS SITH»

El otro ejemplo que nos aporta el Señor Mongil lo ha creado uno de los directores británicos que ha sido comparado con el mismísimo Orson Wells, por su reelaboración de Enrique V. Hablamos de Kenneth Branagh. Que en nuestro país es tan odiado como amado, para unos resulta un pedante importante y para otros es un gran director, del qeu seguro veremos cosas interesantes. Pero lo que nos interesa de su filmografía es la adaptación de la ópera de Mozart «LA FLAUTA MÁGICA», simplemente soberbio el plano secuencia con la obertura sonando de fondo, y es claro homenaje al film de Kubrick «Senderos de gloria» y que como Javier dice: «Se nota una clara influencia del “Senderos de Gloria” de Kubrik en la secuencia en que la cámara sigue al oficial (esta vez, no príncipe) Tamino. El acoplamiento de la imagen con la melodía es excelente.»

«LA FLAUTA MÁGICA» SECUENCIA INICIAL

Bueno, y al resto de la blogosfera, continuamos aceptando nuevas aportaciones con las que hacer crecer este gran monográfico escrito entre todos, ya sabemos que cada día que pasa cuesta más encontrar un ejemplo que no hayamos colgado, pero entre todos podemos.

COMENTARIOS:

JOSE ALBERTO DELGADO: http://es.youtube.com/watch?v=VgcSlZFGE1A

Hola aqui va el enlace del plano de Uno de los nuestros, supongo qu es el que buscas.

AUSTRALINO: Hola de nuevo y gracias por mencionarme. Como os dije, no sé demasiado de cine…

Pero hay una cosa que no entiendo, seguramente estoy equivocado. En “La soga”, en los dos cortes que parece que tiene la peli, entiendo que hubo que cargar la nueva bobina. Entonces, ¿se cuenta como plano secuencia todo el metraje de la peli? ¿Por qué? ¿Se hacía inmediatamente? Quiero decir, cambiaban la bobina rápidamente y continuaban con el rodaje inmediatamente. Imagino que no, pero realmente no lo sé.

Es decir, aunque la peli parece que tiene un plano secuencia único, pero en realidad está dividido en tres partes. Y digo yo que cada parte se rodaría en días distintos, ¿no?

No sabía lo de Senderos de gloria, ¡gracias!

CQ: Qué maravilla!!!! con lo que me gustan a mí los planos secuencia… ya tengo para ver un buen rato… así que me pondré a buscar estas películas, las que no he visto, para ponerme a verla y disfrutar de esos planos…
muy buen reportaje… muy currado!!!!!

un saludo!!!

FER: ¡Estupendo artículo, amigos!

SUPERSANTIEGO: Un apunte a mala uva: en la obra maestra absoluta que es Senderos de Gloria no sólo no es un plano secuencia porque se cambia de perspectiva y de plano, sino que la escenografía está al servicio de la brillantez de la escena y no de la verosimilitud histórica. Semejante trinchera-pasillo sería poco menos que suicida, porque cae un obús bien encaminado y sólo serviría para encauzar la explosión y matar a todo quisque. En realidad iban en zig-zag cada pocos metros, para evitar que ocurriese lo anterior.

Mira si habré visto veces la peli pero nunca me he dado cuenta hasta ahora de ese detalle. El cabrón del Kubrick, que te atrapa con la secuencia.

MATIAS: ¿Alguien sabe cuál fué el primer plano secuencia en la historia del cine?