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THE FIGHTER

Hazme un favor, no hagas nada más por mí.
Micky

Boxeo, mafia y cine son una triada perfecta. Sustituir mafia por familia asfixiante y manipuladora (que son sinónimos ¿o no?). Eso es lo que da el nuevo trabajo de David O. Russell, al que todos recordaréis por su estupenda cinta “Tres Reyes”. El guión escrito por Scott Silver (8 Mile) y Paul Tamasy (Air Bud) y Eric Johnson arranca cuando Dicky está rodando un documental para la cadena privada HBO. En un principio porque una vez peleó ferozmente contra Sugar Ray Leonard, y le ganó. En realidad es porque están queriendo retratar las consecuencias de la adicción  al crack.  Mientras tanto, intenta entrenar a su hermano Micky, que es también boxeador, pero tendrá que librar el combate más duro de su vida, luchar contra el drogadicto de su hermano y una madre, que aparte de representarle, sólo busca perseguir sus propios intereses y que Dicky vuelva a revivir sus tiempos de gloria perdidos. Con semejante problema sólo podrá contar con el apoyo de su nueva novia, Charlene, que le ayudará a volver a creer en sí mismo y en cuál es su objetivo de vida, ante la oportunidad que le ofrece la vida: una pelea por el título mundial.

Así arranca este film que posee argumentalmente tres pilares. En primer lugar es el  retrato de una familia disfuncional norteamericana, aunque también es una historia de superación de esas que tanto gustan a los académicos norteamericanos, y de las que ya llevamos vistas varias en lo que llevamos de año cinematográfico, es más competirá en los Oscars con una de ellas, me refiero a “El discurso del Rey”. Y para finalizar nos lleva al mundo del ring, con sus chicas, sudores y golpes duros de encajar. Así que esto es algo más que un “Rocky” porque versa sobre la familia, el amor, las relaciones y cómo superar la adversidad. Como podéis apreciar este film lo tiene todo para ser oscarizable. De hecho, tanto  Christian Bale como Melissa Leo que dan vida respectivamente a Dicky y su madre, están recogiendo los galardones por arrobas, y se conforman cada día que pasa como firmes candidatos a llevarse la codiciada estatuilla dorada en las categorías de mejores actores secundarios.

No os imagináis lo bien que están. Bale ha vuelto ha bajar de peso, como hiciera en “El maquinista” de Brad Anderson, y compone a un perdedor de libro. Mientras que Leo da vida a una odiosa madre a la que tarde o temprano la vida la pondrá en su sitio. Ya sólo por ver estas dos interpretaciones merece la pena pagar por ver el film. Os recomiendo que os quedéis a visionar los rótulos de crédito, así podréis ver al verdadero Ricky, y comprobaréis estupefactos el buen trabajo de Bale. En cuanto a Mark Wahlberg, está bien en su papel. Esta vez ha sabido elegir y no ha sacado los pies del tiesto como últimamente nos tiene acostumbrados. Es más, posee su momento Calvin Klein, salvando las distancias y la edad, que tanta fama le otorgó en su momento.

En este largometraje hay secuencias antológicas como la del sofá donde están todas las hermanas y comienzan a discutir con Charlene, la pareja de Micky. Ahí es cuando te das cuenta que la familia puede ser lo mejor y lo peor de la tierra, es más, puede llegar a convertirse en algo pero que la mafia siciliana. Es una secuencia verdaderamente angustiosa. Lo más curioso es que este largometraje son dos películas en una, por un lado tenemos a la familia y por otro el boxeo. Eso puede deberse a que los productores son por un lado, el actor Mark Wahlberg, que se reserva el caramelito de personaje principal y por otro lado el enorme talento de Darren Aronofsky, que convierte lo que puede ser una más de boxeo en algo más, y es ahí donde conecté más con este film. Personalmente me atrajo más ese retrato de la sordida y espeluznante familia, que los acontecimientos del ring, que me los conozco de sobra y es una historia más como “Rocky”. Así que esto no tiene nada que ver con “Toro salvaje”, avisados estáis, pero no deja de ser una película interesante de ver, sobre todo por la gran labor de todo el equipo artístico, están magistrales.

Calificación: 7

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«I’M NOT THERE» Y «EL SOLISTA»

Amigos, hoy viernes voy a realizar una recomendación doble, un megapost, porque hoy se estrenan dos magníficas películas que han tenido que esperar durante mucho tiempo para verse estrenadas, y ambas poseen varios nexos común: son retratos de la sociedad norteamericana, usan la música como vehículo y en ambas aparece el joven actor Marcus Carl Franklin.

 Tu crees que le importará algo de lo que hago a una persona que se levanta a las ocho para trabajar.
Jude.

Yo acepto el caos, pero no estoy seguro que él me acepte a mi.
Arthur Rimbaud.

Sólo los estúpidos se creen lo que ponen los periódicos.
Billy.

La primera es “I’M NOT THERE” de Todd Haynes realizador de joyas como «Poison» o «Lejos del cielo«. Obviamente no iba a realizar el típico biopic sobre la vida del cantante Bob Dylan. Para ello plantea un viaje a lo largo y ancho del continente norteamericano, desde lo rural a la metrópoli, desde las raíces del folk, rythm & blues hasta el pop más contracultural a través de seis personajes, como una serie de personas cambiantes, que van de lo público a lo privado, a lo fantástico, tejiendo un rico y colorido retrato de este icono americano. Nadie puede negar que Dylan es y será un poeta, profeta, fuera de la ley, fraude, estrella, mártir del rock and roll, cristiano renacido. Haynes mezcla géneros con una gran solvencia y realiza un collage con estas siete personalidades ofreciéndonos un retrato poliédrico denso y vibrante como lo es la propia vida del cantautor.

Los seis personajes son Arthur, interpretado por Ben Whishaw, es un poeta renegado, es el narrador «de facto» de la película. Woody, al que da vida el joven Marcus Carl Franklin, un niño precoz, que a pesar de tener 11 años y ser negro, se llama a sí mismo Woody Guthrie. Woody ha adoptado la postura y las formas del trovador polvoriento. Christian Bale es el encargado de meterse en la piel del primer personaje que consigue el éxito, cantando sobre su propia época,  el cantante se llama Jack, quien encabeza la escena de canción protesta en el Greenwich Village de principios de los 60 con canciones propias, potentes actuaciones y discos destacados. Jack representa a Dylan durante el revival folk de principios de los 60 con grabaciones históricas como «The Freewheelin Bob Dylan» y «The Times They A-Changin». Heath Ledger que ya coincidiera con Bale en “El caballero oscuro” encarna a un joven actor de Nueva Cork llamado Robbie, entusiasta de las motos, se dirige hacia la fama en circuitos contra culturales con su actuación en la película biográfica sobre el desaparecido Jack.

Todos son Bob Dylan

Mientras Robbie lucha por encontrar el equilibrio entre su vida privada y la fama, Jude, papel por el que Cate Blanchett está cosechando mil y un premios, se rinde en cuerpo y alma a desafiar a su público folk. Siguiendo de cerca sus aventuras de mediados de los 60 y los clásicos del folk rock, «Highway 61 Revisited» y «Blonde on Blonde», Jude escandaliza a sus fans abrazando la electricidad y con una personalidad nihilista, alimentada por las anfetaminas. Su nuevo sonido cosecha alabanzas de artistas como Allen Gingsberg (David Cross), o Coco Rivington (Michelle Williams) y le da fama internacional, pero enfurece a su público de toda la vida, sin mencionar a periodistas como Mr. Jones (Bruce Greenwood).

La resurrección de Jude llega a través del Pastor John (Christian Bale), que es Jack 20 años después, un predicador, cristiano renacido, que ha cambiado su carrera en la música folk por el gospel. El Pastor John representa la conversión de Dylan al cristianismo a finales de los 70, y las grabaciones gospel que produjo y grabó del 79 al 81, «Slow Train Coming», «Saved» y «Shot of Love». Finalmente, el último y mayor de los personajes es descubierto totalmente apartado del mundo. Billy (Richard Gere) imagina a Dylan como el forajido de la fábula “Billy el Niño”, después de sobrevivir a su famoso enfrentamiento y encontrar refugio en la metafórica ciudad de Reídle. Pero cuando se extiende el rumor de la inminente desaparición de la ciudad, se ve forzado a enfrentarse a su antiguo Némesis, Pat. Garret (Bruce Greenwood) y Billy deben abandonar su santuario y seguir adelante. Aquí la historia hace referencia a los muchos exilios de Dylan de la vida pública a través de su carrera, incluyendo su primer retiro a Woodstock en 1967 donde grabó las «Basement Tapes». El género western refleja su continuo interés por la música country, además de por la música de raíces tradicional americana.

Haynes de esta manera se introduce en la vida de Dylan sin ataduras emocionales o morales, y nos ofrece un fresco de la época más convulsa sociedad norteamericana de finales del siglo XX provocada por revueltas raciales, laborales, la guerra de Vietnam. Todo un docudrama sobre este cantante que se erigió en la voz del pueblo, que les hizo pensar, que les influyó, que traspasó la línea de icono de la música para ser un líder generacional. En el filme se mezcla la ironía, pasión por la música y sus raíces, así como la belleza por la naturaleza. Es uno de las películas imprescindibles de este fin de semana.

Calificación: 8,5

No le puedes cambiar, tienes que ser su amigo.
Mary Weston.

La segunda película que os voy a recomendar es “EL SOLISTA” que también lleva la friolera de dos años esperando estreno en nuestras pantallas. Supone el regreso del director británico realizador de “Expiación” y de la versión de “Orgullo y prejuicio”, hablo obviamente de Joe Wright. Esta película se basa en la experiencia personal de un periodista llamado Steve Lopez y que reflejó en un libro llamado “El solista: un sueño perdido, una amistad improbable y el poder redentor de la música”. Susannah Grant se ha encargado de adaptarlo a la gran pantalla. Ella es famosa por la adaptación de otra gran experiencia personal, la de “Erin Brockovich”, con la que Julia Roberts se alzó con la estatuilla dorada hace unos años.

Wright dirige esta maravillosa historia de amistad, locura y música. En la que Steve Lopez es un columnista del “Los Angeles Times”, que un día buscando una historia se tropieza con un músico en la calle llamado Nathaniel Ayers que toca un violín con dos cuerdas. Es un vagabundo más de la gran metrópoli norteamericana, pero como todos  posee un pasado, y Steve buceará en él para intentar volver a sacarle a flote.

Esta es la premisa de partida para una hermoso largometraje en el que el trabajo de los actores es uno de los pilares. Así Robert Downey Jr. que encarna al periodista nos ofrece de lejos su mejor interpretación, con ella se ha puesto el listón muy alto. Y es más, creo que podemos decir sin temor a equivocarnos que ha entrado definitivamente en la galería de las escasas ESTRELLAS, de verdad, de Hollywood. Está maravilloso. Te conmueve, te mantiene en suspense, le da vida y es verdadero motor del filme. Le acompaña Jamie Foxx, que se mete en la vida del esquizofrénico Nathaniel Ayers. Él consigue estar a la altura de las réplicas de Downey y no sale mal parado. Para mi es su mejor interpretación hasta la fecha, no está histriónico como suele ser habitual en él. Su contención se debe en gran medida a la gran labor de Wright dirigiendo actores. Entre los dos consiguen hacer un fresco de la otra sociedad norteamericana que no suele salir en las películas habitualmente. Esa sociedad de los desheredados.

En todo el mundo a finales del siglo XX se llegó a un acuerdo que había que reinsertar a los enfermos mentales, por eso si estaban medicados podían dejar las instituciones psiquiátricas para desarrollar labores con el resto de los ciudadanos. Esto es muy bonito sobre el papel, pero en una sociedad como la norteamericana que es verdaderamente compleja, este tipo de pacientes acaban en la calle, siendo los desheredados de la sociedad. Las causas son diversas y casi todas están plasmadas en el filme, y obviamente no quiero desvelarlas para no destriparos el sólido e interesante guión firmado por Grant. Esta es la otra cara de “Alguien voló sobre el nido del cuco”, sopor el maltrato que podían sufrir en esas instituciones, no lo digo por eso. Me refiero a qué es lo que pasa cuando dejamos de atenderlos tanto a nivel familiar como social.  En él se aprecian claramente los límites de eso que todos llamáis el sueño americano. Los límites de lo que un ciudadano medio norteamericano es capaz de tolerar y asumir.

De una sociedad donde sólo hay ricos y pobres, donde la clase media ha desaparecido prácticamente, donde las diferencias son abismos insalvables. Además en el guión quedan claramente plasmadas las motivaciones y razones que rigen las vidas de los personajes, haciéndolo más grande si cabe. Pero también es muy complejo porque hace todo un ejercicio de empatía e intenta meterse en mente de Ayers para intentar reflejarnos de una manera cinematográfica como siente la música, generando la secuencia más psicodélica del largometraje, y que posee fuertes aromas de ese genio llamado Stanley Kubrick.

Dario Marianelli vuelve a firmar otra de sus grandes composiciones, os recuerdo que en su haber tiene “Ágora” y “Expiación”, para mí sus dos mejores partituras. Entre Grant y Wright crean un relato que es conmovedor, desgarrador y muy entrañable en algunos momentos. Es simplemente maravillosa, no os perdáis esta película acerca del amor, la inspiración y la fuerza que alcanzan las personas capaces de ayudarse mutuamente, salvado el aislacionismo en el que vivimos en el seno de megaciudades construidas a base hormigón y asfalto. Es un pecado de cinéfilos. Dejaos de efectos especiales y ver una hermosa y conmovedora historia como la protagonizada por Ayers y Lopez. Desde “Frances” para los de la ESO, una aproximación a la vida de la actriz Frances Farmer no había visto nada igual.

Calificación: 8,75

ENEMIGOS PÚBLICOS

REGULAR

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Este viernes se estrena el esperado nuevo trabajo de Michael Mann llamado “ENEMIGOS PÚBLICOS”, con el que nos traslada a los años que sucedieron a la Gran Depresión. En esa época, John Dillinger, un carismático atracador de bancos, se convirtió en el objetivo número uno del incipiente FBI y de su mejor agente, Melvin Purvis. Nadie era capaz de detener a Dillinger y a su banda, no había cárcel que se les resistiera. En pleno apogeo de su carrera delictiva, marcada por los numerosos atracos a bancos, robos, persecuciones, fugas y tiroteos, Dillinger fue calificado por las fuerzas de seguridad del país como «el enemigo público número 1″de América.

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Lo que nadie puede negar, y yo no seré el primero, es que ese veterano cineasta posee clase y oficio, y eso se aprecia en cada fotograma del film. Además, es un esteta, con lo que posiblemente estemos ante la más esteticista obra que se haya realizado sobre la figura del gangster John Dilinger. El marco conceptual de este aclamado cineasta para su nuevo trabajo hay que buscarlo en largometrajes propios del género, tales como “Érase una vez en América” de Sergio Leone o “Los intocables de Elliot Ness” de Brian de Palma. Os trasladará a ellos bien por la forma de rodar o por la fotografía. Pero es más, el tratamiento que le da a las escenas de los robos es más el típico de los westerns clásicos como “La diligencia” de John Ford, y encima lo mezclamos con thriller de acción como “Heat” del propio realizador. Y algo que tampoco nadie puede dudar son las estupendas suites que le crea Elliot Godenthal para lás impactantes imágenes del señor Mann, creando todo un perfecto matrimonio, con una personalidad propia.

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La figura de un mafioso siempre es cautivadora, máxime si tiene el rostro de Johnny Depp, ansiaba ver a este actor fuera de histrionismos, estridencias, y muecas, tan típcios de los últimos productos Disney que ha protagonizado. En el caso que nos ocupa, creo que lleva con dignidad el peso del film, y elabora un Dilinger un tanto peculiar, pero porque el propio guión escrito por Ronan Bennett, Michael Mann y Ann Biderman, basándose en la novela de Bryan Burrough, sea así. Que mezcle la vida amorosa del famoso gangster con sus fechorías delictivas. Ahí puede que resida uno de los puntos flacos de la película.

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Leone en su momento apostó por contar en dos partes una historia de gangters, amor y amistad, y le salió bien, pero Mann apuesta por contar algo parecido en una sola película y le ha quedado un producto un tanto espeso, duro y difícil de digerir, a pesar de todo lo anteriormente expuesto, que es lo que hace que sea llevadero el visionado. Pero en su contra también juega Christian Bale, alguie, algún directivo o amigo le debería de decir al señor Bale que deje de poner todo el rato caritas de: “aquí huele a pedo y yo no he sido”, porque parece que está cabreado con el mundo, y uno ya empieza a cansarse de ese registro. Así pues, no pasa como en “Los intocables” de Brian de Palma, que enfrente de Kevin Costner estaba el gran Robert de Niro, dándole unas réplicas antológicas. Lo siento, eso no lo veréis en este film.

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En el terreno cinematográfico es probable que se cumpla un axioma: “detrás de toda bella existe una bestia”, en este caso el papel de bella recae en la oscarizada Marion Cotillard, que está genial, sabe darle las réplicas a Depp y consiguen crear química, y te llegas a creer el romance, y hasta sientes una enorme pena en algunos momentos. Pero amigos, insisto, la película se me atragantó, me iba y venia de la trama, eso no es bueno, según decía el crítico Andre Bazin, eso es un fallo de guión o dirección, y yo apuesto más al de guión, porque han pretendido hacer la historia definitiva y ha quedado una castaña de interés público.

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Puede que haya sucumbido a una historia muy ambiciosa a mi corto entender. Os recomiendo un bote de sal de frutas ENO para poder digerir este «peliculón», lo hago sobre todo porque sé que iréis devotamente a ver a Depp y a Mann, pero yo creo que esta semana hay otras apuestas más divertidas y entretenidas, o rescatar otras como la última de Raimi, antes de que desaparezca de cartel.

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TERMINATOR SALVATION

BUENA

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Estamos en el año 2018 y el Juicio Final ya ha llegado. La civilización tal y como la entendemos es un recuerdo vago, los Terminators estan controlados por la red de inteligencia artificial Skynet, dominan la faz de la tierra, capturan y matan a los humanos. Pequeños grupos de supervivientes se han organizado y han formado la Resistencia, se ocultan en búnkeres bajo tierra y cuando tienen ocasión, atacan a la fuerza enemiga. John Connor desde que era un niño sabía que el día del Juicio Final estaba por venir, estaba prevenido para todo menos para su encuentro con Marcus Wright, un extranjero que viene del pasado y cuyo último recuerdo, antes de despertarse en este extraño nuevo mundo, es haber estado en el pasillo de la muerte. Así que Connor deberá decidir si Marcus es digno de confianza como para infiltrarse ambos dentro de Skynet para salvar a un miembro vital de la Resistencia, su nombre es Kyle Reese y como todos bien sabéis, él será su futuro padre cuando regrese al pasado y avise a Sarah Connor.

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El realizador encargado de llevar a buen puerto esta nueva entrega de la franquicia Terminador es McG, al que todos recordaréis por haber hecho la versión cinematográfica de “Los ángeles de Charlie”. He de reconocer que este largometraje es tan trepidante y excitante como la nueva entrega “Star Trek”. No hay tregua para las retinas del respetable. John Brancato & Michael Ferris responsables de la anterior entrega “Terminator 3: La rebelión de las máquinas” han realizado una trama mejor, por lo menos innovan en cuanto a la estructura, que eso siempre se agradece, ya que no estamos viendo más de lo mismo, encima escriben un guión coherente aunque está tan trepidante que un poco de más de carnaza no hubiera estado mal. Otro pero es que las escenas de acción os parecerán más que familiares. Comentando con otro compañero a la salida del visionado, los dos teníamos la misma sensación, por un instante no sabíamos si estábamos ante “Transformers 2” o “Matrix Revolutions”. Tanto por los efectos especiales, que obviamente son de alta calidad, que menos se le puede pedir a una superproducción de este calibre, como por la apariencia.

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La escenografía post-apocalíptica está conseguida, muy influenciada por la estética cómic, muy emparentada con productos como “Mad Max” o “Cyborg” de Albert Pyun. El encargado de reinterpretar el tema central de la banda sonora ha sido el gran Danny Elfman, que consigue llevar los famosos acordes a los territorios apocalípticos de Tyler Bates, innovando una vez más en su repertorio.

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Lo que está claro, sobre todo viendo los trabajos previos de McG, es que el realizador norteamericano no es un director de actores, lo suyo son los efectos especiales y la acción. Es un virtuoso moviendo la cámara, llega a darnos planos que rozan lo inverosímil. Así llegamos a lo que debería ser el momentazo del largometraje, el momento que vemos a Arnold Schwarzenegger como T-800, el problema es que es un cameo digital quedando muy ficticio, aunque ahora que lo pienso, la versión digital tiene la misma expresividad que el original humano. Lo mejor del reparto es Sam Worthington, que os sonará su cara de haberle visto en “El territorio de la bestia-Rogue”, interpreta eficazmente a Marcus Wright, sabe darle dobleces a su interpretación con lo que el film gana en suspense; y las apariciones estelares de Helena Boham Carter y Michael Ironside, dos actores de culto, que personalmente venero, me gustan, y en cuanto desaparecen de la pantalla en el caso que nos atañe los eche de menos. Por su parte, Christian Bale hace lo que puede, está un poco forzado al interpretar al gran héroe temporal que es John Connor. Me gustó más en “El caballero oscuro” puede que sea porque llevaba máscara, puede.

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En resumidas cuentas, estamos ente un film que es una auténtica atracción de feria, es apasionante y chispeante, como la Coca-Cola, mientras lo consumes te tiene excitado hasta la médula, pero que cuando sales a la hora y media te das cuenta que no ha aportado nada nuevo y te encuentras lleno de gases y sin chicha que comentar. Pero decir que es mala, pues amigos, uno no puede porque entretenida es. Particularmente es mejor que la tercera, que fue un tanto fallida.

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El film se estrena el próximo 5 de junio