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ASÍ SE HIZO-EL DISCURSO DEL REY

Bueno lectores y amigos videodromistas, os prometí una sorpresa, gracias al equipo de prensa de la distribuidora aquí tenéis el making of del film de Tom Hooper. Espero que sea de vuestro agrado. Disfrutarlo.

EL DISCURSO DEL REY-ENTREVISTAS

Para mí, sin duda, la película del momento es «El discurso del Rey«, con todos los chistes que conlleva este título por las marcadas fechas, ya que si no contextualizas rápidamente con el que hablas piensa rápidamente en el discurso de Juan Carlos, que ofreció puntualmente la pasada Nochebuena. Gracias al equipo de prensa de la distribuidora del film, Videodromo tiene entrevistas con los actores Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter y su director Tom Hooper. Así que hoy os dejo con ellos, mañana más sorpresas.

ENTREVISTA AL EQUIPO DE LA PELÍCULA
«EL DISCURSO DEL REY»

EL DISCURSO DEL REY-SEGUNDA PARTE

En el día de Navidad, el club de fans, simpatizantes y amigos del actor Colin Firth acudimos al cine para visionar “El discurso del Rey”. Me encantó el segundo visionado. Sobre todo esa secuencia final al ritmo del segundo movimiento de la séptima sinfonía de Ludwig van Beethoven. Es simplemente maravillosa. Pero lo mejor de todo vino cuando la ministra de economía Elena Salgado se sentó delante de nosotros al comienzo del largometraje. Imaginaos el descojone. La dirigimos mil y un comentarios. Era nuestra ocasión de meternos con ella, y claro lo hicimos desde la diplomacia y usando momentos del largometraje. En cuanto se hablaba de crisis, allí estábamos con el comentario irónico cargado y listo para dirigirlo a su nuca. Eso sí, fuimos respetuosos con el resto de los espectadores que no se merecían ser castigados. En fin, volviendo al formidable film de Tom Hooper, me encantó descubrir a Anthony Andrews interpretando a Stanley Baldwin, y al que todos recordaréis por sus grandes personajes en “Bajo el volcán” que Avalon acaba de reeditar, y os recomendamos, porque es la obra póstuma de John Huston basada en el relato de Malcolm Lowry, o por ese maravilloso y entrañable Lord Sebastian Flyte de la gran serie de televisión “Retorno a Brideshead”. Es genial ver batirse en duelo a dos grandes actores. Ver como sostienen los primeros planos. Esto huele a Oscar amigos, pero creo que merecido.

EL DISCURSO DEL REY

Tartamudeo, a nadie le interesa o le importa.
Bertie

Mi castillo, mis normas.
Lionel Logue

Las últimas palabras de mi padre fueron: “Bertie tiene más huevos que todos sus hermanos juntos»
Bertie

Esta asustado, tiene miedo de su propia sombra.
Lionel Logue

Hoy se estrena el segundo intento del gran actor británico  Colin Firth por alzarse con todos los grandes premios del año, y por supuesto con el Oscar©. Ya lo intentó con todas sus ganas con “Un hombre soltero”. Desde septiembre toda la crítica internacional no deja de hablar de su nuevo trabajo en «EL DISCURSO DEL REY«, que de momento  ha obtenido en los premios BIFA (British Independent Film Awards, los Goya británicos para entendernos todos) galardones a Mejor Película, Mejor Guión, Mejor Actor, Mejor Actor de Reparto y Mejor Actriz de Reparto.

Pero además ha sido nominada a 7 categorías de los Globos de Oro: Mejor Película Dramática, Mejor Actor (Colin Firth), Mejor Actor de Reparto (Geoffrey Rush), Mejor Actriz de Reparto (Helena Bonham Carter), Mejor Director (Tom Hooper), Mejor Guión (David Seidler) y Mejor Banda Sonora (Alexandre Desplat). Y lo que le da realmente, a estas alturas del año, como firme aspirante a alzarse con la estatuilla dorada es que el Círculo de Críticos Cinematoráficos de Nueva York y la Asociación de Críticos de Cine de los Ángeles le han nombrado como mejor actor del año. Hasta los vaticinios para este largometraje. Pero os estaréis preguntando ¿de qué va?

El largometraje es una recreación uno de los momentos más delicados de la monarquía británica del pasado siglo. La acción arranca con la muerte del rey Jorge V, en ese momento es coronado Eduardo VIII, pero como todos sabéis se vio abocado a abdicar por su escandalosa relación con su amante Wallis Simpson, con la que aspiraba casarse. Pero tras 326 días en el trono se lo cedió por las presiones sociales a su hermano, el Rey Jorge VI, conocido comúnmente como Bertie. El pobre lucha con tenacidad contra su tartamudeo desde su infancia. Cansado de probar distintos médicos y logopedas, su  esposa Isabel, la futura reina madre, le pone en contacto con un excéntrico logopeda llamado Lionel Logue. A pesar del choque inicial, los dos se sumergen de lleno en una terapia poco ortodoxa que les llevará a establecer un vínculo inquebrantable. Con el apoyo de Logue, su familia, su gobierno y Winston Churchill, el rey supera su afección y pronuncia un discurso radiofónico que inspirará a su pueblo y lo unirá en la batalla.

Hay un género que funciona muy bien en taquilla, se trata de las historias de superación aderezadas con taras infantiles, sobre todo las provocadas por problemática familiar. Pienso que es porque posee un fuerte componente emocional que lo vincula con el espectador. Son personajes con los que la audiencia empatiza fenomenalmente. En estos casos caer en el terreno del telefilm de sobremesa es muy fácil. Pero os prometo que este no es el caso. Tanto David Seidler, responsable del formidable guión y al que todos recordaréis por haber escrito en 1988 “Tucker: Un hombre y su sueño”, como Tom Hooper, que hasta el momento ha realizado variados telefilms, huyen de ese territorio.

En primer lugar al realizar una peusta en escena elegante y muy bien planificada, como por ejemplo la secuencia del paseo por el parque de Bertie y Lionel. Es muy inteligente. En segundo lugar construyendo un relato conmovedor, divertido, irónico, cargado de mucho humor británico, cierta mala uva y mucho de condescendencia hacia la actual familia real británica. Centrado básicamente en una anodina historia de amistad fuera de las convenciones sociales. La gracia de guión estriba en que hacen de Berti (con el que a priori debes empatizar) todo un ser desagradable y malhumorado. Así, el actor Colin Firth nos brinda un abanico de posibilidades, ya que posteriormente cuando nos narren su infancia se transformará en un personaje muy tierno. Pero el que sin duda alguna se lleva la mejor parte es el actor y productor de la cinta, Geoffrey Rush, que compone un “logopeda” un tanto peculiar, y será el que se convierta en el alma del largometraje. Entonces como bien os podéis imaginar, esta película es todo un duelo interpretativo entre dos formas de entender el oficio de actor, uno más técnico (que se debe haber estudiado hasta la saciedad todos los discursos que dio Jorge VI) y otro situado en las antípodas, menos formal y de formación más teatral. El duelo Rush-Firth es de los que echan chispas, obtienen miles de galardones, y por supuesto, será recordado hasta la saciedad. Ni que decir tiene que hay que visionarlo en versión original con subtítulos, porque así apreciaréis el enorme esfuerzo realizado por Firth para su tartamudeo, y disfrutaréis de dos acentos increíbles.

Hopper, además, les rodea de una galería de secundarios de lujo entre los que destaca Helena Bonham Carter, Derek Jacobi, al que todos recordaréis por haber dado vida al emperador Claudio, Michael Gambon, Guy Pearce, del que acabamos de ver “Animal Kingdom” y Timothy Spall que en este caso interpreta a Winston Churchill.

Así que este largo fin de semana os recomendamos las desventuras del monarca Jorge VI, porque no deja de ser una deliciosa comedia dramática en la que se nos describe el camino del monarca en busca de su voz y su autoridad.

Calificación: 8

EL RETRATO DE DORIAN GRAY

He hecho cosas horribles, cosas monstruosas y eso tiene su precio.
Dorian Gray.

Tenías las dos únicas cosas que merecen la pena, belleza y juventud.
Lord Henry Wotton.

 

Este viernes se estrena una nueva adaptación cinematográfica de la magnífica novela escrita por Oscar Wilde, “EL RETRATO DE DORIAN GRAY”. La más famosa y la más recordada por el gran público, quiero decir todos los de mi quinta porque la vimos varias veces en la primera cadena, es la realizada por Albert Lewin en 1945. Os recuerdo que estaba protagonizada por George Sanders que daba vida a Lord Henry Wotton, Lowell Gilmore daba vida al pintor Basil Hallward, Hurd Hatfield era Dorian Gray, y su amada Sibyl Vane era nada más y nada menos que la catódica Jessica Fletcher, hablo de Angela Lansbury, que evidentemente tenía número musical.

Lord Henry Wotton-George Sanders

Hurd Hatfield-Dorian Gray

 

Lowell Gilmore-Basil Hallward

Sibyl Vane-Angela Lansbury

La trama os recuerdo se centra en Dorian Gray, un atractivo aristócrata, que regresa a su Londres natal tras pasar la adolescencia aislado en el campo. Abrumado por la vida nocturna londinense, Dorian se sumerge en ella de la mano de Lord Henry Wottom, quien le muestra los lugares más recónditos y peculiares de la capital inglesa. Pronto comienza a obsesionarse con alcanzar la eterna juventud. Un retrato suyo pintado por Basil Hallward se convertirá en un recordatorio palpable de sus graves faltas con el paso del tiempo. A diferencia del resto de los mortales, el apuesto Dorian permanece impasible al sucederse los años y es el retrato en cambio, el que envejece y asume su degradación física y moral.

En esta nueva versión todo el elenco está en su papel, el apuesto Colin Firth es el aristócrata que introduce a Dorian en la sociedad londinense y una vez más, da muestra una vez más que es un gran actor y que este tipo de papeles le sientan muy bien. Ben Chaplin es el autor del cuadro de la discordia, y sabe darle las dobleces necesarias a la nueva versión del pintor, que acabará bajo las redes de su amigo. Al igual que pasara con Hurd Hatfield, Ben Barnes, al que todos recordaréis por haber interpretado al Príncipe Caspian en “las crónicas de Narnia”, lo tenían difícil. Convence con su Dorian, con esa evolución, pero puede que no sea de lo más recordado precisamente. Rachel Hurd-Wood, que la hemos visto recientemente en “Solomon Kane”, aquí da vida a una Civil más acorde a la visión de Wilde.

Un servidor que se ha leído la novela de Wilde en la lengua de William Shakespeare (versión Penguin) doy fe de que ambas versiones tienen en común que son muy respetuosas con el espíritu de la novela de Wilde. El cuadro en sí mismo da grima, además os recuerdo que en la versión de 1945 está rodado con imágenes en color que ponían los pelos de putna al respetable, en este caso hasta le llegan a dar vida, y es un punto a su favor. Difieren en que Toby Finlay por su parte le da un punto de frescura y actualidad tanto al personaje como a la trama. Me refiero a las ambigüedades sexuales de los personajes, y sobre todo a la hora de explotar las diversas generaciones de los personajes, así el diablillo de Lord Henry encontrará su castigo, porque es este personaje el que corrompe a Dorian.

Oliver Parker que entiende muy bien el universo del autor inglés, porque os recuerdo que ya adaptó la obra teatral “La importancia de llamarse Ernesto”, le hace ir un poco más allá, así el último tercio de la película es todo original, aunque el final del personaje principal sea el mismo que el de la novela, porque no puede ser otro. Así demuestra que tiene cosas que aportar tanto a las versiones cinematográficas precedentes como al mundo creado por Wilde, sobre todo porque Parker vive en una sociedad más abierta, y en la que apenas existen censuras sexuales y morales. Ese es el motivo por el que el metraje es un poco más largo que en las versiones precedentes.

Así que esta semana una apuesta segura es acudir a las salas a ver esta revisión del clásico de Wilde, que posee buenos efectos especiales, y en este apartado quiero destacar los excelentes mates de Yanick Bourgie y Boinet Eglantine que os trasladarán a un Londres absolutamente victoriano. Puede que sea un tanto excesivo el señor Parker en algunos momentos, rozando lo videoclipero, pero se le perdona, porque sabe beber de la fuente e ir un paso más allá, y en la que es más verosímil la progresión de la historia frente a la versión firmada por Albert Lewin.

Calificación: 7

LA NIÑERA MÁGICA Y EL BIG BANG

“Os explicaré cómo trabajo. Mientras me necesitéis, pero no me queráis, deberé quedarme.
En el momento que me queráis, pero ya no me necesitéis, deberé irme”.

Nanny McPhee.

Padres, amigos y lectores de Videodromo, me complace el presentar a un personaje que es tan adorable como entrañable, tan pícaro como dulce, se llama…

Nanny McPhee, con c minúscula y p mayúscula; como ella misma suele decir al presentarse a los que no conoce. Obviamente es el eje central de la película “LA NIÑERA MÁGICA Y EL BIG BANG”, dirigido por Susanna White, a la que algunos conoceréis porque ha ganado un premio Bafta por su miniserie “Generation Kill”. Para los que no la conozcáis, estamos ante la segunda entrega de sus aventuras, porque hace cinco años Kirk Jones fue el encargado de darla a conocer al gran público.

En este caso, la acción nos traslada hasta la campiña británica, corren malos tiempos, estamos en plena Guerra Mundial. La Sra. Green ya no puede más. Sus tres hijos, Norman, Megsie y Vincent, no paran de pelearse; lleva meses sin saber nada de su marido Rory, que está en el frente; su cuñado Phil insiste en que le venda la mitad de la granja familiar, y para colmo de males, su jefa, la Sra. Docherty, empieza a tener un comportamiento muy raro. Por si fuera poco, sus ricos sobrinos londinenses Celia y Cyril Gray están a punto de llegar para una estancia ilimitada, y el policía del pueblo, el Sr. Docherty, se empeña en decir que en cualquier momento puede caer una bomba accidentalmente. Todo esto supera a la Sra. Green. Aún no lo sabe, pero necesita a Nanny McPhee, la niñera mágica. Pero la situación es peor de lo que ella cree, su cuñado Phil ha contraído una importante deuda de juego con la Sra. Biggles. Esta ha enviado a dos secuaces femeninas, la Srta. Topsey y la Srta. Turvey, para que asusten a Phil y así obligarle a conseguir la granja para pagar su deuda. Si lo consigue, la familia Green lo perderá todo.

De nuevo, la famosa actriz británica Emma Thompson se ha encargado de trasladar el universo creado por la autora Christianna Brand a la gran pantalla, escribiendo un guión lleno de talento, porque ha sabido graduar la tensión dramática y generar situaciones muy divertidas, llenas de humor británico. Por este motivo, para los más osados os recomendamos su visionado como no puede ser de otra manera, en original con subtítulos, así podréis deleitaros con los juegos de palabras, también conocidos como limericks. Sólo le he encontrado una pega al guión, que se le va la mano un poco al final del metraje, y se vuelve condescendiente con los personajes, pero se le perdona por el gran rato que nos hace pasar. Estamos ante un largometraje muy recomendable y divertido, que va dirigido a toda la unidad familiar, a los mayores no se os hará pesada y los más pequeños de la casa disfrutarán como lo que son, niños.

Gracias a ella vuestros retoños y menores aprenderán cinco grandes lecciones, a saber… lección número uno, dejar de pelear. Lección número dos, compartir. Lección número tres, ayudarse los unos a los otros. Lección número cuatro, ser valientes. Y la quinta, tener fe.

Como podéis ver esto va más allá de “Mary Poppins” o de “La bruja novata” que son básicamente su marco referencial. Los personajes van teniendo una evolución psicológica y física, incluida la niñera, cuyo aspecto se irá modificando a medida que los pequeños vayan aprendiendo las cinco lecciones. Personalmente lo que más me ha gustado es que los niños aprenden a solventar los problemas de una forma contractiva, y es ahí donde radica la principal diferencia con otros productos de la factoría Disney.

Si en la primera pudimos disfrutar de Angela Lansbury o de Colin Firth, en este caso podréis disfrutar de Maggie Gyllenhaal o de la siempre maravillosa y distinguida Maggie Smith. Hay dos breves papeles para Ralph Fiennes e Ewan McGregor que hace doblete este fin de semana en las carteleras madrileñas, porque “LA NIÑERA MÁGICA Y EL BIG BANG” se podrá ver este sábado a las 12 horas en un pase especial dentro de la VII muestra de cine fantástico de Madrid organizada por el canal SYFY.

Os recuerdo el precio de la entrada son 4 euros, más barato que si acudís a una sesión normal en un cine, así que ánimo a los lectores madrileños y pasaos este sábado por el cine Palafox que está en la calle Luchana.

Calificación: 8

Por cierto, se olvidaba. 

Con motivo del estreno de «La Niñera Mágica y el Big Bang» el próximo 31 de marzo, Nanny McPhee (la niñera mágica) recorrerá las calles del centro de Madrid en Semana Santa. Los días 1, 2, 3 y 4 de abril, de 12 a 14h, si paseas por calles como Bravo Murillo, Serrano, Castellana o Velázquez, podrás ver a la Niñera Mágica conduciendo su sidecar. Todas estas tardes estará también en Kinépolis, Herón City Las Rozas (los días 1 y 2) y Herón City Diversia (los días 3 y 4). ¿Te lo vas a perder? 

Este fin de semana, también se pondrán en marcha las siguientes actividades:
     •    MADRID:

C.C. Plenilunio Park (C/ Aracne 3)
Días: 26 y 27 de marzo
Actividad: Gran Juego de La Niñera Mágica, con fantásticos premios. Libre acceso

C.C. Moraleja Green (Avda. Europa nº 2 – Alcobendas)
Día: 27 marzo, de 16 a 18h
Actividad: cuenta cuentos

Planet Magic (C/ Constitución 65 – Fuenlabrada)
Día: 26 de Marzo, de 17 a 21h
Actividad: magia

    •    VALENCIA:

C.C. MN4 (C/ Alcalde José puertes s/n – Alfafar)
Días: 26 y 27 de marzo
Actividad: Gran Juego de La Niñera Mágica, con fantásticos premios. Libre acceso

    •    BARCELONA:

Planet Magic (Pº de Gracia 66)
Día: 27 de marzo, de 17 a 21h
Actividad: magia

Cines La Maquinista (Pº Potosí, nº2)
Día: 27 de marzo de 16 a 20h
Actividad: magia

Cines Diagonal (Santa Fe de Nou Mexic s/n)
Día: 27 de marzo de 16 a 20h
Actividad: magia

¡Animaos! Seguro que os lo pasaís muy bien.

LOS INICIOS DE…COLIN FIRTH

Dedicado a Julia y Alba

El 10 de septiembre de 1960, nacía en Grayshott, Hampshire en el seno de una familia académica el actor Colin Andrew Firth, que ahora está de actualidad por el estreno de su último largometrajeUn hombre soltero”. Su padre es catedrático de historia en la Universidad de Winchester y su madre es profesora de literatura en la Open University. Posee dos hermanos también actores Katie Firth y Jonathan Firth, aunque ninguno de los dos han alcanzado el estrellato. Tres de sus cuatro abuelos eran misioneros metodistas por lo que pasó parte de su infancia en Nigeria. Regresó a Inglaterra a la edad de cinco años e ingresó en la escuela de Winchester. Estudió durante dos años arte dramático en Chalk Farm. Fue descubierto mientras representaba “Hamlet”. Bennet fue su primer papel profesional en el teatro, en la obra “Another country” que se representaba en el West End. Esto le facilitó en 1984 su primera aparición en el cine, papel con el que consiguió darse a conocer en todo el mundo. Se trata de la adaptación cinematográfica de la mencionada obra teatral realizada por Marek Kanievska, donde en ese caso interpretaba a Tommy Judd.

“Another country” está basada en hechos reales. Nos narra la historia de la amistad entablada entre dos jóvenes Guy Bennett y Tommy Judd durante los años treinta en un colegio de Oxford. La homosexualidad de uno y las ideas marxistas y revolucionarias del otro, les convertirán en unos «outsiders» dentro del marco de férrea disciplina victoriana que representa la institución de enseñanza en la que están internos. Su rebeldía continuará años después cuando, bajo su tapadera como funcionarios del Gobierno Británico, espiarán en favor de la Unión Soviética.

En 1989 interpretó a Robert Lawrence en la producción de televisión “Tumbledown”, por la que recibió el premio al mejor actor de Royal Television Society y también una nominación al BAFTA. Pero el papel que el encumbró definitivamente y por el que recibió otra nominación a los premios BAFTA fue por meterse en la piel de Mr. Darcy en 1995 en la gran producción de la BBC «Orgullo y Prejucio».

Cinematográficamente comenzó una galería de ilustres secundarios en las oscaridas “El paciente inglés” donde interpretaba a Geoffrey Clifton o “Shakespeare in Love” donde dio vida a Lord Wessex. En ambas producciones compartió cartel con los hermanos Fiennes. Pero sería en 2001 y de nuevo gracias al papel de Mr. Darcy con el que conectó finalmente con el gran público. Este se rindió ante los encantos del gentleman británico, que era posiblemente lo mejor de la adaptación cinematográfica del best seller “El diario de Briget Jones”. Llegaría a interpretar este papel una tercera vez ya que también se vio involucrado en la secuela “El diario de Bridget Jones: Sobreviviré”.

En marzo de 2004, Firth presentó el legendario programa de humor de la NBC “Saturday night live”. A estos éxitos le seguirían “Love Actually” o “Mamma mia”. Firth es miembro activo de Oxfam International, una organización dedicada a acabar con la pobreza e injusticias semejantes en todo el mundo. Es codirector del programa Café Progreso de Oxfam, una cadena de cafeterías fundadas con la intención de crear oportunidades de comercio justo para cooperativas de café en Etiopía, Honduras e Indonesia.

 Ahora gracias al papel de George en “un hombre soltero” ha recibido todos los galardones más importantes entre los que destacamos el premio al mejor actor en la pasada edición del festival de Venecia al ganar la copa Volpi, el Bafta hace unos días y en breve puede que se alce con el Oscar al mejor actor. 

UN HOMBRE SOLTERO

Esta semana, como podéis ver, paso de películas de fuertes aires románticos cuyo nombre no daré, para recomendar una película que sí es romántica en el fondo y en la forma, hablo del paso del mundo de la pasarela al del séptimo arte realizado por Tom Ford llamado “UN HOMBRE SOLTERO”. Para ello ha adaptado la novela de Christopher Isherwood. Por este motivo y sabiendo lo que os gustan las sesiones dobles, me llevé en este caso al cine a JuliaCGS del blog “Los viajes de Juliver”, gran conocedora del mundo de Mr Firth, para analizar la película.

«Vivir en el pasado es mi futuro»                                             
Charley

«La muerte es mi futuro»
George
                                                                                     

 

SINOPSIS:

Ambientada en Los Ángeles en 1962, UN HOMBRE SOLTERO es la historia de George Falconer, un profesor universitario británico de 52 años que lucha por encontrarle sentido a su vida tras la muerte de su compañero sentimental de muchos años, Jim. George rememora el pasado y no consigue ver su futuro mientras lo seguimos a lo largo de un único día, en el que una serie de sucesos y encuentros lo llevan en última instancia a decidir si la vida tiene sentido; mientras recibe consuelo de su amiga Charley.

ARGUMENTO:

Julia CGS: La verdad es que Un hombre soltero no podría tener un argumento más sencillo: George Falconer es un profesor de literatura inglesa en una universidad de Los Angeles que está profundamente deprimido porque su novio Jim ha fallecido recientemente en un accidente de tráfico, y no logra sobreponerse a su pérdida. Angustiado por la soledad en la que vive, George decide quitarse la vida ese mismo día. Las personas que lo rodean y las situaciones por las que pasa durante ese día harán que George se replantee muchas cosas de lo que tiene, de lo que quiere y del impacto que la muerte de Jim ha tenido en su existencia. Parece claro que Tom Ford no está interesado en elaborar una historia excesivamente complicada, porque sus prioridades son otras, como comentaré más adelante.

Alfie: El argumento es aparentemente sencillo pero es más que es una historia romántica sobre amor interrumpido porque esconde algún que otro as debajo de la manga. Me explico, esto es más que la simple historia de superación de un duelo (para lo de la ESO, perdida de un ser querido), porque ahonda en las entrañas del universo de Thomas Mann, y obviamente para los cinéfilos más curtidos estoy hablando de ese pedazo de clásico que es “Muerte en Venecia” del director italiano Luchino Visconti, y que es de visionado obligatorio para todo aquel que ose llamarse cinéfilo. Así que Tom Ford profundiza un poco, no tanto como Visconti en la belleza en términos generales. Huye de hablar de hablar de la belleza en el arte para realizar un largometraje de una belleza impactante. Esto es lo que le recrimino y lo que más de uno le va a recriminar. Pero si que retrata muy bien los estados psicológicos de cómo se afronta un duelo, así como del universo de la pareja. Así al salir más de uno se dará cuenta que independientemente de la orientación sexual de los integrantes de una pareja, dos individuos tienen que acoplarse y saber convivir. Y lo interesante es que Ford ahonda en el encuentro de la pareja a medida que uno de ellos tiene que superar la perdida del otro. Luego es como la litografía de Escher “Manos dibujando” de 1948, en la que el respetable puede ver una mano dibujando a otra mano. Paro hay más, también habla del el aislamiento que forma parte inherente de la condición humana, ese que no es escogido como forma de vida, sino que viene impuesto por el fatal destino. Así como sobre la importancia de los momentos aparentemente insignificantes de la vida pero que acaban dotándola de un enorme significado. Que pueden parecer insignificantes en si te fijas en el momento pero que si ves la globalidad aprecias en cómo ha modificado e influido en la vida de ese ser humano.

LA SECUENCIA:

Julia CGS: Me quedo con la hilarante escena en la que el flemático George se dispone a suicidarse por fin, pero no acaba de decidir cómo hacerlo. Asistimos a la dubitación de hombre que en realidad, por sus actos, nos está diciendo a gritos que no desea suicidarse: se preocupa porque se vaya a manchar la pared de sangre una vez que se haya disparado, por lo que coloca un cojín donde apoyar la cabeza; teme que su cuerpo se vaya a caer de la cama, así que se mete dentro de un saco de dormir… Cambia de postura una y otra vez, mueve los muebles, quita y pone la colcha de la cama… Y todo ello lo hace de un modo cándido y metódico, y el espectador quedará a la espera del incidente que impedirá que este hombre solitario y deprimido lleve a cabo un suicidio para el que no está preparado.

Alfie: Me encantó, es muy destacable y puede que sea la secuencia de la película. Hablo de la cena organizada por Charley la amiga de George. Es divertida, triste, amena, y sobre todo posee una gran tensión sexual. Sobre todo, porque Charley intenta rescatar del mundo de la homosexualidad a George. Así despliega todas sus armas de seducción. Así podréis ver como Julianne Moore trasciende el concepto de fotogenia y os embaucará, os embriagará y se hará un hueco en vuestras retinas de cinéfilos. Recita los diálogos como ella sólo sabe hacer. Este es un momento muy oscarizable, pero ya sabéis como es la academia de rancia. En esta secuencia no sólo es de alabar la maravillosa interpretación de ambos actores, también lo es el impecable ojo de Ford, que sabe donde poner la cámara, de Eduard Grau que se encarga del diseño de producción y de Dan Bishop que pone todo su savoir-faire en el diseño de vestuario.

EL PLANO:

Julia CGS: Aunque reconozco que no es lo que más me gustó de la película, me quedo con el plano jamesdeaniano en el que el modelo español Jon Kortajarena, interpretando a Carlos, un joven y atractivo madrileño disfrazado de James Dean, comparte un cigarrillo con un atribulado Colin Firth (¡Que habla torpemente español! ¡Pero que a mí me pone!) ante la sesentera puesta de sol anaranjada de Los Angeles, delante de un enorme cartel de una película Hitchcock. Muy estético y muy digno de un anuncio de colonia, la verdad.

Alfie: Me quedo con ese plano del rostro de ambos amantes en la nieve. Qué tiene la nieve que tanto me atrae y me colapsa la neurona. Es impresionante, aquí otra vez es de albar no sólo al esteta de Ford, sino también a Eduard Grau que se encarga de la fotografía y al tandem integrado por Abel Korzeniowski y Shigeru Umebayashi, que componen una banda sonora de fuertes aromas clásicos, que se fusiona con las imágenes de Grau creando momentos tan conmovedores como impactantes para la retina.

EL PERSONAJE:

Julia CGS: Creo que casi sin ninguna duda me quedo con el omnipresente personaje del novio de George, interpretado por Matthew Goode (los flashbacks en los que aparece son las mejores escenas de la película), un camaleónico actor británico al que se está viendo con cada vez más frecuencia en la gran pantalla y que en las últimas ocasiones que lo he visto, tanto de secundario como de protagonista, (Match Point, Watchmen, Brideshead Revisited…) no me ha decepcionado. Su personaje es muy especial porque, como ya he dicho, tiene una presencia constante en la vida de George y una influencia innegable en las decisiones que toma, y además, gracias a él nos creemos esa íntima relación amorosa que mantenían George y Jim: es creíble, verídica y conmovedora.

Alfie: Mi estimada Julia me lo deja fácil, desde aquí muchas gracias. Me quedo sin duda con la increíble, maravillosa y gran actuación de Colin Firth. Desde la videoarena pedimos que le den el Oscar ¡ya! Espero que la sacrosanta Academia no espere al siguiente trabajo de este actor para dárselo, como hicieron con Russell Crowe. Es impresionante. La película es él. Es la viga maestra de esta producción. Lleva sobre sus hombros una dura carga y la lleva con dignidad y altanería. Compone un personaje difícil de olvidar en su carrera. Es mucho más impactante que su Darcy de la serie “Orgullo y prejuicio”, pero sin zombies. Porque este actor es como el buen Rioja, con el paso de los años ha madurado, ha ganado en sabiduría, y eso se deja ver en este nuevo trabajo. Ford que no es tonto, sabe sacarle todo el partido y el jugo posible como bien nos va a aclarar mi estimada Julia en lo que considera lo mejor de la película. Este trabajo dista mucho de su Tommy Judd de “Another Country”.

LO MEJOR:

Julia CGS: En fin, como ya le dije a Alfie en su momento nada más salir del cine, supongo que lo mejor de la película es que ya sospechábamos que Colin Firth tenía un culo estupendo: ahora ya lo sabemos. Y fuera de bromas, supongo que hay que hacer una mención especial a la fotografía. A Tom Ford se le nota la deformación profesional, pues le otorga una importancia extraordinaria a la estética: se puede decir que Un hombre soltero es un deleite para la vista, hasta tal punto que hay ciertos momentos en los que parece que estemos mirando un catálogo de modas.

(Lo siento amiguitos carecemos de imágenes del culito de Mr Firth)

Alfie: Lo mejor del largometraje es sin duda, y me reitero la que podemos decir, sin temor a equivocarnos, la mejor actuación de Colin Firth en años. Pero, eso me lleva a ser injusto con la increíble belleza y esteticismo de Ford y toda la legión de desconocidos pero muy competentes colaboradores que han puesto todo lo que sabían en esta cinta, desde la banda sonora, hasta el departamento de  peluquería. Todo es perfecto. Esta película se la recomiendo a todos los que quieran ver cine de aires clásicos, cine a la antigua usanza, cine sin alardes de montaje, sin ordenador, sin gafas, sin edulcorante ni colorantes. Para mi es la perfecta película de San Valentín independientemente de tu orientación sexual, es tan lírica, romántica y enternecedora como distante y fría.

 

LO PEOR:

Julia CGS: Precisamente el hecho de que la estética de la película tenga esa importancia tan central a veces provoca la desagradable sensación de que nos encontramos ante un anuncio largo de Jean Paul Gaultier. No me acaba de convencer esa estética exagerada de anuncio de modas, que se hace cargante e irreal. El personaje del alumno universitario insinuante con su jersey rosa clarito «peludo» resulta más edulcorado y exagerado que un batido de fresa, y la interpretación de Nicholas Hoult no es creíble y no está a la altura de la del trío protagonista FirthGoodeMoore. La película podría explorar en ese mundo reprimido de armarios cerrados, discriminación, emociones contenidas, descubrimiento de la sexualidad, tabaco, depresión y frustraciones, pero no es lo que pretende su director, que lo que busca es darnos, ante todo, un objeto bello, que no sea intelectualmente complicado, ni siquiera reivindicativo, sino sólo agradable a la vista.

Alfie: El principal problema de Ford es que se pierde en la belleza formal, juega a ser Visconti y el juguete se le va de las manos, sobre todo en la sala de montaje. Así que algunas cosas podrían haberse quedado en la sala sin el menor problema. Pero parece que Joan Sobel no ha sabido pararle los pies a Ford, o bien que ha gustado tanto su trabajo que le ha costado despegarse de algunas secuencias, y eso ha lastrado la narración en algunos momentos. Pero aún así, esta película es un deleite para los ojos del que le guste el buen cine.

CALIFICACIÓN:

Julia CGS:

Alfie:

CUENTO DE NAVIDAD

Esta semana se estrena uno de los largometrajes más esperados por todos los amantes del cine de animación. Se trata del nuevo trabajo del realizador norteamericano Robert Zemeckis, que en su primer fin de semana ha alcanzado sin problemas el primer puesto del ranking del box office norteamericano. Si con «Beowulf« adaptaba una leyenda nórdica que no fue bien acogida ni por la crítica ni por el público. En este caso se atreve con todo un clásico de la literatura británica. Ha elegido una novela de Charles Dickens, y de la que hemos visto más de una adapatación, una de las más famosas la intepretada por Bill Murray en 1988 titulada «Los fantasmas atacan al jefe» dirigida por Richard Donner. Jim Carrey toma el relevo al mítico personaje ya que ha sido el elegido para interpretar el papel múltiple de Scrooge. Debido a la importancia de la película esta semana en la sección «la firma invitada» tenemos a toda una gran conocida de todos vosotros, se trata de mi estimada Cantal Ceña que ha ido a ver…

MUY BUENA

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Y están aquí los primeros días de frío, se empiezan a ver las primeras calles adornadas con luces y en las tiendas ya se venden los primeros adornos de Navidad. Pero ¿qué falta? La película de Disney de todas las Navidades. Esta vez más acorde con las fechas que nunca. CUENTO DE NAVIDAD, adaptada y dirigida por Robert Zemeckis va más allá y pone al servicio del espectador un clásico mezclado con las nuevas tecnologías, porque se trata de un film en 3D. Una vez más, la modernidad se rinde ante lo tradicional.

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El argumento es de sobra conocido, pero ahí va, por si aún queda algún despistado al que no le guste mucho la lectura… Comienzan las Navidades en Londres, en pleno siglo XIX. Ebenezer Scrooge es un viejo avaro que no se relaciona con nadie y desprecia a todas las personas que tiene a su alrededor, que se limitan a su fiel secretario y a su sobrino. Ebenezer odia estas fiestas tan señaladas, cree que celebrar la Nochebuena o el día de Navidad son paparruchas y un gasto innecesario de dinero. Pero el fantasma de su socio, ya fallecido, se le aparece para anunciarle la visita de tres espíritus, el de las Navidades pasadas, el de las Navidades presentes y el de las Navidades futuras. Con ellos emprenderá un viaje en el que abrirá los ojos y verá más allá de su habitual mezquindad, tacañería y soledad e intentará cambiar antes de que sea demasiado tarde. Si es que no lo es ya…

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Como el buen argumento estaba cantado, destacaré que la primera buena señal de esta película, además de estar basada en una extraordinaria novela, es el nombre de su director. Robert Zemeckis ya nos había regalado joyas como Regreso al futuro (tengo debilidad por esta saga), Forest Gump o más en el mundo de la animación, ¿Quién engañó a Roger Rabbit? o Polar Express. Con este currículo no nos podía decepcionar y aunque no lo ha hecho del todo, sí que diré que según avanza el film, va perdiendo el interés. Lo cortés no quita lo valiente y la primera media hora de película enamora. El espectador, con sus gafas 3D puestas, se mete de lleno en las calles del Londres del siglo XIX, con los copos de nieve cayendo entre los transeúntes, gente cantando villancicos y niños jugando y riendo. Pero según va avanzando, empieza a flojear. Os diré que tiene mi aprobado hasta que llega el espíritu de las Navidades futuras. En ese momento se vuelve oscura, violenta y pierde el sentido romántico que tenía hasta esa parte. Lo que presagia este tercer espíritu no es que sean buenas noticias, pero no me resulta difícil de imaginar otra forma de plasmarlo en la pantalla.

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Además de la calidad tecnológica, verdaderamente se disfruta viendo una película así en tres dimensiones (hasta el punto de que uno se olvida de que es animación), otro elemento que quiero destacar del film es la banda sonora. Dentro de lo agradable o más bien entrañable que resulta escuchar música que suene a Navidad (y el que no lo crea así, a ver si va a ser un poquito Scrooge…), en este caso aciertan completamente. El compositor, Alan Silvestri, que ya había trabajado con Zemeckis en numerosas ocasiones, hace un magnífico trabajo que remata con el tema final “God bless us everyone”, interpretado por Andrea Bocelli. Te vas del cine con el espíritu navideño a flor de piel…

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La única recomendación que os hago, además de ir a verla con el chip navideño activado, es que si podéis, lo hagáis en versión original. Nada me pudo dar más pena que perderme las interpretaciones de Jim Carrey como Ebenezer Scrooge y también como los espíritus de las Navidades pasadas, presentes y futuras. Este actor es tan versátil que sin haberlo escuchado me atrevo a asegurar que lo ha hecho de sobresaliente. Y el resto del reparto también es digno de mención: Colin Firth, Gary Oldman o Robin Wright Penn.

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En resumen, que no hay Navidad completa sin película de Disney y esta vez viene pisado muy fuerte. CUENTO DE NAVIDAD es un cóctel con ingredientes para todos los públicos: un clásico de la literatura, animación de última tecnología 3D y un director de Oscar.

ALIEN: NARRATIVA FÍLMICA

El terror se convierte plano a plano, en algo sumamente abstracto: es la angustia ante lo desconocido.

Sigourney Weaver.

«ALIEN« es un film muy british a todas luces, con ello quiero decir que no sólo es que esté realizado en Gran Bretaña, no, con ello quiero decir que está realizado muy al gusto de los británicos, aterroriza pero prácticamente sin una gota de sangre, eso es porque profundiza en la narrativa de Alfred Hitchcock, por eso funciona tan bien como thriller o largometraje de suspense, como queráis denominarlo. Así que pasemos a analizar diferentes aspectos de la película que son muy importantes, esos pequeños detalles que están ahí, que parecen irrelevantes, pero no dejan de ser lo que le otorga mayor enjundia al film de Scott.

Saul Bass, gran maestro de ceremonias, y genial introductor, por no decir, diseñador y creador de los más famosos títulos de crédito del cine norteamericano, supo entender muy bien los diseños de Hans Rudi Giger y eso se deja ver en los rótulos iniciales del largometraje a pesar de que no está acreditado. En tan sólo dos minutos nos hará un gran resumen de lo que será el núcleo de este particular viaje espacial. Los motivos por los que no está acreditado, no nos interesan, para mí son meramente anecdóticos, pero lo verdaderamente curioso es la estructura que poseen. Comienza de la forma más inquietante que puede arrancar una película con una pantalla casi en negro, porque nos pone el universo de fondo, comenzamos el viaje de lo general a lo particular, porque acabamos viendo un planeta de fondo.  Todo ello acompañado por la suite creada, por Jerry Goldsmith para marcar este efecto, con instrumentos de viento y cuerda para ir de la mano con Bass e ir de lo dulce y placentero a lo estridente y peculiar.

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Gran amante de la geometría, este diseñador apuesta por una tipografía mecánica, que realza el sentido de ciencia-ficción y futuro, y juega con ellas para ir desvelando poco a poco el título del film, juega con la idea de suspense, y nos va adentrando poco a poco en el universo del largometraje. Pero es más, va jugando con otra regla de oro del diseño, la simetría. Pensad que un rostro simétrico es bello, ese es nuestro canon.

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La simplicidad otra de las reglas de oro del diseño se deja ver claramente en estos rótulos porque sólo hay un movimiento de cámara, es un travelling, que va de izquierda a derecha, en un plano americano que no deja ver por completo la forma real del planeta que aparece en el fondo de la imagen, homenaje al gran maestro Alfred Hitchcock, obliga al espectador a imaginar si es un planeta o un huevo, así de esta manera llegamos a otra de las características de los rótulos de crédito de Bass y es que es capaz de resumir absolutamente el espíritu del film en dos minutos. Pero no olvidemos que el cine es Gestalt, luego hay que hablar de aspectos psicológicos, nosotros leemos de izquierda a derecha, la música comienza con sólo instrumentos dulces de viento, todo para que el espectador se sienta cómodo a pesar de estar viendo una pantalla casi en negro. Pero el tono de los acordes irán cambiando a medida que el travelling sobre el ecuador del planeta llegue a la mitad del movimiento, allí nos toparemos con a medio camino de un increíble in crescendo que lleva de la mano al espectador. Y es el momento en el que ya tenemos todos los instrumentos (cuerda, viento y percusión), que se correlaciona con el momento justo donde tenemos en pantalla el punto de origen de la criatura. Y cuando Bass nos desvela el título del largometraje por completo, en ese mismo instante nos hallaremos en el clímax del crescendo de la suite de Goldsmith, a caballo entre lo romántico y lo barroco, entre la belleza, el misterio ante lo desconocido. Creando un paroxismo curioso, que se difumina rápidamente a medida que volvemos al universo en general y mediante un encadenado aparece la Nostromo en cuadro en la parte izquierda del fotograma y arranca verdaderamente la película.

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No puedo evitar contaros una coincidencia cósmica, Saul Bass había coincidido con Helen Horton, que en «Alien» presta su voz al ordenador central a «Madre», en un film que dirigió en 1974 llamado «Sucesos en la cuarta fase» e intepretaba en esa ocasión a Mildred Eldridch, y también coincidiría con John Barry, el director de fotografia no el músico, del que hablaremos en «los hijos bastardos».

LA LARGA MANO DE JOSEPH CONRAD

Józef Teodor Konrad Korzeniowski, más conocido como Joseph Conrad, es un célebre autor de novela de aventuras, y cuya bibliografía ha conocido más de una adaptación cinematográfica. Tanto Gordon Caroll como Ridley Scott son dos grandes admiradores del autor, eligió para su debut en la pantalla grande «Los duelistas», que realizó de la mano del célebre productor David Puttnam, todo un cazatalentos, y la acción nos trasladaba a las guerras napoleónicas donde podíamos asistir a un duelo sin fin protagonizado por Harvey Keitel y Keith Carradine. Así que ponerle el nombre de «La Nostromo» a la nave es un homenaje más en su filmografía a la obra de Conrad. Esta novela de Conrad ha conocido alguna ambiciosa adaptación televisiva, en la que actores de la talla de Colin Firth, Albert Finney,  Brian Dennehy, Joaquim de Almeida, Lothaire Bluteau o Claudia Cardinale, acompañaban a Claudio Amendola que daba vida al famoso personaje que da nombre a la serie y a la novela, pero que en su momento pasó sin pena ni gloria. Lo verdaderamente curioso es que la novela se centra en un país imaginario sudamericano llamado Costaguana, y Sulaco es el nombre de la ciudad portuaria, y no podemos dejar de pasar por alto que el nombre de la nave en «ALIENS», segunda parte de esta franquicia dirigida por James Cameron, no es otro que el de la citada urbe ribereña, y en la novela es donde se centra la vida de los personajes y la acción fundamental. Y Ridley Scott no deja de construir un relato de terroríficas aventuras espaciales de siete personaje, en la que el viaje sideral marcará a fuego al personaje principal. Pero hay coincidencias con el universo de Conrad. Un importante dato es que el escritor ucraniano vivió la época álgida del colonialismo, la lucha contra las corporaciones y el capitalismo, y todo ello se haya como telón de fondo de esta aventura peculiar. Idea barajada tanto en Nostromo como en «El corazón de las tinieblas», donde reflejará la barbarie del universo colonial africano del siglo XIX, y en el que veremos como el personaje realiza un viaje y lucha contra una corporación. Francis Ford Coppola la adaptó libremente al cine en su célebre film bélico «Apocalypse Now».

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LO COTIDIANO

Scott juega con la vida cotidiana al igual que pasa en alguno de sus antecedentes, pero el lo lleva un paso más allá. Así, en primer lugar elimina el machismo de versiones previas e introduce otros problemas como las reivindicaciones salariales, como cuando Brett le comenta a Dallas durante el desayuno que no está de acuerdo con lo que van a cobrar o cuando le pide una gratificación monetaria por ir a investigar la señal desconocida llegando a una acalorada discusión con el capitán de la nave.

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Inclusive las actitudes de los trabajadores, como la que muestra personajes como Parker, absolutamente insubordinado, crítico con las decisiones de los mandos, mostrando una actitud cínica hacia la empresa,  llegando incluso a tomarles el pelo, diciendo que tiene que emplear más horas de lo debido para terminar de arreglar la nave.

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El racismo, como en la escena en la que Parker le hace levantar a Ash de su asiento y lo limpia con la mano o la introducción de terminología marítima como cuando utilizan los términos virar a babor o a estribor en la escena del aterrizaje o aeronáutica, en la anterior escena podemos escuchar «llegando al apogeo orbital», «recoger el tren de aterrizaje», «conectar la gravedad artificial» o «turbulencias».

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Otro ejemplo lo encontramos cuando están tratando de averiguar en que punto del espacio Kane manda a Ripley que contacte con control de tráfico:

Esta es la astronave comercial “Nostromo”. Número de registro 180924609. Me reciben. Astronave comercial “Nostromo” de las Islas Solomon. Me reciben. Número de registro 180924609. Espero contestación…llamando a Antártica, control de tráfico.

NARRATIVA FÍLMICA

El film arranca con múltiples travellings de carácter descriptivos, con amplios planos generales que nos ubican en el entorno, nos describen con todo tipo de detalles como es la nave por fuera, por dentro, nos muestra sus largos corredores. Así Scott, saca partido a todo el diseño de Jean Giraud, más conocido como «Moebius» y Ron Cobb, creadores de todo este particular universo de aspecto industrial, recordad que los personajes de la trama no dejan de ser mineros espaciales. Moebius procedía del mundo del cómic y escribía para la revista «Metal Hurlant», mientras que Cobb  procedía de la serie B y había colaborado previamente con Dan O’Bannon en una inmensa gamberrada espacial dirigida por John Carpenter llamada «Dark Star«, para la que hizo los diseños y los efectos especiales. Os dejo enlace a un gran artículo sobre los diseños de Cobb aparecido en Microsiervos.

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Para pasar a primeros planos, todo dentro del mismo travelling, y mostrarnos la recepción del mensaje, que hará despertar a la tripulación, y les embarcará en esta barroca aventura.

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Scott da mucho dinamismo a la cámara, sobre todo cuando los personajes suelen tender a estar estáticos en el espacio y viceversa. Así suele fusionar  panorámicas a los travellings, y todos son a contra lectura, para generar desasosiego en una escena cotidiana de la vida mediante la incomodidad física de la lectura. Eso da idea de la exquisita planificación que posee de la escena, al margen de sus conocimientos como cineasta. Así, la secuencia del desayuno se erige como todo un gran ejemplo de la técnica narrativa del director británico afincado en EEUU. Hace un barrido del comedor de izquierda a derecha para acabar centrando el foco de atención en Kane, que posee una línea de diálogo muy profética, al decir que se siente que está muerto.

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Uno de los múltiples aciertos de Scott frente a sus predecesores es dotar a las transiciones en las que podemos ver como pasa la nave por delante del encuadre, de un verdadero sentido narrativo dentro del largometraje. Así pues, serán verdaderos puntos y seguidos, que otorgan un cierto alivio a la intensidad de la narración, pero que no dejan de otorgar dinamicidad a la narración. Llegados otra vez  a este punto debemos de hace hincapié en el desarrollo de movimiento. La nave siempre ira a contra lectura, con lo que el alivio es menor, porque inconscientemente marca un stress de lectura al espectador, generándole una cierta ansiedad.

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Pero será tras la muerte de Kane que estas transiciones se harán de otra manera, esto es debido que ahora servirán para dar respiros en la intensidad de la narración realmente, pero siempre marcando un punto y seguido. Para ello, siempre veremos pasar la nave pero ya no será un movimiento a favor o en contra de la lectura, es decir de derecha a izquierda o viceversa, ahora será de atrás a delante, siempre alejándose en el sentido del eje de la x espacialmente, bien sea viendo la superior a vista de pájaro o…

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la parte inferior de la nave.

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Esta película posee una narración muy intensa, por todo lo anteriormente expuesto más que su director abusa intencionadamente de dos recursos: primeros planos y los planos americanos. Es como si en un texto comenzara a poner muchos adjetivos y adverbios tanto a los sustantivos como a los verbos. Puede llegar a ser extenuante, pero que en este caso es eficaz. Pero además le sirve por un lado para no mostrar completamente a la criatura, por otro juega con el fuera de campo, lo que se encuentra fuera del cuadro, obligando de estas dos maneras al espectador a usar la imaginación, y a veces aterroriza más lo que uno se imagina que lo que uno ve realmente. Pero, quiero destacar que usa de una manera muy hitchcockniana los primeros planos calificando a la criatura mediante una herramienta de montaje llamada efecto kuleshsov, y que gracias a Redrum podréis acabar de entender en que consiste.

HITCHCOCK EXPLICA EL RECURSO DEL PRIMER PLANO

Pero que sea intensa no quiere decir que sea rápida, y es ahí donde encontramos otro de los grandes aciertos, el ritmo pausado de la narración que le permite a Terry Rawlings montador y a Scott, poder elegir cuándo y cómo asustar al espectador, y crear así un ambiente idóneo donde sustentar el thriller.

Así pues, es prácticamente imposible que el espectador desconecte del film, aquí hay que hablar del montaje realizado por el siempre genial Terry Rawlings, montador de las tres primeras partes de la franquicia, y que en este particular caso hace un trabajo soberbio al saber gradar muy bien los momentos de tensión que había planificado con anterioridad el director al otorgarle toda una serie de elementos con los que poder jugar, porque no debéis olvidar que en la sala de montaje no puedes rodar lo que no tienes, ese momento ya pasó. Y a veces, sobran cosas, que no aportan mucho más y pueden hacer perder ritmo al film. Así llegamos a la versión del director, que particularmente opino que nunca debería haber existido, las nuevas escenas, eliminadas por Rawlings en su momento, están bien quitadas, porque hacen perder ritmo al metraje y tampoco es que aporten nada novedoso, como si lo hizo Cameron con la idea de la Reina. Sobre todo, porque este film juega un poco a ser un relato de Agatha Christie, y al igual que «La cosa» de John Carpenter, juega a ser una variante de «Los diez negritos», porque desde el principio sabemos quién es el asesino, pero al final sólo quedan la víctima y el verdugo, Ripley y Alien llevándonos a un duelo espacial muy particular, en el que los personajes apenas carecen de armas, y deberán jugar con la astucia, sobre todo la teniente para poder defenderse.

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El recurso de la grúa en el film sólo lo usa en una ocasión, se trata de la secuencia que tiene lugar en el interior de la nave alienígena, con el que consigue pasar de un plano americano de Kane a un plano general del interior en contrapicado para realzar más la idea de lo pequeños y vulnerables que son los tres protagonistas.

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El lector y espectador de esta magnífica película no debe olvidar que está gestada a finales de la década de los setenta, los gustos narrativos dentro del género estaban en plena evolución, y la corriente del gore cobraba cada vez más fuerza, como ya habíamos visto en películas como «No profanar el sueño de los muertos», de Jorge Grau. Pero Scott en un giro de tuerca, llega a estilizar el gore, y mostrarlo con una gran dosis de asepsia quirúrgica. Las pinceladas son escasas pero contundentes, tres serán las escenas donde podamos apreciar planos que podamos catalogar como gores. Para la primera esperará hasta el minuto 49 de metraje de la versión del director para ofrecérnosla en una verdadera orgía hemoglobínica cuando irrumpe en escena el octavo pasajero procedente del interior de Kane…

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, y los otros dos planos se hayan en la muerte del Brett y Parker.

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La bibliografía es extensa y variada que avala esta idea, pero el mayor testigo de todo ello es Ivor Powell, productor asociado del film y mano derecha del realizador británico, reconoce en el documental de Lauzirika que el cineasta impuso al equipo ver «La matanza de Texas» de Tobe Hooper realizada en 1974, máximo referente del género gore y obra de culto, sin albergar la menor duda.

THE TEXAS CHAINSAW MASSACRE-TOBE HOOPER-1974

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