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Crítica “Scream 4”

Esta vez es el asesino el que rueda la película.
Gale Weathers.

¿Cuál es tu película favorita de terror?
Ghostface

La primera regla de los remakes es que no cambies el final.
Sidney Prescott

Sidney Prescott, ahora autora de un libro de autoayuda, regresa a casa, en Woodsboro, última etapa de la gira promocional de la obra. Una vez allí, vuelve a encontrarse con el sheriff Dewey  y  Gale Weathers, que se han casado, y también con su prima Jill, y su tía Kate. Desafortunadamente, la reaparición de Sidney comporta que también regrese  Cara de fantasma, poniendo en peligro a Sidney, Gale, y Dewey, junto con Jill, sus amigos, y toda la ciudad de Woodsboro.

Como todos bien sabéis, “Scream” nace en la década de los 90 cuando los grandes estudios intentaban mantener vivas a sus rentables criaturas como Jason, Freddy o Michael Myers. Asesinos crueles y despiadados de las franquicias Viernes 13, Pesadilla en Elm Street  o Halloween, que llegaron a conocer hasta siete partes, algunas de ellas. A ello hay que sumar la oleada de versiones de clásicos del terror que vivíamos en aquel momento. En este contexto hace ya quince años Kevin Williamson escribía el origen de esta serie. El maestro, Wes Craven, se encargaba de realizarla. Lo brillante de su primera parte era que ambos jugaban con los estereotipos y clichés del género. Paralelamente, los realizadores  generaban otra franquicia que la parodiaba, me refiero obviamente a “Scary Movie”. Ahora con “Scream 4” se aprecian que seguimos viviendo el mismo problema cinematográfico, así que lleva a sus autores a intentar darle una vuelta de tuerca su propia criatura, generando un peligroso experimento cinematográfico en el que tratan de hacer comedia escalofriante, transformado en ironía todo lo que era astucia e irreverencia. En eso consiste el nuevo enfoque escrito por Kevin Williamson.

Así lo mejor del film tiene lugar en la secuencia de apertura del largometraje que funciona como el juego de las muñecas rusas, jugando con toda una serie de claves que no os revelaré, pero que sorprenden al espectador. Además, intenta ahondar en la filmoteca en busca de los orígenes de todos estos asesinos en serie, y lo encuentra. Así “El fotógrafo del pánico”, dirigida por Michael Powell en 1960, se convierte en el verdadero motor de todo este subgénero del terror. Así las referencias explicitas e implícitas se convierten en el eje argumental del film, el observador observado. Así en términos cinéfilos sube el listón pero no es capaz de mantenerlo, ya que caen en sus propios estereotipos y efectismos, y  comienza un descenso en caída libre que ni Craven es capaz de parar.

Carece de la menor lógica jugar a reírse de uno mismo, máxime si existe otra franquicia como “Scary Movie”. Todo sea dicho las diferencias son abismales, porque Williamson es más satírico e mordaz, mientras que Keenen Ivory Wayans es más chabacano y burdo. Así que a pesar de ser el mismo juego son dos ligas diferentes. Por eso os decía que era un experimento peligroso. El segundo problema que el veo al guión de esta recarga es que en un intento de sorprendernos con giros de guión algunos personajes caen en el terrible territorio de la incoherencia, y otros carecen de propósito dentro de la trama quedando totalmente desperdiciados, así la aparición del actor que lo encarna es meramente testimonial y parece más una aparición estelar, al quedar totalmente eclipsados. Ese es el caso de David Arquette y Courteney Cox, que son engullidos por completo por las jóvenes figuras como Rory Culkin, Anna Paquin, Adam Brody o Kristen Bell. Sorprende la aparición de la gran actriz Mary McDonnell haciendo de tía de la protagonista, y la que mantiene el nivel es Neve Campbell, verdadera protagonista de la saga.

Calificación: 4

Crítica “Casino Jack”

Y acabamos el sexto día y el recorrido por la sección oficial a concurso con un imprescindible visionado de  “Casino Jack”, firmada por el difunto director de cine George Hickenlooper, que realizó en 1991 el estupendo documental “En el corazón de las tinieblas”, y por supuesto, también basado en hecho reales, ¡cómo no!

Soy Jack Abramoff, y sí, me lo curro todos los días.
Jack Abramoff

La mediocridad es lo que más abunda, es omnipresente.
Jack Abramoff

¿Puedes dejar de decir frases de películas?
Sarah Abramoff

Usted se va a convertir en mi hobby.
Bernie Sprague

El guión escrito por Norman Snider, al que todos recordaréis por haber firmado también “Inseparables” de David Cronenberg, en este caso se adentra en la historia verídica de Jack Abramoff, un agente de bolsa que durante muchos años se metió en negocios un tanto turbios, incluyendo estafas a cuatro tribus indias que dependen del gobierno de los Estados Unidos: los Saginaw Chippewas de Michigan, los Agua Calientes de California, los Choctaws de Mississippi y los Coushattas de Lousiana. Parte de ese dinero ganado ilegalmente fue a parar a las arcas del Partido Republicano, lo que provocó el escándalo definitivo que envió a Abramoff a prisión.

Snider y Hickenlooper nos adentran el mundo de los lobbies. Un lobby, según la Wikipedia es un grupo de personas que intentan influir en las decisiones del poder ejecutivo o legislativo en favor de determinados intereses. A la actividad que realizan los lobbies se denomina lobbying, hacer lobby o cabildeo. Pues ambos creadores hacen un film sumamente crítico. En una primera línea argumental arremeten contra el sistema del lobbying, llevado a cabo por personas profundamente religiosas pero que en realidad son amorales y no poseen la menor contemplación. Van a obtener sus intereses o réditos monetarios sin el menor escrúpulo.

En una segunda cargan contra la doble moral norteamericana, que todos los que hemos vivido allí, somos profundamente conscientes de su existencia. Me explico, según la ley está prohibido el juego, pero como en las reservas indias hay otra legislación ellos si pueden construir casinos. Obviamente, los norteamericanos se desplazan hasta las reservas indias para jugar. Un servidor tuvo la ocasión de visitar el Casino que la MGM posee en “Foxwoods” en el estado de Conneticut. Esto es un aspecto de la vida norteamericana que ya han parodiado mil veces en “Los Simpson”.

Y su último ataque es para la financiación ilegal de partidos. Cosa que como podéis ver ocurre a ambos lados del océano Atlántico. Con estas palabras no quiero justificarlo, nada más lejos de mi intención, al revés, habría que cambiar la ley para eliminar este enorme problema político-social que tenemos.

Esta contundente crítica va cargada de mucho amor al séptimo arte, con referencias por doquier. Pero además es cínica, divertida e irónica. Os recomiendo su visionado, os encantará. Por ahora, ningún distribuidor se ha hecho con los derechos, que yo sepa, y es una pena porque creo que es muy buena. Posee un gran pulso narrativo, no aburre. Además, podréis disfrutar una vez más del gran Kevin Spacey o del fenomenal trabajo de Graham Greene, Barry Pepper y Jon Lovitz.  Voy a finalizar esta reseña con una frase delmoledora del film:

“Si quereís un amigo en Washintong DC, compraros un perro”
Presidente Truman
Calificación: 8

Bueno, espero haberos descubierto alguna propuesta que sea de vuestro interés cinéfilo en este repaso por la sección oficial a concurso, en la que sólo falta un film “Tropa de élite 2” que se pudo ver el primer día.

Crítica “Bas-Fonds”

Tras la película más larga en duración del festival pudimos ver también en el mismo día la más corta. Se trata del film francés “Bas fonds”, que podríamos traducir como “Bajos fondos” de la realizadora Isild Le Besco.

Odio mi cara.
Marie-Stéphane Pichon

Callad, haced lo que queráis, tengo hambre.
Magalie Pichon

No sé si era su intención o es la sociedad.
Miembro del jurado.

Este film se estrenó en el festival de Locarno y en París en diciembre de 2010. Le Besco firma un film de arte y ensayo, que es la última parte de un tríptico, sobre un guión firmado por Marie Chaduc. Este film inspirado en un suceso ocurrido en 2002, cuenta la historia de tres jóvenes francesas inadaptadas socialmente, que viven en un mundo de alcohol, violencia y marginalidad. Un día, casi por aburrimiento, asaltan una panadería y matan sin querer al panadero. Dos años después, tras apresarlas la policía se abre un proceso judicial en el que las jóvenes se enfrentarán a la justicia, el mundo adulto y los pecados para encontrar la redención.

Se trata de un film cuyo contenido es muy duro, difícil de digerir, pero en lo formal opta casi por crear una experiencia experimental que menos mal que dura 68 minutos. No es apto para paladares comerciales. La realización es fría y distante, a pesar de que la cámara sigue muy de cerca de las tres protagonistas del largometraje, Valérie Nataf, Ginger Romàn y Noémie Le Carrer que por cierto, la interpretación de las tres chicas es brutal, es buenísima, se entregan a sus personajes en cuerpo y alma. Le Blasco saca lo mejor de ellas, y componen unos personajes muy verosímiles.

Además, consigue crear una coherencia los hechos narrados y su dirección de actores, el diseño de producción de Laurence Vendroux y la dirección de fotografía, creando un tono duro, y que a la gran mayoría les resultará indigesto. Me cuesta ponerle una nota al film porque me ha gustado, pero creo que se sale del contenedor del festival. Así que mi nota personal sería un 8, pero si tengo que tener en cuenta las dosis de acción o aventura le pongo sin dudarlo un 3, porque no posee nada de ello. Es un contundente thriller, que juega con la religión y la marginalidad como telón de fondo. Lo que queda claro es que no deja indiferente a nadie, que polariza la audiencia que lo visiona, y que el trabajo de las tres chicas es extraordinario. Creo que eso nadie me lo podrá rebatir. Pero que no se la recomendaría a cualquiera.

Calificación: 3

Crítica “Dabangg”

Y la sorpresa llegó en el quinto día procedente de la India, concretamente de la factoría Bollywood, se trata de la única representación de Asia dentro de la sección oficial a concurso, y creo que será el largometraje que se llevará el premio de la crítica, se titula “Dabangg”, cuya traducción es “Intrépido”.

Ha sido más espectacular que el trailer. Ahora empieza la película.
Chulbul Pandey
O me concede la mano de su hija o la rapto.
Makhanchan Pandey
La gente espera de un diputado que cumpla y no sea religioso.
Jefe de policía.
Le haré tantos agujeros que no sabrá por cual respirar y por cual tirarse pedos.
Chulbul Pandey

Este film dirigido por Abhinav Singh Kashyap nos cuenta la historia de Chulbul Pandey, un policía corrupto y sin miedo, es una suerte de Robin Hood mezclado con Harry el sucio, es desvergonzado, fuerte, astuto, y además utiliza métodos poco ortodoxos, roba dinero a los ladrones para dárselo a los pobres. Además, vive martirizado porque no ha superado los traumas de la infancia. Tras el fallecimiento de su madre, Chubul intentará reparar las heridas del pasado y entablar una nueva relación con su padrastro y hermanastro, pero no será sencillo, ya que sus enemigos querrán aprovecharse de sus rencores para acabar con él.

He de reconocer que no soy un experto en este tipo de cine, hay que reconocer las carencias de uno, pero desde mi ignorancia os la voy a desentrañar. En primer lugar, me llama la atención que Singh arranca el largometraje y pone antes de los títulos de crédito los agradecimientos y as dedicatorias, como si de un libro se tratara.  El guión, escrito por el propio realizador en colaboración de Dilip Shukla, no es nada original, nada que no hayamos visto ya, pero la gran baza es que mezcla los géneros con gran soltura, la comedia, el musical, el romance, el drama y el thriller, todo ello con grandes dosis de acción y entretenimiento, que es lo que hemos venido a ver.

El primer número musical, es el que da título a la cinta, está lleno de vitalidad, dinamismo y muy bien coreografiado, al igual que el resto de las secuencias musicales, que además tienen la característica de poseer un gran volumen de extras.

Me parecen sorprendentes las referencias internas del guión a la propia película, como la primera frase que he destacado, que la ponen justo tras la primera secuencia de acción que abre el film con referencias implícitas en lo formal y en el contenido a “Matrix”. Me han parecido muy divertidas porque las introducen en el momento justo. Al igual que la multitud de gafas de sol que tiene Chulbul, parece Elton John.

Además, me llama la atención las dosis de crítica social reconocidas por el propio realizador que acudió hasta la Mostra para presentar el film. Me refiero a que el villano es un político corrupto. Así que por lo que vemos amigos en todas partes cuecen habas. Otra de las curiosidades es que posee un intermedio, desde “Barry Lyndon“, un servidor no veía una cinta dividida en dos partes, faltaba el cartel de visite nuestro bar. Que seguro que en la explotación en su país de origen lo pondrán, no me cabe la menor duda.

A pesar de que no es original y que dura 126 minutos, no aburre en ningún momento, es más sus guionistas han sabido dosificar con suma coherencia todos los elementos anteriormente mencionados, pero en un rizar el rizo, hay momentos que parece que el film bebe de los mejor de Tarantino y Robert Rodríguez, como por ejemplo la secuencia final con el tractor. Por cierto, para que os hagaís una idea el director de la cinta nos contaba que su protagonista principal Salman Khan es como el George Clooney de Bollywood. hay que reconocer que es un todo terreno, le da igual menear la cadera que pegarse de bofetadas con los malos. De momento es lo mejor de lo que hemos visto a mi gusto, y os recomiendo su visionado. No sé si tendrá distribución en nuestro país, pero espero que haya algún valiente.

Calificación: 8

Crítica “La grieta”

Por la noche recuperé un film español de 1989 titulado “La grieta”, dentro de la retrospectiva que está haciendo el festival al realizador valenciano Juan Piquer Simón, recientemente fallecido el pasado 8 de enero. Es una pena, pocos medios se hicieron eco de la desaparición de este gran luchador del cine de aventuras y de terror.

Cuanto más sofisticado es el diseño, más problemas pueden surgir.
Wick Hayes

Turbulencias, parece que estamos dentro de una batidora.
Fleming

Un capitán nunca abandona su barco
Capitán Phillips

David Coleman desarrolla la idea del propio Juan Piquer Simón y Mark Klein. Que nos trasladará hasta las profundidades marinas donde un experimento genético realizado en una cueva situada en el fondo del mar causa mutaciones en las criaturas que habitan allí. En la misma zona, la desaparición de un submarino experimental llamado Sirena y diseñado por Wick Hayes obliga a los agentes del gobierno a enviar un segundo prototipo en busca de los restos y que averigüen qué pasó con la tripulación. Lo malo es que no sospechan los horrores a los que tendrán que enfrentarse.

Auténtico film de aventuras, realizado con mucha voluntad, pocos medios y sobre todo cuando la magia residía en la mente del espectador y en las maquetas que usaba el director para recrear mundos que salen de la imaginación del guionista. Lo que es obvio es que es un largometraje heredero de su momento, así las alusiones a “Alien” de Ridley Scott son directas y evidentes, tanto en cuestiones formales como de guión, así la introducción de vocablos pseudocientíficos, por ejemplo, o bien en algunos aspectos del desarrollo de la acción. La figura de traidor pagado por el empresa que sólo ha de traer de vuelta el espécimen pero no a la tripulación, y  cosas parecidas.

Del reparto qué decir, que R. Lee Ermey está genial como capitán del submarino, tiene auténticos momentazos con Jack Scalia y Ray Wise. Por su parte los actores españoles, Emilio Linder y Tony Isbert se integran en el reparto con mayor o menor fortuna, pero aún así destaco el momento en que muere Sven, protagonizado por nada más y nada menos que por Pocholo Martínez-Bordiú. Es genial. Una auténtica frikada. Es más cuando finalizó el film éramos como 14 en la sala y aplaudimos por el fenomenal espectáculo que habíamos visto. Hay que reconocer que en cierta medida tenía claro como funcionaba el cine, y fue uno de nuestros primeros realizadores en salir a trabajar al extranjero.

Crítica “La soledad del corredor de fondo”

Dedicado a David Molina, compañero de fatigas

Por la tarde, tras la conferencia de Fernando Savater sobre la figura de James Bond me desplace hasta el centro cultural de la Petxina para revisitar en cine dentro de la sección “Valencia capital europea del deporte” el clásico “La soledad del corredor de fondo” del director británico Tony Richardson. Puede que se trate de un film del que todo el mundo habla pero que pocos conocen de veras. La pena es que no pudimos ver la copia en 35mm que tenían porque se había roto, así que nos pusieron el DVD pero en versión doblada.

En nuestra familia siempre hemos corrido, sobre todo delante de la policía.
Colin Smith

Todo lo que sé es que has de correr sin una meta, esa es la soledad que siente el corredor de fondo.
Colin Smith

La competencia estimulará a Stacy
Director del reformatorio Ruxton Towers

Alan Sillitoe adapta su relato corto homónimo  a la gran pantalla en la que nos cuenta la vida de Colin Smith, un joven de clase obrera que vive en los alrededores de Nottingham. Un día comete un robo en una panadería y es enviado al reformatorio. Una vez allí, se introduce en uno de los programas de reinserción que está relacionado con una de sus mejores cualidades, la de correr. Poco a poco irá cogiendo fondo e irá ganando puestos en la institución penitenciaria. Durante los entrenamientos irá reflexionado sobre su vida anterior y empieza a comprender que se encuentra en una situación privilegiada.

El precedente inmediato de este gran largometraje es sin duda alguna, el estandarte de la Nouvelle Vague, hablo de “Los 400 golpes” de François Truffaut. Tanto por la forma de narrar como por el contenido del film. Los jóvenes cinéfilos pueden pensar que JJ Abrams parece haber descubierto el flashback como instrumento para narrar una justificación de un relato en presente. Si vieran este film se darían cuenta de lo equivocados que están.

Lo más interesante son los diversos planos en los que se mueve esta cinta que versa sobre la reinserción de los jóvenes delincuentes. Habla de las diversas técnicas psicológicas para ayudarles. Pero además, usa el deporte como telón de fondo. Están muy bien descritas las sensaciones que tiene uno cuando va corriendo. Me encantaron esos planos donde en cámara subjetiva de Colin vemos el cielo pasar o el suelo, como se reflejan las cosas en los charcos. La sensación de liberación que tienes cuando has acabado de correr una gran distancia, y has retado a tu cuerpo a ese exceso. Es un buen retrato de la sociedad industrial, de la problemática que le rodea.  Además, toca de soslayo el tema de la eutanasia con la muerte del padre.

Estamos ante una cinta que posee un mensaje claro y contundente. Donde los personajes están muy bien retratados, y sobre todo poseen un perfil psicológico preciso, que hace que el relato tenga una coherencia interna aplastante, y acabes entendiendo las decisiones que toma a lo largo de todo el metraje. Los planos y los movimientos de cámara están maravillosamente planificados. Llegados a este punto quiero destacar la escena de la revuelta del comedor, creo que es el perfecto ejemplo. Antony Gibbs, por su parte, hace una estupenda labor al editar en paralelo la secuencia en la que los internos cantan la canción de Jerusalem mientras están deteniendo de nuevo a Stacy. Funciona a la perfección. Y no quiero finalizar sin hablar de la maravillosa banda sonora con acordes jazzies creada por John Addison que para los cinéfilos más recalcitrantes le recordarán por su trabajo en “La huella” y los más catódicos por haber creador el tema central de la serie de Angela Lansbury, “Se ha escrito un crimen”. Para finalizar elogiar el trabajo de los actores Michael Redgrave o Tom Courtenay y decir que la trama me parece muy vigente.

Calificación: 10

Crítica “Snowman’s land”

Menos mal que vino a salvarnos el film alemán “Snowman’s Land” también perteneciente a la sección oficial a concurso.

La publicidad negativa es mala para el negocio.
Harry

No saben que han hecho. No saben que puerta del infierno han abierto.
Berger

Quiero verlo todo lleno de cadáveres. No se salvarán ni las cucarachas.
Berger

¿Para qué quiero dinero? Con salir vivo de esta me doy por contento.
Walter

Walter es un asesino profesional que ha cometido un error en su último encargo, por ese motivo se ve avocado a abandonar la ciudad y aceptar la oferta de trabajo de un jefe mafioso llamado Berger que vive en las montañas, en la región remota de los Cárpatos, para que proteja su casa. En ese cometido le acompañará Mickey, otro descerebrado asesino a sueldo. Cuando llegan a casa de Berger les atiende su esposa Sibylle. Pronto descubrirán que dentro del hotel hay un enorme laboratorio de fabricación de drogas de diseño. Una noche por accidente en ausencia del marido mafioso la esposa es asesinada, así que ambos deberán esconder el cadáver antes de que llegue por miedo a las represalias. Así que lo que parecía un trabajo sencillo acabará convirtiéndose en un auténtico infierno.

Tomasz Thomson escribe y dirige este cuentecillo de mafiosos decadentes y asesinos en horas bajas con mucha retranca, que cualquiera podría decir que parece escrito por los hermanos Coen. Eso es debido a que las referencias a “Fargo” son variadas e inevitables, así como a “El resplandor” de Stanley Kubrick, sobre todo por el entorno en que han rodado. Os decía que es un cuento porque el largometraje arranca con un narrador omnisciente que nos va adentrando en la vida de Walter, así como en sus diversos problemas que se le avecinan.

Todo ello lo adorna como altas dosis de humor negro, creando una obra entretenida, divertida, irónica, cínica y con bastante acción. El guión, que os contó que lo había escrito aquí en la capital del Turia, posee más de una frase lapidaria, y con momentos muy conseguidos como el del cuchillo eléctrico. Pero aún así, hablando con compañeros de la prensa este film nos ha dividido, hay algunos que les pareció que no era nada original, cosa que reconozco, y que además el desarrollo de los personajes no era coherente, aspecto en el que disiento, porque es lo que hace divertida esta propuesta que huele a ya vista. Os prometo que para mí ha sido un balón de oxígeno.

En cuanto al reparto quiero destacar la gran labor de Jürgen Rißmann como asesino nihilista, la de Thomas Wodianka como asesino tarado, sin olvidar la de Eva-Katrin Hermann y su grandioso momento polvo o la de Reiner Schöne, que da vida a Berger, el mafioso con más mala uva de todo los Cárpatos.

Calificación: 6