Y le puse punto y seguido a la segunda jornada en la XXXII Mostra de Valencia con un film de la sección oficial fuera de concurso titulado “Hanna” del director británico Joe Wright, al que todos recordaréis por “El solista” o “Expiación, más allá de la pasión”
Adáptate o muere Hanna
Jamás será tuya. Johanna Zadek
El secreto está en los detalles. Isaacs
Hanna tiene 16 años. Es brillante, curiosa y una devota hija. Excepcionalmente, tiene la fuerza y la energía de un soldado; esto se debe a que fue criada por su padre viudo, Erik, un ex hombre de la CIA, en las salvajes tierras del norte de Finlandia. Le ha enseñado a a cazar, le ha entrenado con un duro programa de autodefensa y le ha enseñado a leer y escribir con tan solo una enciclopedia y un libro de cuentos de hadas. Hanna ha vivido una vida muy diferente a la de cualquier otra adolescente. El objetivo es prepararla para enfrentarse a sus enemigos, porque en el mundo real sin que ella lo sepa tiene una cuenta pendiente con la familia de Hanna, y con sus orígenes.
David Farr y Seth Lochhead son los creadores esta psicodélica propuesta dentro del género de acción. En ella se mezcla los acordes químicos del dúo de Manchester, Chemical Brothers, con la lisérgica fotografía Alwin H. Kuchler y el atropellado montaje de Paul Tothill, que se acopla como un guante a la propuesta musical de Rowlands y Simons, cuestión que es muy del gusto de Wright, os recuerdo esos rótulos de crédito que abrían “Expiación” donde Dario Marianelli componía una partitura con el sonido de la máquina de escribir y Wright jugaba con la cámara.
Lo peor es el momento estereotipo cañí que posee la cinta, con ese tablao flamenco, y por mucho que se esfuerce Álvaro Cervantes no cuela como gitano que sabe inglés. Por cierto, con «The way» ya va dos películas en menos de un año en el que salen gitanos hablando inglés. Lo sorprendente es que abandona por completo el academicismo, y acopla el resto de los elementos (fotografía, vestuario, montaje, diseño de producción) al tono de los acordes ácidos y se deja llevar por completo por la propuesta musical, realizando un pelotazo para los sentidos una vez más, dando un paso más allá de “El solista”, quiero recordaos la secuencia en la que Ayers para intentar reflejarnos de una manera cinematográfica como siente la música, generando la secuencia más psicodélica del largometraje, y que posee fuertes aromas de ese genio llamado Stanley Kubrick. Pero hay más, me gustó el uso que hace a las referencias pictóricas de Caravaggio y el mito de «Sebastian» mezclándolo con el mundo más barroco de los hermanos Grimm.
Vuelve a contar con la actriz Saoirse Ronan, actriz con la que trabajó en “Expiación”, y que aquí da una vez más toda una gran lección de lo grande que es como actriz, porque se entrega en cuerpo y alma a la propuesta de Wright. Al igual que Eric Bana, Cate Blanchett o Tom Hollander, que se dejan llevar por la mano del director sin el menor reparo. Este un film que dividirá a la blogosfera por completo. Unos la verán como una auténtica modernez y otros la repudiarán a muerte. Creo que seremos pocos los que nos movamos en un término medio. Obviamente pedirle a este film de acción verosimilitud es como pedirle peras a un olmo. Pero es trepidante y engancha, si te dejas llevar por la propuesta no apta para los amantes del cine clásico, sin menospreciar a nadie, ya sabéis que me gusta el cine formalmente clásico. Pero honestamente he de reconocer que no soy capaz tras doce horas de su visionado de tener claro donde acaba el ejercicio narrativo de Wright y donde empieza el videoclip de los Chemical Brothers. Pero he de reconocer que en este punto me han dado en toda la línea de flotación porque soy un amante devoto de su música.
Amigos, hoy viernes voy a realizar una recomendación doble, un megapost, porque hoy se estrenan dos magníficas películas que han tenido que esperar durante mucho tiempo para verse estrenadas, y ambas poseen varios nexos común: son retratos de la sociedad norteamericana, usan la música como vehículo y en ambas aparece el joven actor Marcus Carl Franklin.
Tu crees que le importará algo de lo que hago a una persona que se levanta a las ocho para trabajar. Jude.
Yo acepto el caos, pero no estoy seguro que él me acepte a mi. Arthur Rimbaud.
Sólo los estúpidos se creen lo que ponen los periódicos. Billy.
La primera es “I’M NOT THERE” de Todd Haynes realizador de joyas como «Poison» o «Lejos del cielo«. Obviamente no iba a realizar el típico biopic sobre la vida del cantante Bob Dylan. Para ello plantea un viaje a lo largo y ancho del continente norteamericano, desde lo rural a la metrópoli, desde las raíces del folk, rythm & blues hasta el pop más contracultural a través de seis personajes, como una serie de personas cambiantes, que van de lo público a lo privado, a lo fantástico, tejiendo un rico y colorido retrato de este icono americano. Nadie puede negar que Dylan es y será un poeta, profeta, fuera de la ley, fraude, estrella, mártir del rock and roll, cristiano renacido. Haynes mezcla géneros con una gran solvencia y realiza un collage con estas siete personalidades ofreciéndonos un retrato poliédrico denso y vibrante como lo es la propia vida del cantautor.
Los seis personajes son Arthur, interpretado por Ben Whishaw, es un poeta renegado, es el narrador «de facto» de la película. Woody, al que da vida el joven Marcus Carl Franklin, un niño precoz, que a pesar de tener 11 años y ser negro, se llama a sí mismo Woody Guthrie. Woody ha adoptado la postura y las formas del trovador polvoriento. Christian Bale es el encargado de meterse en la piel del primer personaje que consigue el éxito, cantando sobre su propia época, el cantante se llama Jack, quien encabeza la escena de canción protesta en el Greenwich Village de principios de los 60 con canciones propias, potentes actuaciones y discos destacados. Jack representa a Dylan durante el revival folk de principios de los 60 con grabaciones históricas como «The Freewheelin Bob Dylan» y «The Times They A-Changin». Heath Ledger que ya coincidiera con Bale en “El caballero oscuro” encarna a un joven actor de Nueva Cork llamado Robbie, entusiasta de las motos, se dirige hacia la fama en circuitos contra culturales con su actuación en la película biográfica sobre el desaparecido Jack.
Todos son Bob Dylan
Mientras Robbie lucha por encontrar el equilibrio entre su vida privada y la fama, Jude, papel por el que Cate Blanchett está cosechando mil y un premios, se rinde en cuerpo y alma a desafiar a su público folk. Siguiendo de cerca sus aventuras de mediados de los 60 y los clásicos del folk rock, «Highway 61 Revisited» y «Blonde on Blonde», Jude escandaliza a sus fans abrazando la electricidad y con una personalidad nihilista, alimentada por las anfetaminas. Su nuevo sonido cosecha alabanzas de artistas como Allen Gingsberg (David Cross), o Coco Rivington (Michelle Williams) y le da fama internacional, pero enfurece a su público de toda la vida, sin mencionar a periodistas como Mr. Jones (Bruce Greenwood).
La resurrección de Jude llega a través del Pastor John (Christian Bale), que es Jack 20 años después, un predicador, cristiano renacido, que ha cambiado su carrera en la música folk por el gospel. El Pastor John representa la conversión de Dylan al cristianismo a finales de los 70, y las grabaciones gospel que produjo y grabó del 79 al 81, «Slow Train Coming», «Saved» y «Shot of Love». Finalmente, el último y mayor de los personajes es descubierto totalmente apartado del mundo. Billy (Richard Gere) imagina a Dylan como el forajido de la fábula “Billy el Niño”, después de sobrevivir a su famoso enfrentamiento y encontrar refugio en la metafórica ciudad de Reídle. Pero cuando se extiende el rumor de la inminente desaparición de la ciudad, se ve forzado a enfrentarse a su antiguo Némesis, Pat. Garret (Bruce Greenwood) y Billy deben abandonar su santuario y seguir adelante. Aquí la historia hace referencia a los muchos exilios de Dylan de la vida pública a través de su carrera, incluyendo su primer retiro a Woodstock en 1967 donde grabó las «Basement Tapes». El género western refleja su continuo interés por la música country, además de por la música de raíces tradicional americana.
Haynes de esta manera se introduce en la vida de Dylan sin ataduras emocionales o morales, y nos ofrece un fresco de la época más convulsa sociedad norteamericana de finales del siglo XX provocada por revueltas raciales, laborales, la guerra de Vietnam. Todo un docudrama sobre este cantante que se erigió en la voz del pueblo, que les hizo pensar, que les influyó, que traspasó la línea de icono de la música para ser un líder generacional. En el filme se mezcla la ironía, pasión por la música y sus raíces, así como la belleza por la naturaleza. Es uno de las películas imprescindibles de este fin de semana.
Calificación: 8,5
No le puedes cambiar, tienes que ser su amigo. Mary Weston.
La segunda película que os voy a recomendar es “EL SOLISTA” que también lleva la friolera de dos años esperando estreno en nuestras pantallas. Supone el regreso del director británico realizador de “Expiación” y de la versión de “Orgullo y prejuicio”, hablo obviamente de Joe Wright. Esta película se basa en la experiencia personal de un periodista llamado Steve Lopez y que reflejó en un libro llamado “El solista: un sueño perdido, una amistad improbable y el poder redentor de la música”. Susannah Grant se ha encargado de adaptarlo a la gran pantalla. Ella es famosa por la adaptación de otra gran experiencia personal, la de “Erin Brockovich”, con la que Julia Roberts se alzó con la estatuilla dorada hace unos años.
Wright dirige esta maravillosa historia de amistad, locura y música. En la que Steve Lopez es un columnista del “Los Angeles Times”, que un día buscando una historia se tropieza con un músico en la calle llamado Nathaniel Ayers que toca un violín con dos cuerdas. Es un vagabundo más de la gran metrópoli norteamericana, pero como todos posee un pasado, y Steve buceará en él para intentar volver a sacarle a flote.
Esta es la premisa de partida para una hermoso largometraje en el que el trabajo de los actores es uno de los pilares. Así Robert Downey Jr. que encarna al periodista nos ofrece de lejos su mejor interpretación, con ella se ha puesto el listón muy alto. Y es más, creo que podemos decir sin temor a equivocarnos que ha entrado definitivamente en la galería de las escasas ESTRELLAS, de verdad, de Hollywood. Está maravilloso. Te conmueve, te mantiene en suspense, le da vida y es verdadero motor del filme. Le acompaña Jamie Foxx, que se mete en la vida del esquizofrénico Nathaniel Ayers. Él consigue estar a la altura de las réplicas de Downey y no sale mal parado. Para mi es su mejor interpretación hasta la fecha, no está histriónico como suele ser habitual en él. Su contención se debe en gran medida a la gran labor de Wright dirigiendo actores. Entre los dos consiguen hacer un fresco de la otra sociedad norteamericana que no suele salir en las películas habitualmente. Esa sociedad de los desheredados.
En todo el mundo a finales del siglo XX se llegó a un acuerdo que había que reinsertar a los enfermos mentales, por eso si estaban medicados podían dejar las instituciones psiquiátricas para desarrollar labores con el resto de los ciudadanos. Esto es muy bonito sobre el papel, pero en una sociedad como la norteamericana que es verdaderamente compleja, este tipo de pacientes acaban en la calle, siendo los desheredados de la sociedad. Las causas son diversas y casi todas están plasmadas en el filme, y obviamente no quiero desvelarlas para no destriparos el sólido e interesante guión firmado por Grant. Esta es la otra cara de “Alguien voló sobre el nido del cuco”, sopor el maltrato que podían sufrir en esas instituciones, no lo digo por eso. Me refiero a qué es lo que pasa cuando dejamos de atenderlos tanto a nivel familiar como social. En él se aprecian claramente los límites de eso que todos llamáis el sueño americano. Los límites de lo que un ciudadano medio norteamericano es capaz de tolerar y asumir.
De una sociedad donde sólo hay ricos y pobres, donde la clase media ha desaparecido prácticamente, donde las diferencias son abismos insalvables. Además en el guión quedan claramente plasmadas las motivaciones y razones que rigen las vidas de los personajes, haciéndolo más grande si cabe. Pero también es muy complejo porque hace todo un ejercicio de empatía e intenta meterse en mente de Ayers para intentar reflejarnos de una manera cinematográfica como siente la música, generando la secuencia más psicodélica del largometraje, y que posee fuertes aromas de ese genio llamado Stanley Kubrick.
Dario Marianelli vuelve a firmar otra de sus grandes composiciones, os recuerdo que en su haber tiene “Ágora” y “Expiación”, para mí sus dos mejores partituras. Entre Grant y Wright crean un relato que es conmovedor, desgarrador y muy entrañable en algunos momentos. Es simplemente maravillosa, no os perdáis esta película acerca del amor, la inspiración y la fuerza que alcanzan las personas capaces de ayudarse mutuamente, salvado el aislacionismo en el que vivimos en el seno de megaciudades construidas a base hormigón y asfalto. Es un pecado de cinéfilos. Dejaos de efectos especiales y ver una hermosa y conmovedora historia como la protagonizada por Ayers y Lopez. Desde “Frances” para los de la ESO, una aproximación a la vida de la actriz Frances Farmer no había visto nada igual.
Gracias a mis avezados lectores del VIDEODROMO surge este monográfico dedicado a uno de los elementos más complicados de rodar, hablamos del plano secuencia, que seguirá creciendo a medida que nos enviéis vuestras aportaciones.
Según la Wikipedia un plano cinematográfico es la unidad narrativa más pequeña pero significativa del hecho audiovisual. Es la parte de una película rodada en una única toma. Así pues, el plano secuencia, es un tipo de plano en donde la cámara se mueve creando así una toma en donde se muestran diferentes acciones de los personajes conservando las unidades espaciales y temporales. Es decir que los objetos y los actores se mueven ante la cámara o la cámara se mueve, por lo general mediante un travelling horizontal o vertical o bien mediante un giro, también conocido como panorámica.
Así que requiere de una exhaustiva planificación, requiere de maestría por parte del director, ya que ha de organizar a todos los integrantes del equipo de rodaje y a los actores y aquello suene como una orquesta sinfónica, que los acordes sean melódicos y suenen con gran armonía. Así todos estarán listos cuando suene la claqueta, y a partir de ese momento la acción tendrá lugar, la cámara se convierte en testigo único, el operador sabrá de antemano si el director en tal marca quería un plano general o por el contrario quiere un primer plano de tal o cual objeto o personaje. Así, el carácter del plano secuencia es descriptivo. Por lo general, le sirve al director para puntualizar algo, es como si utilizaramos multitud de adjetivos con un sustantivo. Luego, cuanto más largo es más carga emocional y de datos poseerá. Será un plano más denso en información, por lo tanto exigirá del espectador más atención. Por eso, es difícil encontrarlo en un film de acción.
El plano secuencia más largo que existe lo realizó Sir Alfred Hitchcock en 1948, era la primera vez que utilizaba el color, y su fotografía es esmerada. Me refiero al film «LA SOGA», basada en una obra teatral «Rope’s end». El plano secuencia en cuestión dura desde el inicio de los títulos de crédito iniciales hasta los rótulos finales, es decir, 80 minutos. El truco para cambiar de bobina era hacer un zoom sobre las chaquetas de los personajes, así que cada 10 minutos debía hacer un zoom. Así la labor de montaje se realiza en la preproducción, en la planificación del plano y durante su elaboración, es decir, durante el rodaje. Lógicamente se ha de ensayar varias veces para que todo el mundo se encuentre en las marcas en los momentos precisos.
LA SOGA
Un admirador sin lugar a dudas del gran mago del suspense es el director norteamericano Brian de Palma, que le ha homenajeado hasta la saciedad en multitud de películas, pero hoy está en este monográfico por el pedazo de plano secuencia que realizó para su película «SNAKE EYES» de 1998, y le servía para abrir su cinta ambientada en el mundo del hampa, con jugadores empedernidos, apuestas, malos y traidores que acuchillan por la espalda a sus mejores amigos.
SNAKE EYES: SECUENCIA INICIAL DEL FILM
Pero sin duda uno de los que han hecho historia en el cine es el realizado por Orson Welles en 1958 en su película «SED DE MAL» que además le servía de escena de apertura del film, que ahora podeís mirar a continuación, consiguen poner en mayúsculas la palabra suspense.
SED DE MAL
El gran genio de Hollywood, Robert Altman en 1992 realiza un ejercicio satírico sobre la Meca del cine, en la que podíamos disfrutar al principio de la película con un plano secuencia que servía para mostrarnos el funcionamiento de un gran estudio un día cualquiera a la par que podemos leer los rótulos de crédito iniciales del film «EL JUEGO DE HOLLYWOOD».
EL JUEGO DE HOLLYWOOD
Un novato Paul Thomas Anderson nos demostraba en su ópera prima «BOOGIE NIGHTS» de 1998 que daría mucho que hablar, ya que creó un magnífico plano que acababa como el rosario de la aurora y en el que describía el ambiente de las fiestas de alto standing en Hollywood, concretamente en el ambiente del cine porno.
BOOGIE NIGHTS
Pero hay más ejemplos de plano secuencia. SuperSantiEgo, consigue rizar el rizo y ha encontrado este pedazo de escena de acción, nos trae este plano secuencia sacado del film «THE PROTECTOR», interpretado por Tony Jaa (de Ong Bak fame). Está rodado con una steadycam y dura 3 minutos. Es simplemente asombroso.
THE PROTECTOR
Otro de nuestros lectores Australino nos aporta al genio de los genios, hablamos de Staley Kubrick que era muy dado ha realizar planos muy largos y muy elaborados, él aporta el film de 1957 rodado en blanco y negro llamado «SENDEROS DE GLORIA» en el que podíamos ver a Kirk Douglas recorriendo las trincheras del frente francés sorteando todo tipo de obstáculos, humanos y físicos, con la iniciaba la película. Secuencia que por otra parte ha sido homenajeada recientemente en dos cintas muy distintas, la primera francesa de Jean-Pierre Jeunet «LARGO DOMINGO DE NOVIAZGO» y la segunda es española, estrenada hace un mes y es obra de Alex de la Iglesia, hablo de «LOS CRÍMENES DE OXFORD». Pero amigos, tras verla, que podeís verla tranquilamente, todos podremos decir que no es un plano secuencia aunque es genial en cuanto a planificación.
SENDEROS DE GLORIA
Monsieur Copepodo nos trae bajo el brazo a otro de los grandes, al maestro de los maestros, hablamos del cineasta griego Theo Angelopoulos. Este director es el amo de los planos secuencia. Cópepodo destaca de toda su filmografía dos películas una de 1991 que es «EL PASO SUSPENDIDO DE LA CIGÜEÑA» y otra de 1995 se trata de «LA MIRADA DE ULISES» Dos dramas fronterizos entre la realidad y la ficción, entre países, entre la vida y la muerte. Es impresionante el caso de «La mirada de Ulises» porque llega a realizar una elipsis en pleno plano secuencia, atentos que no tiene desperdicio.
LA MIRADA DE ULISES-ESCENA DEL BAILE PRIMERA PARTE
LA MIRADA DE ULISES-ESCENA DEL BAILE SEGUNDA PARTE
EL PASO SUSPENDIDO DE LA CIGÜEÑA
SECUENCIA 1
EL PASO SUSPENDIDO DE LA CIGÜEÑA
SECUENCIA 2
Mónica Jordan desde su «Espejo Pintado» nos brinda otro ejemplo, concretamente el plano secuencia del largometraje de 1964 «SOY CUBA» del director ruso Mijail Kalatozov, que poseía dos versiones, la cubana y la rusa. Como ella misma reconoce: «una no sabe cómo narices consigue mover la cámara por los lugares que la lleva»
SOY CUBA
También nos trae otra rareza que rivaliza con «LA SOGA» se llama la película «EL ARCA RUSA» dirigida por Aleksandr Sokurov en el 2002, un plano secuencia único de 95 minutos. Así que gana por 15 minutos al genio británico. Toda una hazaña si le sumamos la increíble puesta en escena y los número tan espectaculares que conforman la película: 2000 extras, 3 orquestas, 33 habitaciones, y una única toma. Ahora vaís y os la bajaís de la mula corriendo. Rufo ha encontrado otra curiosidad sobre este largometraje en la wikipedia, este palno secuencia es puro por estar rodado con video digital HD, así se elimina el problema de la limitación de tiempo de las bovinas, y dura algo más de 90 min porque es el máximo que permitian los discos duros, al parecer, era 100, y se consiguió grabar al cuarto intento.
José Alberto Delgado os ha encontrado buceando en el youtube el plano secuencia de «UNO DE LOS NUESTROS» obra maestra del género de gagsters que realizó en 1990, el director italoamericano Martin Scorsese, impresionante el uso del steadycam en esta secuencia, no puede dar más información porque no puede, nos describe la relación de pareja, la situación «profesional» del personaje interpretado por Liotta, ¿quién da más en menos tiempo?
UNO DE LOS NUESTROS
Yo para finalizar os dejo con ese pedazo de plano secuencia que os mostraba en el post y del que os llevo hablando desde el día 2 de enero, hablo del film realizado en el año 2007 por el realizador Joe Wright, y firme candidato al Oscar, hablo de «EXPIACIÓN». En él nos mostraba las atrocidades de la guerra y el desolador panorama de las tropas británicas, en un gran escenario de la II Guerra Mundial concretamente la playa de Dunkerque.
«EXPIACIÓN»
Lo bonito de este monográfico es ver como con el tiempo entre todos lo hacemos crecer, Javier Mongil nos hace dos aportaciones muy curiosas, la primera sacada de la tercera parte de la saga «LA GUERRA DE LAS GALAXIAS», concretamente el inicio del episodio «LA VENGANZA DE LOS SITH», que como el propio Javier opina, y con el que coincido plenamente: «Lucas riza el rizo en escenas de batalla espacial con un plano secuencia en el que la cámara (virtualmente) sigue a los cazas de los jedis entre los cruceros enzarzados en combate en la órbita de Coruscant. Creo que no hay planos semejantes en el resto de las películas de la saga. Lástima que el resto de la película no esté a la altura de esta brillante secuencia.» Otra cosa es la calidad en si misma del resto del film.
«STARS WARS, Episodio III: LA VENGANZA DE LOS SITH»
El otro ejemplo que nos aporta el Señor Mongil lo ha creado uno de los directores británicos que ha sido comparado con el mismísimo Orson Wells, por su reelaboración de Enrique V. Hablamos de Kenneth Branagh. Que en nuestro país es tan odiado como amado, para unos resulta un pedante importante y para otros es un gran director, del qeu seguro veremos cosas interesantes. Pero lo que nos interesa de su filmografía es la adaptación de la ópera de Mozart «LA FLAUTA MÁGICA», simplemente soberbio el plano secuencia con la obertura sonando de fondo, y es claro homenaje al film de Kubrick «Senderos de gloria» y que como Javier dice: «Se nota una clara influencia del “Senderos de Gloria” de Kubrik en la secuencia en que la cámara sigue al oficial (esta vez, no príncipe) Tamino. El acoplamiento de la imagen con la melodía es excelente.»
«LA FLAUTA MÁGICA» SECUENCIA INICIAL
Bueno, y al resto de la blogosfera, continuamos aceptando nuevas aportaciones con las que hacer crecer este gran monográfico escrito entre todos, ya sabemos que cada día que pasa cuesta más encontrar un ejemplo que no hayamos colgado, pero entre todos podemos.
Hola aqui va el enlace del plano de Uno de los nuestros, supongo qu es el que buscas.
AUSTRALINO: Hola de nuevo y gracias por mencionarme. Como os dije, no sé demasiado de cine…
Pero hay una cosa que no entiendo, seguramente estoy equivocado. En “La soga”, en los dos cortes que parece que tiene la peli, entiendo que hubo que cargar la nueva bobina. Entonces, ¿se cuenta como plano secuencia todo el metraje de la peli? ¿Por qué? ¿Se hacía inmediatamente? Quiero decir, cambiaban la bobina rápidamente y continuaban con el rodaje inmediatamente. Imagino que no, pero realmente no lo sé.
Es decir, aunque la peli parece que tiene un plano secuencia único, pero en realidad está dividido en tres partes. Y digo yo que cada parte se rodaría en días distintos, ¿no?
No sabía lo de Senderos de gloria, ¡gracias!
CQ: Qué maravilla!!!! con lo que me gustan a mí los planos secuencia… ya tengo para ver un buen rato… así que me pondré a buscar estas películas, las que no he visto, para ponerme a verla y disfrutar de esos planos…
muy buen reportaje… muy currado!!!!!
un saludo!!!
FER: ¡Estupendo artículo, amigos!
SUPERSANTIEGO: Un apunte a mala uva: en la obra maestra absoluta que es Senderos de Gloria no sólo no es un plano secuencia porque se cambia de perspectiva y de plano, sino que la escenografía está al servicio de la brillantez de la escena y no de la verosimilitud histórica. Semejante trinchera-pasillo sería poco menos que suicida, porque cae un obús bien encaminado y sólo serviría para encauzar la explosión y matar a todo quisque. En realidad iban en zig-zag cada pocos metros, para evitar que ocurriese lo anterior.
Mira si habré visto veces la peli pero nunca me he dado cuenta hasta ahora de ese detalle. El cabrón del Kubrick, que te atrapa con la secuencia.
MATIAS: ¿Alguien sabe cuál fué el primer plano secuencia en la historia del cine?
«EXPIACIÓN» se sitúa en Inglaterra, en el verano de 1935. A pesar de la creciente amenaza de la II Guerra Mundial, Briony Tallis y su familia viven como auténticos privilegiados en su enorme mansión victoriana neogótica. Toda la familia se reúne para el fin de semana, pero el opresivo calor y las emergentes emociones reprimidas crean una soterrada sensación de peligro. Briony, una escritora en ciernes, es una chica con mucha imaginación. Una serie de catastróficos malentendidos hace que acuse a Robbie Turner, el hijo del ama de llaves y amante de su hermana Cecilia, de un crimen que no ha cometido. La acusación destruye el amor naciente entre Robbie y Cecilia, además de cambiar dramáticamente el curso de sus vidas. De esta forma da comienzo todo un estupendo melodrama dirigido por Joe Wright, al que todos recordaréis por la adaptación que hizo de la novela de Austen «Orgullo y Prejuicio» En este nuevo proyecto como no podía se r de otra forma se ha rodeado de gran parte del equipo con el que hizo el film antes mencionado, así que rescató a Kiera Knightley, que está espléndida, llena la pantalla al igual que lo hace su compañero de reparto James McAvoy, todos le habéis visto corretear por Arrakis o en «Las crónicas de Narnia», aunque su papel más serio fue en «El último rey de Escocia» Wright consigue que entre los dos jóvenes actores se cree la química suficiente para que el espectador entre al trapo de este drama de aires victorianos. Drama que está sujeto a la vida de un personaje que aunque tiene trazas de ser secundario es el responsable de dinamizar la acción de la narración, así como de vertebrar esta apasionada historia de amor. Hablo de Briony Tallis, al que podemos ver en tres momentos diferentes de su vida, afrontando lo que hizo y como bien dice el título expiando sus pecados de juventud. Así pues encontramos a tres actrices para dar vida a este personaje, pero destacaré a dos a joven Saoirse Ronan que la interpreta a los 13 años y a Vanessa Redgrave que la interpreta en sus últimos momentos de vida. Ambas brillan por su naturalidad y capacidad de odiarlas y amarlas a partes iguales, de que uno sienta una compasión infinita por su desdicha. Pero a las buenas acciones de Mr. Wright al frente de este proyecto hay que sumar el pedazo secuencia que organiza en la playa de Dunkerque, estupendo plano secuencia digno de Scorsese o de Palma, en el que nos ofrece un desolador panorama de las tropas británicas. No quiero olvidar la soberbia banda sonora creada a golpe de tecla de máquina de escribir por Dario Marianelli, es perfecta y puntúa las emociones con exactitud. Hasta aquí lo bueno, lo malo, ya sabéis vosotros que todo buen melodrama victoriano debe durar lo suyo, para que te cuenten bien las cositas, así que animo y no dejéis de ver esta estupenda adaptación de la novela homónima de Ian McEwan.
David Farr y Seth Lochhead son los creadores esta psicodélica propuesta dentro del género de acción. En ella se mezcla los acordes químicos del dúo de Manchester, Chemical Brothers, con la lisérgica fotografía Alwin H. Kuchler y el atropellado montaje de Paul Tothill, que se acopla como un guante a la propuesta musical de Rowlands y Simons, cuestión que es muy del gusto de Wright, os recuerdo esos rótulos de crédito que abrían “Expiación” donde Dario Marianelli componía una partitura con el sonido de la máquina de escribir y Wright jugaba con la cámara.
Lo peor es el momento estereotipo cañí que posee la cinta, con ese tablao flamenco, y por mucho que se esfuerce Álvaro Cervantes no cuela como gitano que sabe inglés. Por cierto, con «The way» ya va dos películas en menos de un año en el que salen gitanos hablando inglés. Lo sorprendente es que abandona por completo el academicismo, y acopla el resto de los elementos (fotografía, vestuario, montaje, diseño de producción) al tono de los acordes ácidos y se deja llevar por completo por la propuesta musical, realizando un pelotazo para los sentidos una vez más, dando un paso más allá de “El solista”, quiero recordaos la secuencia en la que Ayers para intentar reflejarnos de una manera cinematográfica como siente la música, generando la secuencia más psicodélica del largometraje, y que posee fuertes aromas de ese genio llamado Stanley Kubrick. Pero hay más, me gustó el uso que hace a las referencias pictóricas de Caravaggio y el mito de «Sebastian» mezclándolo con el mundo más barroco de los hermanos Grimm.
Vuelve a contar con la actriz Saoirse Ronan, actriz con la que trabajó en “Expiación”, y que aquí da una vez más toda una gran lección de lo grande que es como actriz, porque se entrega en cuerpo y alma a la propuesta de Wright. Al igual que Eric Bana, Cate Blanchett o Tom Hollander, que se dejan llevar por la mano del director sin el menor reparo. Este un film que dividirá a la blogosfera por completo. Unos la verán como una auténtica modernez y otros la repudiarán a muerte. Creo que seremos pocos los que nos movamos en un término medio. Obviamente pedirle a este film de acción verosimilitud es como pedirle peras a un olmo. Pero es trepidante y engancha, si te dejas llevar por la propuesta no apta para los amantes del cine clásico, sin menospreciar a nadie, ya sabéis que me gusta el cine formalmente clásico. Pero honestamente he de reconocer que no soy capaz tras doce horas de su visionado de tener claro donde acaba el ejercicio narrativo de Wright y donde empieza el videoclip de los Chemical Brothers. Pero he de reconocer que en este punto me han dado en toda la línea de flotación porque soy un amante devoto de su música.
VIDEODROMO 
Hola aqui va el enlace del plano de Uno de los nuestros, supongo qu es el que buscas.
AUSTRALINO: Hola de nuevo y gracias por mencionarme. Como os dije, no sé demasiado de cine…
Pero hay una cosa que no entiendo, seguramente estoy equivocado. En “La soga”, en los dos cortes que parece que tiene la peli, entiendo que hubo que cargar la nueva bobina. Entonces, ¿se cuenta como plano secuencia todo el metraje de la peli? ¿Por qué? ¿Se hacía inmediatamente? Quiero decir, cambiaban la bobina rápidamente y continuaban con el rodaje inmediatamente. Imagino que no, pero realmente no lo sé.
Es decir, aunque la peli parece que tiene un plano secuencia único, pero en realidad está dividido en tres partes. Y digo yo que cada parte se rodaría en días distintos, ¿no?
No sabía lo de Senderos de gloria, ¡gracias!
CQ: Qué maravilla!!!! con lo que me gustan a mí los planos secuencia… ya tengo para ver un buen rato… así que me pondré a buscar estas películas, las que no he visto, para ponerme a verla y disfrutar de esos planos…
muy buen reportaje… muy currado!!!!!
un saludo!!!
FER: ¡Estupendo artículo, amigos!
SUPERSANTIEGO: Un apunte a mala uva: en la obra maestra absoluta que es Senderos de Gloria no sólo no es un plano secuencia porque se cambia de perspectiva y de plano, sino que la escenografía está al servicio de la brillantez de la escena y no de la verosimilitud histórica. Semejante trinchera-pasillo sería poco menos que suicida, porque cae un obús bien encaminado y sólo serviría para encauzar la explosión y matar a todo quisque. En realidad iban en zig-zag cada pocos metros, para evitar que ocurriese lo anterior.
Mira si habré visto veces la peli pero nunca me he dado cuenta hasta ahora de ese detalle. El cabrón del Kubrick, que te atrapa con la secuencia.
MATIAS: ¿Alguien sabe cuál fué el primer plano secuencia en la historia del cine?