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ENTREVISTAS «SECUESTRADOS»

Hoy os traigo muchos minutos de entretenimiento para este fin de semana, ya que en el céntrico cine Palafox ayer se presentó a los medios de comunicación la que se convertirá en la cinta más polémica del momento, y que tengo claro que no dejará a nadie indiferente por su potencia visual y narrativa, hablo del largometraje “Secuestrados” del joven realizador Miguel Ángel Vivas. Os recuerdo que la premisa de partida es bien simple. Una familia que vive en un chalet a las afueras de la ciudad y verán como sus vidas se truncan en un instante al ser asaltados por una banda de ladrones del este. Algunos sé de sobra que la habéis visto porque fue la sensación en la última edición del festival de Sitges. Mi opinión ya la conocéis de sobra, pero lo que es inapelable es que se trata de un proyecto singular que se haya emparentado con el cine de Sam Peckinpah y sus “Perros de paja” o con “37 horas desesperadas” de Michael Cimino. Por ese motivo, Videodromo se desplazó para cubrir el evento y entrevistar a todo el elenco, así como realizaros un resumen de la rueda de prensa a la que tuve ocasión de asistir.

ENTREVISTA BORJA PENA-PRODUCTOR

ENTREVISTA ANA WAGENER-ACTRIZ

ENTREVISTA MANUELA VELLÉS-ACTRIZ

ENTREVISTA MARTIJN KUIPER Y DRITAN BIBA-ACTORES

ENTREVISTA GUILLERMO BARRIENTOS-ACTOR

ENTREVISTA MIGUEL ÁNGEL VIVAS-DIRECTOR

RUEDA DE PRENSA-RESUMEN

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SECUESTRADOS

Sólo quiero que cenemos los tres juntos esta noche.
Marta.

¿Qué está pasando papá?
Isabel

Por favor, no quiero verle la cara.
Jaime.

Jaime, Marta y su hija Isabel son los integrantes de la típica familia acomodada. Se están instalando en una urbanización que se haya a las afueras de la gran ciudad. Lejos del mundanal ruido pasarán la primera noche en su nuevo y flamante chalet, que se convertirá en el escenario de su mayor pesadilla cuando una banda del este irrumpa violentamente antes de la cena. Su único objetivo: conseguir el máximo de dinero posible. El pánico y el terror se apoderarán de ellos y de vosotros que asistiréis en primera fila a esta pesadilla moderna donde impera el realismo más atroz y descarnado.

Ha pasado por grandes festivales de terror como el de Austin o Sitges, y en todos ha levantado premios, grandes críticas y muchos aplausos del público.  Próximamente participará en el  festival de género, Fantasporto 2011, que se celebra entre el 25 de febrero y el 5 de marzo en la ciudad portuguesa de Oporto.A partir de este viernes seréis vosotros los que podáis ver estos doce planos secuencia donde impera la violencia extrema y desnuda. No hay nada que la arrope.

Miguel Ángel Vivas dirige su cámara a dónde nosotros espectadores no queremos mirar, nos muestra lo que nunca querríamos vivir, ese es justo el lugar de donde nace esta monumental pesadilla, de nuestra confianza burguesa de que todo va bien en nuestra sociedad acomodada. Pero realmente estamos rodeados de gente que hace lo que sea para sobrevivir. Luego, no somos intocables en nuestro fortín. Además, esas personas que se ven abocadas a robar, por diferentes circunstancias, por lo general se rodean de otras que carecen del menor escrúpulo y realizan las mayores atrocidades. El gran as es realizarla en diversos planos secuencia, así el público se convierte en  el testigo de cargo de toda la acción, y eso te revolverá las entrañas. Porque amigos y lectores, esta es de las más duras que un servidor ha visto en mucho tiempo. Está en la mejor tradición del nuevo cine francés, me refiero a “Martyrs” o “À l’intérieur”, caracterizada por la ultraviolencia de sus escenas. Es más, “La frabrique 2” que la producían se han encargado de financiar parcialmente este proyecto.

Creo que Vivas y  Javier García se acercan más a la comercialidad de Eli Roth, obviamente hablo de “Hostel” o al estilo de Michael Cimino en “37 horas desesperadas”, film con el que se emparenta verdaderamente. Alejándose de cualquier intención de aleccionarnos, por eso sinceramente creo que se distancian en lo argumental de la visión de la violencia de Stanley Kubrick, obviamente me refiero a la mostrada en “La naranja mecánica” o la de Michael Haneke, aunque todos comparten el objetivo de atacar a la alta clase burguesa. Encima, no hay adornos ni respiros, es violencia pura y dura, y ese puede que sea su principal problema, porque técnicamente es de lo mejor que hemos visto este año.

Es un largometraje muy bien pensado y meditado, pero si nos adentramos en los aspectos psicológicos de los personajes creo que necesitaría alguna matización. Me explico, algunos llegan a cometer actos incongruentes con lo que llevan haciendo todo el metraje. A otros os llevará a pensar que está realmente hueca, y que sus guionistas no tenían realmente nada que contar. Pero, es sólo un pero, porque algo debemos sacarle. Y esto evidenciará que tras el visionado el gran público se dividirá radicalmente.

El film “SECUESTADOS” dará mucho que hablar. Generará dos bandos bien diferenciados, y será difícil mantener una posición neutra como la que mantengo yo tras dos visionados. Creo que es un film muy preciso, bien realizado, que demuestra que nosotros somos capaces de hacer cosas grandes con pocos medios. Que debería haber pensado más el guión, pues también. Pero el joven realizador formado en la Universidad Europea CEES y en la ECAM nos demuestra que, además, ha sabido dirigir a sus actores, obteniendo la mejor interpretación de todo el reparto integrado por todo un actor de género como
Fernando Cayo al que habeís visto en “El Orfanato”, Manuela Vellés a la que recordaréis por su papel “Caótica Ana” o “Hispania”, o la recientemente nominada a un Goya por  “Biutiful”, la actriz Ana Wagener.  Todos se la han jugado al involucrase en esta película porque fallar en una línea del texto significaba volver a empezar desde el principio. Eso por no hablar de que se trata de un largometraje muy duro. A lo mejor os parezco un poco injusto pero los laureles interpretativos son para Vellés,  que brilla con luz propia y que debe haber pasado las de Caín haciendo de Isabel.

Calificación: 7

CANINO

Dedicada a Beatriz. Por cierto, Boyero ha perdido el norte, así que no te preocupes, ha pasado de crítico de cine a tertuliano de variedades.

Cada perro espera que le enseñemos a cómo comportarse.
El perrero

Voy a sacar mi esmoquin de maestro de ceremonias y para mí es un placer el presentaos una joya de película que se estrena de forma más minoritaria hoy viernes y que ha pasado por infinidad de festivales, entre los que se encuentra Cannes donde el año pasado se alzó con los premios de mejor película en la sección “Un Certain Regard” y el “Premio de la Juventud”. En Sitges se alzó con el Premio Jurado Joven a la Mejor Película Fanstastic y el Premio Citizen Kane al Mejor Director Novel, destacando estos galardones de una larga lista. Estoy hablando de “CANINO”, largometraje dirigido por el cineasta griego Yorgos Lanthimos que estudió cine y televisión en la Escuela de Cine Stavrakos de Atenas. Que posee una carrera un tanto ecléctica porque le da igual dirigir obras de teatro, videodance, películas o spots para televisión. Además fue uno de los miembros del equipo creativo que diseñó las ceremonias de inauguración y clausura de los Juegos Olímpicos de Atenas 2004. Una vez presentado tan curioso personaje y ya ubicados todos podemos pasar a desmenuzar este maravilla de película.

Giorgos Lanthimos, director del filme

El largometraje se centra en una familia, integrada por un matrimonio que posee tres hijos, que vive en las afueras de la ciudad en una casa rodeada por un alto muro. Los niños, por decisión de sus padres, nunca han salido de la casa ni tenido contacto con el mundo exterior. Todo su mundo (educación, sus aficiones, juegos, etc…) se ajustan al modelo impuesto por los padres. La única persona con permiso para entrar en la casa y romper su férreo aislamiento es Christina. El regalo que hace a una de las hijas tendrá importantes consecuencias.

Esta cinta la considero de obligado visionado para todo aquel que se dedique al campo de la pedagogía. Esta trama esconde todo un enorme trasfondo orwelliano, recordad la neolengua, porque versa sobre la educación, de cómo puedes manipular a través del poder de la palabra. Planteando la posibilidad de un mundo feliz a través de la alienación y la ignorancia. En este trasfondo Lanthimos se enroca con François Truffaut, obviamente se refiero al maravilloso filme “El pequeño salvaje”. El poder de alterar los significados de las palabras es lo que mantiene totalmente doblegada la voluntad de los hijos. Pero hay más porque habla de la autoridad implícita de los padres, los hijos creen por el mero hecho de ser padres.

Así surge la importancia del presente vocabulario que os presento aquí, y que sólo cobrará sentido cuando visionéis el filme.

Avión: Un juguete
Autopista: Viento muy violento.
Carabina: Ave blanca y muy bella.
Chat: Criatura feroz capaz de despedazar a un ser humano
Excursión: material muy resistente con el que se fabrican suelos.
Mar: butaca de cuero.
Teléfono: salero.
Zombie: pequeña flor amarilla.

La capacidad de crítica del filme le emparenta con la obra de Richard Kelly. Pero va más allá, porque se inspira en el mito de la caverna de Platón y el mundo creado dentro del chalet es una sombra de la realidad. Los encuadres son auténticas representaciones con lo que hace más dura la trama que estamos visionando. El poder de las imágenes noquea al espectador, sobre todo porque están cargadas de mala uva, de violencia tan desgarradora y desasosegante como si hubiera sido filmadas por el propio Michael Haneke. Inclusive las escenas de sexo están rodadas con una hostilidad brutal. Es la naturalidad de la violencia con la que filma Lanthimos lo que genera en el espectador una auténtica desazón y hace que se revuelva en la butaca.

Esta sensación se verá incrementada como en “Eraserhead” de David Lynch por uso del sonido, absolutamente instrumentalizado donde los silencios están cargados de significados y de violencia. Es más, no hay banda sonora. Así los edulcorantes desaparecen. Aunque, todos esos sentimientos que se despiertan en el espectador se verán aliviados por el surrealismo que parece haber sido firmado por el cineasta norteamericano.

Así que esta semana os recomendamos este impresionante largometraje del que todo el mundo habla, ya mi estimado Mr Crowley hizo una reseña en su día, por mi parte lo considero imprescindible, espero que funcione el boca a boca y para finalizar sólo diré cuatro adjetivos calificativos para esta cinta: fascinante, curiosa, inquietante y desgarradora.

Calificación: 9,5

LA CINTA BLANCA

La segunda película a la que me refería ayer era el esperadísimo regreso a la gran pantalla de uno de los grandes realizadores europeos tras ese juego torpe que supuso Funny Games US, hablo de Michael Hanecke, que el pasado domingo le arrebató a Pedro Almodovar el Globo de Oro a la mejor producción extrajera, estamos hablando «LA CINTA BLANCA». Y ya que mi estimado Victor Guybrush se comió el truñito de «La decisión de Anne» era merecido que fuera a verla. Pronto veremos si Hanecke se alza con la ansiada estatuilla dorada. Así que no me enrollo más y hoy os dejo con la reseña que ha realizado del filme.

En 1913 un pequeño pueblo del norte de Alemania, a primera vista tranquilo y sin nada fuera de lo común, empieza a ser testigo de una serie de extraños acontecimientos, desde accidentes hasta secuestros, que ponen en peligro la paz de la hasta ahora segura localidad. Poco a poco, de la mano del profesor del pueblo, iremos entreviendo que la perfección del lugar no era tal y que todos sus habitantes, intachables a primera vista, también tienen sus sombras. 

 

La cinta blanca es, como se ha repetido ya hasta la saciedad, un análisis de la sociedad alemana de principios del siglo XX, la misma que algo más tarde daría lugar al nazismo. Es también, como reza su subtítulo, una historia sobre niños, pero en realidad es mucho más que eso; un relato sobre la violencia, sobre la culpabilidad, sobre la moralidad y la educación. Es un retrato no solo de la sociedad alemana de 1913, sino también de la sociedad contemporánea, y es un retrato incómodo y cruel de mirar.

Haneke vuelve a tratar varios de los temas recurrentes de su cine. Si bien es cierto que en La cinta blanca se disecciona al menos uno de los factores que devendrían en el auge del nacionalsocialismo, el director podría haber situado la narración a principios del siglo XXI. El verdadero fondo de esta cinta no tiene que ver tanto con el nazismo sino con la perversión de los ideales en general y el papel que juega una buena, o mala, educación en ello. Los niños, protagonistas de la historia, son educados en los valores tradicionales, correctos y adecuados de la sociedad en la que viven, pero son sus propios padres, sin darse cuenta, los que les enseñan a maltratar y odiar sin medida. El espectador pronto se ve sumergido en la tensión de saber que en cualquier momento el horror puede desatarse desde cualquier lugar y por culpa de cualquier personaje, pues ninguno está libre de pecado.

Durante las dos horas y media que dura la película se nos plantean preguntas y acertijos de difícil solución. Las respuestas, desde las que se enfrentan a los dilemas morales hasta las que resuelven los enigmas del pueblecito, debe buscarlas el espectador por su propia cuenta, corriendo el riesgo de que las conclusiones, aplicables a nosotros mismos, no sean de nuestro agrado.

A pesar de la larga duración del film, su ritmo pausado y la frustración de que se planteen cuestiones y no se resuelvan, La cinta blanca envuelve al espectador magistralmente. El uso del blanco y negro como recurso estético dota de una gran fuerza a las imágenes, en su mayoría austeras y sencillas (aunque también hay alguna sorpresa, como la secuencia montados en un carro que se marcan el profesor y su amada). Los actores son francamente impecables, desde el profesor de la escuela (Christian Friedel en su primer pero con toda seguridad no último papel) hasta el doctor del pueblo (Rainer Bock, visto en Inglourious Basterds), haciendo mención especial merecidísima a los niños. Todos ellos, desde el que pregunta qué es la muerte hasta a aquellos a los que les atan la cinta blanca para que recuerden su pureza están perfectos.

Imprescindible y perturbadora, con la trayectoria que está teniendo en festivales y ahora en las salas La cinta blanca es una clarísima candidata a llevarse el Oscar a la mejor película extranjera que, en caso de lograrlo, no va a sorprender a nadie.

MICHAEL HANEKE Y FUNNY GAMES U.S.

Warner Española nos ha cedido amablemente esta entrevista al realizador Michael Haneke, del que pronto podremos ver su nueva versión de «FUNNY GAMES» protagonizada esta vez por actores norteamericanos como Tim Roth, Naomi Watts, Michael Pitt o Brady Corbet, y de la que os haré llegar mis impresiones en un par de días, hasta entonces aquí teneís esta impresioannte entrevista en donde el director nos desgrana los motivos de esta revisitación a lo que puede ser su obra maestra.

¿Cómo piensa que han cambiado los medios en los últimos diez años desde el estreno de la primera versión de FUNNY GAMES? ¿Cómo cree que ha cambiado la perspectiva de los espectadores en cuanto a su visión de la violencia?
Creo que la película es más relevante ahora porque las películas son más brutales y las estrategias de ventas son más refinadas. También me refiero a estrategias de ventas desde un punto de vista estético, no desde un punto de vista comercial, sabes, sino la forma en que se hace el marketing de una película ha cambiado.

¿Se ha planteado nuevas preguntas sobre la violencia y los medios con esta versión de la película, o son las mismas que planteó con la versión de 1997?
Las preguntas son las mismas, pero creo que su relevancia ha cambiado.

En la época que Ud. hizo la película original de FUNNY GAMES, las películas SAW y HOSTEL aún no se habían rodado. Con la llegada de las franquicias de SAW y HOSTEL, ¿cómo ve la evolución del cine americano y el papel que se adjudica al espectador de ello ?
De alguna manera, es la misma pregunta o está relacionado con el mismo tema de que todo se está empeorando, todo se está haciendo más odioso. Encuentro que las películas de hoy en día son cada vez más planas, más banales y al espectador le tratan como si fuera tonto y con esta película, intento protestar contra eso. Quiero que me tomen en serio como espectador y cuando hago una película intento pensar en mi espectador como una persona inteligente, no tonto, eso es todo.

¿Qué diferencias, si es que las hubiera, hay a la hora de hacer esta película para un público europeo en vez de un público americano? ¿Fue consciente de esta cuestión durante la producción de la remake? ¿Hubo algo diferente en su acercamiento al tema?
No es tanto una cuestión de hablar del público americano contra el público europeo. Lo que importa es que si hago esta película en inglés llega a la mayoría del resto del mundo. Llega a la gente en Asia y África, o donde sea, no solo a Estados Unidos, y eso no es posible con una película rodada en alemán.

Esta es una historia de la invasión de un hogar, pero la gente que invade no quiere robarles sino atemorizar a sus victimas. Por un lado, Ud. demuestra que tenemos hambre de ver violencia. Por otro lado, la película aprovecha los temores que tenemos de convertirnos en victimas. ¿Estaba intentando demostrar ambas ideas o se inclinaba hacia una de ellas?
Como principio, no me analizo a mi mismo, quiero que el espectador interprete mi película. Como espectador, puedes sacar la lectura que quieres de ella. Hay muchas complejidades en esta película—no se trata solo del consumo de violencia—aquello es solo un aspecto de la película. Espero que las otras complejidades sean claras para el espectador cuando la vea. No quiero dar una manual de instrucciones de cómo hay que ver esta película- todo el mundo puede interpretar la película como quiera, la película termina con el espectador. No termina con mi opinion.

El tema de la película es muy provocativo. ¿Por qué es este un asunto tan importante, sobre todo dentro del paisaje cultural actual?
Todo el que infringe la corriente principal de pensar y no me refiero solo al cine, generalmente es provocativo. Cualquiera que sea la antítesis a la norma y a la forma convencional, se le llama obsceno y provocativo. Así que si lo interpretas así, espero que todas mis películas sean obscenas y provocativas. Pero hay que tener en cuenta que lo obsceno es lo contrario de lo pornográfico. Mis películas no deberían ser pornográficas pero pueden ser obscenas y provocativas.

¿Cómo fue el proceso del casting? Con unos papeles tan comprometidos, ¿qué buscaba en los actores?
Una de las condiciones para que hiciera la película era que Naomi Watts interpretaría a Anna porque pensaba que ella sería ideal para este papel como una actriz de habla inglés. En cuanto a los otros actores, los buscaba según los criterios que siempre me guían cuando busco actores: la calidad del actor. No me interesa un tipo en concreto- me interesa un actor o una actriz que encaja en el papel, que trabaja en ese papel, y en este caso en concreto, necesitaba actores que podrían interpretar unos papeles muy comprometidos.

¿Cómo ha elegido los actores para los papeles de los dos intrusos en esta remake? ¿Buscó algo en particular?
Buscaba buenos actores—era el criterio más importante para mí. Era importante que fueran ideales para el papel y que fueran actores que son emocionantes de ver en pantalla y con Michael Pitt y Brady Corbet, creo que encontré aquello con ambos actores. Esta el hecho que estos actores son algo parecidos. Los dos son rubios, de un tamaño parecido etc., y tienen más o menos la misma edad, que es una coincidencia. A mí me da igual el color de su pelo. Por ejemplo, en la original en alemán, son unos tipos muy distintos. Yo simplemente buscaba los mejores actores para los papeles.

¿Qué películas en la filmografía de Naomi Watts le convencieron para elegirla para la remake de FUNNYGAMES?
La vi en 21 GRAMOS y MULHOLLAND DRIVE y me pareció una actriz increíblemente buena. Sencillamente quería trabajar con ella porque creo que es una actriz excelente.

Cuando trabaja con los actores ¿cómo consigue aquellas expresiones terroríficas y aquellas interpretaciones tan magníficas? ¿Cómo les ha ayudado a conseguir un nivel de intensidad y de emoción tan consistente a lo largo de la película?
Es imprescindible contar con actores de primera clase y hay que evitar errores. Por ejemplo, Fred Zinneman un paisano mío que trabajó mucho en Hollywood—hizo películas como SOLO ANTE EL PELIGRO y THE NUN’S STORY—él dijo una vez cuando le preguntaron básicamente la misma pregunta o sea de cómo conseguía tan buenas interpretaciones de sus actores, y él dijo que es bastante fácil. Necesitas a) un buen reparto y b) hay que evitar errores. Puede sonar banal, pero es verdad y hacer un buen casting no solo quiere decir conseguir buenos actores pero que los buenos actores encajen con sus papeles. Y cuando se habla de evitar errores, quiere decir que si ellos se desvían en algún momento del guión o de la visión del director, tienes que saber cómo hacerles volver y esto por supuesto, es muy complejo y muy difícil. No existe ninguna receta para esto pero básicamente se puede resumir con esos dos puntos.

¿Cuales son sus favoritas películas de los últimos cinco años?
Las películas de Abbas Kiarostami y Bruno Dumont.

¿Cuándo fuiste niño, ¿qué películas querías hacer cuando llegaras a ser un director?
De hecho, cuando era niño no pensaba en hacerme director, quería ser cualquier otra cosa según la edad que tenía. Quería haber sido músico pero desgraciadamente no tenía suficiente talento así que me convertí en director.

¿Piensa volver a hacer alguna otra de sus películas? Si es así, ¿cuáles?
No, desde luego no volvería a hacer ninguna otra de mis películas.

¿Cuáles son sus próximos proyectos?
Estoy trabajando en una película que se sitúa antes de la primera Guerra Mundial, sobre los niños que se han criado en esa época y que luego se convierten en la generación de los Nazi.