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VALOR DE LEY-TRUE GRIT

En este mundo se paga por todo. Nada es gratis.
Mattie Ross

Tienes que aprender que no siempre consigues lo que quieres.
Rooster Cogburn

Quiero partir de la base que no soy fan de los westerns. Que mi cultura se debe a los que he visto en la televisión en mi infancia y adolescencia. Casi todos interpretados por el gran John Wayne. La acción de este film tiene lugar en 1870, en una Norteamérica que acaba de sufrir una Guerra Civil. Mattie Ross, a sus 14 años emprende viaje a Fort Smith, Arkansas, decidida a buscar justicia por la muerte de su padre, tiroteado a sangre fría por Tom Chaney, que huye y se adentra en territorio indio. Decidida a seguir a Chaney y hacer que le ahorquen, Mattie le pide ayuda a un cazarecompensas borrachín de gatillo fácil llamado Rooster Cogburn. Pero Chaney es ya el objetivo del parlanchín ranger de Texas LaBoeuf, quien también se propone capturar al asesino y llevarlo a Texas para cobrar una sustanciosa recompensa, lo que hace que los tres choquen por el camino en busca del cobarde forajido.

A los más mayores del lugar este argumento os sonará y no os equivocáis porque lo habéis visto en la tele más de una vez. Los hermanos Joel y Ethan Coen se atreven a realizar por segunda vez en su carrera una versión de un clásico. Esta vez es de 1969, se trata de un western titulado “Valor de ley” realizado por Henry Hathaway, y obviamente interpretado por el eterno vaquero John Wayne, acompañado por unos jovencísimos Dennis Hopper y Robert Duvall. Ethan y Joel Coen son los encargados de adaptar la novela homónima de Charles Portis, publicada por entregas en el “The Saturday Evening Post” en 1968, sin perder un ápice del humor franco, la atrevida narrativa fílmica y la ruda belleza a la que nos tienen tan acostumbrados. Estoy seguro que esta obra hará que estos hermanos de Minneapolis conecten con un público nuevo y mantengan al que ya le venía venerando, entre los que me incluyo. Consiguen realizar una película enternecedora y ruda a partes iguales, salvo el final, que se nota en exceso que el productor ejecutivo es Steven Spielberg, su mano es más larga de lo que pensamos. Para botón de muestra saco el comodín “Poltergeist” firmada por Tobe Hooper, los más veteranos me comprenderéis. Pasa lo mismo en este caso, pero hay una seria diferencia, los Coen poseen una personalidad marcada y forjada largometraje tras largometraje.  A eso debemos sumar que lo hacen desde el respeto más profundo a las reglas y códigos del western. No intentan en ningún momento modernizarlo, eso lo intentaron otros con productos un tanto fallidos. De ahí que esta obra cobre más valor, porque bien podría haberla firmado el mismísimo Clint Eastwood. Esta película está más cercana a “Silverado” de Lawrence Kasdan que con esa modernez llamada Rápida y mortal” dirigida por Sam Raimi.

La gran plusvalía de este film es su gran reparto, los que se atrevan a verla en versión original podrán disfrutar de la bronca y majestuosa voz de Jeff Bridges, que conecta muy bien con el mundo de los Coen, y eso se nota. Compone de una forma verosímil a un borrachin tosco y tuerto pero con un enorme corazón. No hay fisuras en su interpretación. Le acompaña la joven Hailee Steinfeld, que está maravillosa haciendo de adolescente con más coraje que el alcoyano.Y cierra el triangulo de la discordia, el cada día mejor, Matt Damon. Por cierto me costó reconocerle un poco en los primeros planos donde aparece. Repite a las órdenes de los Coen el excelente Josh Brolin, en el papel de forajido cobarde.

Una vez más, los Coen se han rodeado de su habitual equipo con los que levantan una gran puesta en escena, el director de fotografía Roger Deakins o la preciosa banda sonora de genial Carter Burwell. Y como siempre Ethan y Joel firman bajo el pseudónimo de Roderick Jaynes el montaje del film, que no posee ningún tiempo muerto. Este es un film que merece la pena ser visto. Es entrañable, divertido y tosco. Mucho mejor que su anterior obra “Un tipo serio”.

Calificación: 7

Nota: Este largometraje se estrena el próximo viernes 11

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THE LOVELY BONES

Tengo que volver a casa
Susie Salmon

Otro de los estrenos de esta semana es esperadísimo trabajo del director neozelandés Peter Jackson, llamado “THE LOVELY BONES”, basada en la popular novela de Alice Sebold. La película gira en torno a Susie Salmon, que fue asesinada cuando tenía tan sólo 14 años en diciembre de 1973 cuando volvía del colegio a su casa. Tras su muerte, continúa pendiente de su familia terrenal (mientras su asesino sigue sin ser descubierto). Atrapada en una especie de limbo, Susie descubre que tiene que decidirse entre su deseo de venganza y su anhelo por ver reponerse a los suyos y seguir su camino.

Tenemos que agradecer a Steven Spielberg que produce el largometraje el haber rescatado al Jackson de “Criaturas celestiales”. Es muy buena, nos muestra la inquietante escena del crimen, su repercusión y el conmovedor restablecimiento del orden familiar. Menos mal que se ha dejado de seres mágicos y demás tierras medias. Creo que es la persona ideal para llevar a cabo este proyecto. La banda sonora original corre a cargo del británico productor y compositor Brian Eno. Así sus psicodélicos acordes se mezclan con la poderosa estética muy naif de las imágenes del limbo de Susie. Creando momentos verdaderamente mágicos y bellos. Es heredera del movimiento hippie norteamericano de finales de los 60 y principios de los 70, desde el vestuario (esos pantalones de campana) hasta los peinados (ver el corte de pelo de Whalberg al principio de la película).

Saoirse Ronan, el gran descubrimiento de “Expiación” de Joe Wright, aquí da vida a Susie Salmon. Jackson nos muestra todos los hechos a través de sus ojos, no por eso nos ofrece una mirada pueril, para nada. Nos ofrece una interpretación fresca, que se hace intensa en algunos momentos, y hace de ella una actriz a seguir de cerca. Lo mejor su voz cálida, si podéis acudid a verla en versión original. La trama es muy curiosa. Son pocos los casos en el séptimo arte en los que el narrador está muerto, por ejemplo “El crepúsculo de los dioses” de Billy Wilder, “El sexto sentido” de Shyamalan con mentirijilla incluida o este filme.

El principal problema que le veo a este proyecto es que desde que este director descubrió las bondades de la informática, sus películas se lastran por el exceso de los efectos visuales. Me explico. Los mundos de Susie son muy alucinógenos y bonitos pero lastran el verdadero motor de la trama que es el asesinato y de cómo entre todos le van a ir acorralando. Ahí es donde radica la verdadera baza del filme, el gran actor Stanley Tucci, que esperamos que se alce con la estatuilla dorada próximamente. Es uno de los pilares de la cinta. Rachel Weisz y Mark Wahlberg están bien. Mark parece haber reconducido su carrera y sabe donde se mete. Es muy astuto. Ya que os recuerdo que en su último trabajo se codeó con Scorsese. Aquí se deja llevar por la mano firme de Jackson y consigue una conmovedora interpretación, a diferencia de “El incidente” donde también daba vida a un padre. Y la que se merecería un Oscar a la mejor secundaria es Susan Sarandon, por ese breve pero no intenso papel de abuela un tanto peculiar ¡Qué grande es esta actriz! Magnífica.

Calificación: 7

DIEZ INICIOS MEMORABLES

No hay finales sin principios, y a petición de diversos lectores (Gonzalo, Radagast, etc) aquí da comienzo este espero que curioso TOP TEN rebosante de nostalgia por un tipo de cine que no volveremos a ver. Quiero dejar claro que a veces los realizadores optan por poner los rótulos de crédito en la secuencia inicial, otras no. En algunos casos están realizados y concebidos por los propios directores, y en otras no. Por eso, indicaré quién elabora los títulos cuando sea preciso. Para comenzar esta selección quiero hacerlo de una forma un tanto retórica. Si comenzamos elegiendo diez finales y ahora vamos a hablar de inicios, pues quien mejor que Chistopher Nolan para abrir fuego. Fue este arriesgado director que se atrevió a poner el final de la historia al principio del largometraje. Así pues, vayamos pues hasta el año 2000 cuando se estrenó «MEMENTO».  Estamos ante un final y un principio, todo en uno. Mejor forma de empezar esta selección de comienzos de película no he podido encontrar. Ojo, a pasar de que me gusta mucho, este no cuenta. Se trata sólo de una forma de comenzar, allá vamos…

INICIO DE MEMENTO

En el puesto número diez tenemos… el inicio de «LA GUERRA DE LAS GALAXIAS«  dirigida en 1977  por George Lucas. Los títulos de crédito fueron obra de Dan Perri, creador también de los de «El exorcista» o «Taxi driver». Este es uno de esos comienzos que uno tiene grabado a fuego en la memoria. Era un niño que deseaba verla. Había visto por la tele que habían estado en el festival de San Sebastián C3PO, R2D2, Darth Vader, Luke Skywalker, Han Solo, La princesa Leia. Tengo el recuerdo vago de verlos posando ante las cámaras en la playa de Donosti. Desde ese mismo instante quise verla. Tras mucha turra en casa y diversos intentos, conseguí que me llevaran a verla. Lo recuerdo perfectamente aún, fue en los cines Roxy de la calle fuencarral de Madrid, en sesión de noche, estaba abarrotada la sala y nos tocaron de las últimas filas A pesar de que era canijo y alguna cabeza me tapaba parte de la pantalla me fue absolutamente indiferente. Al oir los maravillosos acordes de Williams, entré en un fascinante mundo del que todavía creo que no he salido.

INICIO DE STAR WARS: UNA NUEVA ESPERANZA

En el puesto número nueve tenemos… el comienzo de «SEVEN«, dirigida por David Fincher en 1995, en este caso fue el siempre genial Kyle Cooper quien se encargó de los títulos de crédito. En su currículum hasta ese momento tenía «Breaveheart» de Gibson y «Quiz Show: El Dilema« de Redford. Me parece fascinante la maestría con la que resuelve este inicio, y por eso lo he elegido. La secuencia inicial incluye los títulos de crédito y nos describe perfectamente la mente y el modus operandi de este asesino en serie. Destacar tanto la fotografía de Darius Khondi y la música de Nine Inchs Nails, y la barroca voz de Trevor Horn.

INICIO DE SE7EN

En el puesto número ocho tenemos el inicio de una gran adaptación literaria… «LAS AMISTADES PELIGROSAS« realizada por Stephen Frears en 1988. Impresionante me parece la labor de Stephen Frears en cómo plantea esta secuencia que engloba los rótulos de crédito. Hace una descripción física y psicológica de los personajes inmejorable. Todo acentuado por la increible suite de George Fenton, que recalca el momento histórico. Maravillosa la actuación de Glenn Close y John Malcovick.

INICIO DE «LAS AMISTADES PELIGROSAS»

 En el puesto número siete venido de la Tierra Media tenemos… «EL SEÑOR DE LOS ANILLOS« dirigida por Peter Jackson en el años 2001. Todo un gran comienzo para una obra épica que consta de tres partes. Estamos una vez más ante una magnífica adpatación, y se me ponen aún los pelos de punta con la música de Howard Shore y la narración en off, es brutal.

INICIO DE «EL SEÑOR DE LOS ANILLOS»

En el puesto número seis tenemos… el comienzo de «BLADE RUNNER«, concretamente el de la versión de 1982. Film dirigido por Ridley Scott, contaba para sus rótulos de crédito con la colaboración de Vangelis, que le componía un score de lujo que te dejaba noqueado en la butaca. Esta es una de esas secuencias que ningún amante del séptimo arte olvida. Esa belleza postindustrial, llena de coloridos neones y llamaradas. Esos encuadres que parecen sacados de una viñeta de cualquier historia del «Metal Hurlant» merecen todo un respeto. Eso por no hablar de los increíbles efectos y fotografía obra de los desaparecidos Douglas Trumball y Jordan Cronenweth.

INICIO BLADE RUNNER VERSION 1982

En el puesto número cinco tenemos nada más y nada menos que los…«RESERVOIR DOGS» dirigidos en 1992 por Quentin Tarantino, le enfant terrible de la industria de Hollywood. Cinéfago, cinéfilo, inclasificable, esos pueden ser algunos de los adjetivos con los que podemos calificar a este director norteamericano. De dialogos contundentes y salvajes tanto por duración como por temática. En el inicio de su ópera prima tenemos todas las claves de lo que veríamos con el paso del tiempo a lo largo de sus ocho películas como director. Brillante y delirante comienzo donde los haya.

INICIO DE RESERVOIR DOGS

En el puesto número cuatro«ABRE LOS OJOS» dirigida por Alejandro Amenabar en 1997. El creador de los rótulos de crédito del film fue Carlos J. Santos, pero estos no llegan a estar incluidos en la secuencia inicial van tras la segunda secuencia. Su trabajo es de sobra conocido, ha hecho también los de «Acción mutante» de Alex de la Iglesia, «Familia» o «Torrente, el brazo tonto de la ley». Creo que este es uno de los inicios más inquietantes del cine español. Considero que esta es su mejor película, y que no creo que vuelva  a realizar nada Amenabar a la altura de esta. Maravilloso el plano con la Gran Vía vacía.

INICIO ABRE LOS OJOS

En el puesto número tres tenemos… «EL DIABLO SOBRE RUEDAS» realizada en 1971 por Steven Spielberg. A pesar de ser un telefilm consiguió traspasar las fronteras de lo catódico y lo cinematográfico y consigió venderse si mal no creo en el festival de Cannes, y en Europa se distribuyó en cines con este título. Os recuerdo que el original es «DUEL», que podríamos traducir como «Duelo» y está basado en un relato corto de Richard Matheson, otro viejo conocido de la videoarena.

INICIO DE «EL DIABLO SOBRE RUEDAS»

Y esta lista no puede acabar sin la gran labor de dos grandes genios. En primer lugar, aquí tenéis a un viejo amigo del blog, hablo de mi tocayo Alfred Hitchcock, así que en el puesto número dos tenemos…«LA SOGA« realizada en 1948. En esta secuencia inicial plantea las múltiples lecturas que posee este largometraje. Por la forma en que está rodada, por la actitud de los personajes, por miles de cosas, pero es algo más que un asesinato, es el final de un trio sexual. Soberbio. Cómo se enciende el cigarro, aprece que acaba de echar el polvo de su vida como dice el detective Nick Curran en «Instinto básico». Atentos y no dejar que se os escape ningún detalle. Y sobre todo los remordimientos que quedan después. Soberbio el maestro una vez más.

INICIO DE «LA SOGA»

Y para finalizar en el puesto número uno tenemos al otro gran maestro, Stanley Kubrick y su… «LA NARANJA MECÁNICA« realizada en 1971. Se dice, se comenta, que los rótulos de crédito iniciales fueron elaborados por otro de los grandes, Pablo Ferro, pero no encontréis acreditado este trabajo por ningún lado, y eso es raro en Kubrick, así que le pasaría como a Alex North en «2001».  En esta secuencia inicial comprenderéis la función y el sentido de un travelling. Es maravillosa la forma en la que describe el entorno y a los personajes. Su simplicidad es sólo igualable a su efectividad. Arropándolo con todo el mimo del mundo estan los estupendos acordes de Wendy Carlos. Además, en la pasada edición de Sitges Malcom McDowell recogió el premio por su labor en este film. Os puedo decir hasta cuando la vi por primera vez, porque luego le siguieron unas cuantas. Fue con dieciseís años en el extinto cine Torre de Madrid en la sala dos en la sesión de siete de la tarde. Desde entonces la tengo taladrada esta escena en mi cabeza. Mi madre no quería que la viera, ella consideraba que era ultraviolenta. Lo curioso es que con el paso del tiempo ya no lo parece tanto. Pero a pesar de todo, es impresionante.

INICIO «LA NARANJA MECÁNICA»

Evidentemente ardo en deseos de saber los vuestros Mister Crowley, Redrum, Homo Insanus, Mister Lombreeze generadores del invento, así como los de  Miss Darko, Eulez, Marchelo, 39 escalonesRamón, Victor Guybrush, Empantallado, Gine, Álvaro, Ricardo, Mapoto, Fantomas, Dick, Miss Watflech, Varelax, Luis Cifer, Mister Frost, Alberto, que obviamente no es obligatorio contestar ni continuarlo porque sé de sobra que algunos de vosotros estáis muy liados, este post surge por la curiosidad de algunos de los lectores de este blog.

TRANSFORMERS: LA VENGANZA DE LOS CAÍDOS

BUENA.

cartel venganza caidos

El realizador norteamericano Michael Bay, tras forjarse su carrera bajo la estela del productor Jerry Bruckheimer, vive ahora una época de esplendor bajo la tutela de Spielberg y su productora Dreamworks, ya que esta semana estrena la segunda parte de la adaptación de la serie de dibujos animados basadas a su vez en en los Hasbro’s Transformers™ Action Figures bajo el subtítulo de “LA VENGANZA DE LOS CAÍDOS” Para ello ha vuelto ha contar con el tandem de oro Orci-Kurtzman, al que se ha sumado Ehren Kruger, cuyos trabajos más celebrados son la versión americana de “The ring” y “El secreto de los hermanos Grimm”. Esta vez las aventuras de Sam Witwicky comienzan cuando ingresa en la universidad de Harvard, separándose de su adorada Mikaela Banes. Pero no será por mucho tiempo ya que los Decepticons® vuelven a la carga sembrando la duda entre los altos mandatarios sobre la fidelidad de los Autobots® a los humanos, todo para conseguir erradicar la vida sobre la tierra y hacerse con todo el planeta.

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Así da comienzo lo que será todo un taquillazo, este largometraje está llamado a barrer a toda la competencia, no va a dejar ni las cenizas. Por qué os estaréis preguntado, la respuesta no puede ser más simple, porque es una auténtica fiesta de efectos especiales y de sonido, con acción a raudales, casi hasta la extenuación. Este film no defraudará al quién va dirigido, y para que no haya confusiones lo dejaré claro, es público infantil, adolescente y amantes de la famosa serie de animación. Los amantes de otro tipo de cine absteneros de acudir a las salas a ver este monumento a la pura adrenalina y a la testosterona, porque además posee ciertas dosis de sexo pueril muy divertido, tanto por la situación en si de la acción como por los diálogos. Lo que no me cabe ni la menor duda es que este cocktail va a elevar a la estratosfera las carreras de la pareja de guionistas Orci-Kurtzman, porque no hace ni dos meses que han roto la taquilla con el reinicio de la franquicia “Star Treck”.

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Todo el reparto está en su papel, y en este tipo de productos no se puede uno poner exigente, sobre todo porque no estamos ante un libreto de Tennesse Williams, hacen lo que se les pide, y están bien. Vuelven a repetir Shia LaBeouf y Megan Fox a meterse de nuevo en la piel de Sam Witwicky y su fiel novia Mikaela Banes. Pero no sólo ellos también volveremos a ver a Josh Duhamel que interpreta al capitan Lennox y John Turturro que vuelve a interpretar al agente Simmons con la misma soltura y socarronería como ya lo hiciera en la anterior entrega. Como diría Jesulín de Ubrique, en dos palabras im-presionante. Es uno de esos actores que ennoblece todo lo que toca.

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Si tuviera que elegir mi Transformers™ favorito no sabría con cual quedarme, puede que sea porque tengo el corazón partido, como diría Alejandro Sanz, entre Optimus Prime® y Bumblebee®, porque ambos me caen muy bien, por su entereza y por su lealtad respectivamente. Además, me gusta Bumblebee® por su defecto de no poder hablar, y ya sabéis que utiliza canciones o frases publicitarias para comunicarse, lo que le hace ser muy divertido. Pero he de reconocer que es este último el que se lleva los mejores y más divertidos momentos del guión. Así que lo disfrutas más. La secuencia más espectacular y la más angustiosa, para algunos fans de la saga, es una pelea protagonizada entre varios Decepticons® y Optimus Prime® en un bosque de la costa este de Norteamérica.

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Para finalizar sólo he de añadir que esta secuela adolece del mismo problema que la primera parte, Michael Bay no sabe aligerar el montaje y te recuenta varias veces lo mismo, lo que lleva a lastrar el ritmo narrativo de un largometraje que insisto no decepcionará a los que busquen un producto con acción a raudales, a los más jóvenes de la casa y a los fans de la saga, y que por supuesto no recomiendo a amantes del cine con mayúsculas.

LOS INICIOS DE…ETHAN HAWKE Y RIVER PHOENIX

Pues para encontrar esos orígenes habremos de bucear en la filmoteca hasta el año 1984, momento en que la productora Paramount puso en pie el guión de ciencia ficción escrito por Eric Luke, bajo la batuta de Joe Dante, que se hayaba en el momento de máximo esplendor de su carrera como cineasta. Ellos hicieron el largometraje infantil «EXPLORADORES».

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Ben Crandall es un muchacho obsesionado con los extraterrestres, una noche empieza a tener sueños muy raros, sueñan con los mapas de un extraño artilugio.  Tras despertarse en mitad de la noche llama por el walkie-talkie a su amigo Wolfgang Mullen para contarle su sueño. Al día siguiente, los dos con su amigo Darren, deciden construir el sueño, construyen lo que parece una nave espacial, que les llevará a vivir increibles aventuras.

Ben Crandall mientras sueña con el circuito

Ben Crandall mientras sueña con el circuito

Wolfgang Mullen tras ser despertado por su amigo Ben

Wolfgang Mullen tras ser despertado por su amigo Ben

El 6 de noviembre de 1970 nace en Austin, Texas, Ethan Hawke. Pronto, su familia se trasladará a la costa este, y crecerá en Princetown, New Jersey. Con 13 años y habiendo hecho sólo un pequeño papel en una obra de teatro «Saint Joan» decide presentarse a las pruebas de casting de dos películas en Nueva York, y en Octubre de ese año consiguió entrar en el proyecto de la Paramount al obtener el papel de Ben Candrall.

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En las antípodas se encuentra los orígenes del actor River Phoenix. El nombre de River se lo pusieron sus padres porque lo leyeron en la obra de Herman Hesse «Shiddartha». A la temprana edad de 3 años sus padres se mudaron a Venezuela. River y su hermana Rainbow crecieron cantando canciones godspel en un grupo «The children of God». Cantaban por las esquinas para obtener dinero. Desarrollaron esta faceta misionera también la ciudad de Méjico. La familia Phoenix desilusionada se traslada a Florida y su madre encuentra trabajo como secretaria en la productora NBC. Pero fue su marido quien llevó a River y Rainbow de casting en casting. Así comenzó una carrera catódica, entre anuncios  y series de televisión como «Siete novias para siete hermanos», donde apareció en 22 episodios. Pero será en el verano de 1984 cuando se presentó a las audiciones de la Paramount, donde obtuvo el papel de Wolfgang Mulllen.

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Sus respectivas carreras cinematográficas se consagraron, sus nombres era símbolo de éxito. En el caso de Hawke con el film de Peter Weir «El club de los poetas muertos» y en el caso de Phoenix con «Cuenta conmigo» de Rob Rainer. Consiguieron hacerse un hueco en la industria de Hollywood. Pero sería Phoenix el que consiguiera tener un aura de culto tras trabajar con Peter Weir en «La costa de los mosquitos» donde compartió pantalla con Harrison Ford, aunque luego volvieran a compartir cartel al interpretar al joven Indiana Jones, bajo la batuta de Steven Spielberg. Sería Gus Van Sant con «Mi Idaho privado» el que elevará a los altares del Olimpo y le convirtiera en icono gay por excelencia en la década de los 80, a ello también contribuyó el letrista y cantante brasileño Milton Nascimento, que le impresionó tanto su actuación en «Cuenta conmigo», que decidió escribir una canción al talento del actor, el tema se llama obviamente «River Phoenix». Cuando River se enteró del tema se fué a Brasil y pasó unos días en el país de nacimiento de Milton. Después de su primer encuentro se convirtieron en buenos amigos. A partir de aquí todos querían trabajar con él, se hizo el actor fetiche de la producción independiente de Hollywood, hasta Robert Altman le hizo un papel a su medida. Pero el compaginaba esta faceta con la comercial con absoluta normalidad. Eso fue así hasta el 31 de octubre de 1993, fecha en el falleció en Hollywood, California, a la edad de 23 años, por una sobredosis de pastillas. Así pasó a ser leyenda. Grupos de la talla de «Duran Duran», «REM» o los reyes del rock «Red Hot Chilli Pepers» le decidieron dedicarle trabajos. Siempre nos quedará la duda de que hubiera sido de «Entrevista con el vampiro» si hubiera sido el entrevistador, en lugar de Christian Slater, o si «Tensa espera» hubiera sido un blockbuster al interpretar a Izzy Singer, en lugar de Sean Astin. Es posiblemente una de las carreras más intensas y cortas de Hollywood, 15 películas en 7 años, no está nada mal.

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En cambio Ethan Hawke, tuvo que esperar hasta 1994, fecha en que puso cara, de la mano de Wynona Ryder, a la «Generación X» bajo la batuta de Ben Stiller con el film «Bocados de realidad», así su nombre se empezó a escribir con mayúsculas, y comenzó su andadura al Olimpo de los actores. Al que llegaría de la mano de Andrew Davis con «Gattaca» y de Richard Linklater con «Antes del amanecer» cuando su nombre fue símbolo de actor de culto. Hay que reconocer que es un actor que sabe escoger sus trabajos y lleva con dignidad los años, creo que es de los más honestos, es un currante, sabe esperar y madurar. Lo bueno es que a diferencia del malogrado River Phoenix, tiene toda una gran historia por escribir.

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20 ANIVERSARIO DE LOS GOONIES

DEDICADO A MONSIEUR COPÉPODO

«To kynigi tis megalis peripeteias», os estaría diciendo el título de una famosa película pero en griego, al igual que si os dijera «Dödskallegänget» me estaría refiriendo al mismo film solo que en alemán. Y si os dijera que «La guerra de las galaxias» es la película que marca el comienzo de la Generación X, la cinta que supone su punto y final es la creada en 1985 por el realizador Richard Donner llamada «LOS GOONIES» Ahora vamos a iniciar un repaso a las carreras de estos siete jovencitos que hicieron historia, a su manera.

El goonie más importante, sobre todo, por ser el creador del grupo es el que siempre andaba con el inhalador a cuestas y cada vez que estaba con ansiedad o tenía miedo y se le pasaba dándose una inhalación, era el actor Sean Astin que interpretaba a Mikey Walsh que 2o años después haría de Sam, el fiel sirviente de Frodo Bolsón en la trilogía de «El Señor de los Anillos». Continuando por los parentescos tenemos a Brand Walsh, el hermano mayor de Mikey, que cayó en manos del joven actor Josh Brolin, hijo del actor James Brolin, que para más señas en aquella época regentaba la mítica serie «Hotel». Recientemente ha trabajado con cineastas tan variopintos como Robert Rodriguez o los hermanos Cohen ya que apareció en films como «Planet terror» y «No es país para viejos». Pero ya que hablamos de hijos de famosos continuaremos con la actriz Martha Plimpton, hija del actor Keith Carradine y que en la película de Donner interpretaba a Stef Steinbrenner. Esta actriz desarrolla en la actualidad su carrera más en el campo televisivo, ya que su última película estrenada es de 1998, se llamaba «Pecker» y la realizó a las órdenes del mítico director norteamericano John Waters. En el mundo catódico la podéis haber visto en series como «ER», «Ley y Orden» o «Surface» Ahora tiene pendiente de estreno en nuestro país «Dante’s Inferno» que es una sátira sobre la sociedad norteamericana. El que se tuvo que recuperar de su adicción a las drogas es el siguiente goonie, Clark ‘Bocazas’ Devereaux que fue interpretado por el carismático adolescente Corey Feldman, que venía de trabajos como «Los Gremlins» y el punto y final de la mítica saga «Viernes 13» así como su secuela que llevaba el subtítulo, «un nuevo comienzo». Así que como podéis apreciar que el cine salchichero siempre ha existido, no es un fenómeno nuevo lo de la falta de talento y el cine de franquicias. Pero como os iba diciendo, este chico tras convertirse en un ídolo quinceañero con su colega Corey Haim, hacer películas tan emblemáticas como «Jóvenes ocultos», cayeron en el duro mundo de las drogas y el que parece tener un poco más de suerte es Corey Feldman, aunque estas han dejado un poco de huella en su físico, y en la imagen que os he coseguido es del año 2004, concretamente del film de terror español «The birthday» donde aparecía de esta guisa. Como dato de interés he de comentar que volvió a trabajar bajo las órdenes de Donner en 1994 en el western «Maverick» donde interpretaba a un ladrón de bancos. Los que abandonaron por completo sus carreras cinematrográficas son Jeff Cohen que daba vida a Lawrence ‘Gordi’ Cohen y el actor Jonathan Ke Quan que interpretaba a Richard ‘Data’ Wang y venía de participar en una de las franquicias más famosas del universo, hablo de «Indiana Jones» concretamente de su aventura por templos malditos. En ambos casos hicieron un par de capítulos en alguna serie de televisión tipo «Historias de la cripta» o «Enredos de familia» hasta extinguir sus carreras tanto catódicas como cinematográficas. Jeff Cohen se graduó en derecho por la universidad de Berkeley, y en la actualidad ejerce de abogado de actores. Mientras que su colega Jonathan Ke Quan se pasó al otro lado de la cámara al graduerse por la universidad de California del sur en cine y televisión, campo laboral donde desarrolla en la actulidad toda su labor, para más señas ha sido coordinador de especialistas en el film de Jet Li «El único». Para finalizar sólo me queda hablar del séptimo goonie, que era Andy Carmichael interpretada por Kerri Green que os recuerdo tenía una papel de los importantes como era la novieta de Brand. Tras pasar por diversas series como «Se ha escrito un crimen», «ER» o «Ley y orden» desaparece del mundanal ruido, eso sí, se doctoró cum laude en Bellas Artes por la universidad de Vassar, y ella es la única que no aparece en el vídeoclip de Cyndi Lauper’s «The Goonies R Good Enough» que pertenecía a la banda sonora.

Hasta aquí la historia de los goonies, pero no puedo irme sin hablaros de otras curiosidades como ese pedazo de villano que era Francis Fratelli interpretado por Joe Pantoliano, así no os dirá nada pero si miráis la imagen que os he puesto veréis que siempre se le ha dado bien interpretar al malo de la clase, bien sea en «Matrix», «Memento» o en mítica serie de gangters italianos «Los Sopranos» donde dio vida a Ralph Cifaretto durante 26 episodios. O de su madre, Mama Fratelli, interpretada por la veterana actriz Anne Ramsey que falleció tres años después de estrenarse la película en 1988 en la ciudad de Los Ángeles, pero en la memoría colectiva quedarán sus participaciones en series tan míticas como «Juzgado de guardia», «Se ha escrito un crimen», «Enredos de familia», «El coche fantástico» o «Alf».

Ahora sí, para finalizar os pondré una foto de familia que he encontrado rastreando la red del reencuentro que tuvo lugar para celebrar con su director el 20 aniversario de este largometraje que no pretendía otra cosa que hacer un homenaje a los libros de aventuras juveniles de Enyth Blyton y al género de los piratas.

Crítica «Munich»


La película se plantea como una ficción histórica sobre los acontecimientos que tuvieron lugar durante la celebración de los Juegos Olímpicos de 1972, en el que un grupo terrorista palestino llamado “Septiembre negro” entró en la villa olímpica y mató a miembros de equipo israelí y se hizo con otros nueve rehenes. Tras la matanza en el aeropuerto, la represalia del gobierno israelí no se dejó esperar.
Que sorprende, de eso no hay duda. Un director de origen judío, que ha participado como productor de toda una variada producción de documentales sobre la persecución de los judíos en la II Guerra Mundial (Last Days, A Holocaust szemei, The Lost Children of Berlin) y que ha realizado “La Lista de Schindler”, uno no puede evitar llegar a pensar que tiene un puntito de sionista, o que a buen seguro que toda la tesis de la película está a favor de la postura israelí. Pues no, por eso les digo que hay que acercarse a este relato con la mente muy, y repito muy abierta.
Lo acontecido realmente en aquellas trágicas horas de 1972, nadie lo sabe y creo que nadie va a venir a decírnoslo. Sabiamente Spielberg no se plantea resolver nada. Por eso, genera un eficaz thriller que, además de entretener, que en eso ha dado sobradas muestras de ser un genio, pretende generar un espacio para el diálogo sobre el terrorismo, realizando un aviso para navegantes con el plano final, que no les quiero desvelar, pero que me parece muy inteligente tras haber visionado todo el metraje. Él y los guionistas elaboran toda una serie puntos de partida para la discusión, como a dónde nos puede llevar los fundamentalismos religiosos o lo fácil que es esconderse en la ignorancia para que te den resueltas las cosas. En este inteligente relato no hay vencedores ni vencidos, sólo hay víctimas de variada índole. El precio de la paz, a veces puede ser muy caro, que se lo cuenten a Aznar o a Bush.
Memorable, inteligente, curiosa, genial y sutil, es la escena del descansillo, sus hábiles guionistas generan un ficticio careo entre el terrorista isrealí y el palestino, tras hablar llegan a pensar y anhelar lo mismo.
Spielberg, a la hora de construir el reparto, ha huido de elegir grandes estrellas para que protagonicen la trama, para ello escoge a un ramillete de excelentes secundarios, así pues todos les sonarán de haberlos visto antes pero no recordarán de dónde, con el fin de ganar en verosimilitud. No puedo evitar destacar la labor de Eric Bana, al que todos recordaréis por su recreación de Hector en “TROYA”, dando vida al líder del grupo contraterrorista. Mathieu Kassovitz, famoso director de “EL ODIO”, que está formidable como el creador de juguetes. Sin olvidar al próximo James Bond, Daniel Craig, que compone a un asesino a sueldo sin el menor escrúpulo o Ciaran Hinds, que hace las veces de limpiador de escenas criminales, al que todos recordaréis por su reciente aparición en la serie “ROMA” dando vida al emperador Julio Cesar; eso sin olvidar a Geoffrey Rush, ganador del Oscar por “SHINE”, que interpreta al enigmático Ephraim.
Pero la veracidad de esta historia es mayor gracias a la formidable recreación artística de la década de los 70, sus vestuarios, coches, mobiliarios, localizaciones, hasta esa fotografía desvaída, de su habitual Janusz Kaminski, que parece como si estuviéramos viendo un álbum de fotos de la época.

Crítica «Memorias de una Geisha»


Spielberg y sus ex socios de la Dreamworks se embarcan en realizar una romántica historia épica que tiene como telón de fondo Japón, para batir todos los records de taquillas habidos y por haber. Esta historia comienza, como toda historia épica que se precie con una frase lapidaria que pase a los anales de la cinefilia: “mi historia es una historia para que no sea contada” Con la misma epicidad con la que comenzaba la voz en off de Meryl Streep en aquellas memorias de África: “yo tenía una granja en África”
La diferencia entre estas dos historias de amor son obvias y concretas. A saber, el personaje de Isak Dinesen era más contundente, con mayor fuerza, era una mujer con convicciones y muy luchadora, tanto por sus derechos como por sus intereses (bien sean pecuniarios o del cuore). Esta japonesa no sólo es una mujer vejada sino que además se siente orgullosa de estarlo. Cuando llega a ser libre, le entra el síndrome de Estocolmo, y añora con volver a las andadas.
Lo que más me impresiona es que Spielberg para realizar un relato que habla de la defensa a ultranza de la tradición, adapta un relato homónimo «MEMORIAS DE UNA GEISHA» del autor norteamericano Arthur Golden, que es la versión yankee de Corin Tellado y masculina.
Obviamente todo esta rodado con unos decorados, fotografía y música espléndidos, vamos que van a por todas en la próxima carrera del día cinco de marzo, noche en la que se celebrará la entrega de Oscars. Todo el reparto en general está espléndido, desde Ken (El último samurai) Watanabe que interpreta al Presidente, ojo no de Japón sino de una empresa que realizan kimonos, pasando por Gong Li, musa del director Zhang Yimou y vista recientemente en nuestras carteleras en 2046, dando vida a la perfida geisha Hatsumomo o a Zang Yiyi, vista el año pasado en la espléndida “casa de las dagas voladoras” y que en esta historia da vida a la pobre meretriz en cuestión.
Esta película obviamente se la recomiendo a todos aquellos amantes de la cultura japonesa, de los cuadros impresionistas y de los románticos melozones de lagrima fácil. Si de verdad quieren ver una película romántica e inteligente les recomiendo que vean «EL JARDINERO FIEL»