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Crítica “Scream 4”

Esta vez es el asesino el que rueda la película.
Gale Weathers.

¿Cuál es tu película favorita de terror?
Ghostface

La primera regla de los remakes es que no cambies el final.
Sidney Prescott

Sidney Prescott, ahora autora de un libro de autoayuda, regresa a casa, en Woodsboro, última etapa de la gira promocional de la obra. Una vez allí, vuelve a encontrarse con el sheriff Dewey  y  Gale Weathers, que se han casado, y también con su prima Jill, y su tía Kate. Desafortunadamente, la reaparición de Sidney comporta que también regrese  Cara de fantasma, poniendo en peligro a Sidney, Gale, y Dewey, junto con Jill, sus amigos, y toda la ciudad de Woodsboro.

Como todos bien sabéis, “Scream” nace en la década de los 90 cuando los grandes estudios intentaban mantener vivas a sus rentables criaturas como Jason, Freddy o Michael Myers. Asesinos crueles y despiadados de las franquicias Viernes 13, Pesadilla en Elm Street  o Halloween, que llegaron a conocer hasta siete partes, algunas de ellas. A ello hay que sumar la oleada de versiones de clásicos del terror que vivíamos en aquel momento. En este contexto hace ya quince años Kevin Williamson escribía el origen de esta serie. El maestro, Wes Craven, se encargaba de realizarla. Lo brillante de su primera parte era que ambos jugaban con los estereotipos y clichés del género. Paralelamente, los realizadores  generaban otra franquicia que la parodiaba, me refiero obviamente a “Scary Movie”. Ahora con “Scream 4” se aprecian que seguimos viviendo el mismo problema cinematográfico, así que lleva a sus autores a intentar darle una vuelta de tuerca su propia criatura, generando un peligroso experimento cinematográfico en el que tratan de hacer comedia escalofriante, transformado en ironía todo lo que era astucia e irreverencia. En eso consiste el nuevo enfoque escrito por Kevin Williamson.

Así lo mejor del film tiene lugar en la secuencia de apertura del largometraje que funciona como el juego de las muñecas rusas, jugando con toda una serie de claves que no os revelaré, pero que sorprenden al espectador. Además, intenta ahondar en la filmoteca en busca de los orígenes de todos estos asesinos en serie, y lo encuentra. Así “El fotógrafo del pánico”, dirigida por Michael Powell en 1960, se convierte en el verdadero motor de todo este subgénero del terror. Así las referencias explicitas e implícitas se convierten en el eje argumental del film, el observador observado. Así en términos cinéfilos sube el listón pero no es capaz de mantenerlo, ya que caen en sus propios estereotipos y efectismos, y  comienza un descenso en caída libre que ni Craven es capaz de parar.

Carece de la menor lógica jugar a reírse de uno mismo, máxime si existe otra franquicia como “Scary Movie”. Todo sea dicho las diferencias son abismales, porque Williamson es más satírico e mordaz, mientras que Keenen Ivory Wayans es más chabacano y burdo. Así que a pesar de ser el mismo juego son dos ligas diferentes. Por eso os decía que era un experimento peligroso. El segundo problema que el veo al guión de esta recarga es que en un intento de sorprendernos con giros de guión algunos personajes caen en el terrible territorio de la incoherencia, y otros carecen de propósito dentro de la trama quedando totalmente desperdiciados, así la aparición del actor que lo encarna es meramente testimonial y parece más una aparición estelar, al quedar totalmente eclipsados. Ese es el caso de David Arquette y Courteney Cox, que son engullidos por completo por las jóvenes figuras como Rory Culkin, Anna Paquin, Adam Brody o Kristen Bell. Sorprende la aparición de la gran actriz Mary McDonnell haciendo de tía de la protagonista, y la que mantiene el nivel es Neve Campbell, verdadera protagonista de la saga.

Calificación: 4

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LA ÚLTIMA CASA A LA IZQUIERDA

Antes de entrar en materia quiero recordaros que hoy hay dos entradas esperando al que conteste bien a la pregunta planteada al final del post. Una vez hecho el anuncio pasamos a analizar un largometraje muy recomendable…

MUY BUENA

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Antes de “Funny Games” siempre existió “LA ÚLTIMA CASA A LA IZQUIERDA”, largometraje realizado en 1972 y en el que participaron activamente Steve Miner, creador de la saga de terror “House”, Sean S. Cunningham, famoso por la de “Viernes 13” y Wes Craven, por realizar la de “Pesadilla en Elm Street”. Nadie puede negar que este film creo escuela e inspiró a otros a ir un paso más allá, así Tobe Hooper dos años más tarde daría una vuelta de tuerca a la premisa y sorprendió a todos con “La matanza de Texas”.

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Ahora, Wes Craven y Sean S. Cunningham producen nueva versión de este clásico de terror que dirige Dennis Iliadis sobre un nuevo guión escrito por Carl Ellsworth, basándose en los personajes creados por Ulla Isaksson y el propio Craven. La propuesta es que Mari y su amiga son secuestradas por un preso fugado de la cárcel y su banda. En el intento de zafarse de ellos acaban teniendo un accidente de tráfico cerca de la casa de los padres de Mari. Tras violarla y matar a su amiga, estos la abandonan creyendo que está muerta, y sin saberlo los secuestradores acabaran refugiándose en casa de sus padres. Estos al enterarse del horror por el que pasó su hija, harán que los tres delincuentes maldigan el día en que llegaron a “LA ÚLTIMA CASA A LA IZQUIERDA”.

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Estamos ante el mismo caso que la revisión de Alexander Aja de “Las colinas tienen ojos” o “The ring”, que estas puestas al día son tan interesantes y buenas como los originales en los que se basan. En el caso que nos ocupa, si la memoria no me falla sólo tienen en común los nombres de los personajes y la propuesta de partida, pero el resto de la trama es diferente, así que no estamos ante un caso como “Funny Games” en el que asistimos a una copia literal plano a plano, para nada.

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Lo que tiene en común es la idea de ¿estarías dispuesto a vengarte a cualquier precio? ¿inclusive a realizar algo que va en contra de la ética y la moral, como por ejemplo matar? Me sorprendió porque pensaba que podía pasar como en el caso de “La niebla” de Carpenter, que por cierto, él mismo produjo la nueva versión. En este caso no hay dosis de autocomplacencia y eso hace que este retrato de la pesadilla de una familia que lucha por sobrevivir, esté hecho con una identidad y estilo propio, así que no se trata de una copia sin más. Eso es debido sobre todo a una labor de equipo, ya que el joven director griego Dennis Iliadis ha contado el músico británico John Murphy para crear acordes angustiosos, que pondrán a más de uno en tensión, como ya hiciera en el caso de “28 días después”, dando un toque emocional al relato.

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Por su parte el director de fotografía Sharone Meir, pone una paleta de colores al servicio de la historia, jugando a dar el mayor grado de realismo a las escenas de violencia. Así pues estamos ante un rediseño en la forma de mostrar la violencia, por un lado se muestra tal como es, pero además se juega con la estética, cosa que no hicieron los padres originarios que sólo buscaban destapar la parte escondida de las películas de género hollywoodienses del momento. La diferencia se debe sobre todo a que el presupuesto con el que cuentan es mayor, porque en cuanto a la temática, ahora el público ya está acostumbrado que se traten temas controvertidos y hemos visto ya propuestas de lo más variopinto, hasta el punto en que ya se han trasgredido tanto las reglas que el listón está demasiado alto tras Michael Haneke y su “Funny Games”. Así que creo que todo un acierto por parte del guionista Carl Ellsworth no es explorar nuevos territorios, hace propia la historia original, la metaboliza para generar una película de suspense con buenos cimientos, una buena estructura y no hacer ni una floritura más allá de lo que pide los márgenes del género.

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Otro gran acierto de este joven realizador ha sido a la hora de elegir el casting, encabezado por un soberbio Tony Goldwyn, que le hemos visto últimamente en compañía de “Dexter”, acompañado de Monica Potter, que todos la reconoceréis por haber participado en la franquicia de terror “Saw”. Ambos dan vida a John y Emma Collingwood, que no dejan de representar a la perfecta pareja acomodada y que está tratando de superar escollos del pasado, en ese punto de la trama es crucial el personaje de Mari Collingwood, interpretado por Sarah Paxton verdadero motor de la trama, y que resuelve sus momentos más conflictivos con gran soltura y eficacia. Llegados a este punto mis lectores más jóvenes debéis saber que tanto este film como el original se inspiran directamente en un largometraje sueco llamado “El manantial de la doncella” dirigido por uno de los grandes realizadores del siglo XX, hablo de Ingmar Bergman. Es a ese momento al que me refería exactamente.

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Así pues, este remake funciona porque han creado personajes fuertes, muy creíbles, que son capaces de controlar en situaciones realmente horribles, que mantiene vivo el motor de la trama original pero que la desarrollan en otro tono y por otros derroteros. A todo ello hay que sumar que está narrado con fuerza y garra, y sobre todo con un estilo propio, que es cosa del realizador Dennis Iliadis. Es en estos casos cuando uno ve justificada la posibilidad de realizar una nueva versión de un clásico, con estilo y sin profanar su memoria.

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Y ahora la friki-pregunta de hoy, como algún lector ha convenido llamarlas, correspondiente al miércoles 1 de julio:
En 1978, el gran realizador Sydney Lumet hizo una película un tanto extraña basada en la novela L. Frank Baum, y en la obra de teatro de William F. Brown tituladas “El mago de Oz”. El papel principal de Dorothy, que ya interpretara en su momento Judy Garland, en este caso fue a caer en mano de la cantante Diana Ross que acababa de romper lazos con “The Supremes” e iniciaba una carrera en solitario. Pero…¿quién fue la persona encargada de interpretar al “Espantapájaros” que estaba en aquel momento en una situación parecida?